Instalación «Elixir per se», de Jose Luis Puche. Fotografía, Maribel U. (licenciaCC).

Obra de fondo de imagen, también de Jose Luis Puche: «11.02 y bajando»

Este mes pasado he podido conocer mejor la obra de Jose Luis Puche, artista visual malagueño afincado en Almería, cuya obra llevaba gustándome hacía tiempo, mucho antes de conocerlo en persona. Un artista multidisciplinar y en continuo crecimiento, interesado en todas las manifestaciones del Arte del pasado, del presente y del futuro (al que contribuirá sin duda), y sensible, por cierto, a toda manifestación cultural en general (parece que necesariamente deben ir unidas ambas cuestiones, artista o Arte más interés por la Cultura, pero no es así siempre).

La obra de Jose Luis , a la que me acerco en este blog, es “Elixir per se”, una instalación presentada a finales de Septiembre en AMGallery, (Roquetas de Mar, Almería), y es una muestra de sus inquietudes, sus ideas artísticas y su buen hacer plástico, estético y conceptual, donde lo etéreo se une a lo concreto en una suerte de ligeras piezas colgadas del techo que nos sorprende por su bella fragilidad y riqueza cromática.

Compuesta por 182 piezas escultóricas que reproducen bolsitas de té, cada una manufacturada con gelatina epoxídica y pigmentos orgánicos entintados y 316 metros de hilos que varían cromáticamente y suspenden dichas esculturas volátiles, “Elixir per se” se convierte en una composición llena de sutileza que gravita en el espacio como una “ tililante lluvia de pétalos de té” (en acertadas palabras de María del Mar Domínguez, directora de AM Gallery) que nos atrae para tocarla (aunque no debemos, claro), mirarla sin empacho y dejar volar nuestra imaginación en completa libertad.

Pero, tras esta composición visual  se esconde también una interesante historia, la que impulsó el proyecto (realizado a lo largo de casi cuatro años), y que Jose Luis me refiere así: “Paseando por Málaga vi cómo un grupo de obreros árabes trabajaban en el interior de un local que al final se convertiría en un lugar de venta de telefonía móvil. Todos sentados conversaban y tomaban un té. Alguien da un grito y todos al mismo tiempo sacan su bolsa de té de donde estaban bebiendo, dan unos giros sobre su eje y lo lanzan al techo. Se levantan y se van. Yo quise entrar para ver dónde habían ido a parar todas aquellas bolsas de té; entré y vi que todo el techo estaba plagado de bolsas de té. Posiblemente no lo supieran, pero aquello era toda una obra de arte, una nueva cueva con formas de estalactitas. Aquel modo de colgar el té no era sino reflejo de momentos compartidos, fruto de la espontaneidad, de la fuerza orgánica dotada de una gran belleza estética”.

…A partir de ese momento, Jose Luis comenzó a pergeñar su futura obra, fijándose en los diversos tipos de bolsitas de té y guardando toda la que caía en sus manos (implicando incluso a sus amistades, que se las iban también guardando…). Todo un proceso en cadena para comenzar a realizar los moldes, realistas y llenos de plasticidad: “siempre he sido un enamorado del pliegue, ya que es sin duda la ductibilidad de la forma y el volumen, encuentro en esas bolsas un nuevo modo de estudio de pliegues”.

Y sigue comentándome su labor y proceso creativo: “Opté por fórmulas clásicas, como el círculo y la gama cromática, un modo de aportar un orden y razón que estuviese al servicio de una contemplación puramente hedonista, similar a la que tuve al observar aquel momento. Mi misión como artista fue trasladar ese momento orgánico de la observación y  mejorarlo en la manera de lo posible, en este caso con el orden y el color”.

Sobre el interesantísimo (al menos para mí -al acecho siempre de explicaciones de este tipo-) proceso técnico que siguió, me comenta también: “(…) comencé a solidificar las distintas bolsas de te que me iban llegando, algunas más grandes, otras pequeñas y fui creando los moldes de silicona de los que irían saliendo. Las primeras reproducciones fueron un desastre, utilizaba el epoxi pero no salía, utilicé poliéster pero tampoco, incluso opté por la cera y el yeso, pero no hubo manera, fueron meses de prueba y prueba, y un día me di por vencido y rechacé la idea de realizarlo, muy a mi pesar claro. Pero un día volví a encontrarme con los moldes y pensé que quizás el problema era la presión, y di con la clave, con lo cual las esculturas empezaron a salir adecuadamente. Cuando empecé era invierno y el epoxi tardaba en solidificarse una semana, por lo que el proceso fue muy lento, varios meses para muy poca tirada, pero a medida que fue llegando el buen tiempo en dos días llegaba la solidificación”.

Vista y disfrutada la obra, diseccionado su proceso creativo desde la idea a la manufactura, y reflexionada la apariencia estética junto con el contenido de la instalación, puedo decir que Jose Luis Puche nos ofrece aquí el regalo de un trabajo artístico excelente, no sólo bello y bien realizado, sino que, además, homenajea, en cierto modo, el trabajo cotidiano de los trabajadores de la construcción (del Magreb o no, musulmanes o no) donde también puede haber un momento de belleza, un momento íntimo para reconfortarse y poder seguir la labor diaria.

Como para una inmensa mayoría de personas anónimas, el día a día puede ser duro, pero se suaviza con un “algo más” fuera de diversos materialismos y más cercano a lo espiritual, a las sensaciones y a los sentimientos, un “plus” que necesitamos como respirar, y que significa muchas veces el Arte, un “algo más” como el que nos muestra “Elixir per se”, de Jose Luis Puche.

«Elixir per se», de Jose Luis Puche. Fotografía, Maribel U. (licenciaCC).

Entrevista a Jose Luis Puche:

-¿Hasta cuándo podemos ver tu instalación actual en AMGallery y tu obra obra expuesta:»11:02 y bajando»?

Para eso no hay fechas concretas ya que AM sigue unas políticas de exposición distintas al resto de galerías al tratarse de una exposición colectiva, pero puede ser aproximadamente dos meses.

-¿Tienes alguna obra entre manos?.

Si, tengo entre manos otra obra donde prima el dibujo, aunque también estoy intentando proseguir por el campo de la gelatina epoxídica, su reproducción, la cual ofrece unos resultados de gran calidad matérica, aunque aún no puedo decir ni qué es ni si será un proyecto factible, está aún en proceso mental de construcción.

-¿Tienes a la vista alguna exposición próximamente?

A la vista tengo una exposición individual en AM Gallery pero aún está por confirmar la fecha.

-¿Con qué materiales, soportes, etc., te sientes mejor trabajando?

Sin duda con el grafito, creo que por vicio desde pequeño, de ahí la habilidad adquirida. Estoy muy concienciado con teorías artísticas del quattrocento italiano como las de Filarete, Alberti o el propio Leonardo, donde ponen la base y el pilar de toda creación artística en el dibujo. Es una herramienta básica a la par que versátil, mientras otros muchos han visto en el dibujo una herramienta de tránsito, preparatoria para la pintura o la ideas yo la he observado en la historia del arte como obras de arte en sí mismas, ya sean simples esbozos u obra per sé. Quizás por ello mis dibujos han llegado a alcanzar la dimensión de 240 cm, porque es posible que con ello reivindique un papel protagonista de una técnica que por antigua que sea aún es actual.

Por otra parte también destacaría mi relación con el epoxi, que en mi aventura de investigar nuevas posibilidades di con un material fino aunque complejo de utilizar y domar, que me ha servido tanto para pintar como para crear obras esculturas como «elixir per se». Y que evidentemente seguiré trabajando.

-¿Tienes un ritual o proceso artístico concreto?

Bueno, normalmente dejo que las ideas residan en la mente un tiempo, después las desarrollo levemente y las someto a debate para ver si merece la pena llevarlas a realizarlas, ese es mi proceso. Una vez Guillermo Pérez Villalta me comentó que no todas nuestras ideas son dignas de ser artísticas, y la clave está en seleccionar aquellas que si lo son. Creo que lleva razón.

-¿Cómo te «posicionas» ante tus obras? ¿Quieres transmitir, comunicar, simplemente expresarte, todo? ¿Dejas libertad total al que la vea o prefieres que conozcan su «significado»? (pregunta múltiple y compleja, soy consciente).

No creo en la dictadura de la razón, es decir, creo en la obra que admite  acepciones, abierta a distintas posibilidades, es más, ni siquiera yo quiero dominar su razón de cabo a rabo.

-¿Cuál crees que es el «camino» actual del arte de hoy?

El arte de hoy día no tiene parangón en la historia del arte. Nunca una época artística ha vivido tanta transformación en el plano matérico ni tan siquiera conceptual como ésta época nuestra. A medida que avanza la sociedad y las fuentes de conocimiento éstas tienen cabida en la rama artística. Por otro lado me gustaría mencionar el papel de la profesionalidad del arte, no sólo de los agentes culturales, que se han multiplicado y son factores imprescindibles para la creación y culminación de un proyecto artístico, sino también la incursión de las ciencias tecnológicas de las que muchos artistas se sirven para llevar a cabo sus trabajos. Todo esto hace que el arte hoy día se observe bajo la óptica de la complejidad, quizás nos falte perspectiva, pero yo intento ser más simplista a la hora no sólo de trabajar sino también de observar la obra de otros muchos artistas con la que disfrutas de todas todas. Aquellos quienes tienen una visión catastrofista del arte, que si se está acabando o está muerto deberían darle la vuelta al pensamiento y observar todo lo que está pasando como una da las etapas más prolíficas de toda nuestra historia, comparable a lo emergente en la época clásica griega. Los resultados a los que llegan muchos artistas (fotografía/video/ nuevas soluciones arquitectónicas y escultóricas) no se han producido jamás y quizás me pase comparándonos a los griegos pero si no lo somos ya puede que estemos en el camino. Hablo de la novedad, de las nuevas soluciones para el arte y que esto está pasando ahora y no hace un siglo. Aún así no todo es maravilloso, la Historia del Arte nos ha dejado cosas maravillosas, mediocres y malas, en esto no hemos cambiado, evidentemente.

-¿Podrías decirme un sueño personal, como artista?

Mi sueño es sin duda una obra que tarde o temprano tendré que realizar, por la historia de mi familia, de mi ciudad, a consecuencia de ella misma yo existo, y no puedo ser inexorable a todo ello. Ese se podría decir que es mi sueño, llegar algún día a concretarla, trabajarla y presentarla.  Es posible que parezca un sueño fácil de cumplir pero no lo es.

«Elixir per se», de Jose Luis Puche. Fotografía, Maribel U. (licenciaCC).

Enlaces de interés sobre Jose Luis Puche y su obra:

Curriculum Vitae y artístico: http://biografiajoseluispuche.blogspot.com/

http://www.am-gallery.es/index.php?opcion=9&idartista=13

En otros medios: http://www.tertuliaandaluza.com/cultura/artistas-emergentes/jose-luis-puche/

http://www.lagacetadealmeria.com/index.php?option=com_content&view=article&id=45520:am-gallery-recibe-la-visita-de-los-alumnos-del-saint-georges-school&catid=88&Itemid=57

«Elixir per se» y parte de «11.02 y bajando», obras y fotografía de Jose Luis Puche

Pronto hablaré aquí de dos artistas que trabajan en Almería, por y para las artes plásticas y visuales.

Jose Luis Puche (pintura, dibujo, instalación, escultura…), artista malagueño de ámplia trayectoria, que expone, dentro de la colectiva actual de AM Gallery, en Roquetas de mar, Almería, y Rafa Manzano (fotógrafo), almeriense recientemente seleccionado como uno de los jóvenes promesas de la fotografía en Emergent de Lleida, el Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales.

Jose Luis Puche, en AMGallery

Jose Luis Puche

Rafa Manzano

Rafa Manzano

También hablaré de Rafael Pérez Cortés, almeriense en el exterior (Doctor y Profesor Titular de Fotografía en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla) que expone actualmente en el Centro de Arte Museo de Almería, CAMA, una interesante muestra de su trabajo fotográfico: No es tiempo de magia.

Rafael Pérez Cortés, en el CAMA

Rafael Pérez Cortés

Estupenda forma de mostrar la última exposición, sobre la obra del siempre vanguardista, Andy Warhol, en el MOMA.

Esta vez, podemos conocer un poco más de la obra de Warhol gracias a la exhibición de sus Motion Pictures, o los retratos grabados cimáticamente de artistas de su entorno underground, como un joven Lou Reed, etc. ( «Motion Pictures focuses on the artist’s cinematic portraits and non-narrative, silent, and black-and-white films from the mid-1960s»).

Esta forma de retratos, que según Fernando Castro Flórez (en El Cultural) fue una forma de autorretrato de Warhol, por significar, algo así, como un espejo donde se veía a sí mismo, nos deja ver, claramente, el grado de contemporaneidad que aun tiene la obra (siempre en exploración por parte de estudiosos del arte, el pop-ar, y Warhol) de este artista-creador-autor…

Pero, bueno, para mí la nocitica a resaltar, dentro de esta pequeña reseña, es que El MOMA deja ver todos los retratos-filmados parece que de Andy, y es «a lo Andy» en su web, y desde flicker (qué idea!)…, si, bueno, muchos/as podéis decir que no es una novedad…, pero cuando la difusión triunfa con grandes dosis de morosidad en mostrar contenidos…, pues esto es un deleite y un gusto…También podemos escuchar el magnífico violín de Hahn-Bin ante las pantallas de los Motion Pictures originales.

Eso si…, tenéis para ver estos autorretrato «a lo Warhol» (?)…, un buen rato, y en total silencio…, ánimos, no está nada mal para variar del mundanal ruido del actual audiovisual de «disfrute» masivo (sí, me pongo algo elitista por unos momentos, pero pronto se me pasará, tranquilidad…jeje)

Hace un par de lunes me pasé por el CAF (Centro Andaluz de la Fotografía) en Almería; como era lunes no esperaba encontrarlo abierto, pero como es un lugar de divulgación,  un centro de recursos, biblioteca, talleres, etc., y ofrece algo más que una simple sala de exposiciones, pues ¡sorpresa!, estaba abierto, algo bueno, a partir de ahora, para los lunes, no ya al sol, sino de hastío post- fin de semana (esos dos días en los que supuestamente te va a dar tiempo de ir a todos los lugares con expos interesantes y a hacer todo lo que no has podido realizar durante la semana…).

El caso es, que me sorprendí gratamente con lo expuesto allí (hasta ahora es lo que me suele pasar, me gusta lo que presenta el CAF), tanto con»Espacios abandonados», en la sala de abajo, como con la exposición de arriba, «Trabajos de campo«, donde se contrapone-comparan las obras documentales de Cristóbal Hara y Rafael Sanz Lobato (todo un descubrimiento para mí este último, con fotografías en b/n que en ocasiones me traían a la memoria el fotorreportaje social de Eugene Smith, como su “Médico rural”, o “Spanish Village: It Lives in Ancient Poverty and Fait” para la revista Life), de la colección de FotoColectania.

Pero lo que más me impresionó fue la obra fotográfica de Dalia Khamissy: «Espacios abandonados«, y más que por las fotografías en sí mismas (sobrias, todas con luz natural, sacando partido del color, de buena composición e interesantes, con una coherencia de conjunto y estética definida, buscada y acorde con el contenido del mensaje) lo que me impresionó fue  lo que representan, lo que la fotógrafa quería trasmitirnos o comunicar…

Todas las fotografías, que formal y objetivamente muestran espacios interiores destrozados por la guerra en Líbano, llevan un texto al lado que comienzan así:

«Sur del Líbano: una casa destruida».

Más abajo en los textos, aparece siempre el nombre de la ciudad concreta donde estaba tomada la fotografía (la mayoría de las veces el lugar es “Sint Yabil: una ciudad marcada y bastión de Herzbolá, fue apodada Ciudad Maldita por el ejercito israelí durante la guerra del verano de 2006 porque nunca lograron invadirla»). A continuación del anterior enunciado, los textos continúan describiendo qué se ve, las circunstancias en que encontraron el interior fotografiado, si había alguien allí o cuándo tomaron la impronta, etc.

El comienzo de estos textos que acompañan a cada imagen siempre de la misma manera (“Sur del Líbano: una casa destruida”), se asemeja a una especie de letanía…, es como un rezo o una oración, o esa fue la  sensación que tuve. Y dan que pensar…; porque no sólo es desolador lo que se observa por ese abandono, los restos de hogares con muros derruidos o agujereados.., muebles rotos o volcados, todo lleno de polvo, escombros,  con objetos y restos de haber sido habitados (alfombras aun colocadas donde estuvieron…), e incluso, en ocasiones, el paisaje que se deja ver, no ya a través de una ventana, sino de un hueco dejado por disparos o bombas…

Dalia consigue mostrar con todo esto la barbarie objetiva, la barbarie en daños cuantificables, materiales, sustanciales, si…Pero lo que se ve ahí en realidad, y leyendo más allá de cada uno de los pequeños textos-ritualizados (por lo repetitivo)  es la metáfora del desmoronamiento también personal de los que allí vivieron, los que habitaron esos espacios.

Si contemplar esos lugares puede causar la pena que yo sentí, y la desazón…,  la intranquilidad…, qué se sentirá al ser desterrados de estos sitios de verdad y por la fuerza…; qué se sentirá al ser desposeida-o, no sólo de un bien material, sino de la pequeña historia de cada lugar cuando estaba habitado, las emociones allí sentidas, las vivencias, las sensaciones…

Imagino que este trabajo fotográfico intenta rescatar de los escombros ilusiones y acontecimientos para que no caigan en el olvido. Es la lucha desarmada con armas de otro calibre, con imágenes de los perseguidos, de los que tuvieron que huir…

Lo que Dalia Khamissy ha hecho con su cámara, desde la idea hasta la toma y la exposición de estas fotos es la contestación a la sinrazón de una guerra…, es la lucha sin armas de fuego, sólo con el potencial armamento de  las ideas, que no ideales exactamente, algo quizás más peligroso dependiendo de quienes las esgriman y en aras de qué se esgriman…

La foto que he visto de una usuaria de Facebook, sobre el sinsentido de contruir en El Palmeral, (más info en PELP! -Plataforma Ciudadana contra el Megaproyecto Hotelero en El Palmar- nace en diciembre de 2009,  Ayuntamiento de Vejer de la Frontera) me ha llevado a esta reflexión que querría compartir aquí…

‎Os situo un poco primero: imaginad una preciosa playa «virgen»…, y el ansia de contrucción, edificación, artificiosidad y artificialidad, etc…, resultado…, la lucha de unos cuantos por preservar un lugar precioso para todos, tal cual…

La foto: arena y orilla de la playa, y en medio de la arena, medio disimulado pero bien a la vista…, destrozando el paisaje y cualquier pie de un paseante despistado…, un ladrillo en mitada de la arena…

Y así, tóntamente, como quien no quiere la cosa vamos deshaciendo el mundo…»construyendo» país….a ladrillazos…así nos va… Resulta una gran incongruencia dejar toda la culpa a las grandes entidades bancarias o superpoderosos chupópteros…, todos (la mayoría, y muchos no por gusto, claro) tenemos parte en este desastre económico y ambiental, el ritmo al que queremos llevar el planeta, el coche, nuestras vidas…todo…es tan artificial….La especulación es solo la punta del iceberg…Suena mal decirlo, en este actual mundo capitalizado del todo, pero la culpa es del materialismo supino y absurdo al al que se ha llegado…,mientras una parte del hemisferio norte vive (en aras de la tan cacareada Civilización)  a todo tren …, el resto se muere de hambre, superchería, machismo antinatura, extremismos ideológicos y-o religiosoides (algo realmente bien alejado de la pretendida espiritualidad, creo), guerras intestinas o trasplantadas…; y encima, no te muevas!, porque si emigran, si emigras,…, serán unos indeseables y que se vuelvan a su pais…., el colmo de los colmos.

Frente a la hipocresia, el miedo al otro y a lo «diferente», frente el miedo a la Naturaleza sin construcciones, frente el miedo a los terrenos «virgen», sin ladrillos, si dominar, sin domesticar…menos mal que existe la poesía, la fotografía…, la expresión humana y artística de muchos y muchas aun…eso nos salva un poco, si es posible.

Recojo esta noticia, no novedosa, de la web masdearte, pero con miga(s)…

Madrid y Londres, 28/10/09. masdearte.com

«Los museos definen sus estrategias para combatir la crisis. Apuestan por revalorizar sus colecciones, promover las actividades educativas y organizar exposiciones más atractivas.

El recorte de sus sueldos por parte de un tercio de los directores de museos estadounidenses, la supresión de la Consejería de Cultura de la Comunidad de Madrid, la apuesta por los precios razonables en buena parte de las ferias de arte que se han celebrado este año, el descenso del número de galerías participantes en muchas de ellas o la disminución de las donaciones privadas a museos internacionales, siendo el MOCA y la Albertina los casos más llamativos, vienen dando fe en los últimos meses de que las repercusiones de la crisis económica se han extendido también al ámbito del arte y la cultura; sin embargo, la excelente acogida que la retrospectiva de Sorolla tuvo en el Museo del Prado casi 460.000 visitantes o los exitosos balances de las últimas ediciones de la Frieze Art Fair de Londres o la FIAC de París han puesto también de relieve la solidez del mercado artístico y la vital importancia de emprender iniciativas novedosas y de calidad que permitan a los centros de arte ampliar su público y sus expectativas de crecimiento.»

víaLos museos definen sus estrategias para combatir la crisis

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Ufff, pues menos mal…, que se ve que lo de la crisis afecta al CONSUMO sobre todo material, de cosas…, y que el DISFRUTE del arte (no solo su COMPRA) es lo que verdaderamente interesa al público en general…A veces hace falta un crisis para darse cuenta de evidencias supinas…en fin…

Groucho contemplando un dibujo mío. Maribelubeda (CC)

Homenaje a Hokusai, de Eduardo Sanz

«Las galerías Juan Gris y Rayuela muestran de manera conjunta las obras más recientes realizadas por Eduardo Sanz. Al mar, protagonista de su trabajo desde hace muchos años, se unen en esta ocasión las vistas del monte Fuji, las olas y la lluvia, con las que el pintor de Santander quiere rendir su particular homenaje al legendario artista japonés Hokusai Katsushika.»

«A Hokusai de Eduardo Sanz»

Del 8 de abril al 29 de mayo de 2010

«Hacia el Fuji» 2007-2010 Pintura/lienzo 100 x 100 cm.

Galerías de Imágenes.

…deshaciendo dilemas…; reflexiono sobre el tema de ARCO escuchando R3…y parece que veo algo de luz…,uno de los artista que inaugura ARCO…lo hace con una performance sobre la falta de crítica del público del arte…,sobre las propias obras y sobre las exposiciones…; nos dice que es una paradoja lo que ocurre hoy dia…, y que, según él, Nadie piensa en lo que ve hoy día en los museos, etc., nos limitamos a mirar como en la tele……mmm.

En general estoy de acuerdo, pero no solo respecto al Arte, sino respecto a todo, la vida en general, es más fácil que nos la comenten en el telediario…y punto…

Pero en particular no estoy de acuerdo…, porque si que hay mucha gente interesada en el arte (contemporáneo en este caso), que a parte de mirar…y en su caso deleitarse…se para y piensa, reflexiona,… y disfruta…normalmente (je).

Respecto a ARCO, que es un supermercado de exposición para venta de arte a particulares, entidades y/o coleccionaistas…es así y punto, si, es un gran supermercado…pero no solo de «productos» artísticos…sino de las ideas (que son gratis…aunque costosas, vamos que tienen valor), de creaciones,…de los galeristas, compradores y/o coleccionistas (no es lo mismo), gurús, comisarios/as…oteadores, artistas y/o artistoides (no es lo mismo)…, visitantes y/o aburridos paseantes (no es lo mismo, y dejo claro, por si no se nota, me repatean, para aburrire y venir con el chip de «no me gusta»: NO VENGAS!, AHORRANOS TU JETA ADUSTA y acusadora, a no ser que seas masoca o te sobre el dinero y no sepas cómo emplearlo salvo en una entrada de algo que detestas de antemano)…etc., etc., todo lo que se mueve en la indutria y/o farándula (a veces, si es lo mismo) del gran escaparate de las Artes visuales y ahora audiovisuales.
Y si, he visto algo de luz, porque es una paradoja abrir ARCO con una performance así, jeje. ¿Se cubren las espaldas así los organizadores?…, no lo se aun.
Así que para contestarme a mí misma en mi último post…reflexiono sobre las paradojas y digo…que bueno, el mundo ya es de por sí una Gran Paradoja…quién no es paradógico?, todo el mundo es cohoerente?, No, y mil veces no…
Yo antes…cuando era joven (o más…ñje), pues pensaba que todos debíamos aspirar a la coherencia más pura…y bella…pero no, hoy día creo (opino, veo, siento…etc.) que la paradoja, como el caos, como el perpetuo cambio, es la esencia del universo, y por ello del ser humano, desde sus pequeñas partículas más elementales, hasta nuestro pensamientos más recónditos…(que también, lo siento, lo creo) son pura química y física.

Pero como medimos el espacio-tiempo creemos que los sabemos todo y podemos controlarlo todo…JAH!!
y menos mal que JAH!…
Porque gracias a eso de no saberlo y controlarlo todo… tiene aun cabida la poesía, la creación y el Arte…por eso aun somos humanos y no ciborg (sin nada contra estos seres entrañables)…

…he dicho, ale, ele y olé!.

[caption id="attachment_257" align="alignright" width="432" caption="mi realidad aumentada"][/caption]

Algunos irán, o iremos incluso, a pasearnos por ARCO, no para comprar, claro, pero tampoco para poner el grito en el cielo por el arte contemporáneo (hasta ahí podíamos llegar), ni para alabar a la organización o a acontecimientos así…, pero no por animadversión, simplemente porque no es necesario.

En fin, para mí en estas fechas siempre viene el dilema…, estudié historia del arte, estudio aun historia del arte (desde una perspectiva ya no academicista, sino por voluntad propia, para comprender el arte actual, y para comprender el anterior…), busco obras, busco a los creadores…busco lo que quieren decir y lo que dijeron o les dejaron decir… Y normalmente de los artistas que puedo ver y estudiar algo, se puede sacar una norma fija: un día expusieron, o exponen, (o se les expone…), o estuvieron o están en el mercado.

Esto lleva plantearse muchas cosas…, pues no es lo mismo el arte anónimo de la edad media, que el arte en el Renacimiento o el Barroco, hasta nuestros días, claro. Algo que los detractores del Arte Contemporáneo ni se plantean y punto…son así de listos y estetas…(y esto da para otro post, por supuesto, a ver si me pongo…).

La relación entre público (comprador directo, mecenas aritócrata o eclesiástico -y como mucho sus feligreses-) y obra, no se modificó apenas hasta la aparición de la burguesía. Pero la relación entre público, comprador, crítica, exposiciones (salas, marchantes, galeristas, intermediarios, gurús, etc…) y la Obra-artista…si ha cambiado desde fines del siglo XVIII.

Con la muestra de la obra artística en boga en los primeros salones, para que la pequeña y alta burguesía pudiera ver y adquirir obra durante el XIX, y hasta las primeras vanguardias, donde esto se intentó poner en tela de juicio (y nunca mejor dicho lo de tela, y fotografía, y objetos, recortes, móviles, etc., etc…) e incluso cambiar…, se abrió un camino que hasta ahora ha sido dificil o imposible variar…pese a los intentos.

Por qué?…porque finalmente la obra de arte se ha terminado por cosificar,  han (o hemos) tirado la toalla casi por completo.

Y podría escribir páginas y páginas de papel o de blog sobre este tema, en contra, a favor, su por qué, sus pros y sus contras…pero vamos a centrarnos en ARCO  y los sentimientos ambiguos que (me)  provoca (y digo ARCO porque tengo «cerca» el poder asistir, pero en realidad me refiero a cualquier gran o pequeña feria de exposición de obra en mercado…).

Si estoy (y lo escribo para quienes sientan como yo, o nunca hayan reflexionado sobre el tema) con este dilema interno es porque odio este estado del mercado del arte, porque odio esa mercantilización, y esa cosificación a la que nos lleva el consumismo exacervado del mundo capitalista, a todas luces, donde estamos inmersos.

Pero no porque no quiera que nadie pueda poseer una obra de arte, o que exista, no, sino porque se ha llevado a extremos tan absurdos que da risa o miedo…

Pero a la vez que desapruebo hasta donde se llega en la compra-venta de obras de arte (normalmetne de autores consagrados y/o artistas en alza y que serán un «valor» seguro en el futuro mercado) y por tanto, muchas veces, la compra-venta del propio artista…, pues no puedo negar que si dejan entrar en esta feria al gentío…, a la plebe, al que estorba porque no compra  (salvo su entrada, que ya es)…hay que aprovecharlo.

Porque se supone que entre todos esos pasillos de stands de grandes galerías (no en espacio muchas veces, sino en influencias y cifras) se puede ver dos cosas interesantes:

1. Muchas grandes obras que aun están en el mercado, de artistas consagrados (y desaparecidos) desde fines de siglo XIX hasta los 90. Algo que siempre olvidan los periodistas que cubren ARCO, sobre todo en sus portadas y titulares (porque hay que dar carnaza sobre lo snob y «malo» que es el horrible arte contemporáneo que «no hay dios que lo entienda»…claro, es lo más sencillo).

Obras expuestas que de otro modo, en un museo no vas a ver porque están en mano pri-va-das, ni te podrás ir a sus galería in situ, en Roma, París o New York, Berlín…etc., por obvias razones de diner-logística-tiempo…( Ojalá, pero en mi caso, pues no).

2. Porque puedes ver el panorama de lo que se está haciendo en este momento, o sea, el arte realmente Contemporáneo (sea llamado postmoderno, o de vanguardia,…etc.). Bueno, no todo lo que se está haciendo, por supuesto, pero si las últimas tendencias, o al menos (no nos engañemos tampoco) lo que gusta a los galeristas, marchantes, críticos y gurús y/o comisarios del momento. Y puedes ver las paredes de usar y tirar de las grandes galerías que no podrás visitar para ver y mirar, repito una vez más, no para comprar (…je).

En fin, y para resumir, es un lugar para observar, y disfrutar (incluso para encontrarte con antiguas amigas y amigos amantes de las artes), aunque me repugne el juego en el que está metida toda esa gran cantidad de obra estupenda (no toda, por supuesto, incluso quizás poca) contemporánea, y por tanto me sienta parte de ese juego al que no quiero jugar, ojo, ni aunque tuviera dinero para ello.

Porque no estoy en contra de pagar por una obra (no del todo al menos), pero no lo que se pide por una firma…

Recuerda que Otra forma de hacer y entender el Arte…es posible, porque OTRO MUNDO ES POSIBLE…

Así que recordad queridos/as amigas/os…

(tenía un dibujito muy mono para escanear y colgar aquí, pero…problemas informáticos me lo impiden, sorry)

El «valor» crítico de una obra artística (entiéndase artística por visual o  plástica, y hoy día ya audiovisual también)…………………………………..NO ES IGUAL A $

El «valor» formal-estéticode una obra artística (entiéndase artística por visual o  plástica, y hoy día ya audiovisual también)…………………………………..NO ES IGUAL A $

El «valor» subversivo (en su caso)  de una obra artística (entiéndase artística por visual o  plástica, y hoy día ya audiovisual también)…………………………………..NO ES IGUAL A $

UN ARTISTA (plastico o visual…etc) ………………………………………….NO ES IGUAL A ARCO

y

EL MUNDO DEL ARTE……………………………………………………………..NO SE RESUME EN LOS ARCO (y similares)

afortunadamente…

bsos

Realmente esta imagen me gusta estéticamente, pero no me gusta que el personaje grande de la derecha haga un amago de «chiss», como silenciando o pidiendo silencio….

No es el momento de callar, sino de hablar, y alto. Al menos,  de escribir, y que se entienda.

Basta de manipulaciones tipo Sgae o ministerio de cultura…; y yo que era defensora de la Sinde como profesional…, cachis…, como guionista y tal, pero me está decepcionando al mando de la Cultura oficial de este estado…Pensé que se regía por presiones de falsos-malos-carcas empresarios…,pero parece que la sintomatología suena a peor enfermedad…: ceguera total, falta de puesta al día…, algo que un político nunca puede padecer (aunque muchos, la mayoría,  se vean aquejados de tal mal y tan campantes, ellos y nosotros, digo)

Y Alex de la Iglesia?, se dice, se comenta, aunque yo no he leido nada de su puño y letra aun,  y voy a informarme nada más terminar de escribir esta parrafadilla, que también defiende lo indefendible hoy día…mmm, a ver, a ver… Lo respeto y casi adoro como director de cine, y creía que haría «buen papel» como director de la Academia del cine dentro de este gran casting…de la peli «La Academiaaaa» (ya en sus pantallas digitales 16:9), que  es una institución y donde Él ocupa un cargo público al fin y al cabo, y que para algo debe servir al Cine (en mayúscula,y  sin la palabra delante «nuestro»…, por cierto)…digo yo…

Bueno, otro día…más. No digo que «he vuelto», como tantos/as que dejan su blog a la mano de internet, y luego vuelven, porque no se si lo he hecho de veras, pero…parece que me va picando de nuevo el gusanillo…a ver, a veh..jeje

Feliz post-entrada en 2010, por cierto!

bsos para tod@s, pese a desgracias circundantes varias…(lease, Haití y la vergüenza del caos tras la desgracia del terremoto y la pre-desgracia de la situación de paises así, mientras otros -como nosotros-nadamos en opulencias…; otras «guerras» no mencionadas esparcidas por el resto del globo; la ley sobre sostenibilidad e internet, Ley de Economía Sostenible del Ministerio de Cultura… (pese a ser de otro calibre, claro, que lo anteriormente citado); o las muertes consecutivas de dos de mis grandes ídolos: Iván Zulueta (Arrebato, una de mis pelis preferidas) y E. Rohmer…(marcó un antes y un después en mi concepción de qué es o puede ser una película…ahí es nada)

(cómo me gustan las postdatas, herencia del Gasset Dubois?)

Manifiesto “En defensa de los derechos fundamentales en internet”

Ante la inclusión en el Anteproyecto de Ley de Economía sostenible de modificaciones legislativas que afectan al libre ejercicio de las libertades de expresión, información y el derecho de acceso a la cultura a través de Internet, los periodistas, bloggers, usuarios, profesionales y creadores de internet manifestamos nuestra firme oposición al proyecto, y declaramos que…

1.- Los derechos de autor no pueden situarse por encima de los derechos fundamentales de los ciudadanos, como el derecho a la privacidad, a la seguridad, a la presunción de inocencia, a la tutela judicial efectiva y a la libertad de expresión.

2.- La suspensión de derechos fundamentales es y debe seguir siendo competencia exclusiva del poder judicial. Ni un cierre sin sentencia. Este anteproyecto, en contra de lo establecido en el artículo 20.5 de la Constitución, pone en manos de un órgano no judicial – un organismo dependiente del ministerio de Cultura -, la potestad de impedir a los ciudadanos españoles el acceso a cualquier página web.

3.- La nueva legislación creará inseguridad jurídica en todo el sector tecnológico español, perjudicando uno de los pocos campos de desarrollo y futuro de nuestra economía, entorpeciendo la creación de empresas, introduciendo trabas a la libre competencia y ralentizando su proyección internacional.

4.- La nueva legislación propuesta amenaza a los nuevos creadores y entorpece la creación cultural. Con Internet y los sucesivos avances tecnológicos se ha democratizado extraordinariamente la creación y emisión de contenidos de todo tipo, que ya no provienen prevalentemente de las industrias culturales tradicionales, sino de multitud de fuentes diferentes.

5.- Los autores, como todos los trabajadores, tienen derecho a vivir de su trabajo con nuevas ideas creativas, modelos de negocio y actividades asociadas a sus creaciones. Intentar sostener con cambios legislativos a una industria obsoleta que no sabe adaptarse a este nuevo entorno no es ni justo ni realista. Si su modelo de negocio se basaba en el control de las copias de las obras y en Internet no es posible sin vulnerar derechos fundamentales, deberían buscar otro modelo.

6.- Consideramos que las industrias culturales necesitan para sobrevivir alternativas modernas, eficaces, creíbles y asequibles y que se adecuen a los nuevos usos sociales, en lugar de limitaciones tan desproporcionadas como ineficaces para el fin que dicen perseguir.

7.- Internet debe funcionar de forma libre y sin interferencias políticas auspiciadas por sectores que pretenden perpetuar obsoletos modelos de negocio e imposibilitar que el saber humano siga siendo libre.

8.- Exigimos que el Gobierno garantice por ley la neutralidad de la Red en España, ante cualquier presión que pueda producirse, como marco para el desarrollo de una economía sostenible y realista de cara al futuro.

9.- Proponemos una verdadera reforma del derecho de propiedad intelectual orientada a su fin: devolver a la sociedad el conocimiento, promover el dominio público y limitar los abusos de las entidades gestoras.

10.- En democracia las leyes y sus modificaciones deben aprobarse tras el oportuno debate público y habiendo consultado previamente a todas las partes implicadas. No es de recibo que se realicen cambios legislativos que afectan a derechos fundamentales en una ley no orgánica y que versa sobre otra materia.

Este manifiesto, elaborado de forma conjunta por varios autores, es de todos y de ninguno. Si quieres sumarte a él, difúndelo por Internet.

La Galería Espacio Mínimo (Madrid) vuelve a traernos al gran fotógrafo holandés, Erwin Olaf, esta vez con sus series Amanecer y Anochecer, que podeis contemplar en su web, entrando en «photography» (es todo flash, por eso os guío, je) y pinchando nuevamente en las series Dusk y Dawn (títulos originales según veo).

Aquí realiza, de nuevo en sus claves barrocas-neoclásicas, ejercicios de distanciamiento y extrañamiento del ser humano. En Dawn, jugando con los tonos de blancos y grises, con lo gélido, casi helado, y el blanco de la piel y el pelo rubio de los modelos que posan como jóvenes aristócratas de una gran mansión de Guerra y paz, o dentro de un retrato a lo Ingres (como en la foto mostrada arriba); en Dusk, jugando con lo oscuro, la piel negra de sus modelos y escenarios barrocos que, esta vez, parecen sacados de un cuadro del Barroco puro (a lo Velázquez -como ya hizo en otra de sus series de fotografía «Labora escene» recreando a Caravaggio,o el propio barroco holandés) o de Lo que el viento se llevó , aunque aquí sus jóvenes también modelos posan vestidos como propietarios, no como esclavos sureños…

Olaf muestra por primera vez estas dos series de retratos de norteamerianos juntas (según la nota de prensa en masdearte.com, aunque primero creó Dusk, y luego, y como «reflejo» creó Dawn) , y parece acertado, porque representa un gran contraste, aparecen como dos mundos de simbolismos antagónicos, dos mundos que siempre han convivido, aunque separados hasta hace poco. Dos «mundos» por quienes se ha luchado para unirlos, o al menos aparentemente, … y quizás sea esta una de las lecturas que proponga el fotógrafo…, estereotipos raciales…, o quizás es un mero ejercício estético lleno de alusiones y hasta cierto punto mordacidad.

Merece la pena, pues, para quienes no podáis «acercaros» a Madrid a disfrutar de esta exhibición a ver un alarde más de la maestría de Olaf, que entréis en su web oficial, y contempléis su gélida mirada irónica sobre la belleza actual, el mundo de las y los topmodel o la Moda -como en su serie «Fashion victim», a lo Mapplethorpe, con quien, al parecer, estudió-; el mundo de la juventud-decrepitud, o el de la belleza andrógina donde tampoco parecen existir curvas, mundos de deseo estereotipado y excesivo, de decadencia y decadencias como parece querer resaltar Erwin Olaf…, mundos retratados y captados, en todo caso, de forma singular (y que crea escuela).

Hace años disfruté en vivo de la primera vez que trajeron sus obras a Espacio Mínimo, en este caso a la galería situada en Murcia, y retomo un antiguo artículo, reseña más bien (publicado en la revista Aladeriva, y que he revisado y publicaré aquí cuando mi blog site me deje .

Otros lugares para saber de su trayectoria y ver facilmente varios de sus trabajos:

http://misojosven.blogspot.com/2009/03/erwin-olaf-grandes-fotografos.html

http://www.chueca.com/fotos/200511/28218479894802.htm (en esta web merece la pena verse varias imágenes con su trayectoria explicada, pero es un poco insufrible la publicidad continua…uf)

… Poeta, grabador y pintor, músico (junto a Amancio Prada en muchas ocasiones)…dialogador y comunicador de pensamientos y sentimientos…

«La casa roja», de Carlos Mestre. Foto de Galería Acanto.2009 (grabado al fondo, de Carlos Mestre)

Más info sobre el premio en este link de Eurpapress

Extraigo las palabras de felicitación y elogio (y su trayectoria) que le dedica la Galería de Arte Contemporáneo Acanto, en Almería, para los posibles lectores de mi blog:

» JUAN CARLOS MESTRE HA GANADO EL PREMIO NACIONAL DE POESÍA por “LA CASA ROJA”
Juan Carlos Mestre que ha dicho que “La poesía es la conciencia de algo de lo que no se puede tener conciencia de ninguna otra manera” la entiende como “Una corriente que une a todos los poetas frente al dolor, la humillación, el hambre, la tortura, luchando por los derechos civiles de la belleza, de la felicidad”.
Del poema que da título al libro hemos extraído este fragmento como aperitivo:
“Mi casa es una casa roja bajo la fibra de un rayo, mi casa es la visión y la beldad de una isla. Aquí cabe la gala del mandarín y la escrupulosa usura de las edades antiguas. Esta casa mira al norte hacia las lagunas de helechos, esta casa mira al sudeste azotada por el aliento de los que piden limosna”.

Trayectoria:
Nacido en Villafranca del Bierzo (León) en 1957, Mestre se licenció en Ciencias de la Información en la Universidad de Barcelona. En l982 publica su primer libro, Siete poemas escritos junto a la lluvia, al que seguirán, en l983, La visita de Safo y posteriormente Antífona del Otoño en el Valle del Bierzo, PREMIO ADONAIS de poesía en l985. En l987, durante su estancia de varios años en Chile, publica Las páginas del fuego, y, ya de regreso a España, La poesía ha caído en desgracia, por el que se le otorga en l992 el PREMIO JAIME GIL DE BIEDMA.
Con La tumba de Keats, escrito durante su estancia en Italia como becario de la Academia de España en Roma, obtiene el PREMIO JAÉN de poesía 1999. Su obra poética entre 1982 y 2007 ha sido recogida en la antología Las estrellas para quien las trabaja (2007). Y por último, por ahora, La Casa Roja, publicado en 2008, flamante PREMIO NACIONAL DE POESÍA.
Ha realizado las antologías sobre la obra poética de Rafael Pérez Estrada, La palabra destino (2001), y La visión comunicable (2001) de Rosamel del Valle, además de la edición comentada de la novela de Enrique Gil y Carrasco, El señor de Bembibre (2004); asimismo, es autor de El universo está en la noche (2006), libro de versiones sobre mitos y leyendas mesoamericanas.

Como artista visual ha expuesto su obra gráfica y pictórica en galerías de España, Estados Unidos, Europa y Latinoamérica y ha obtenido la Mención de Honor en el Premio Nacional de Grabado de la Calcografía Nacional en 1999.
No dejeis de visitar su web: www.juancarlosmestre.com »

Texo de Emilio Fernandez, Galería Acanto.

Fuente de esta info: http://galeriaacanto.com/2009/10/08/juan-carlos-mestre-premio-nacional-de-poesia/comment-page-1/#comment-231

De Arthur Fellig, Weegee , primero me sorprendió la temática (cadáveres desparramados por los suelos de NY recién asesinados; niños jugando bajo el agua; gentes apiladas en una playa enorme; señoronas flasheadas hacia una fiesta…; gansters «pillados» o amantes al descubierto y bomberos apagando un fuego en la noche), luego supe que era un reportero, que aprendió sobre la marcha la fotografía, avispado (siempre llegaba el primero al lugar de la «noticia», hacía sus fotos y se largaba para revelarlas y venderlas al mejor postor -tenía una radio conectada a la radio de la policía…-y se enteraba de todo el primero!, vivía de la noche y sus fatalidades), …pero pronto vi mucho más…: un pionero de la fotografía en la época que esta se conformaba como un auténtico arte, al margen de ser aceptado ya como un documento fiable de historia visual de nuestra sociedad.

Weegee

La Fundación Telefónica trae su retrospectiva hasta el día 17 de Mayo, una vez más, reseño una exposición si verla…pero espero poder ir y disfrutar de sus magníficas fotografías, originales, pura historia del reportaje gráfico in situ. Mientras, nos quedan los libros donde aparecen sus fotografías, o este mismo medio, internet…(bendito google imagen y bendita gente que alimenta de contenidos la aun libre Red).

Algunos enlaces para ver y conocer mejor a esta leyenda del fotoperiodismo:

http://laderivadelasombra.blogspot.com

http://www.taringa.net/

Holas, olitas y marejadas, mi primer post en este nuevo Blog:

Como llevaba tiempo queriendo escribir una reseña de este especial fotógrafo, qué mejor que iniciar mi nuevo blog con él: Tichy!, o…Tachaaaaaan!!!, je.

Fotografía de Tichy, Miroslav.

1950-80

Fotógrafo atípico…, construye sus propias cámaras, y luego actua sobre sus fotografías tomadas desde el anonimato de un «voyeur» (¿y qué fotógrafo/a  no tiene algo de  ello implícito?).

Miroslav Tachy sorprende por las imágenes conseguidas en sí, por encima de sus métodos (donde más hincapié han hecho los medios de comunicación al hablar de él…-pero claro, no basta la obra, parece que si ella está rodeada de algún tipo de  «morbo»….es mejor, ¿?…-.

Miroslav consigue dotar de un aliento extraño a sus fotografías, las envejeze, las manipula, las hace viejas y eternas a la vez. Nos transmite una lejanía que querríamos tocar…Y nos lleva al estado latente de la fotografía predigital antigua, con sus procesos y estética.