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El “Mediterráneo” de Acanto, 2017

septiembre 5th, 2017 septiembre 5th, 2017
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Como siempre que puedo, fui a la Galería Acanto para ver su última exposición, esta vez la colectiva y multidisciplinar “Mediterráneo”, 2017, y os la recomiendo intensamente, aunque publique este post cerca de su clausura (bueno, igual se prorroga, como se suele hacer cuando una exposición de tales características tiene éxito).

La muestra, variada en estilos y técnicas, con la temática común del mar Mediterráneo, reúne una selección de piezas y autorías del arte contemporáneo actual, efervescente y vivo.

Connie Westendorp. Técnica mixta sobre lienzo.

Y la recomiendo por la calidad y belleza de las obras, claro, pero también porque no todos los años se realiza una recopilación de artistas que tienen trabajos con el lema o habitual temática marítima mediterránea, y  este año tocaba…

Tocaba, no sólo  porque a sus gestores les apetecía cambiar de tercio tras la exposición dedicada a Pituco (el excelente pintor granadino de vanguardia, de los años 50-70, con pinturas de formato pequeño) sino porque, y más importante, se ha querido rendir un pequeño homenaje a la figura, aun palpitante en tantos y tantas amantes de la cultura, como es Ana Santos Payán (Guadalajara, 1972 – Almería,  2014), responsable de El Gaviero Ediciones, de la Revista Salamandria y de un largo etcétera de estupendos proyectos literarios y artísticos que realizó a lo largo de su trayectoria profesional y, casi diría, personal, junto a Pedro J. Miguel, y otros artistas de la poesía, la prosa y lo visual; Ana Santos fue una gran editora y dinamizadora  cultural, descubridora de talentos talentosa que removió el panorama almeriense y fue la primera que reunió, editó y publicó una serie de trabajos sobre el mar Mediterráneo con “Azul Mediterréneo”,  en la Almería de los 2000, en 2005, con autores de estos lares (nacidos  o trabajando su obra en Almería provincia), y a nivel nacional, desde la mencionada Revista Salamandria  (monográficos que nos encandilaron y animaron la escena artística con cada número).

Fiel a ese espíritu, Acanto trae este año su propia V Edición de “Mediterráneo”, con 13 artistas, algunos y algunas ya conocidos del Universo Acanto, con alguna nueva incorporación por descubrir.

Trece artistas pues, son los elegidos para el podium olímpico del culto al Mediterráneo desde este puerto que fue, allá por 2005 la ciudad que albergó los Juegos del Mediterráneo en su XV edición.

En grabado:

Hay quien ha realizado obra ex profeso para la ocasión, como José Manuel Peña (Granada, 1963), que ha presentado 12 obras inspirado por el lema del mar mediterráneo y donde se ha empleado a fondo creando su propio papel (paperart) como soporte de piezas creadas a base de técnicas aditivas (pulpa de papel coloreado) grabado calcográfico y collage, en los que ilumina manualmente sus piezas, cuyos elementos son desde la sardina hasta el Sol de Portocarrero. Un auténtico festín visual donde se mezcla la sutileza de las líneas con las de los colores y texturas varias.

Sin embargo, Christian Bozon (Lons le saunier. Francia, 1969), especialista en grabado en dulce y manera negra, ha trabajado en otras ocasiones la idea de mar, pero desde una estética más abstracta, como es su estilo, y siempre desde su extrema calidad técnica, como es el caso de su punta seca y aguatinta a base de tres planchas, y donde el intenso azul se une al dorado ocre que puede traernos a la vista la caliente arena…

Mika Murakami (Shizuoka-Ken,Japón, 1965), nos regala una espléndida imagen (fragmentada) donde juega (como indica el título de la obra) con un ballena que surca los mares, quizás como símbolo de los peligros a los que podría enfrentarse un personaje mítico y literario como Odiseo, donde, en este caso, se vería envuelto en el oleaje de vacíos del gofrado xilográfico, esquivando las manchas de color del monstruo marino en aguafuerte y aguatinta…

Por su parte, y una de la artistas recientes en la galería, Laura Ardila (Colombia, 1984) presenta, en su lenguaje onírico, pero muy relacionado con el mundo de la ilustración, un paisaje habitado por la contemplación del mar en tres estados, ¿anímicos?, ¿dimensionales quizás? …, una imagen cargada de diversas lecturas y de un gran trabajo técnico (mirad la ficha técnica que lo explica, que básicamente es cromolitografía sobre papel de algodón[i] pero es un resume de toda la labor realizada)

Monique de Roux (Francia, 1946), “una clásica” del espacio Acanto, muestra un “Díptico del mar”, paisaje humanizado en aguafuerte y aguatinta a 2 planchas, en doble huella, sobre papel. Una obra donde sus figuras femeninas nos retrotraen a la rotundidad carnal y sencilla de un Federico Castellón o a la mediterraneidad contundente del Picasso que retrató a su primer hijo, Pablo, con Olga, (“Madre e hijo en la orilla del mar”, 1921). Una obra de aparente placidez, pero cuyos personajes parecen divisar el mar en una palpitante espera…posiblemente esperando el barco que partió en su faena diaria… Realidades cotidianas, también, de un mar no siempre apacible.

Josep Moscardó (Barcelona, 1953), -cuya obra no conocía y es un grato descubrimiento para mí- pone un punto de humor a su depurada técnica de 7 tintas en serigrafía, con la obra “Marimaja”, en un guiño al Goya más sensual pasado por la revisión de las veleidades estivales y su estética amable de paleta suave donde controla la luz y los reflejos del mar que tan bien conoce.

Mientras que “Resti” (Restituto López. Villena, Alicante, 1948) nos enamora, literalmente, con sus pequeños dibujos a base de plumilla (tinta) y collage (hay que mirar bien las obras para darse cuenta dada su minuciosidad) sobre el Cabo de Gata (una serie sobre las más conocidas playas del  litoral del levante almeriense). Un habitual ya de Acanto, y como nota curiosa, esposo de la biznieta de Nicolás Salmerón (nuestro ilustre político y filósofo almeriense).

En cuanto a pintura y sus variantes técnicas:

Para Connie Westendorp (La Haya, Holanda, 1951), el mar mediterráneo es un tema en el que trabaja desde hace tiempo, un proyecto en proceso continuo, desde su hipnótico enamoramiento de los colores y posibilidades, y el desafío de las distintas  técnicas con que lo representa. Como en este caso, donde muestra el ímpetu de la espuma del mar al romper contra las rocas en técnica innovadora (pero presente en ella desde hace unos años): fotografía tratada con procesos digitales, pero luego trabajada con óleo y relieve sobre el lienzo como soporte (una sutil unión entre los materiales eternos de la pintura y los tecnológicos que a simple vista no se percibe)

También el mar es tema presente en ocasiones en la obra de  la granadina Encarna Hitos, en este caso con una de sus pinturas de gran formato, como es la impactante pieza que aúna el acrílico y el óleo con la técnica al fresco, el temple: técnica muy mediterránea, por otro lado, pero hoy un tanto en desuso, por lo que llama mucho más la atención y nos hace disfrutar de su carga de profundidad pictórica total y donde (siempre según mi impresión, claro) nos hace saborear y casi oler el mar ante el oleaje en movimiento…

Olegario Cosano (Córdoba, 1958) presenta un paisaje (óleo sobre madera) fragmentado y casi cinematográfico, en díptico, pero muy narrativo, donde vemos el mar como protagonista, y como personajes secundarios (pero de los buenos) Las Almadrabillas, con El Cable Inglés y el puerto almerienses cada uno a un lado del díptico. También en su estilo habitual, con ese aire realista pero a la vez lejano, recordando la estética estadounidense de David Hopper y donde parece que va a pasar algo…, algo nos va a traer ese mar calmo pero que cuenta historias en off, en ese lenguaje del cine que también se da tanto en tierras almerienses…

En la sección fotográfica:

Karlos Kaplan (Almería, 1980), otro nombre habitual de la galería, nos regala una inusual vista “marítima”…¿o no? (tendréis que asomaros a la galería para comprobarlo) en una estupenda imagen abstracta, cargada de fuerte colorido y texturas a base de tintas pigmentadas sobre papel de algodón.

Y Francisco Martínez Romera (Almería 1977), dejando a un lado sus collages esta vez, nos muestra una bella vista de la playa almeriense de los Genoveses, también en tintas pigmentadas pero sobre papel HQ18, donde juega con la imagen digital de forma casi pictórica en gran formato, y que nos trae ya hacia el fin del verano por su paleta de azules grisáceos de aguas algo agitadas.

En cuanto a la representación escultórica, es SAFI (Serón, Almería, 1962), otro artista frecuente en Acanto (expuso hace poco “Comer el azul”), quien se metamorfosea con el Cabo de Gata y destila esencia del mediterráneo almeriense, con varias piezas, en piedra o en hierro forjado y soldado, de formato pequeño y mediano donde juega a modelar fantasías de reminiscencias arcaicas  que estilísticamente me llevan a recordar la abstracción del Informalismo de los años 70 en España (por su estilo y materiales).

 

“Mediterráneo”, en Acanto, nos trae olores y visiones cargadas de la belleza enlazada al Mar pero en su forma más dulce, no tiene que ver, por ejemplo, con el Mediterráneo que nos presentaba Nick Hannes en su exposición fotográfica realista y casi documental “La continuidad del hombre”, mostrada en 2016 en el Centro Andaluz de la Fotografía (y de la cual realicé una entrada en este blog)ni tampoco estamos ante una exposición donde se hable del mapa socio político del Mediterráneo (que daría para mucho, claro, y más estos últimos años que se tiñe de luto y pateras a la deriva)…

Estamos ante el simple mar, del Mediterráneo, como metáfora del mar en sí y sus múltiples elementos, símbolos y representaciones esenciales…, peces, arenas, olas y espuma de mar, pequeñas embarcaciones y personas disfrutando de sus brisas y calidez, porque se trataba  de disfrutar el Mediterráneo desde la orilla o con el juego de sus olas;  desde la paleta extensa de sus múltiples gamas de azul… Se trata de asomarnos a las transparentes aguas (quizás por poco tiempo ya tan frescas o saludables, así que aprovechemos) y disfrutar de la brisa que amansa a las futuras fieras de otoño, de la vuelta a la rutina o la ciudad de siete cabezas…

Estamos ante el Mediterráneo hedonista del viajero o del que pasa unas sencillas vacaciones en las costas (¿por qué no?).

Desintoxiquémonos de la rutina y pasemos por Acanto y su mar Mediterráneo, aún estamos a tiempo…

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[i] Bueno, sí, lo transcribo, en pro de la difusión de las artes y que el público descubra lo interesante que es el mundo del grabado y la estampación, la obra seriada, etc.: ahí va: “Cromolitrografía (fotolitografía más litografía: toner mas litografía; aguada, lápiz y litografía en matriz de aluminio graneada) estampada sobre papel de algodón Zerkall Litho VI de 250gr.

*Me encanta que los artista y galeristas pongan información de interés artístico-técnico en las cartelas… poner título y autor…y fecha si acaso, me enerva, sobre todo en fotografía…jeje)

**Una muestra tan sólo, de alguna de las obras presentadas en ese número de Azul Mediterráneo, de Sol Úbeda. (no he podido conseguir más enlaces en internet hasta el momento, de otras obras presentadas y no poseo el número, pero en cuanto lo tenga, pondré alguna imagen o texto del ejemplar)


Más información e imágenes sobre la exposición en redes sociales de Galería Acanto

II. Pymiento Project toca a su fin. Entrevista con A.Rosillo

noviembre 14th, 2016 noviembre 14th, 2016
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Debía haber colgado esta entrevista con Adolfo Rosillo, uno de los precursores de Pymiento en el Museo de Almería, hace una semana y pico, pero ha sido imposible. Aunque publicar en redes exige cierta inmediatez, mis post no la suelen tener, de manera que…, tras esta intro, pasamos a la acción.

Afortunadamente, y pese a que los eventos caducan, los contenidos no, así que, aunque este 14 de Noviembre se desmonte la exposición experimental – taller de ideas entre la tecnología y la creatividad-  aquí podéis conocer un poco más sobre esta experiencia pionera en Almería.

Pero, antes de pasar a la entrevista, me reitero sobre un aspecto que me parece interesante recordar cada poco: y es que, en realidad, casi todo lo que hacemos en un campo u otro del conocimiento y la experiencia, e incluso (y afortunadamente) en las cuestiones más cotidianas o banales de nuestro día a día, suele tener un fuerte componente creativo que muchas veces obviamos, o no potenciamos, pero está ahí…, aunque a muchas personas piensen que la creación es algo único de inventores y artistas, y algún gremio de determinados productos, no, la creatividad está en cada uno de nosotros y nosotras…, de forma inconsciente las más de las veces…ahí lo dejo…

Y…, bien, e aquí lo que Adolfo Rosillo, profesor de Teoría de la Imagen y la Fotografía en la Escuela de Artes de Almería (entre otras asignaturas) cuando fui allí alumna, me contó a propósito de una batería de preguntas, a cerca de Pymiento Project:

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 Adolfo Rosillo el día de la inauguración de Pymiento Projetc, charlando junto a otros componentes del proyecto.
¿Por qué Pymento Project, el nombre de este proyecto? Pimiento, imagino, por razones obvias, de un producto,…digamos, muy dado en esta zona?, ¿el tomate ya estaba muy visto? ¿Qué hay de las habas, y los “présules” (guisantes), melones o sandías? 
La celebración en Almería de la PyConES 2016 fué la excusa para provocar una “ocasión”: un tiempo cargado de sentido. En este caso el lenguaje de programación Python nos invitaba a baladronear en esa zona limítrofe entre disciplinas que es el arte de los media, aquel que usa de forma intensiva, casi como contenido, las herramientas con las que busca generar la forma en las obras. El hecho de que Python se use en gran medida como herramienta de conexión, de mediación entre otras, también nos invitaba a explorar otro aspecto para nosotros relevante: la construcción de redes sociales. Puede parecer banal hacerse esa pregunta hoy. Hemos querido darle la vuelta: son las llamadas redes sociales las que nos parecen triviales; son útiles para relaciones de baja intensidad dado que cualquier usuario sabe que su modelo de negocio es la vigilancia, que el producto que se vende somos nosotros, nuestra información. Por el contrario, hemos buscado dar un sentido fuerte a esa idea de la red social: hemos buscado conectar personas, construir una comunidad con la intención compartida de participar en procesos de construcción colectiva de conocimiento.
El nombre es un homenaje a los hermanos Van Rossum. Guido, el padre del lenguaje de programación, adora a los Monty Python, los humoristas británicos. Pymiento Project toma ese sentido del humor y lo trasplanta a la huerta del sur de Europa. Somos sembradores, hortelanos de bytes y electrones, haciendo injertos. Hemos empezado con serpientes y pimientos pero seguro que habrá más variedades modificadas genéticamente en este bancal. Just, diseñador gráfico, es pionero en el uso de la programación en el desarrollo de su trabajo como tipógrafo.
Un último elemento que consideramos importante al pensar en un nombre fue evitar cualquier alusión a lo artístico: no se trata de una exposición al uso de piezas artísticas acabadas. Aunque algunos tenemos formación artística, la idea ante todo era romper barreras, crear puentes entre disciplinas, generar conocimiento en el lugar donde se encuentran el arte y el diseño, con la informática, las ingenierías, las ciencias naturales, las humanidades, eso que se ha dado en llamar STEAM (Science, Technology, Engineering, Arts, Mathematics).
A lo de más arriba 😉 añadiré esa expresión “me importa un pimiento”, que viene a decir que algo no vale mucho para nosotros, no nos importa. Con ese “gen” mutante de la “y” que se cuela recombinado desde python hemos buscado también hablar mediante dobles sentidos, usar las zonas de sombra del lenguaje que dan lugar a la poesía, que trascienden la mera comunicación. Pymiento somete a estrés las disciplinas con las que trabaja para llevarlas más allá de las respectivas zonas seguras, de confort. También las personas implicadas y los procesos desarrollados, hemos recorrido ese territorio. Vivimos tiempos de cambio: antes que mapas, necesitamos brújulas y aprender a orientarnos, incluso a costa de perdernos muchas veces. Oscilar entre que nos importe poco y que nos importe.
¿Por qué presentar las ideas-objetos-proyectos-piezas en el Museo de Almería?
Somos hackers, exploramos usos alternativos, no previstos en el diseño original de los dispositivos. Más que buscar un sitio donde exponer necesitábamos instituciones para hackear. Un museo con una colección fundamentalmente arqueológica era el sitio perfecto para una colección de prototipos de principios del s. XXI. Pero esto, la conexión entre un hacha de sílex y una mesa “aumentada” mediante arduino y sensores NFC, puede no resultar evidente para ciertas miradas.
Además está la lectura del actor en la red: Pymiento Project es un laboratorio ciudadano abierto, en el que pretendemos producir conocimiento de forma colectiva, sin filtros académicos ni meritocráticos. Cualquiera puede aportar en este experimento de inteligencia colectiva. ¿Qué institución es el lugar idóneo para desarrollar una propuesta así? Exacto, en Almería no existe, había que empezar por generar ese “lugar”. Este proceso generativo de lugar y ocasión es una de las claves del proyecto: un laboratorio popup, oportunista, dispuesto a materializarse en cualquier resquicio de cualquier sistema o dispositivo.
¿Cómo recogieron la idea en el Museo de Almería? ¿Os abrieron las puertas fácilmente?
Absolutamente. El Museo de Almería ha sido un interlocutor receptivo y paciente con nosotros. Nos han escuchado y nos ha apoyado en todo, incluso cuando nuestra propuesta ha mostrado sus aristas más cortantes. De salida nos ofrecieron su sala de exposiciones temporales “@”, en el corazón de su colección permanente, donde desarrollan un programa de exposiciones temporales con un marcado carácter experimental. También han sabido comprender la diferencia entre Pymiento Project y una de esas exposiciones. En nuestro caso lo experimental afecta no solo al contenido que se expone – prototipos en desarrollo, algunos apenas una idea cobrando forma – sino al propio desarrollo de la propuesta: queríamos mostrar a gente trabajando, dejar a la vista el cableado, enseñar el contenido de la caja negra, eso que normalmente se oculta al espectador, incluso asumir el mal funcionamiento, la avería, como síntomas operativos del dispositivo. Esa apuesta es difícil de asumir por una institución del nivel de desempeño del Museo de Almería. Hace falta mucho valor para aceptar lo precario, el error, la pobreza, lo que voluntariamente se limita, cuando estás en la primera línea de las instituciones culturales.
¿Habrá otra edición de proyecto pymiento, sin el paraguas conceptual de una python-reunión (congreso u otras formas variadas)?
Éste es un proyecto abierto, con un marcado carácter relacional, desarrollado por un equipo ad hoc, un enjambre ocasional. La y de Python indica cierta caducidad. Pero también una predisposición adaptativa, oportunista. Hemos mostrado un modelo que puede repetirse, replicarse, variarse, mutar, tal y como nos enseña la naturaleza. Qué mejor manera de desarrollar Pymiento que transformándolo en otra cosa.
¿Sería de nuevo en un museo, institución o mismo lugar?
Lo que sí queremos es seguir estableciendo vínculos, puentes con otros agentes, hacer con otros. Intercambiar semillas es lo que permite la biodiversidad. Pymiento seguirá siendo mientras seamos traficantes de semillas, de ideas, de acciones colectivas. Tu pregunta es muy buena porque nos pone ante un espejo como el de la bruja de Blancanieves: no tiene sentido “repetir pymiento”. Podemos seguir trabajando con el Museo de Almería para completar lo iniciado pero apuntando a nuevos objetivos.
Creo que habéis abierto una brecha importante en lo que se puede esperar de las iniciativas de gente, en apariencia, común (o sea, que no va de curadores o comisarios, ni de ninguna movida Artística o de moda tecnófaga de hipster-postureo, aunque, bueno, sí tenéis algo de frikis (tono cariñoso), porque también sois parte de la gente que originó y conforma Hacklab Almería. Así que…, ¿sois conscientes de que ahora se nos hace la boca agua y que se os pedirá (y exigirá) más? (No sólo más nivel, aun, sino más cantidad de expos, talleres, proyectos similares…)
Normalmente alguien que domina el campo desde una perspectiva global coordina a los actores para llevar a cabo la idea. El comisario elabora una tesis y busca a los artistas que tienen obra susceptible de confirmarla. El cliente busca a los técnicos que dan respuesta a sus necesidades. El artista solicita el asesoramiento tecnológico que le permite materializar su obra. Nosotros hemos querido dar la vuelta a la forma en que suelen plantearse los procesos de colaboración: para empezar no hay artistas cuya obra comisariar (que conozcamos al menos). Nos interesaba iniciar un proceso desde abajo hacia arriba: gente corriente, ciudadanos, que se ponen a trabajar juntos en un proyecto donde todo el mundo está “fuera de casa” y aporta lo que puede al esfuerzo colectivo. Da igual que no sepas de arte, electrónica o programación, escuchando ya estás aportando. Hemos querido dar un sentido literal a la idea de comisariado. En español suena a cosa policial, un señor vestido de negro que certifica a la entrada del museo la calidad de la obra y del artista. Un enterrador que certifica la defunción de la obra a su entrada en el sistema del arte. En inglés “curatorship” también alude a ese pastoreo, a esa vigilancia de una colección. Pero también podemos forzar el sentido de curar y llevarlo a “cuidar”, hacia una ética del cuidado del otro. Entender así el comisariado como una figura que cuida un campo emergente de prácticas y agentes, que cultiva las relaciones que dan lugar a la obra antes que la obra en sí, ahora una excusa para generar tejido social vivo.
Hemos huido deliberadamente de discursos prefabricados: la cultura maker, el hacktivismo, la fascinación tecnológica, el hipsterismo, desmintiendo siempre que ha sido posible cualquier retórica postiza. Uno de nuestros referentes ha sido el centenario de Cabaret Voltaire, de Dadá. Había que rendir un homenaje a los pioneros del azar creativo y del caos como fuerza cósmica, que tan importantes han sido para el desarrollo de nuestra comprensión del universo, de manera indirecta. La cosas como son, directas y desnudas, listas para usar. Pero poco más, ni siquiera esto ha sido algo preestablecido.
Es cierto que Pymiento no se entiende sin Hacklab: Pymiento es un experimento tecnológico, social y creativo. Queremos probar que se pueden obtener resultados del trabajo en equipo, a pesar de las dificultades. Much@s hemos participado en todo tipo de talleres, charlas, eventos y hackatones. Era hora de probar que se puede ir más allá y plantear un campo de colaboración estable y a medio plazo.. Nos encantaría que hubiese ganas de más actividad en este sentido, de diseño y arte mezclado con programación, electrónica, humanidades y cultura digital, educación, procomún, accesibilidad, economía, juego, astronomía, autoconstrucción, qué se yo, hay tanto por hacer. Es lo bueno que tienen los desiertos, que no hay nada, todo es vacío y posibilidades de acción. Pero también es verdad que tendemos a ser muy disciplinares. Hacklab es sobre todo tecnología; la creatividad y lo social, la experimentación, el arte y el diseño, incluso la ciencia o la educación, tienden a estar en un segundo plano frente a la componente tecnológica. Esto es mi punto de vista y no es un reproche en absoluto, pero me lleva a pensar en la necesidad de introducir el arte en ese escenario como herramienta para cuestionar los límites que nos impone la tecnología. El arte nos permite repensar, cuestionar esos límites desde una escala humana,
Una de las primeras preguntas que nos hicimos, nada original por otra parte, fue si una máquina de hardware y/o software puede crear una pieza artística. Más allá de la respuesta concreta que podamos dar, lo importante es si mediante ese objetivo (hacer arte) podremos pensar en máquinas inteligentes más humanas, pues la máquina es funcional por definición y en cambio el arte es inútil, si tiene utilidad es un subproducto secundario, no deseado, no esencial. Lo importante en arte es justo eso, que nos permite cuestionar el imperio de la razón y la lógica de las funciones. Nos permite extrañarnos.
¿Quién ha ayudado en la financiación del proyecto (si lo hay…)? ¿Habéis gastado mucho? Para quien no sepa nada de los elementos que han conformado las piezas, por ejemplo, más compleja en realización y/o tiempo, y por tanto, que sepan, que el valor, no siempre es de precio, cuantitativo, sino cualitativo…
Una de las premisas de Pymiento fue explorar los límites: ¿qué podemos hacer con un presupuesto mínimo? No era solo una cuestión de realismo (no hemos tenido aportes económicos) también hemos querido explorar la fragilidad del desierto. Hemos trabajado con lo que cada uno podía conseguir, reciclando y reutilizando. La idea era demostrar que  lo verdaderamente importante son las ideas y las personas. La realidad nos ha demostrado que a veces el dinero es importante para las personas, de la misma forma que hemos visto que los lugares de trabajo y reunión son determinantes. Hacklab Almería necesita un medialab para ir más allá de sus fronteras actuales. Sé que esto es complejo y contradictorio. Hay múltiples formas de abordar un proyecto así que se alejan de esa ética hacker de que hablaba antes.  Y también hay un motón de miradas interesadas en apropiarse de un espacio así. Pero es cierto que no es suficiente con usar los espacios que nos han facilitado empresas como Workspace Coworking, el propio Museo o Chanca Style Parties.
En cuanto a financiación, la única aportación externa ha sido la colaboración de la PyConES al financiar  y usar nuestra tarjeta jacquard como parte de su aparato promocional.
En cuanto al coste, precio y valor de las piezas, los componentes utilizados están al alcance de cualquier bolsillo: un arduino o una rasberry pi originales no cuestan más de 30 € y se puede ver el origen reciclado o reutilizado de muchos de los materiales. Además las piezas son prototipos, pruebas de concepto propias de los procesos de creación en tecnología, arte y diseño. Su valor está en que permiten poner a prueba la idea que se está elaborando. De ahí su aspecto y funcionamiento precarios, sólo son una fase de un proceso que en la sala @ del Museo se muestra al público con idea de invitar a la emulación ya la participación, pero que normalmente queda oculto en la caja negra del estudio, del taller, que casi nunca se muestra. Normalmente el visitante de una muestra de arte suele pensar “eso podría hacerlo yo, cualquiera”, nosotros queremos que no se quede en una idea, que lo intente, que Pymiento funcione como una invitación a la participación.
No sé si un prototipo, un boceto, puede adquirir una alto precio de compraventa en el mercado. Todo dependerá de que haya una posterior “obra acabada”. Nuestra intención se centra mucho más en los procesos de diálogo que plantean las obras y su conjunto, el laboratorio, que en los posibles resultados, aunque estos no sean despreciables.
Tengo mi opinión, y contesto antes de preguntar: Sí. Pero…la pregunta es: ¿Crees que ALGO se mueve en Almería? 😉
Sí, la dificultad agudiza el ingenio. En todas partes hay movimiento. Incluso en Almería. La pregunta es cómo: creo que tenemos tendencia a funcionar como partículas elementales. Preferimos ser cabeza de ratón antes que cola de león. Y no percibimos bien el valor de la comunidad, de la gente que apoya sin más, a cambio de nada y sin ser protagonistas. Rápidamente tendemos a despreciar lo que no cuesta. La meritocracia nos hace miopes. Pensar nos cuesta y comprender al diferente, exige pensar, por lo que tendemos a apartarnos de lo que no conocemos o comprendemos, tendemos a ser disciplinares. En Pymiento hemos dedicado más del 50% del tiempo de trabajo total a explicar las posibilidades del proyecto. En muchos casos, su carácter procedimental y abierto, multidisciplinar actuó como inhibidor antes que como estímulo. Da que pensar. En lo mucho que nos queda por hacer, cambiar y aprender.
Yo pediría una sala permanente de artes o creatividad y nuevas tecnologías…en el museo o en algún otro lugar (institución no privada, a ser posible…), ¿y tú?
Pymiento es un laboratorio ciudadano popup. Es una invitación a la creación de espacios permanentes de trabajo. Creo que es una obligación en el caso de las instituciones públicas. El Museo ha recogido el guante y su equipo hace lo que puede con lo que tiene a su disposición. La Escuela de Arte en la que trabajo ha sido el contenedor de muchas de las actividades de Hacklab. Otros centros educativos públicos e incluso empresas nos ceden sus espacios para actividades puntuales. Pero urge imaginar un modelo sostenible de espacio público dedicado a este tipo de actividades y procesos colectivos.
¿Qué factores confluyen en experiencias como esta? ¿podrían haberse aliado el que haya estudios universitarios de Informática o Ingeniería, la Escuela de Artes, el amor por el cine y la fotografía en esta tierra, mas un tópico: la luz!!, (jeje) y sobre todo, las, tristemente habituales (no es el caso del Museo de Almería), sequías institucionales…, que hacen que cuando hay una iniciativa con algo de sentido y empuje, salga adelante a borbotones?
Estamos en un lugar magnífico para experimentar. Sólo nos falta algo de confianza y de ambición. Presentando Pymiento usaba el ejemplo de los invernaderos: ingeniería colectiva visible desde el espacio. El cine y la fotografía son otros. Hacklab es conocido fuera de Almería como la comunidad activa que ha demostrado ser. Pero nos falta una clase empresarial y unas instituciones con visión y presupuestos. Se une a eso que no sabemos llamar con insistencia a las puertas adecuadas. Pero falta muy poco. Pymiento es una página más de un porfolio que va creciendo poco a poco. Espero que más pronto que tarde haya un grupo de gente en Hacklab que dé el paso adelante y ponga en marcha esa iniciativa de que hablamos.
Un pequeño empujoncito para las personas (sea cual sea su edad, sexo, educación, cultura y condición social o circunstancial) que no se sienten atraídas por este tipo de proyectos o novedoso campo…, tipo Pymento Project…
Pymiento es una invitación a abrir la caja negra, a participar en la construcción de un lugar de ciudadanía, desde el arte, la tecnología, el conocimiento. Lo ciudadano está de moda, como las redes sociales, pero normalmente se nos presenta como algo acabado, algo que nos pertenece. Pymiento está por hacer, no hay respuestas, sólo preguntas a la espera de un colectivo que se implique en su respuesta.
No todo el mundo va a ser artista, programador o ingeniero, pero sí que vamos a necesitar unos mínimos conocimientos sobre el tejido de que está hecha esa realidad del tercer entorno, de las redes móviles y la computación ubicua. 

Gracias Adolfo Rosillo por contestar a esta entrevista, y Gracias  a cada componente de Pymiento Project, por esta lección de trabajo en común para ofrecer experiencias creativas y dinámicas más abajo de despeñaperros… ;-))

Me dan ganas de gritar: Otro mundo es posible, Otras formas de crear son posibles, y  Otra Almería (conviviendo con lo buena que ya existe, of course) es posible!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

I. Creatividad en el Museo de Almería: PymientoProject = hablemos de arte y tecnologías

octubre 19th, 2016 octubre 19th, 2016
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Sobre la Exposición experimental Pymiento Project, en el Museo de Almería, hasta el 6 de Noviembre, 2016.

Print: “!Mamá dejó la fregona y se fue al museo a programar! Herramientas para una creatividad colectiva, conectada y abierta (con una pizca de Python)”

“La actividad desarrollada no es una exposición en sí, sino un laboratorio, un experimento en curso.
Es un proceso de diálogo y una caja de herramientas. Un mensaje en una botella y un bancal para sembrar ideas y recoger preguntas”
PymentoProject

Hello world

Bienvenida al museo de exposición Pymiento Project. Cartel: trazos robotizados sobre plástico de invernadero. maribelubeda CC.

Esta exposición en el Museo de Almería (museo arqueológico) es, sí, un Taller de experimentación tecnológica y artística donde las piezas desarrolladas y exhibidas muestran, y demuestran, que la creatividad está por encima de las etiquetas, los campos concretos y las disciplinas al uso. Pero, afortunadamente, cada vez estamos un poco más cerca de no asombrarnos por algo que, en realidad, existe desde siempre, cuando los campos del conocimiento estaban tan interrelacionados que no existía apenas la llamada Especialización.

Aún podemos recordar (en los libros de historia y literatura están reflejado, so incrédulos) cuando los planetas, constelaciones o universo se leían como astrología, la química era alquimia, la medicina quedaba entre usos y descubrimientos a base de no poco sufrimiento en  vivo y en directo,  las más de las veces en manos de chamanes o gurús del momento, la arquitectura se acercaba a la escultura y la ingeniería o la invención era arte puro, como en manos de, por ejemplo, Da Vinci… Pero…, no significa, claro, que debamos volver a esos tiempos, o que nos mole la mezcla de lo esotérico con la ciencia, no…, es que aunque ahora el saber y sus compartimentos ocupan cada uno su lugar… es el momento de volver a unir la esencia de los planteamientos sobre el conocimiento, el saber… Y es el momento de recordar que todos los avances y descubrimientos en cualquier campo de la sabiduría (el arte uno de ellos, por supuesto), deberían estar al servicio del Ser Humano, y no a la inversa. Así que desde estas páginas virtuales (pero llenas de corazón anímico, físico y químico también) pedimos la no hiperespecialización hacia la que camina el mundo “civilizado” de hoy…; no queremos que nos sigan dirigiendo hacia la obsolescencia, más que programada, así que abogamos por compartir (conocimientos, software, derechos, ideas…proyectos, actividades, emociones…); es el momento de volver a mirar hacia el Humanismo y salir fuera de la famosa zona de confort (no solo para cuestiones de la relaciones personales/laborales) y entrar en la INTERDISCIPLINARIEDAD!! Sí, esa palabra que cuesta pronunciar, pero…que es tan hermosa…

Por supuesto que esto de la Interdisciplinariedad, el salir ahí fuera y compartir… puede producir cierta ansiedad (aunque hay gente, como yo, que no es capaz de centrarse en nada y pica de todos los lados que puede, deseosa de conocer por comprender, lo que y a los que, le rodean), pero recomiendo empezar con uno de los  leitmotiv de la Bola de Cristal: “vamos a enseñar a desaprender cómo se deshacen las cosas!”.

Así que, por pasos, en sentido estricto, aquí se enseña, pero no desaprendemos nada (porque aprendemos y mucho), me refiero a que tan solo debemos quitarnos prejuicios (que la mayoría de las veces, no nos engañemos, son requete-aprendidos y aprehendidos en nosotros) para mirar y disfrutar con ojos “nuevos” todo el cotarro que tenemos alrededor.

Y ya para empezar a centrarnos, en la susodicha expo-experimento hablo aquí, no sólo porque he colaborado un poquito en ella,  sino porque, además, tiene lugar en Almería, la Almería del siglo XXI, y esto hay que resaltarlo. En concreto, el inicio del proyecto pymiento vino por el entorno del desarrollo en la ciudad del PyConES ( la conferencia anual de la comunidad de usuarios y desarrolladores del lenguaje de programación de código abierto Python, a nivel nacional, que se ha venido celebrando en Madrid, Zaragoza y Valencia en años anteriores) que se celebró exitosamente los días 7, 8 y 9 de Octubre, entre la Universidad,y el Museo de Almería.

Python, es uno de los lenguaje de programación más abierto y novedoso de la amplia variedad que existe, y la particularidad de él es que sus principios se basan en la simplicidad y el código abierto para compartir, y esto es lo que, por ejemplo, yo sabía a la hora de querer participar en la exposición, y me gustó.

“Podríamos estar hablando de netart, pero hay mucho de manual aquí y no todo ha sido tecnología. Y hay mucho corazón, mucha alma, mucho ingenio, muchas preguntas y curiosidad y ganas de “hacer cosas” por encima de lo convencional, pero sin miedo a  tocar cualquier rama del conocimiento… (a poco que tienes algo, lo usas, eso estaría bien!)”.  Adolfo Rosillo

Pero, qué ha pasado en el Museo de Almería?

Unos lo llamamos expo (piezas tecno-artísticas para mí), otros Hackeo en el Museo, otros…experiencia, pero por encima de todo… ha sido “una colaboración a lo largo de varios meses, donde cada persona ha ido aportando su granito de arena en torno a una pequeña idea primigenia: experimentar con el lenguaje python (hoy más almerienses sabemos qué significa la palabreja, sin ser del gremio!) en entorno no técnico, sino tecnológico y artístico o mejor, Creativo Reactivo”.

Las piezas que encontramos tienen la capacidad de realizar algo, de manera que tenemos obras interactivas, resumiendo. Algún que otro proyecto de los mostrados o ideados, no están conclusos, pero no importan, porque de eso trata, entre otras cosas, de mostrar la experiencia, no una conclusión. No son piezas cerradas o terminadas del todo;  y  de otras piezas-proyecto, por ejemplo, veremos los resultados al final de la expo, como la obra que consiste en cuatro plantas que recibirán luz según los hashtag que mande quien quiera participar (cuatro nombres, uno por planta, viva y real: marujita, liza, etc) y sobrevivirán según los que le lleguen…, el final de ellas (qué plantas han sobrevivido o no…) lo sabremos al término de la exposición. Lógicamente, este no es un experimento sin más, sino que intenta hacernos reflexionar sobre la responsabilidad sobre nuestra toma de decisiones y sus consecuencias (el poder y cómo lo ejercemos y su repercusión, vamos).

Y así podríamos ir pieza por pieza, todas aportan algo, todas son divertidas de ver y toquetear para observa qué nos muestran o demuestran…, y quien quiera ir más allá, podrá…desde luego.

Adolfo Rosillo (profe en la Escuela de Artes de Almería, crítico de arte y artista en varios campos, y “Agente provocador”) y Cristo Contreras (ingeniero de telecomunicaciones y “Flamer ecléctico”) fueron quienes nos pusieron las pilas, y bien, en el Proyecto PymientoProjetc.

Eso sí, han formado un gran equipo de locos y locas, o vamos enderezando tópicos, visionarios y visionarias como: Gonzalo Moyano – Multipotencialista & Creative Maker,  Francisco Acién – Amante de las tecnologías libres,  Delia Gálvez – Interiorista maker, Almudena Fernández – Creatividad por bandera, Aitor Álvarez – Ingeniero filósofo, Olga Lucía Fernández – Design Thinking y organización., Guillermo Fuertes – Físico Periodista, Remedios Fernández – Robótica infantil, Hugo Rosillo – Amante de la casquería mecánica, Cristina Góngora – Psicopedagogía y manualidades, Bill Muslos – Punky del estenopo, Ana Mora – Inquieta por definición, Favio Gutierrez – Diseño y Comunicación Visual, Pedro Silva – Hacking mode- y (en muy pequeña medida) Maribel Úbeda -la que escribe estas líneas-.

(ver perfiles en http://thepymientoproject.com/people/)

Las piezas de la expo funcionan y se conforman con materiales nobles y no nobles, artesanos y tecnológicos, como Rasberry Pi, arduino, y sensores o microchips en pequeñas placas…, esto como tripas, lo que maneja los objetos, pero como contenedores veréis madera o metal, papel y cartonajes, tiza…o sea, una producción colectiva diferente y divertida, curiosa, y hecha de muchas ganas e imaginación. Así pues, las técnicas y procesos creativos (de la idea al objeto) y los soportes de estas piezas de tecnoarte, arte-factos a todas luces, son también más que variados! Además, como repite Adolfo Rosillo (la última vez, vía twitt): “ es ciudadano. No se ve, se participa. Gracias, MuseoAlmeria

Así que os increpamos para que vayáis a este lugar de lugares, donde no se mira (al uso) SE TOCA.

Podríamos, pues, decir: ven al museo de Almería a su “Sal@ del museo” (planta 2, para más exactitud) y Toca-mira-piensa… y si encuentras algo mejor, apórtalo! (punto y coma, guión, cierra paréntesis)…

Seguiremos informando…

Collage, fotografías Maribel Úbeda. CC

Collage y fotografías maribelubeda. CC.

Por cierto!: Durante el mes de exposición se harán talleres in situ, donde se enseñará a los asistentes a iniciarse en el mundillo Pymientero.

En estos artículos de la prensa (a parte de la propia web del proyecto)podéis indagar en el contenido y motivos de la exposición experimental artística creativa:

El Museo de Almería acoge la exposición Print  “!Mamá dejó la fregona y se fue al museo a programar!”.

http://www.guadatech.com/contribucion-de-guadatech-en-el-proyecto-artistico-pymiento/

-Pronto añadiremos aquí las respuestas a las preguntas a Adolfo Rosillo, sobre cosas que quedan en el tintero, ..:-) … (post in progress)-

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“Expresión artística contemporánea”, mejor que “Arte contemporáneo” sin más

abril 27th, 2015 abril 27th, 2015
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Bueno, bueno…este va a ser un post combativo…(aunque llevo en él bastante tiempo, no me atrevía a sacarlo y voy cambiándole palabras y frases, aquí y allá…) Pero es que a veces hay que implicarse y arriesgarse a que le digan a una que qué chorrada, no?. Bueno, pues ahí va: como historiadora del arte (y de vez en cuando parte activa o productiva en el mundo del arte contemporáneo)…reivindico desde aquí, la utilización del término “Expresión artística contemporánea”, en vez de utilizar “Arte contemporáneo” sin más…, al menos a referirnos de obras concretas o de determinada parte de la producción o actividad artística actual contemporánea; ya que la mayoría de las veces, cuando se emplea dicho término, se hace de forma, primero, desconocedora de todo lo que implica y abarca, y segundo, y lo más habitual, de forma despectiva, irónica o interrogante; sobre todo en demasiados medios de comunicación, y muchas veces, de manos de personas interesadas en el Arte, pero que no han ahondado en el Arte Contemporáneo de justo antes y justo después de las primeras vanguardias históricas….ahí es nada…je.

Pero aun así, aunque sí se conozca la trayectoria del Arte Contemporáneo, la historia, protagonistas, obras, etc., …creo que va siendo hora de renovar el vocabulario y las terminologías, no?, o si no, para qué estamos los historiadores? para ser meros transcriptores, documentalistas o archiveros de lo que pasó?, ¿para transmitir, o retransmitir, más bien, lo que otros dijeron ya?… ¿No hay nada que aportar actualmente, para que se comprenda mejor la Historia del Arte en general hasta nuestros días?, ¿no hay nada que podamos hacer para que se comprenda y acepte de una vez las nuevas ideas y conceptos sobre el Arte contemporáneo reciente, y aun…el de las Vanguardias históricas???

Y es que, queridos y queridas lectoras de este blog (que quizás estáis leyendo de forma casual, o no, este post)…, deberíamos ir cambiando, modernizando, o evolucionando en la terminología sobre arte contemporáneo, igual que en otros campos. ¿Acaso no existe el metalenguaje, la etiqueta o el hashtag y otros muchos términos nuevos para hablar de actividades o acciones ahora, que antes existían, pero de otro modo? (“etiquetar” por ejemplo, siempre ha tenido el significado sinónimo de denominar a alguien de forma breve, pero ahora se utiliza el término hashtag…, y se pone una almohadilla delante! -símbolo que a su vez, para mí siempre significó “sostenido” en lenguaje musical…jeje, pero bueno, ese es otro cantar- ; el lenguaje mismo varía…, fluctúa, como todo…, se enriquece o degenera…o, cambia, simplemente) .

Y no hablo de cambiar términos sobre el arte en el campo de lo digital o virtual, ni hablo de nombrar de forma nueva al arte contemporáneo más experimental o multidisciplinal, vanguardista o conceptual actual, no. Me refiero a cambiar los términos con que nos referimos al Arte desde los años 90 en adelante, o mejor dicho (para ser coherente con este post/reflexión) los términos con que hablamos de las diversas prácticas artísticas desde los años 90 hasta hoy día. Al poner esas fechas (grosso modo)…, sí, coincide con la aparición y el uso de nuevas herramientas (como las nuevas tecnologías) técnicas, estéticas, procesos, ambientes y actitudes mentales en el arte, claro, pero no es por esto solo, sino por los cambios ostensibles que se dan desde entonces en todas las demás artes, en la sociedad y en el propio ser humano, no solamente por lo tecnológico.

Y aun me arriesgaría a ir más allá, hacia atrás en el tiempo, para hablar de Expresión artística contemporánea respecto a las Artes contemporáneas, porque me remontaría a los años 60-70 como mínimo, pero en realidad la cosa ha cambiado desde, por poner algo maś claro, el dadaísmo y Duchamp, y las últimas vanguardias históricas, pues allí se comenzó a acuñar la verdadera revolución o grandes cambios para con el Arte en general…. Tras Picasso y gran parte de sus coetáneos, han venido muchos  artistas que luchaban por expresarse, principalmente, no por hacer objetos artísticos bonitos con cabida en un mercado…, que han querido mostrar sus obras al mundo con intereses distintos a los artistas del siglo XVII y hasta fines del XIX, por encima de las técnicas al uso, tras experimentar con las experiencias musicales, o literarias, en poesía y en todas las otras artes  y sus ramificaciones. Tras la segunda guerra mundial, el panoram cambia aceptando otro tipo de artistas y aires en el mundillo; y para ser más exactos aun, deberíamos hablar de Expresión artística contemporánea desde que se abrió paso al Arte Conceptual (aunque esto del arte conceptual también depende desde qué punto de mira hablemos, si desde que alguien empleó las ideas por encima de las formas, o si hablamos del arte Conceptual puro y duro como movimiento o estética del siglo XX…, afortunadamente aun tenemos bastantes debates abiertos en el mundo de las Artes plásticas…).

La mano, de Elina Brotherus

La mano, de Elina Brotherus

Pues bien, os pregunto a vosotros-as, porque yo ya me he preguntado durante años y me he contestado que sí: …¿no creéis que ya es hora de “modernizar” un poco nuestro vocabulario, sobre todo para no dar lugar a tanto error???? (y horror…) ¿No debemos ir poniendo las cosas en su “sitio” y dejar claro determinadas diferencias de base en las artes contemporáneas? Que sepan, quienes no lo comprende, o no lo aceptan, que no es lo mismo el arte actual que sigue con determinados cánones en técnicas, temas, elementos formales y mensajes explícitos o no, que aun se estudian, exponen, exhiben, re-interpretan o copian, vendiéndose aun o no…, (como el retrato clásico, el bodegón, marina, acuarela de paisaje, etc), no es lo mismo digo, que el Arte Actual, Contemporáneo, el cual, muchísimas veces, siquiera está realizado o concebido para ser expuesto al uso, o vendido, o para gustar, etc…, sino solo para Expresar determinadas ideas, sentimientos, propuestas, experiencias y demás sensaciones posibles. Sí, expresar con los medios más reciente o no, pero de forma “artística”….esto es, con intencionalidad, al menos, …artística. Expresión artística que muchas veces estará por encima de las formas y los materiales, y por ello de ser mostrados de forma convencional y hasta de poder ser rentables para el artista (y posible galería también).

No entro en que, muchas veces, esa intencionalidad y deseos de expresión, por buena idea que lleve en su ser, sea o nos parezca (y mucho menos, unánimemente), artística, redonda, conseguida, pero de comienzo es lo que se busca, y hasta se  persevera para conseguirlo. Y esto, es lícito, existe, se da…y es la oportunidad del Arte Contemporáneo, que será del “pasado” en unos años siguientes…es ley de vida.

Del Arte Actual Contemporáneo que tiene como base principal la Expresión artística contemporánea, de tal artista o grupo, momento, fecha, estética, corriente o artista individual, con nombres y apellidos (o no, como por ejemplo, en Arte Urbano….), en el futuro, nos quedaremos con una mínima parte para hablar de ello en los centros educativos, las conferencias, los libros, blogs, publicaciones y hasta documentales o películas…Esto es así, como siempre lo ha sido. El futuro será de los artistas o movimientos, corrientes, etc., reconocidos unánimemente, o con el suficiente apoyo y consenso generalizado, ya sea en seguida o a posteriori (la mayoría de las veces de forma despectiva, irónica o interrogante en demasiados medios de comunicación, e incluso en boca de parte de la profesión, artistas principalmente, que no, o mucho menos, en los gestores, galeristas, críticos y curadores afortunadamente-), si son “revisados”, re-descubiertos, estudiados mejor, etc., etc…, o no os suena que lo mismo ocurrió con artistas como Velázquez, por ejemplo, de ser un genio pasó a la oscuridad, y de ahí a ser de nuevo descubierto y puesto en valor…

Aquí lo dejo por ahora…porque esto…claro, da para más…(y hasta mejor expresado y con mejores ejemplos). Seguiremos informando y escribiendo sobre este tema… 🙂

Arteurbaneando…

noviembre 11th, 2014 noviembre 11th, 2014
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Imagen por Troballola en Flickr.
SAM3

Arte a nuestros piés!
Tan sencillo, como un regalo…y va a más
sigue este enlace para ver y comentar este enlace y foto:
https://flic.kr/p/nLy45U

Tàpies, Obra gráfica, en Galería Acanto, Almería. (Entrevista y balance de la exposición)

junio 13th, 2013 junio 13th, 2013
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Poligrafa XV Anys

Poligrafa XV Anys, Tàpies

 

TÀPIES obra gráfica es la exposición que terminaba el 15, pero se amplía hasta el 30 de Junio, tras dos meses de éxitos y alegrías en la Galería Acanto de Almería, galería de arte especializada en obra gráfica contemporánea y de una larga, importante, e interesante, trayectoria entre las salas de exposición andaluzas en este campo de las artes.

En sus paredes se cuelga la excelente selección de 18 obras, entre grabados y litografías, que abarcan el período de 1970 a 1982; una selección muy difícil de realizar a la hora de preparación de la exposición, según sus responsables (a lo largo de casi dos años con el proyecto), por la gran cantidad de obras estupendas e “históricas” donde elegir, entre unas sesenta y pico, de creación “directa” con una de las principales editoras de obra gráfica de Tàpies en Barcelona y  “con la que trabajó  a lo largo de 40 años, entre 1964 y 1994, habiendo producido en este período, con ellos, un total de 197 estampas”.

Clau 4, Tàpies

Clau 4, Tàpies

Pero antes de adentrarme en la entrevista, diré que el por qué de lo tardío del post se debe a múltiples cuestiones, como el no poder ir a verla, principalmente. Y por ello, al menos, haremos balance y os contaré lo que me dijo Emilio Fernández (la mitad de Acanto, la otra mitad es Miguel Morales) en nuestra pequeña charla sobre la exposición a pocas semanas de clausurarse, ya que este post está dirigido a hablar del homenaje que han querido brindar a Tàpies (desparecido en 2012) y, también, a la nueva etapa que se abre para la galería (algo de lo que no puedo dejar de alegrarme, por los vínculos tan fuertes que me unen al espacio y su gente,tanto de amistad como por haber trabajado con ellos, colaborado, y ahora, estar al día de todo lo que hacen siempre; ah, y tener grabados suyos en mis paredes ;-).

Pero bueno, centrándonos (lagrimilla suelta y al margen de nexos de cariño, reconocimiento y demás) respecto al por qué Tàpies es idóneo para esta especie de renovación del espacio Acanto, la respuesta es sencilla: es todo un símbolo…; no sólo es uno de los artistas más importantes del panorama catalán, español e internacional contemporáneo, y de los que más interés ha ido suscitando a lo largo de toda su carrera, sino que ha dejado una impronta importante en las generaciones siguientes de artistas, y ha colaborado a engrandecer, desde su vanguardismo y experimentación visionaria, y muchas veces subversivas, las artes plásticas, y como es el caso, la obra gráfica en particular.

Y sobre todo (Acanto es un lugar de afectos y sentimientos también, claro), Tàpies estuvo en la primera exposición que Acanto realizó, y a lo largo de toda su historia: ” (…) desde el inicio, allá por el año 2000, cuando nuestra exposición inaugural, Gráfica Contemporánea, fue presidida por un extraordinario aguafuerte, Má, de 1975, del gran maestro catalán. Y a lo largo de estos años de andadura, hemos contado en diversas ocasiones con  diferentes obras de él, entre grabados y litografías”.

Como Emilio nos hizo saber, además, la exposición durante estos dos meses ha sido todo un éxito, de venta, y, ante todo, de una gran afluencia de público, el de siempre (fieles) y nuevo, con profesores (de diversas materias, como grabado o expresión plástica) de la Escuela de Artes de Almería, por ejemplo, llevando a su alumnado, y con los que Acanto se ha llenado de la sabiduría y se ha enriquecido con esta “dimensión didáctica” donde la sala se llenaba de explicaciones técnicas y artísticas a alto nivel.

 Y sigo mi charla con él, donde me suelta (para más envidia por mi parte) que ha sido estupenda la experiencia global y espiritualmente “con tu sala, durante dos meses, rodeado de esta impresionante obra, mirándola, pero también ella mirándote a ti, envolviéndote...”, “fue todo un lujo para una galería tener estas obras (…) hemos disfrutado de todo el proceso, desde la idea, la selección, hasta la enmarcación y diseño de la exposición”; …”en esta selección quisimos mostrar una representación de la Obra de Tàpies, sus negro y gris, rojos, tierras, signos y texturas…, todo lo que nos permite filosofar sobre la imagen como él nos enseñó y pretendía…”.

En suma, ha merecido la pena todo el trabajo pre y post producción de la exposición, porque Acanto se ha sentido arropada por su público y esto les da satisfacción, pero además, ganas de seguir adelante, con más ímpetu y renovadas ilusiones por seguir inaugurando exposiciones (que habían ido dilatando cada vez más desde hace un par de años), algo que puede dar quebraderos de cabeza, pero que es necesario, para una sala de exhibición, para el público interesado, y por supuesto, para los artistas.

Precisamente, para terminar (nuestra estupenda charla y este post, casi), Emilio me comentó su próximo proyecto, una muestra de Javier Huecas, habitual en Acanto, pero no por ello menos especial, que presentará una serie de acrílicos, y también esculturas, bajo el nombre de “Vanitas”, donde el artista almeriense lleva años trabajando y que está llena de profundidad y de una fuerte carga experimental (así como expresiva, como gran parte de la obra de Huecas, de la que me declaro seguidora rotunda desde el primer momento que conocí sus trabajos). [Espero poder escribir sobre ella, y a tiempo, jeje].

 Lletra O (bis)

Lletra O, Tàpies

Nuestro pequeño viaje virtual (pero también sentido, siempre es así en Acanto) acaba ya, pero empieza en otra dimensión también, el de las ideas, y por ello os dejo con una de las obras que puede tener múltiples significados para esta exposición, para los responsables de Acanto con su re-proyección, y con la obra de Tàpies en general: La letra “O”, “Lletra O”: donde vemos el círculo, el símbolo del comienzo y el fin perennes, en constante fluir…, donde aparecen lo gestual, la firma, la expresión en el grueso trazo de la O, el rojo sangre y el fondo blanco…Puro Tàpies…

…Y…bueno, esta entrada en mi blog pretendía ser algo más académica o histórico-erudita (ñje) al principio (cuando creía que lo terminaría de escribir al comienzo de la exposición) pero no ha sido así, de manera que tendré que dedicar a Tàpies otro post en el futuro, con toda la info y notas que he ido recabando; con calma, eso si, con tranquilidad y reflexión, como su obra merece (como toda obra de arte merece, claro).

Gracias a Emilio y Miguel, Acanto, por traernos a Tàpies, por llevarnos a otro estadio del Arte, donde poder solazarnos, pensar, recrearse, aprender, sentir y esperar…esperarlo todo, pues todo está en continuo comenzar, seguir y observar…pero activamente, sin parar…

Enlaces de interés:

-Para completar la muestra, en la sala se puede ver un vídeo documental sobre la vida de Tàpies (que también podrás ver aquí pinchando el link): Antoni Tàpies, (autor: Miguel Ángel, en Vimeo).

-Exposición en prensa: Diario de Almería, Artedegalería, Artedegalería (visita virtual)

Algunas imágenes de la inauguración y durante la exposición (alumnos visitándola):

Inauguración

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Moli Moli en la Puerta de Alcalá

mayo 30th, 2013 mayo 30th, 2013
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MOLI expone en el espacio de Ramsés,en pleno centro de Madrid, en La Puerta de Alcalá!

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Tras casi cruzarse (en tiempo y ciudad) su muestras de pintura de uno de los espacios de la cadena Kling Downtown , con la que inauguró este 29 de Mayo en Ramsés (uno de los lugares más solicitados de la noche y el día madrileños), Moli, pintora y muralista almeriense -pero universal-  nos enseña sus obras.

Obras de la exposición en Ramses (imagen MaribelÚbeda)

Hasta el 12 junio, inclusive, podréis visitar esta exposición (no al uso, por el lugar elegido), con colores centelleantes de viva paleta, personajes entrañables que nos miran, o hablan entre sí, pero que sentimos cercanos;…con mujeres con moño, sillones o paredes, repletas, que nos cuentan historias…; los ambientes que recrea nos llaman primero y nos atrapan luego…Entre la ilustración y la pintura pura, la mano y el corazón de Moli nos lleva por laberintos recónditos que parecen sacados del cómic, del expresionismo alemán o de los recortables para niñas de antaño…Es una mezcla de candidez y lucidez, pero también, pese a lo que veamos en un primer momento, sus protagonistas nos pueden parecer inquietántemente zozobrantes…

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 17 obras, pues, en el centro de Madrid, dentro de la iniciativa tucuartodelarte.com, que embelesan. La narratividad es evidente en esta pintora, que prefiere no explicar sus cuadros para que sea el propio observador quien haga su propio recorrido emocional…

En su otra pictórica (también en dibujos un otras técnicas y trabajos), Moli suele realizar series, como “Personajes” o “Rooms“, donde podemos entrar en la intimidad de evocadores momentos, vidas ajenas donde querríamos escudriñar…

Entre el colorido fauvista, y la sencillez de un Art Brut colindante con la linea Naive (o Naif), que nos retrotrae en parte a las primeras vanguardias liberadoras pero que nos lleva por un camino heterodoxo, Moli es encantadoramente personal, intuitiva y directa, pero también es detallista, descriptiva; es un manojo de exuberancia que se desborda sin prejuicios o contenciones (como en el propio hecho de no poner marcos a sus pinturas);  y encima, posee un ámplio curriculum con una trayectoria diversa y rica (ha trabajado con marcas como Diesel, Adidas, Absolut. Colabora con artistas de todo el mundo; ha vivido en América varios años -conservándose en México una de sus piezas más importantes en la Embajada Española, en D.F.- y ha expuesto en México, Estados Unidos, Alemania y España). Así pues, Moli es una artista joven pero no inexperta, profunda pero refrescante, que cada vez tendrá más peso en el panorama de la pintura (y el Arte) contemporáneo actual.

Serie "Personajes"

Triunfará!…(ya lo está haciendo), eso creo, y eso espero, porque  su creatividad, su coherencia interna y externa, y su tesón, lo merecen.

 

En su taller (Moli)

Su web: molimoli.com (aquí podrás seguila en su blog y en los enlaces a sus redes sociales, twitter, facebook o pinterest)

Ah!! y novedad…, este jueves, día 6 de Junio, nueva exposición en Madrid, dentro del DECO OPEN NIGHT…seguiremos informando…

Neo y Retro Vanguardias en arco13

febrero 17th, 2013 febrero 17th, 2013
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Estuve en ARCO, si, tras varios años sin pisar IFEMA, vuelvo a las andadas…Y es que hay que estar al día de las posibles novedades (si las hay realmente), tendencias estéticas (está de moda que Todo pase de moda rápidamente, je), y sobre todo (lo más interesante para mí) técnicas, soportes, materiales, formatos que surgen, que “se llevan”, o no…; en otro orden de prioridades (para mí, quizás por mi sesgo, a veces olvidado, de historiadora) también me interesa, claro, los artistas que sacan sus obras adelante…, sus trayectorias (no sólo la obra expuesta), las galerías que les apoyan, los gustos de los y las coleccionistas…, las críticas, y la parte teoría que ronda las nuevas artes; y hasta, por qué no?, te puedes enterar de  algún chascarrillo, los dimes y diretes, los tiras y aflojas, que los hay como en cualquier otros lugar, colectivo o campo de la actividad humana (con y sin ánimo de lucro).

El caso es estar, por unos días, en la salsilla de lo que se cuece en el circuito del mercado del Arte Contemporáneo, de élite (¿?), o a gran escala. Y para esto, si te gusta y/o interesa este arte reciente, las expresiones artísticas contemporáneas, pues mucho mejor…que es mi caso…

Para variar un poco el tono de alguno de mis post…voy a intentar ser algo equidistante…si puedo…y emplearé un lenguaje fuera de la jerga actual del arte (que podría usarlo, pero no me da la gana…ale)

imagen maribel úbeda CC

Ahí voy:

Al cierre, hoy domingo, de la Feria que convidó a Turquía en su 32 edición , mi impresión sobre este ARCO es que …ha resistido.

Aguanta IVAs del 21%, desbandadas varias (galeristas, coleccionistas, firmas…huecos vacíos), conservadurismos (tan típicos de épocas de recesión económica y neoliberalismos salvajes), y otros ismos.

El grafismo, los formatos pequeños y medianos, la renovación en las técnicas más tradicionales, como la plástica mixta sobre distintos tipos de papel o sobre soportes actuales (mucha línea y dibujo sencillo pero con miga)(y, curiosamente, llevo tiempo desconectada, está claro, bastante troquelado -si, así como suena-…de diversas índoles), los materiales humildes, instalaciones poco aparatosas, las resinas (como el epoxi,  muy visto), enmarcar de nuevo las obras (de forma a veces, casi perentoria), o (algo que también me llamó la atención) mucho ensamblaje de muebles utilitarios antiguos, de madera…; en general, una vuelta a la “nitidez” de materiales y/o recursos…como de  neo Vanguardias Históricas, y mucha estética Retro, pero con los discursos personales de hoy, se han impuesto en esta edición ARCO del año 13 del siglo XXI.

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Respecto a otras ediciones (y no lo “juzgo”, lo observo) los grandes y gigantescos formatos, el riesgo (esto si lo juzgo, je), las grades instalaciones y los materiales más perecederos se guardan en el baúl (o en alguna caja de Pandora, depende), esperando otros tiempos.

Y no es que hayan faltado artistas o stands con crítica   (a circunstancias económicas, y a otras cuestiones concretas), o más lanzados, pero han sido los menos…Y esto, claro, ha sido decisión de los galeristas…no es momento…

Algo (en claro sentido negativo esta vez) que me llamó la atención, a parte de el menguado número de fotografía (e incluso audiovisual o vídeo arte y técnicas digitales o netart, y arte realizado con soporte de nuevas tecnologías) es que a Gerhard Richter le han salido “fans” expuestos (un eufemismo para no decir “copias” que está feo) por doquier; ah, y el rictus d bastantes galeristas o responsables de los espacios galerísticos…que se venía abajo el sábado tarde, mientras visitantes “no profesionales” devoraban con sus contundentes cámaras digitales, y flashes, las obras, hasta, algunos (como en el día de la inauguración) derribarlas y desmembrarlas…(un remolino de gente pasmada rodeaba una escultura, esta vez, dentro del propio stand, ante la palidez de una de las encargadas, como si de un trágico accidente de tráfico se tratara).

Eso sí, ganamos espacio los viandantes del arte contemporáneo, para poder tomar un respiro entre calles y calles de stands.

Streaming, Opening, Bloggers, foros y compra on-line (en el apasionante pasillo de ARCO Collect online, de piezas de entre 600 y 5000 euros, de artistas de renombre), la clarísima apuesta por los coleccionistas aun interesados en la compra y algunas otras actividades paralelas (aunque se echó de menos la programación de otros años como congresos o acciones más intelectuales y teóricas sobre el Arte en sí)  intentaron salvar lo que Wert y otros, quieren hundir entre cornada y cornada…

Resumen:  me hago esta pregunta ¿ha sido 2013 un jarro de “humildad” (en los variados sentidos del término) o un simple jarro de agua fría, para ARCO?…  No estoy segura, pero si algo de ello hay, creo, lo resistirá (y el agua no ha estado tan helada, quizás, como se esperaba).

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Notas…ahora en un tono más personal (aun, je):

lo que más voy a recordar…las fotos de mi admirada Helena Almeida (el tríptico del pabellón 8) y la pequeña pintura de mi querido Gerhard Richter (ahora si, el de verdad);…ah!, y una instalación donde un vaso con agua, normal (el de la fotografía primera de este post, pero no recuerdo dónde lo vi) sobre un plinto que vibraba…(¿caería en algún momento?, porque cuando yo lo vi, ya estaba en el borde de su particular abismo…); mmm, si, esto también, mucho Joan Brossa…y siempre igual de divertido…, así como otros artistas que se repetían a lo largo de distintas galerías…pues hubiera preferido verlos sólo en algunos stands…(esto es algo que siempre me ha abierto la curiosidad, algunos artistas no tienen cabida en ninguna galería, y otros se reparten entre muchas de ellas, y no me refiero a los consagrados no vivos ya…).

lo que me pareció que se repetía demasiado: el juego con los billetes, el uso de la sillas (en escultura, instalaciones…), quizás como elemento simbólico de la austeridad, el utilitarismo o …¿la pobreza?, y el uso de  metacrilatos, que se horadaban o fracturaban, para interactuar con la obra dentro del cuadro y su marco (demasiado repetido, aunque en ocasiones interesante el resultado, claro)…; y el op-art…, piezas antiguas de la vanguardia histórica, y piezas actuales…curioso, curioso…

algo que no me gustó: muy pocos stands tenían, a mano, la información de lo que representaban las obras (y ojo, no tienen por qué explicar las obras las galerías, o el propio artista, por supuesto, y se supone que el público que va está al tanto y al día de lo que quiere y a quien quiere ver, y para eso estaba la web de ARCO, con bastante info…), pero es una deformación profesional, y valoré quienes tenía a la vista más información que el nombre del artista y la técnica empleada (que tampoco todos ponían este simple dato); y otra cuestión que no me moló…perderme a Cristina Iglesias y algunos otros artistas o galerías que tenía apuntados en mi mini catálogo…otro año iré los cuatro días, en vez de dos…(je).

-y una pregunta..., no los conocía, pero…¿por qué los hermanos Róscubas…tienen que recordar tanto a Plensa? (por cierto, no pude evitar, finalmente, fotografiar la impresionante escultura-busto- a que nos tiene acostumbrados este último…, de lo poco que hice fotografía típica (o sea, las obras más fotografiadas no las quería hacer, claro…que ya rulan y rulan por ahí desde el primer día de apertura de la feria…-¿snobismo?, no, falta de interés en lo repetitivo,  y además, para que más? jeje).

-otras curiosidades a recordar con el paso de los días (esta es mi tercera actualización del post): una de ellas: lo que siempre me llama la atención y siempre recuerdo a quienes no gustan de ARCO (cada uno-a por sus motivos X), siempre hay galerías “clásicas” de arte moderno y contemporáneo con firmas emblemáticas para la Historia del Arte, como Picassos, Dalíes, algún Matisse, Dubuffetes, algún Paul Klee, o varios Bacon (siempre presente en lugares llamativos -fantástico para mí-), por decir algunos que me vienen a la memoria,  y que a veces no se pueden degustar de cerca, ni en un museo…porque están en esas galerías…jeje. Normalmente hay mucho grabado y dibujos de los grandes maestros, algo de agradecer (ahí solemos encontrar su esencia pura, claro),  y a nivel más local, también disfruto siempre de los Tàpies, Canogar, Arroyo o Lamazares y demás; la segunda…, que hay que mirar en los apartados de los stands!!, si, desde la primera visita  arco, siempre me gustó curiosear en esos cubículos diminutos para el almacenamiento, objetos personales de galeristas y artistas (la botella de agua, el bolso…etc., etc…), pero que tienen obra colgada normalmente y/u obra guardada para, por, si, según, etc. (sí, Sé QUE ABUSO DEL “etc.”), ahí encontré un cuadrito (por poner sólo unos casos, los que más recuerdo) donde se recreaba el pequeño y famoso autorretrato de Goya simulando un desgarro (ay!!!, casi me duele a mí), o vislumbré, casi colándome (en la galería de Xavier Fiol), la estupenda obra de Jose Luis Puche, emergente artista malagueño que admiro.

(1) : Ah!, y ni idea de que el primer “derribo” de obra, había sido protagonizado por  Norman Foster (o alguien me lo desmiente?)…, las amigas y amigos con quienes charlé del tema in situ, durante ambos días, y por separado, coincidieron conmigo en que la obra debería haber sido dejada tal cual, sin restaurar y allí expuesta, para que formara parte de su bagaje artístico histórico (como El gran vidrio de Duchamp, apuntó Jose Luís Puche acertadamente)…; y otra reflexión al hilo del asunto destrozo y/o enviste de obra expuesta (en sentido literal, que no metafórico)…, las esculturas o piezas (o instalaciones, intervenciones, etc.) que estén mal afianzadas, o en lugares peligrosos para ellas, a expensas del público,…tienen un plus de tendencia a la autodestrucción, así que nada de enfados y madresmía, ¿o no?, o… quizás debería ser tratadas como Arte efímero (si, de ese que se mostró en tan poquita medida  este año)…

…continuará…(como la excelente -este post no tanto, claro, je- película que me zampé para el sábado noche tras mi deambular por ARCO: “En la casa“, de F. Ozon, de la que hablaré, espero, pronto en un post de por aquí)…, o quizás no…, pensaba ir poniendo o insertando, ensamblando,  poco a poco, las galerías o artistas, o piezas, que más me llamaron la atención…, pero me temo que este post no da para más, y sería farragoso seguir añadiendo ideas y temas…(así que lo escribiré para mí y ya veré si da para otro post, anexo, o archivo directamente) (os dejo descansar al fin…jeje).

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Sobre ARCO en prensa, extractos…ABC (imágenes plis-plas), El País (ironías), El mundo (inaugurando), 20minutos, Público.es (pase fotográfico) 

Y un artículo que me parece ajustado a lo que creo, fue arco13, a una semana de su inauguración: en aglaenoticias.es : “arco ya no marca tendencias”…leedlo hasta el final, porque puede tener sorpresa el titular…y es interesante…jeje.

Y otro anexo de última hora (sobre una novedad de este lunes) muy bien por ellos y el Manifiesto de las galerías de arte catalanas: en hoyesarte, abc, arteinformado, el país, …pasos por la defensa de la cultura (o su mercado, que sostiene parte de nuestra cultura…aunque no toda, puntualizo yo…je)

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Algunas obras o panorámicas que me llamaron la atención en el álbum Arco 2013, de mi galería Flickr

(durante la semana, y como escribí más arriba, iré poniéndoles los nombres de artistas o galerías si lo tengo en mis notas, cuando lo ponga nada, es porque no pude abarcar tanto como para tener todas mis instantáneas bien documentadas…je, sentimiento o prisas por cansancio, obligaban a cierto dinamismo, je)

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A propósito de una de las galeristas habituales que faltó por su reciente “jubilación”…Soledad Lorenzo, recojo unas palabras que dijo para El mundo en 2011:

“”En España, casi todas las galerías de arte contemporáneo nacieron sin tradición previa. Pienso en Juana Mordó, en Juana de Aizpuru, en Elvira González, en Helga de Alvear… Cuando empezamos, todo sucedía a pequeña escala, desde las ferias al interés de los coleccionistas… Tuvimos que aprender solas, equivocándonos. En aquel presente de entonces no sabíamos cómo iban a salir nuestros proyectos… Y parece que salieron bien, sí. Pero era un riesgo en un país tan frágil. Echando la vista atrás parecemos más interesantes”.

…esperando ARCO´13

febrero 4th, 2013 febrero 4th, 2013
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imagen tomada por maribel úbeda

Arco 2010, Maribel Úbeda

Al hilo del blanco

agosto 5th, 2012 agosto 5th, 2012
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 Al hilo del blanco, (de Nade Favreau, Museo Arqueológico de Almería, hasta el 2 de septiembre. Producción del Musée du Textile de Cholet (Francia) 2010), una instalación para recorrer sin prejuicios…, con la mente…, en blanco…

El domingo pasado estuve en mi museo preferido…, el arqueológico de Almería… No lo esperaba pues iba a hacer de turista en mi propia ciudad, cogiendo el trenecito guía con una buena amiga, pero…, de camino hacia el Paseo observamos que no llegábamos a tiempo de su salida y vino el dilema: ¿correr, o meternos a ver la exposición temporal del arqueológico?…”es un museo pequeño pero muy bien diseñado, y muy didáctico con las piezas que tiene” le dije a mi amiga, “¿vemos la exposición temporal que he oído que está muy bien?, no se de qué va, algo etnográfico creo…, y además, si no entro ahora, aunque lo tengo cerca, lo voy dejando y…”. Dicho y hecho, nos metimos un poco a ciegas allí, pues no había señal alguna, por fuera, de tal exposición…¿los recortes famosos?…En fin.

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…No había tampoco ningún folleto informativo en el mostrador de bienvenida…, “bueno, no pasa nada, vamos a nuestro aire…”.

Eso si, en las paredes, al inicio, varias cartelas con poemas y otros textos…Decidimos leerlos después de ver lo que allí había, que a distancia ya era sugerente…bastante sugerente…

Sonidos de máquinas, como aleatorios, de músicas futuristas o ancestrales, ambas podían ser…Telas bailando en el aire…., ambiente luminoso, limpio…blanco…, casi minimalista…, algo fantasmagórico, si…pero interesante, evocador, intrigante más bien…

Recorrimos uno por uno los objetos allí reunidos…, trapos, podría alguien decir…un ajuar antiguo y pintoresco, podrían otros añadir…; todo en blanco y de hilo casero; eran camisas, paños, gorritos de bebé, con iniciales la mayoría, doblados y bien colocados los que estaban mostrados en bajo, y paños con extrañas puntadas de color (como alocadas) los que se mostraban a ras de nuestra vista, en alto…

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Y si…, recorrimos la estancia diáfana y nos estremecimos con lo que vimos e intuimos…, ropa de casa, de un hogar de antaño, con lo típico que habría en los arcones o armarios, con las iniciales primorosas bordadas en las telas típicas…, por las manos típicas de una mujer (madre o abuela, o jovencita) de su casa…; ¿el ajuar de una novia?, …y nos acordamos de cuando nosotras éramos pequeñas y nos hacían aprender a coser los distintos tipos de puntadas en un mismo trozo de tela…, al bies, pespuntes,…etc., no recuerdo más nombres pues yo era una rebelde (sin causa aparente) de tal aprendizaje…lo odiaba, odiaba aquel trapito de puntadas de “pretecnología” (¿por qué yo tenía que aprender eso en el colegio -de monjas para más inri- y mi hermano mellizo, en otro cole -público-, hacía experimentos y construía aparatejos “científicamente”???, por qué esa discriminación ???) (si, ya me preguntaba esas cosas, jaja).

Curiosamente, mi amiga y yo habíamos estado hablando la noche antes de los ajuares que nuestras abuelas, tías solteras, o madres (la mía si), nos habían ido guardando para cuando nos independizáramos (casándonos lo más seguro, claro, no había muchas más opciones a principios de los 80 en esta España cuando nosotras éramos niñas; estudiar, si, pero casarse, por supuesto…).Estuvimos comentando que habría ajuares de muchos tipos, pero desde luego, los nuestros no nos gustaban en su momento (aunque con el tiempo sí que he ido viendo lo práctico del tema, jeje, sobre todo monetariamente, y según la prenda, más personal y personalizada o no), pero bueno, prosigamos con la exposición…

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Terminamos el recorrido visual y emocional de la exposición, y, ahora si, con más curiosidad sobre lo visto, sobre todo esos trapos con puntadas aleatorias, extrañas, decidimos leer los numerosos textos…Y efectivamente, eran de un ajuar, de la misma familia que la persona que ideó la exposición…, interesante…

No desvelaré nada más sobre esto, para que quien quiera ir pueda sorprenderse como yo lo hice, de la historia que hay detrás de todo. Pero mi amiga S. y yo nos emocionamos…y yo reflexioné sobre esas sábanas que llevan mis iniciales en la almohada y el envés de la sábana de arriba…, pensé en el cariño que puede haber en las toallas, manteles (muchos con dibujos, tipos de punto increíbles) y juegos de sábanas de matrimonio o individuales; blancos, finos (delicados en su mayoría) que me esperaban (y aun me esperan) en cajones y armarios de la casa de mi madre…(sólo cogí cuando me marché de mi casa para hacer mi vida, las cosas más “modernas” y las más útiles en principio, dejando el resto, más serio y para una casa más grande o formada, para cuando tuviera una casa “en propiedad”).

Si, no es baladí…, mucho tiempo he despreciado,si no todo, si el conjunto y el significado de lo que es un Ajuar…(que no la dote en sí, término muy anticuado, pero más extenso, de lo material que se le lega a una hija, supuestamente, al casarse). El ajuar representaba para mí la sumisión de la mujer, el papel al que se me avocaba desde pequeña por narices, lo que yo no quería ser de mayor (ama de casa o madre), lo que no quería representar. Despreciando ese ajuar, como símbolo del sexismo imperante en nuestra sociedad, yo eludía todos los males de la mujer de fin de siglo XX…Pero claro, también dejaba a un lado, de un manotazo, lo bonito y lo certero que hay en esa tradición ancestral…, es decir, que en su conjunto es el símbolo de lo que pasa de mujer a mujer, dentro de la familia, de unas antepasadas que quiere lo mejor para tí (sea lo que sea); en una suerte de hermanamiento antiguo…los lazos se invocan para desearnos, unas a otras, lo mejor…lo que hay (cada casa con su economía o estatus, con hilo mejor o peor, con sábanas, toallas o manteles de más calidad económica y artesanal, o menos, con más filigrana, o más sencillo), es Nuestro legado…Y todo rezuma…amor…y fraternidad, ¿por qué no?, ¿por qué no verlo así también?.

La vida puede ser muy dura…, pero si sigue existiendo solidaridad, resistiremos…Sólo hay que saber leer los mensajes ocultos de estas cosas domésticas que se nos entrega con humildad y cariño las más de las veces…solo eso…

Resumiendo…la exposición, por si no os habeis fijado, es para mí del todo recomendable, y podeis hacer otras lecturas, por supuesto, porque yo solo me he enrrollado con una parte de mis pensamientos allí y después recordándola.

Hay unos interesantísimos textos de la autora del conjunto, Nade Favreau, de Ana Santos Payán, Pedro J. Miguel, y otros…,disfrutadlos también. No es una exposición para visitar corriendo, no, deleitaros en los sonidos, ambiente, objetos y lectura (os recomiendo que posterior la lectura, para dejaros envolver un poco a ciegas, como comenté al principio).

Nota para el Museo Arqueológico:

A quien o quienes corresponda: gracias por seguir abriendo este espacio, es necesario, es justo…, aunque os “recorten” el presupuesto o el personal hasta el punto de no poder poner una banderola anunciando la exposición temporal de turno, gracias…Seguid en pié y trabajando tan bien como hasta ahora para nosotros, vuestros ciudadanos de a pié.

Atentamente.

Maribel