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El blanco, el viento y el vacío. La obra de María José Moreno en IAJ, Almería 2018

noviembre 12th, 2018 noviembre 12th, 2018
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“Un náufrago estaba encantado de serlo. Pero la culpa, hacía que intentara su rescate con humo, durante todas las noches sin luna”

Fragmento del texto en sala de J. Vicario.

   

“Nadar es un asunto muy abstracto. Nadar es conjugar la nada en verbo” 

Fragmento de texto en sala, «Nadar» Iñaki Ezquerra.

 En la Sala de exposiciones del  Instituto Andaluz de La Juventud de Almería (C/ General Tamayo, 23. Bajo) tiene lugar una aventura emocional y visual…que recomiendo, vivamente, no dejéis pasar…

Fotografía de Pablo Vara. 2018. Detalle de instalación.

Fotografía de Pablo Vara. 2018. Detalle de Ilustración.

“El blanco, el viento y el vacío” muestra la reciente obra de María José Moreno (o La Marimoreno, como también firma la autora), con obras cuya base es la pintura, el dibujo y la ilustración (acompañados de instalación, vídeo y poemas…) concretados en 20 abstractos y 16 ilustraciones sobre diversos soportes y distintos formatos, todo trabajado en técnicas mixtas, pintura, grafito, acrílicos y ceras, con las que experimenta en la mayoría de las ocasiones, añadiendo o quitando, raspando, esgrafiando, y trabajando en capas donde va imprimando diversos estratos o registros de pintura blanca fundamentalmente…, aunque…estos blancos, con los que ella juega, y donde busca y busca (amante de la teoría del blanco, los blancos…) van atenuándose a lo largo de su narrativa visual en este caso…como iré explicando a lo largo de este post.

El título, pues, nos da pistas de lo que quiere contarnos, y nos señala los tres elementos principales de su exposición, el color Blanco, como nexo total a nivel pictórico o plástico; el Viento, como vínculo a nivel profundo, de la idea y los sentimientos que provocan en la artista este fenómeno en Almería; y el Vacío, que da unidad al conjunto global, y paradójicamente…, como sentimiento de lo encontrado en el desierto almeriense también…, como elemento y protagonista de la experiencia vital que la ha llevado a estas obras…

… Como veis, hay que ir desgranando las también distintas capas que coexisten en esta puesta en escena…, todo en esta exposición, desde sus ideas primigenias (como textos en los que se basa, o los sentimientos y situaciones vivenciales de la artista que dieron origen a su necesidad de expresión plástica) hasta la forma en la que está colocada la obra y el total de la exposición.

…#FFFFFF…

       Desde el primer momento que comenzamos a entrar en la sala, ser nos prepara para un rico panorama visual, incluyendo el pequeño audiovisual en la antesala, y ya van dando ganas de quedarse allá abajo (la sala está en sótano, lo que ayuda al montaje de la expo, pues desde los primero escalones de descenso vas encontrando detalles de lo que se presentará después y no desvelaré aquí)  para  desmenuzar lo que nos susurra la artista…como hizo la intérprete Paula Palomo Carmona del cuento del marinero, y luego, al oído de muchos de quienes fuimos a la inauguración.

Y así es, esos susurros, nos van guiando por un viaje lleno de caminos que se bifurcan en distintas historias, desde un pequeño cuento en capítulos que se va desentramando hasta su desenlace, a su vez con distintos estratos y varias lecturas, sentidos u orientaciones (según sopla el viento…).

 

Para escribir como se debe, de una exposición, siempre hay que volver al lugar de los hechos…y gracias a ello he podido hablar in situ con ella, con la Artista (con mayúsculas, porque así estamos viendo madurar a María José, al menos durante el año que la conozco…) y charlar tranquilas…, y ella me va desvelando parte de lo que aflora, y no siempre se ve del todo… Pero mejor, porque va bien dejar que quien explora una exposición disfrute de su propia mirada en un principio…

Todo empieza desde la pared derecha de la sala, pero leyendo,  primero, el cuaderno/catálogo de mano, el cuento donde comienza nuestro viaje y aventura, con esta narración de la propia María José:

Decía que tenía los ojos azules de tanto mirar al mar.

Había aprendido a protegerse de la tierra que duele

y de las palabras que cortan, enhebrando el viento

entre las velas de su barco; orientándose con las gaviotas

y con las estrellas.

….Ffffff…. (*)

Sol de invierno, nido de carne, alegría del juego en el agua

El mar era como una enorme mano y él solía esconderse en

el cuenco de su palma.

Hasta que de repente, la misma brisa que le empujaba a navegar

le hizo perderse en el desierto.

No sabía cómo había llegado a ese lugar.

Allí solo había blanco, viento y vacío.

Caminó durante días por entre aquel paisaje pardo y desnudo.

Los labios secos, los pasos cansados, la piel ardiendo.

Y siguió caminando.( **)

….Ffff….

(…)

 Para leer el resto del poema… debéis ir a la sala y adentraros en este pequeño mundo de María José Moreno.

…#FFFFFF…

…A lo largo de este hilo expositivo, sentimos que todo fluye y va cambiando levemente , todo va in crescendo moderato (y cantábile), evoluciona conforme contemplamos las obras que están posicionadas de forma que se aprecie una gradación, de más “sencillez” en las técnicas y procesos artísticos a más densidad, y de más sencillez en cuanto a la comunicación verbal, a más complejidad , porque el cuerpo de lo escrito en la selección de textos se haya en el tramo final de la lectura de la exposición. Así pues, al comienzo apreciamos gran riqueza o capas de acción procesual en técnicas, donde los blancos son los protagonistas,…y donde la  abstracción nos llena y guía, con algún pequeño y casi invisible elemento figurativo y grafías; aquí hay más imagen que lectura,… más preguntas que respuestas… Y conforme avanzamos por la sala, en su sentido lineal, encontramos más lecturas de textos, y obras más complejas a  nivel narrativo, más figuración (en ilustración) y menos blanco…, hacia el Color, pero un color sin estridencias…de gamas pastel, rosáceos y malvas corales y azules marinos… (***)

Fotografía de Pablo Vara, 2018.

El detalle, el trabajo, la gran riqueza de Texturas (en mayúsculas, porque es así, debéis acercaros física y mentalmente a las obras para comprobarlo y disfrutarlo) que María José contiene y encierra en estas obras…es enorme…, una gozada para quienes disfrutamos de lo sutil y complejo a la vez, de los hallazgos, de descubrir aquí y allá una tonalidad, una pequeña pieza de collage, un color debajo del blanco, una frase que a primera vista no entendemos…

Encontramos un conjunto de obras genuino y bello en la primera ojeada a la sala…pero es un concentrado de ideas, historias, personaje(s) y temas… La capacidad estética, técnica y narrativa de esta joven artista nacida en Níjar, licenciada en BBAA por la Universidad de Granada y formada luego, entre otros lugares, en Génova…es profunda y crece a pasos agigantados. Y ahí está…tan serena, realizando su “faena” poco a poco, sin pausa, con corazón y mucho tesón, imaginación o pasión…pero también con precisión, y, también, con un alto grado de realismo (sobre el entorno circundante del mundo del arte) para compensar.

La obra de María José me sabe a odas, cuentos, mitos y lecturas de la infancia (no por ello poco profundas, sino llenas de imágenes, viajes y aventuras, como dije al comienzo)…se ancla y basa en la poesía, en textos de muy variada índole y estilo…, desde Unamuno o José Ángel Valente, al poeta y repentizador Alexis Días Pimienta o el autor de Moby Dick, H. Melville,…y además, …elemental!: sus propios escritos, poéticos y reflexivos…, escuchando y alzando su propia voz.

Del nihilismo o lo zen…, a lo concreto, lo táctil, los olores, el viento…., de lo elevado y sutil a la tierra que se mastica y vuelve a las manos…, María José se abre en canal para mostrarse, como ella misma comenta… Una persona sencilla (casi tímida en la distancia) que piensa y sueña en blancos, los blanco de la porcelana (uno de los orígenes de su búsqueda del Blanco), o los blancos de la cal, de los muros limpios pero gruesos de tanta capa y capa blanca con que las gentes del mediterráneo recubren sus casas y protegen su hogar.

 (…)

Poner blanco, luego color.
Añadir blanco nuevamente.
Rayar ese color para volver a obtener el rastro de abajo.
Buscar la huella. Añadir el grafismo para hacer que algo se mueva.
Difuminar ese rastro, para no concederle demasiado protagonismo
Seguir hacia adelante.
Manchar, borrar, rayar, dibujar, pegar un papel sobre otro.
Perderse en las texturas.
Soltarse y disfrutar,
y de repente morirse del miedo y parar.
Sentirse satisfecha y frustrada.
Volver al principio. Cubrirlo todo con otra capa de pintura.
Ponerse frente al blanco una vez más
Y quedarse tan a gusto”

(…) texto de María José Moreno.

Aunque María José ahora hace todo lo contrario de la blanca cal, se expone, se descubre y se arroja a hablar de rupturas, de pérdidas, de sentimientos encontrados, del dolor de sentirse sola y a la deriva,…de vacíos, pero vacíos llenos, llenos de viento, agua, sal, y de los cientos de  variaciones del blanco que pueden darse hasta estallar en el color del fondo del mar…

Porque es una artista aguerrida, curtida y con buenas armas, herramientas y bases prácticas y teóricas, donde se reivindica dibujante e ilustradora a la par que pintora, volviendo, desde experiencias del campo de la gestión cultural, por ejemplo, al mundo del arte en su línea más activa como ella cuenta: “El dibujo es para mí el lenguaje más sincero con el que crear narraciones y contar secretos”.

 

Fotografías de Pablo Vara, 2018. Detalle de obras abstractas.

 

 

Y para ir concluyendo este post…, y como se podría explicar si hiciéramos el tráiler de una película…:

Este deambular marinero es un cuento narrado para quien lo quiera escuchar, ver y sentir… Una experiencia introspectiva en forma de bitácora o cuaderno de capitán de navío que ahora emerge a la superficie para izarse en el exterior,…es la historia ilustrada de abstracción con matices figurativos, de blancos, vacíos y pigmentos que se mueven con el viento, de pequeños personajes etéreos y semitransparentes, que flotan y se agitan en la nada, en un vacío rico de nadas…, donde flotan, nadan…y nadan…; es la verdadera historia de una artista que surcó aguas amargas y profundas, se perdió y volvió a una tierra firme llena de sequedad, tierra y viento…, cálido y áspero a la vez…, pero… y sobre todo ahora, también es la historia de cómo supo arribar con la barca entera y más experta, para seguramente, dentro de algún tiempo…, quizás, volver a zarpar hacia otras costas, paisajes o lugares que habitan el alma humana…


“Tus figuras –tus palabras– han llegado finalmente y han traído consigo al color.

Espero, amiga, que se queden un rato más, y que nos vuelvan a llevar a sitios lejanos, no importa si áridos, acuáticos o tempestuosos, pero sitios que te vacíen por dentro, que te dejen ligera, para que el viento –o lo que venga– pueda empujarnos más fácilmente.”

Fragmento del texto en sala de Julia Martos para María José Moreno.

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Ojalá “El blanco, el viento y el vacío” viaje por otros espacios, como sus historias, que vuele y se enriquezca.

En proyectos futuros  María José Moreno no se queda corta, con unos molinos que seguramente la esperan en la ilustración de un interesantísimo proyecto en ciernes.

Y ahora podemos disfrutar de su obra en varias salas más, como en la exposición colectiva de mujeres artistas: Ars Visibilis, en la sede de la Galería Meca (Centro de Arte Contemporáneo de Almería) y en el Museo de Almería.

Y en la exposición del colectivo de artistas Espacio Campingás (donde María José tiene su estudio y donde también imparte asiduamente talleres de técnicas de expresión artística variadas o ilustración, trabajando junto a sus compañer@s del colectivo), que se exhibe desde el pasado día 8 en el polifacético y encantado espacio de La Guajira para mostrarnos lo que hacen.

Recientemente ha impartido, además, el taller de Técnicas de expresión artística en Campingás, dentro de La semana del álbum ilustrado, en Almería, englobado dentro del Primer festival literario de ámbito nacionalÁlbum

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(*) No sé si es o no así, pero esta exposición es de las más coherentes que he visto en tiempo, esférica o redonda, tanto…, que sus onomatopéyicos y expresivos Fffff (que evocan el soplido del viento en la escritura, es como #FFFFFF: la forma de expresar las  coordenadas de color blanco en lenguaje HTML (el que usamos, por ejemplo, en las profundidades de la escritura de este blog, por ejemplo).

 (**) Este es el primero de los textos principales al que acompaña a otros, puesto que María José, no sólo dibuja, pinta o ilustra, también escribe…y bastante bien.

(***) Esta era la idea de la colocación en sala de toda la obra, aunque, en la realidad, debido al juego que requiere el componer sobre la pared de una sala el conjunto de unas obras, algunas obras donde predomina la ilustración (de pequeño formato) se han ido intercalando con otras donde predomina el trabajo por capas de blancos (más experimentación de blancos, manchas, y grafías). Pero la idea se transmite en su fragmentaria unidad de todos modos…

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Breve Bio:

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada y Técnico Superior en Cerámica Artística por la Escuela de Artes de Almería.

Ha completado su formación en centros La Accademia Ligustica di Belle Arti de Génova, en Italia.

1er Premio certamen artístico “Por los buenos tratos” del Instituto Andaluz de la Juventud. 2015

Ha recibido varias becas de colaboración en la Universidad de Granada o Génova.

Exposiciones colectivas e individuales:

Obra permanente en Galería Acanto. Almería. Desde 2017.

Exposición stand en la II Feria de Arte Contemporáneo de la Vía Verde. Almería, 2017.

Exposición individual. “Sobre el viento y otros cuentos” Pintura e ilustraciones. Espacio Campingás. Almería, 2017.

Exposición colectiva. “Gran refranero ilustrado” Galería L ́atelier. Almería, 2017.

Exposición colectiva Real Academia de Bellas Artes Santa Isabel de Hungría. Sevilla, 2016.

Exposición colectiva. “ABC ilustrado” Galería Dall Vill Art. Almería, 2016.

Exposición individual. Acción. “Espacio Reservado”.

 Ha gestionado y organizado diversos talleres y exposiciones en sus labores de gestión cultural.


Sobre la exposición, otros enlaces de interés:

Noticia cubierta por Tele Almería Noticias el día de la presentación del IAJ.

Noticia en el Instituto de la Juventud, Almería. Junta de Andalucía.

En su perfil de Facebook.

Aquí tenéis la genial interpretación de Paula Palomo Carmona del cuento del marinero, un texto que escribí para la exposición del IAJ. Muchas gracias Paula!

Gepostet von Mari Moreno am Dienstag, 30. Oktober 2018

En la web de la Galería Acanto.

Ars Visibilis. IV, Genius “ Salas de Meca, hasta el 30 de Noviembre. Y en la sala de Museo de Almería hasta el 18 de Noviembre.

Exposición colectiva en La Guajira: “La chispa de Espacio Campingás” hasta mediados de Diciembre.

Fotografías de Pablo Vara, 2018. Detalles de obra técnicas mixtas y detalles de instalación.

Almería vista por Bernard Plossu y Vicente Aranda-Goytisolo. Y María Cañas…en el CAF

julio 26th, 2018 julio 26th, 2018
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En el Centro Andaluz de la Fotografía, en su sede principal, en Almería, confluyen tres exposiciones que creo que merece la pena reseñar…y…aconsejar su visita: “Almería” del francés Bernad Plossu, “Campos de Nijar” del cineasta Vicente Aranda, y “La cosa vuestra” de la realizadora y artista María Cañas. Además de la muestra en la biblioteca de: Los cuadernos de la kursala , colección que ya forma parte del Centro de Documentación del Museo Reina Sofía y que puede ser considerada como una “de las principales influencias en la edición del fotolibro en España”.

 

En esta ocasión, se va a poder respirar Almería en grandes dosis, porque, aunque Imagina -proyecto iniciado por el alma mater de esta institución, Manuel Falces- siempre tuvo parte de su mirada en la Imagen fotografiada de las tierras o territorio (gentes, lugares, paisajes…) de Almería, de la mano de magnífic@s fotógraf@s, esta vez…vamos a contemplar una revisión, en b/n y pequeño formato, en su mayoría, de unas Almerías que se mueve entre los años 60 y finales de los 80… Y lo digo en plural porque son dos exposiciones que la recorren, de forma individual.

Ambas plantas del Centro, pues, las hayamos repletas de tomas fotográficas que nos hablan de unas tierras almerienses encontradas, percibidas, divisadas y capturadas por los trabajos de Bernard Plossu (fotógrafo francés nacido en Vietnam y muy vinculado a estas tierras por su familia política),  y por otro lado, de Vicente Aranda (el cineasta, que no solía realizar trabajos fotográficos tan extensos) siguiendo a Goytisolo y sus Campos de Nijar…

Cada exposición individualmente merece su propia reseña y escrito (o post en este caso), y también, aunque son fotografías de otro cariz, y otro signo estético y conceptual, la exposición de María Cañas, en la sala multimedia (la de menor tamaño pero grandeza interior como me gusta decir… ;-)…con unos trabajos, en videocollage y collage o montajes, que juegan con el significado de la imagen  de forma comprometida e intensa, ya a primera vista.

Visitad el CAF, y su biblioteca abierta al público, así como su pequeña tienda con publicaciones fotográficas, siempre de autorías de primera fila.

La web de referencia: www.centroandaluzdelafotografía.es

Hasta pronto…

 

 

Isabel Aranda y la Imagen vivida, olvidada, soñada y reencontrada en el Espacio /Tiempo

mayo 11th, 2018 mayo 11th, 2018
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Isabel Aranda y la Imagen vivida… olvidada,  soñada y reencontrada en el Espacio /Tiempo. Sobre su exposición “Tu rincón preferido”. CAF Almería, 2018.

Así es como veo y siento esta exposición en el Centro Andaluz de la Fotografía, en Almería. Hasta el 27 de Mayo (ampliada la fecha de la muestra, como era de esperar).

Aunque el ajetreo cotidiano, a veces, te hace dilatar  los pequeños proyectos del día a día,… al fin puedo publicar esta aproximación a Isabel Aranda y su reciente exposición:

 “Gracias a la memoria, el tiempo no se ha perdido y si no se ha perdido, el espacio tampoco”.

Georges Poulet, L’Espace Proustien (1963)

Entrando en la pequeña sala (solo por dimensión espacial) donde Isabel Aranda muestra su reciente obra fotográfica: “Tu rincón preferido”, me encuentro la primera sorpresa, las imágenes que veo, su calidad, no se corresponde exactamente con la imagen del cartel de promoción para la exposición…, pero…

…pero me alegro, porque es muchísimo mejor, y si ya me atraía el cartel, imaginad la obra real.

Es cierto, entro predispuesta favorablemente, porque me gustan las fotografías de Isabel Aranda; pero…, lo que hallo no es la fotografía de cariz urbano en b/n que conozco de ella, cercanas a un universo de Robert Frank (por la imagen de lo cotidiano pero sutil) y su blanco y negro, en la estela de la vanguardia catalana como Catalá Roca o Colom, Miserach, etc., sino que me topo con pequeñas obras de arte, tratadas con el mimo de los pequeños retratos de los primitivos flamencos… Y no por el tema o técnica, claro, sino por su atractivo general, que me pide ver qué pasa dentro, …que me llaman tanto que me pego para ver los detalles bien cerca (cualquiera se hubiera extrañado al verme tan cerca de las imágenes)

Pero, lejos de ser una fotografía detallista, o de filigrana (como en las miniaturas del siglo XIV o XV), donde todo queda evidenciado…Isabel Aranda me da otra grata sorpresa: hay más de lo que aparece a simple vista…, se crea un clima, un ambiente…, un poco a lo Manuel Falces, por ejemplo, sin ir muy lejos…, por la atmósfera, por la sinuosidad, por los espacios y el colorido de las imágenes que están sin estar, como en un sueño donde al parpadear cambias de estancia en un gran lugar laberíntico…

Laberinto de imágenes…, laberinto de emociones…

Espero encontrar las viviendas abandonadas (pero no olvidadas) del poblado minero de Rodalquilar…, pero no…, es otra historia, son muchas historias, o vivencias más bien, una dentro de otra, a modo de juego de “matrioshka”…

Lo que muestran sus imágenes son una invención, la reinvención de lo que ella ha ido viendo y sintiendo en esa localización con el paso del tiempo y sus sucesivas visitas al entorno a lo largo de treinta años visitando el lugar…

Gracias a la memoria, pero en forma de fotografía (memoria fotográfica podríamos llamarlo, reutilizando la cita de comienzo de G. Poulet) y no documental, sino sensorial y sentimental, Isabel ha ido observando con su cámara las vidas que habitaban esos restos de hogares…, desde okupas hasta vagabundos o grafiteros momentáneos…; escaleras, muros, objetos, grafiti sobre pintada, pintada sobre un grafiti, pegatinas, restos de carteles, suciedad o limpieza…ocupación, reutilización… Los muros interiores o exteriores de esas casas obreras, mineras, son y serán existencia pura, mientras perdure la Imagen de esas vidas, las que las habitaron originariamente y las que han ido pasando y dejando, de algún modo, su rastro.

Los vestigios del pasado se imbrican con el presente y con el futuro en las imágenes de Isabel. Y digo imágenes en vez de fotografías, porque aunque utiliza la polaroid en la técnica de la transferencia de su película o emulsión pigmentada al papel (algo delicado y que le exigió pruebas y experimentación hasta lograr  lo que quería, y sin romper o estropear la emulsión), el final es la consecución de obra única (copia original quiero decir, dado que solo hay un ejemplar de cada polaroid) de una imagen onírica, casi primitiva estéticamente, donde se juega con lo desvaído que imprime carácter a este tipo de fotografía (ese colorido especial a veces amarillea o azulea, según, y que consiguen con el paso del tiempo), y la sensación sutil  y leve que transmite la caída de emulsión extraída al posarse sobre el papel con sus pliegues naturales.

Veo en cada imagen enmarcada, una delicada pieza de arte proyectada en la pared de la sala… y el Tiempo (en mayúscula, sí) se detiene, para no saber en qué momento estamos…, pues son paredes de varias épocas, pero su imagen (su metaimagen) sigue allí; otros elementos fotografiados ya no están, o están bajo estratos de las consecutivas estancias de personas anónimas…

Me ha emocionado la visión de Isabel, porque trasciende la fotografía matericamente hablando, se convierte su obra en sensación genuina; me parece imágenes de una ensoñación en celuloide al más puro estilo del nuevo romanticismo de los años ochenta… y juega con la plasticidad del formato pequeño; las manchas, que de lejos pueden parecer abstracciones incluso, de franjas y manchas de color, se van dibujando en elementos narrativos más reconocibles en espacios mágicos, pero no concretos del todo…, su imaginario flota, se atrapa y se desvanece en el pequeño y encuadrado formato, a veces asfixiante, pero que luego se amplía buscando más…

“Tu rincón preferido”, los rincones fotografiados, se convierten en el mío, porque he estado allí, en persona, y ahora, con ella, en un viaje trasferido a través del tiempo, miro con sus ojos techos, muros, día o noche da igual; esgrafiados, desconchones, manchas y pintura…; los signos de la transición entre el siglo XX y el XXI están aquí (en la sala) y allí (en la imagen instantánea), capa a capa hasta su aterrizaje en estos papeles de acuarela.

Como dice para esta exposición Pedro J. Miguel: “nos convertimos en demiurgos” del “múltiple abandono y retorno” de estas pequeñas historias…

Estas narraciones, creo, pequeñas o grandes, están contadas con voz en off y en fuera de campo, y aunque intuyamos la presencia de la fotógrafa por allí, son a escala, porque Isabel nos deja entrar y salir de sus imágenes, completar el puzle o rompecabezas que constituye su mundo interior de belleza singular, la imagen que proyecta el poblado minero de Rodalquilar, en el parque natural de Cabo de Gata, Nijar… para nuestros ojos y alma… material sensible, pero transferible…afortunadamente…

……………………………………………………………………….



(detalles de obras, fotografías de Maribel Úbeda, con móvil..., mejor verlas in person...jeje)

Extras:

CHARLA CON ISABEL ARANDA

En la entrevista o charla que mantuve con Isabel tras ver su exposición, me contó detalles de su forma de entender la fotografía, como un todo, y con la libertad por delante. Ama el proceso y es minuciosa, hasta conseguir su idea original, y prefiere esperar a tener lo que desea sin arrebatos, pero tras un tiempo sin exponer (aunque con una obra que esperemos que pronto salga a la luz en formato de pequeño libro de fotografía y poesía…, no digo más), tiene pendientes dos muestras más: primero en Julio en la Sala Alfareros (de la Diputación de Almería, y de la que hablaremos más adelante por aquí, espero) y casi en paralelo, durante este verano, en los muros de RodalquilarArte 2018.

Isabel tiene numerosas cámaras fotográficas y de distintos formatos (su Nikon analógica, una Hasselblad 6×6, varias Polaroid, etc., etc.),  trabaja con la cámara y experimenta, pero para ella prima el ojo, las sensaciones, el instante (tan sincero siempre, sin artificios en su caso) y la emoción, no la técnica (lógicamente, creo yo…, y afortunadamente), pero sostiene (algo que también comparto) la buena toma fotográfica, encuadrar y exponer bien para no tener que ir retocando.

Uno de los referentes o fotógraf@s preferidos de los que me habló es Masao Yamamoto, y tomo nota para buscarlo con calma, a parte de Robert Frank, Chema Madoz o Isabel Muñoz, de la que me habló con más extensión y compartimos admiración.

Para Isabel, fotografiar es Comunicar, más allá del hecho artístico o matérico, está la expresión, y se nota. Gracias Isabel, por tu tiempo y tus IMÁGENES…

Bio de Isabel Aranda (en post anterior y en su blog)

Link a noticias sobre la exposición de Isabel Aranda en el CAF:

CAF. Centro Andaluz de la fotografía

Noticia en: La ventana del arte, Junta de andalucía, cultura.

en Instagram: @isabelaranda62

Entrevista a Isabel Aranda en Interalmería (en breve)

Más obra suya en cuaderno catálogo “Una mirada más” (con prólogo de Pedro J. Miguel.)

Isabel Aranda en el Centro Andaluz de la Fotografía. 2018.

abril 3rd, 2018 abril 3rd, 2018
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Hasta el 27/04/2018, podremos admirar la personal obra fotográfica de Isabel Aranda en el Centro Andaluz de la Fotografía, en la Sala Jorge Rueda.

Una exposición sobre el poblado, antiguamente dedicado a la minería, en las inmediaciones de Rodalquilar (Almería), y titulada: “Tu rincón preferido”.

Obra de Isabel Aranda. Exposción en el CAF 2018: "Tu rincón preferido".

Y expone junto a Nicholas Nixon , el almeriense Rubén Garcia y la Colección de libros de fotografía de la Fundación Mapfre con uno de los catálogos más completos del panorama fotográfico internacional,  donde podremos ver el catálogo de Lewis Baltz, o las monografías de fotógraf@s como Julia Margaret Cameron, Graciela Iturbide, Brassäi, Ed Van der Elsken, Duane Michals,  Hiroshi Sugimoto o Paz Errázuriz… Así que no hay excusas para dejar de ir al Centro andaluz de la fotografía.

No he querido esperar a ver esta expo para hablar un poco de ella, así que mientras puedo hablar con Isabel (nos veremos y charlaremos en breve) y puedo ir y ver (mirar y admirar seguramente) sus obras, dejo aquí el resumen que el CAF ha difundido sobre la exposición:

Isabel Aranda expone por primera vez en el Centro Andaluz de la Fotografía, una serie fotográfica sobre el poblado minero de Rodalquilar, Níjar, Almería.

Utiliza la técnica de transferencia polaroid que consiste en despegar la emulsión del positivo o copia resultante para transferirla a otro soporte poroso, siendo lo más habitual el papel de acuarela.

En palabras de Pedro J. Miguel:  “Esta serie fotográfica consigue este mágico efecto, cada imagen cuenta una historia, y el conjunto conforma en nuestro imaginario no sólo la historia del asentamiento, sino la de sus múltiples abandonos y retornos -ocupaciones, como dirían los arqueólogos, ante la reveladora acumulación de estratos en paredes, vigas, escaleras y suelos-. La huida de sus primitivos pobladores no zanja la secuencia vital del espacio, porque nos gusta volver y dejar nuestra huella …”

CV artístico:

Isabel Aranda Jiménez (Almería, 1962) “desarrolla su labor profesional en la ciudad donde nació. Fotógrafa autodidacta, inicia su faceta artística a finales de los años noventa. Entre 2000 y 2009 participa en numerosas exposiciones colectivas de toda la geografía nacional, y en 2002 el Centro de Visitantes de Las Amoladeras recoge su primera exposición individua”l; en 2009 expuso  individualmente en el Museo de la Ciudad de Almería, “lugar que le ha dado la posibilidad de perfilar su técnica gracias a los conocimientos adquiridos en la Escuela de Artes y Oficios, en los talleres de Carlos de Paz oen el Centro Andaluz de la Fotografía. Su obra ha sido merecedora de premios diversos, y ha aparecido publicada en diarios, revistas, libros artísticos y catálogos.”

Publicaciones:  Catálogo de exposición  “Una mirada más” (con prólogo de Pedro J. Miguel ) a modo de Fotolibro.

Blog personal:

www.unamiradamas.mye.name

 

…Seguiremos informando…

 

Nacho Álvarez-Castellanos Blaya en el XII Salón de la crítica. Murcia, AMUCA, 2018

enero 30th, 2018 enero 30th, 2018
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              Página de obra en Catálogo. XII Salón de la Crítica, 2018.

El pasado 11 de Enero, y como viene siendo habitual, la Asociación Murciana de Críticos de Arte (AMUCA) organizó su Salón de la Crítica, en esta ocasión, en el Auditorio de Murcia, Víctor Villegas. Se puede visitar hasta el 3 de Frebrero.

En la presente edición, y su exposición colectiva, han intervenido 9 artistas que muestran sus obras, presentad@s por 8 crític@s (con sus respectivos textos críticos), y la comisaria, Carmen Hernández Foulquié, nos pedía una reflexión sobre la Imagen concretada en la Fotografía analizada hoy día…

Mi invitado a exponer fue el fotógrafo (y amigo, cuya trayectoria sigo desde hace años) Nacho Álvarez-Castellanos (editor de la revista virtual “Qué pasa en Murcia“, licenciado en Historia del Arte y dedicado a la administración pública, entre otros datos de su CV) que tuvo la generosidad de realizar 6 collages en técnica analógica (cada composición de 13cm. x 18 cm.ex profeso; toda una serie sobre la que andaba ya pensando, pero que materializó para la ocasión.

Aquí os traigo, pues, el texto que realicé sobre sus montajes fotográficos, de estética dadaísta, un estilo y lenguaje revisitado para hablar de lo social, política, medio ambiente y cualquier cuestión candente (como se hiciera ya en los años 20 y 30 y con la vocación que nació), así como una visión cargada de memoria y emociones personales, como se explica en el texto a continuación.

…………………………………………………………………………………………………………………………………

Sobre Variaciones, serie fotográfica de  Nacho Álvarez-Castellanos Blaya.   

Maribel Úbeda para el XII Salón de la Crítica. Murcia, 2018.

Las palabras Imagen y Mirada, en la propuesta sobre la reflexión en torno a la imagen fotográfica a la que se nos invitaba en este Salón de la Crítica, creo que son básicas, porque engloban toda la actividad artística, y no sólo la centrada en las artes visuales, ya que, …¿en qué se basa la poesía tantas veces, por ejemplo, en sentido figurado?…

De este modo me vino a la cabeza la obra de Nacho Álvarez-Castellanos, alguien cuyo juego con la imagen fotográfica siempre me ha atraído en sus foto-collages, en parte por su limpia técnica y el resultado final, pero además, porque no sólo selecciona y elige, tras mirar y pensar qué quiere comunicar con las imágenes fotográficas que recorta y pega, “a la antigua usanza” en fotomontaje, sino porque crea y compone, a su vez, una nueva imagen global: otro “todo”.  El cambio de significado-s viene de la mano del cambio (elección,  posición o recomposición) de los significantes…, de manera que el mensaje, porque siempre lo hay en sus trabajos (“intención social, política o ecológica; defiendo la implicación del Arte y el artista en el momento que se vive” me comenta), varía…  

Y de aquí estas Variaciones, donde el autor, también de la imagen original analógica utilizada como tema principal y soporte (“Alicia en la playa”. 2001), trabaja con una imagen- símbolo (más que con una fotografía simplemente) de lo que para él significa un estado vital: la imagen de la felicidad plena como recuerdo de un momento pasado…

Esta pura característica de la fotografía, la imagen como Memoria, como documento que atestigua un hecho…, aunque sea más emocional que material (persona-lugar-acontecimiento) sigue resistiendo hoy, incluso en la postfotografía;  pese, o gracias, a los cambios tecnológicos o estéticos,  y pese, o gracias, a su gran popularidad, consumo espectacular  y reproducción reiterada, fagocitada e híper difundida.  Así que, efectivamente, tendremos que saber leer y comprender lo que vemos-consumimos continuamente, y en ello estamos con estos textos críticos, por ejemplo.

Pero, volviendo a la serie de collages de Nacho,  el mensaje de sus Variaciones no queda sólo en un ejercicio de remembranza sobre la felicidad pasada (existente aun), sino que, al igual que en una buena pieza de Jazz o blues, donde se entrelazan melodías, el tema B de estas composiciones es una llamada de atención sobre lo que hacemos con la naturaleza;  sazonado además, con el sentido del humor subversivo (ironía más bien) y con un aire (ahora retro) de la aparente sencillez  que caracterizaba los “clásicos” collage de las primeras Vanguardias .

Así pues, sobre  el tema principal, Nacho hila una pequeña historia no lineal donde aparecen  otros personajes que, llamándose entre sí desde las diversas fuentes de donde son “arrancados” (su técnica en la búsqueda de imágenes para los collages), pueblan la onírica playa de Rodalquilar (Almería), y  la Raspa-pescado de Randy Olson, la Chatarra de Jonas Bendiksen, el Hombre en la ventana de Joachim Ladefoged  o el Hombres mirando a los pintores, de Henri Cartier-Bresson, se alían para denunciar los abusos contra el paisaje natural. Nuestro ecosistema, ese que hasta hace nada, nos daba la felicidad, y que quizás dentro de poco, sólo podamos recordar o vislumbrar, mirar, como imagen fotográfica, …y no real…

Maribel Úbeda.  Almería-Murcia.  Diciembre de 2017.

Texto publicado en el catálogo de la exposición.

Serie completa. Variaciones, de Nacho Álvarez-Catellanos. Imagen del autor. Auditorio Victor Villegas, 2018. Murcia.

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Enlaces de interés sobre la exposición y catálogo e inauguración:

Catálogo XII Salón de la Crítica, en Issuu. 2018.

(pinchar en imagen). Obra y texto en páginas

finales.

 

 

 

Blog AMUCA  

La Opinión de Murcia 

Rommurcia.es 

Cadena ser (breve reseña de exposición, audio)

La Verdad

ABC. agencia de noticias

Inuguración (algunas imágenes) Fotografías de sala de Nacho Álvarez-Castellanos, día de la inauguración.:

Los grabados e ilustraciones de Laura Ardila en “Suena Adentro” La Guajira. Almería, hasta 09/11/2017

noviembre 1st, 2017 noviembre 1st, 2017
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Suena Adentro…

Como un rumor de brisa marina meciendo las algas…, aires que mueven las mareas de las profundidades del mar…

O como la versión de Arabesque Nº1 de Claude Debussy, por el músico japonés Isao Tomito, con sonidos electrónicos de sintetizadores para el programa Planeta imaginario [programa infantil -o no tanto- que a parte de peques de la España de los 80 nos apasionaba… porque, creo ahora, hacía que viéramos más allá de lo tangible de las cosas, y nos enseñaba a imaginar, la fantasía de sueños hechos de escenografías,  música y narraciones…]

A veces nos viene un fragmento de texto concreto, o todo un texto a la hora de hablar sobre la obra de alguien en arte, …empezamos con una cita, algo escrito por otros que engloba y resume  lo que se siente al entrar en un mundo ajeno pero cercano ya.

Y en este caso, lo que me ha hecho traducir sentimientos y visiones de esta obra de Laura Ardila ha sido esta breve y sutil Arabesque…, será que entre impresiones anda el juego, y no porque sus obras lo sean, pictóricamente hablando…

Es un acto tan bello ese diálogo enriquecedor que se mantiene con un artista para entender su obra, sus procesos, su trayectoria (a veces no sólo artística sino vital…), que en cierto modo se realiza para entender el mismo Arte en sí, pues Arte no hay uno, o un modo, o una visión, es extenso, se va por vericuetos que no siempre comprendemos, no está todo bajo control, aunque nos empeñemos en etiquetar o nombrar; el Arte es una pulsión vital, momentos, obras, sensaciones que nos provocan una idea, un acto de comunicación (siempre hablando de lo que envuelve, claro, a un acto artístico en sí, con una propuesta o una intención artística quiero decir)….

Esos momentos en que alguien te cuenta, te muestra y se muestra, se expone y se abre, y responde a tus preguntas…incluso a cuestiones que quizás no se había planteado aun…, es tan importante para mí, tan necesario, que no sé si deseo que el texto se termine alguna vez…, para tener la excusa de entrar y salir del imaginario o el mundo creativo del artista, como en este caso, el de ella, Laura Ardila.

Una artista con mucho que contar, que narrar, que expresar y experimentar…

En Arabesque y en el mismo Planeta Imaginario, podemos sumergirnos en muchos y diversos mundos, pero todos sorprendentes…, flexibles y hasta etéreos… Unas veces paseamos  por la galaxia diciendo hola a los planetas, y otras nadando junto a peces,  corales o algas de infinitos verdes… Entre la oscuridad azulada o verdosa de rocas marinas de concavidades sinuosas…

Y para mí, este es el sonido de esta exposición: un rumor tranquilo y cálido que suena de lejos, casi arcano, de unos tonos armoniosos con un ritmo rico en colorido, de melodía que puede parecer ligera pero en realidad lleva una gran carga de profundidad…; y con un tempo cadencioso y elegante…

De las obras de “Suena adentro” pueden surgir todo tipo de seres y formas, porque estamos entre profundidades submarinas, pero no son aguas abisales tenebrosas, sino luminosas pese a la oscuridad y lo recóndito de ellas…; aguas efervescentes de plantas libres y voluptuosas, cetáceos gigantes o carnosos pulpos…, donde sumergirse para jugar entre colores suaves, malvas o lilas que ondean en el ecosistema sensual y juguetón de una naturaleza posiblemente femenina…en un estado de latente agitación…, intuimos…

Todo empieza ahí, en lo más secreto y profundo de las aguas…pero trasciende de forma pura, con un toque minimalista aunque también onírico, hacia otros abismos de silente clamor…

Así veo el mundo que nos presenta Laura Ardila con “Suena Adentro”, en La Guajira

Para quienes también quieran saber qué van a ver de forma más ortodoxa, o técnica, Laura Ardila presenta 6 estampas en giclee  (reproducidos en alta calidad) a base de tintas de grabado al agua, lápices de color y técnicas mixtas, en un trabajo cercano a la monotipia, como me explica Laura ante mi rostro  de asombro cuando me va contando el proceso y trabajo que lleva cada pieza…, y las ideas, las notas, los bocetos, las pruebas de autor… hasta llegar a las obras que presenta.

La imagino amasando imágenes, distorsionando, retorciendo, estrujando materiales para trasferir una textura, rayando, estarciendo a modo de happening en miniatura o dibujando y esgrafiando sobre el papel, sobre las tintas, acuarela, témpera,…

Se nota que Laura Ardila ama su trabajo, que necesita expresarse y comunicar también, y aunque hace poquito que la conozco y que la sigo… (aunque lo mío ha sido uno de mis típicos “amor a primera vista” de artista) y se le ve sencilla, menuda y que se divierte trabajando, a la vez me sorprende su fuerza y madurez, investigando, creciendo con cada gesto de su mano con un pincel, transformando el papel, cubriendo de magia los fondos que entinta para comenzar a crear.

Laura quiere conocer y controlar las técnicas del grabado para dar la vuelta a una idea o empezar de nuevo (aunque haya miedo al error y hasta vacilación) para poder dejarse llevar y guiarse hasta donde le lleven las posibilidades expresivas y técnicas de sus herramientas o sus materiales.

Proveniente del mundo de la ilustración y las artes visuales, persigue con ahínco descubrir todas las capacidades que le brinda crear con “la mancha”, como ella misma dice.

Imagino a Laura, a la vez que concentrada, puro nervio, como una púgil luchando contra los elementos, pero no para defenderse, sino para dominarlos, venciendo una y otra vez, debatiéndose entre este trazo o esta línea, esta imagen o esta otra (pues ambas, qué carajo!), abriéndose paso en los espacios que va conquistando para crear profundidad de campo (como se diría en la fotografía), perspectiva o profundidad (sin más) en las dos dimensiones del plano…

Sus composiciones llaman a la contemplación, pero en ellas habita una pequeña convulsión, hay movimiento, en fuga hacia la calma…, todo va encontrando su lugar…

Ella ve claro lo que quiere como una exploradora de mundos posibles,  palpitantes de elementos de la naturaleza principalmente, aunque lo figurativo va dejando paso a las formas en estados puros, a cierto minimalismo no abstracto al que aspira en este colofón de ideas donde confluye todo lo que flota en su mente, ante sus ojos, entre sus manos artísticas. Investigando de forma empírica pero soñadora, táctil…

Aunque las obras que conozco de Laura y las que vemos en La Guajira (también exponer obras de  su proyecto final de Artes Plásticas y Diseño: “Jardines submarinos”, que recibió el Premio Extraordinario de Enseñanzas de Artes Plásticas 2016 otorgado por la Junta de Andalucía) parezcan de un corte más sensorial que racional, hay mucha reflexión y un alto estatus intelectual en esta artista (y lo creo por cómo habla y me cuenta sobre el Arte en general, o sobre sus propios trabajos).

Contemplando otros trabajos suyos, las obras de Laura Ardila nos hacen desear meternos en el laberinto del Fauno o comer la galleta de Alicia para crecer o empequeñecernos, para dejarnos llevar a mundos diferentes, como hace ella misma  a enfrentarse a su labor creativa…donde comienza hilando finos caminos que se multiplica desde su cuaderno de bocetos e ideas preliminares (lo he visto, se lo robaré algún día cuando lo tenga completo, jeje…), pasando por las veladuras, las texturas o las tonalidades que trabaja con constancia, que busca y consigue…hasta un “voilá”: llegar a las profundidades y emociones de las formas necesarias.

Id a La Guajira a otear estas pequeñas joyas…, pero aviso, hacedlo con cuidado, y hasta con una brújula, porque su obra te atrapa e igual después no podéis volver a casa…

Las cosas no existen.
La idea, sí.

La idea es infinita
igual que el sueño de los niños.

 13 poemas. Balada de Alzira [1951], Hilada Hirst

(Ahora, al final de estos apuntes sobre la obra de Laura, es cuando me viene a la mente este precioso pequeño fragmento…)

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Más sobre la artista: Bio

“Laura Ardila se licenció en Bellas Artes en la Universidad de Antioquía en su Colombia natal y se introdujo en el mundo del grabado en la Escuela Arte Almería, donde realizó el CFS de Grabado y Técnicas de Estampación. Su proyecto final “Jardines submarinos” (que formará parte de la exposición) recibió el Premio Extraordinario de Enseñanzas de Artes Plásticas 2016 que otorga la Junta de Andalucía. La litografía y el grabado son, además, una de sus fuentes de inspiración a la hora de realizar sus ilustraciones donde búsqueda de atmósferas a través de texturas y trazos simples es una constante y donde el componente narrativo también tiene un papel fundamental.”

En medios: La ventana del arte

Rastros de crisis. Tras las huellas del futuro… Sala Alfareros, Almería, hasta el 07/11/17

octubre 15th, 2017 octubre 15th, 2017
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Con el títuloRastros de crisis, las artistas Raquel Rodríguez y María Isabel Muñoz, han presentado recientemente su exposición conjunta sobre la huella visual de la crisis económica que nos asoló (y aun sigue asolando…) y que se vió plasmada, entre otros ámbitos tangibles (como el paro, la emigración, la depresión económica o social…) en las calles de Almería, aunque podrían haber ido a cualquier ciudad de la Península para encontrar imágenes similares, por supuesto…

Raquel y María Isabel realizaron una ingente labor de búsqueda de imágenes por el centro y casco antiguo de la ciudad, un proyecto ideado, trabajado y finalmente montado con tanta ilusión como deseos de comunicar a sus conciudadanos las reflexiones que ellas han ido haciendose, a base de sensaciones y sentimientos de la imagen urbana, el paisaje urbano que se configuraba o desconfiguraba a su paso, día a día, mes a mes…, y que se han ido transformando en Arte con mayúsculas con cada imagen fotográfica aquí mostrada (como concreto más adelante).

Ellas me ofrecieron la posibilidad de explicar en el prólogo de su catálogo lo que habían expresado en imágenes, algo de lo que cada día que pasa (y tras el montaje e inauguración, viendo la gran calidad artística y expositiva) agradezco más y más…Es toda una experiencia formar parte, de algún modo, de proyectosa así, sentidos, mimados, trabajados y cuidados desde el principio al final, y con tanta profesionalidad.

Además, a parte de las imágenes fotográficas, todas en técnica digital (en formato pequeño configurando un mural de 6m x 2m, mas 22 imágenes individuales, de 70X100, impresas con tintas látex sobre vinilo y cartón), en la sala  puede verse, como parte de la exposición, una instalación que complementa un poco más, si cabe, la idea general del proyecto, a base de cartones de deshecho… (y no digo más para no hacer spoiler, jeje). ¿A qué esperais para ir ya y descubrir toda la gama de matices en texturas, colores y formas fotográficas?

rastros de crisis

Obra de “Rastros de crisis”, exposición de Raquel Rodríguez y María Isabel Muñoz

 

Prólogo a “Rastros de crisis”:

 Rastros de crisis. Tras las huellas del futuro

Del mismo modo que los rostros nos cuentan sus vivencias, o su historia, a través de surcos, arrugas o la lisura de la piel, la mirada o los gestos…, las calles y los elementos que la configuran, nos hablan del lugar, de su gente y de su devenir…, de su pasado, su presente y, seguramente…, de su futuro…

Entre signos, elementos que se integran como símbolos, restos, rastros, colores y texturas…encontramos dialogando las imágenes fotográficas que María Isabel Muñoz y Raquel Rodríguez nos brindan para mostrarnos, precisamente, el rostro de una ciudad en estado de crisis.

Aunque no toda crisis tiene que ser negativa, pues el término en sí significa cambio, y no todo cambio tiene por qué ir a peor (sino a mejor, o a transformar sin más), en este caso, el azote de la crisis económica sí que ha trasfigurado materialmente el entorno, las calles de Almería capital, donde se han tomado todas las imágenes.

Los signos y elementos del deterioro se convierten entonces en símbolos de la destrucción…, de dejadez, de tristeza de un abandono que a su vez puede traer suciedad, empobrecimiento de zonas enteras, de edificios, aceras, con paredes derruidas, casas vacías, puertas o ventanas tapiadas, ya sin vida…

Pero, ante un panorama así… ¿por qué no mirar más allá de esa superficie infravalorada?, ¿por qué no dejar que la mente y el corazón transmuten lo que observan en tensiones vivas, en horizontales y verticales excitantes, en colores y texturas casi exóticas, en curiosas convivencias de cemento con óxidos, carteles despegados y una planta que reverdece en la fisura de una esquina derrumbada?…

Hay vida después de todo, detrás de todo escombro, porque las crisis pueden ser personales  o de más escala, a nivel estatal, social, bélico, histórico y mundial, pero siempre tienen un elemento  común: dejan huella… Múltiples huellas, como estos rastros reconvertidos en un conjunto de imágenes que ha escogido el soporte fotográfico como medio de expresión, aunque podría haber sido el narrativo, audiovisual o pictórico….

En este caso la fotografía ha servido de herramienta directa de comunicación, entre lo documental y lo expresivo (porque no es un mero ejercicio de archivo o documento testimonial), como recurso para reconciliarse con lo hallado y explicar, de forma emocional, pero creativa,  lo que veían y sentían al andar o pasear por sus calles de siempre. Isabel y Raquel nos exhortan a través de su mirada, con la elección de cada detalle fotografiado y con la selección final de cada imagen del proyecto, de más de 1000 instantáneas en una larga gestación (casi dos años), donde han tenido que elegir y elegir hasta destilar la esencia de su idea: el diálogo con el entorno en un proceso de salir-mirar/sentir-fotografiar.

El resultado es una composición fotográfica (en forma de panel a gran escala) junto a una serie de imágenes individuales como contraste; todo, a su vez, configurado como mosaico de sensaciones, estímulos visuales y sentimientos donde esta diseñadora gráfica (María Isabel Muñoz) y esta fotógrafa (Raquel Rodríguez) han ido volcando todo lo encontrado en sus salidas fotográficas (con cierto parecido a la estrategia de la deriva, dentro de la “psicogeografía” propuesta por los situacionistas de los años 70, donde se recorrían espacios de forma emocional para descubrir, dejándose llevar, y crear, en una forma de subversión ante la realidad y el arte convencional), pero con método: trabajado, primero, el material por temáticas, para ordenar lo que querían transmitir, alrededor de las palabras: CerradoVacíoCicatrices.

Así estructuraron todo el juego de símbolos, detalles o planos más amplios, con diversos enfoques, más abiertos o más cerrados, estos últimos más concretos y más abstractos también, dando paso a la subjetividad, algo importante para ellas. De manera que no estamos ante un reportaje sobre los restos de un naufragio, sino ante un discurso, no narrativo al uso (lineal), sino emocional, artístico, donde lo bello o estético no está reñido con la realidad del objeto retratado…

Tres palabras (que encierran múltiples conceptos a su vez) han bastado para darnos a conocer los sentimientos y la reflexión en torno a algo vivo pero fantasmagórico, que nos puede aterrar pero atraer, que puede ser visto como suciedad y deterioro, o como una impostura estética, la atracción de lo decadente, …el fin…, o el comienzo de algo…

Las fisuras de un mundo conocido se desvanecen, se cuelan por las rendijas de nuestra mente, y quizás, al salir de la sala de exposiciones (o al terminar de ver este catálogo), veremos otro mundo paralelo al del exterior agresivo, y creeremos, porque lo desearemos, que otro lugar es posible, pero reconstruyendo desde las huellas, cicatrices y restos del pasado… 

Los rastros son indicios, los pasos son certezas… María Isabel M. y Raquel R., desde luego, dejan huellas de futuro con sus imágenes…

Maribel Úbeda
Almería, Septiembre de 2017 

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Con esta muestra de imágenes fotográficas, la Diputación de Almería continúa su programa de exposiciones “ALEX” durante esta temporada, algo de agradecer por su habitual calidad.

Al margen de la exposición en sí, lo ideal, y lo digo aquí exprofeso, aunque creo que ya se intenta desde distintas iniciativas,  es que itinere esta muestra (e incluso, que se amplien las imágenes de la exposición actual, porque material tienen) y se pueda disfrutar en otros lugares (otras salas, poblaciones o ciudades, por qué no?) para dar lugar al debate, ese que sus creadoras han querido propiciar desde su mismo ejemplo, un diálogo con la ciudadanía, los habitantes (eventuales o afincados) de las calles de estos paisajes urbanos donde hay tantísimas lecturas, tantas como capas de historia (history) o historias (stories) por vivencias, estéticas o modas en la edificación, políticas de urbanismo, posibilidades de restauración o conservación del entorno, deterioro…o, en suma, el uso de los espacios públicos; sería interesante debatir por ejemplo, y algo que me da a mí que pensar con estas imágenes, sobre los límites (en muchos sentidos del término) entre lo público y lo privado, la intimidad y la observabilidad de los que son o fueron hogares en su día.

Como las propias artistas explican, al hablar de la exposición y del conjunto de su obra, parte de su meta es que la gente que va a la sala se quede largo rato viendo y reflexionando sobre las imágenes, los detalles, y si hace falta, que vuelvan, que hagan suyo este caleidoscopio o gran mosaico de historias, pequeñas o grandes, que cuentan visualmente.

   

Horario de visita a la exposición:

Lunes-Viernes: 10h – 14h. y 18h -21h

Enlaces sobre la exposición:

Blog de Rastros de Crisis

Diputación de Almería. Noticia de la inauguración

Inauguración: Facebook Diputación

Diario de Almería

20Minutos

Enlace a blog o porfolio de las artistas:

Raquel Rodríguez

Imágenes del montaje y la inauguración Fotografías siguientes. Maribel Úbeda:

  

 

Acto de Inuguración.

Fotografía de Pablo Vara. En imagen: Ángel Escobar, Diputado de Bienestar Social;Raquel Rodriguez (artista), Maribel Úbeda(presentando a las artistas) y María Isabel Muñoz (artista)

El “Mediterráneo” de Acanto, 2017

septiembre 5th, 2017 septiembre 5th, 2017
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Como siempre que puedo, fui a la Galería Acanto para ver su última exposición, esta vez la colectiva y multidisciplinar “Mediterráneo”, 2017, y os la recomiendo intensamente, aunque publique este post cerca de su clausura (bueno, igual se prorroga, como se suele hacer cuando una exposición de tales características tiene éxito).

La muestra, variada en estilos y técnicas, con la temática común del mar Mediterráneo, reúne una selección de piezas y autorías del arte contemporáneo actual, efervescente y vivo.

Connie Westendorp. Técnica mixta sobre lienzo.

Y la recomiendo por la calidad y belleza de las obras, claro, pero también porque no todos los años se realiza una recopilación de artistas que tienen trabajos con el lema o habitual temática marítima mediterránea, y  este año tocaba…

Tocaba, no sólo  porque a sus gestores les apetecía cambiar de tercio tras la exposición dedicada a Pituco (el excelente pintor granadino de vanguardia, de los años 50-70, con pinturas de formato pequeño) sino porque, y más importante, se ha querido rendir un pequeño homenaje a la figura, aun palpitante en tantos y tantas amantes de la cultura, como es Ana Santos Payán (Guadalajara, 1972 – Almería,  2014), responsable de El Gaviero Ediciones, de la Revista Salamandria y de un largo etcétera de estupendos proyectos literarios y artísticos que realizó a lo largo de su trayectoria profesional y, casi diría, personal, junto a Pedro J. Miguel, y otros artistas de la poesía, la prosa y lo visual; Ana Santos fue una gran editora y dinamizadora  cultural, descubridora de talentos talentosa que removió el panorama almeriense y fue la primera que reunió, editó y publicó una serie de trabajos sobre el mar Mediterráneo con “Azul Mediterréneo”,  en la Almería de los 2000, en 2005, con autores de estos lares (nacidos  o trabajando su obra en Almería provincia), y a nivel nacional, desde la mencionada Revista Salamandria  (monográficos que nos encandilaron y animaron la escena artística con cada número).

Fiel a ese espíritu, Acanto trae este año su propia V Edición de “Mediterráneo”, con 13 artistas, algunos y algunas ya conocidos del Universo Acanto, con alguna nueva incorporación por descubrir.

Trece artistas pues, son los elegidos para el podium olímpico del culto al Mediterráneo desde este puerto que fue, allá por 2005 la ciudad que albergó los Juegos del Mediterráneo en su XV edición.

En grabado:

Hay quien ha realizado obra ex profeso para la ocasión, como José Manuel Peña (Granada, 1963), que ha presentado 12 obras inspirado por el lema del mar mediterráneo y donde se ha empleado a fondo creando su propio papel (paperart) como soporte de piezas creadas a base de técnicas aditivas (pulpa de papel coloreado) grabado calcográfico y collage, en los que ilumina manualmente sus piezas, cuyos elementos son desde la sardina hasta el Sol de Portocarrero. Un auténtico festín visual donde se mezcla la sutileza de las líneas con las de los colores y texturas varias.

Sin embargo, Christian Bozon (Lons le saunier. Francia, 1969), especialista en grabado en dulce y manera negra, ha trabajado en otras ocasiones la idea de mar, pero desde una estética más abstracta, como es su estilo, y siempre desde su extrema calidad técnica, como es el caso de su punta seca y aguatinta a base de tres planchas, y donde el intenso azul se une al dorado ocre que puede traernos a la vista la caliente arena…

Mika Murakami (Shizuoka-Ken,Japón, 1965), nos regala una espléndida imagen (fragmentada) donde juega (como indica el título de la obra) con un ballena que surca los mares, quizás como símbolo de los peligros a los que podría enfrentarse un personaje mítico y literario como Odiseo, donde, en este caso, se vería envuelto en el oleaje de vacíos del gofrado xilográfico, esquivando las manchas de color del monstruo marino en aguafuerte y aguatinta…

Por su parte, y una de la artistas recientes en la galería, Laura Ardila (Colombia, 1984) presenta, en su lenguaje onírico, pero muy relacionado con el mundo de la ilustración, un paisaje habitado por la contemplación del mar en tres estados, ¿anímicos?, ¿dimensionales quizás? …, una imagen cargada de diversas lecturas y de un gran trabajo técnico (mirad la ficha técnica que lo explica, que básicamente es cromolitografía sobre papel de algodón[i] pero es un resume de toda la labor realizada)

Monique de Roux (Francia, 1946), “una clásica” del espacio Acanto, muestra un “Díptico del mar”, paisaje humanizado en aguafuerte y aguatinta a 2 planchas, en doble huella, sobre papel. Una obra donde sus figuras femeninas nos retrotraen a la rotundidad carnal y sencilla de un Federico Castellón o a la mediterraneidad contundente del Picasso que retrató a su primer hijo, Pablo, con Olga, (“Madre e hijo en la orilla del mar”, 1921). Una obra de aparente placidez, pero cuyos personajes parecen divisar el mar en una palpitante espera…posiblemente esperando el barco que partió en su faena diaria… Realidades cotidianas, también, de un mar no siempre apacible.

Josep Moscardó (Barcelona, 1953), -cuya obra no conocía y es un grato descubrimiento para mí- pone un punto de humor a su depurada técnica de 7 tintas en serigrafía, con la obra “Marimaja”, en un guiño al Goya más sensual pasado por la revisión de las veleidades estivales y su estética amable de paleta suave donde controla la luz y los reflejos del mar que tan bien conoce.

Mientras que “Resti” (Restituto López. Villena, Alicante, 1948) nos enamora, literalmente, con sus pequeños dibujos a base de plumilla (tinta) y collage (hay que mirar bien las obras para darse cuenta dada su minuciosidad) sobre el Cabo de Gata (una serie sobre las más conocidas playas del  litoral del levante almeriense). Un habitual ya de Acanto, y como nota curiosa, esposo de la biznieta de Nicolás Salmerón (nuestro ilustre político y filósofo almeriense).

En cuanto a pintura y sus variantes técnicas:

Para Connie Westendorp (La Haya, Holanda, 1951), el mar mediterráneo es un tema en el que trabaja desde hace tiempo, un proyecto en proceso continuo, desde su hipnótico enamoramiento de los colores y posibilidades, y el desafío de las distintas  técnicas con que lo representa. Como en este caso, donde muestra el ímpetu de la espuma del mar al romper contra las rocas en técnica innovadora (pero presente en ella desde hace unos años): fotografía tratada con procesos digitales, pero luego trabajada con óleo y relieve sobre el lienzo como soporte (una sutil unión entre los materiales eternos de la pintura y los tecnológicos que a simple vista no se percibe)

También el mar es tema presente en ocasiones en la obra de  la granadina Encarna Hitos, en este caso con una de sus pinturas de gran formato, como es la impactante pieza que aúna el acrílico y el óleo con la técnica al fresco, el temple: técnica muy mediterránea, por otro lado, pero hoy un tanto en desuso, por lo que llama mucho más la atención y nos hace disfrutar de su carga de profundidad pictórica total y donde (siempre según mi impresión, claro) nos hace saborear y casi oler el mar ante el oleaje en movimiento…

Olegario Cosano (Córdoba, 1958) presenta un paisaje (óleo sobre madera) fragmentado y casi cinematográfico, en díptico, pero muy narrativo, donde vemos el mar como protagonista, y como personajes secundarios (pero de los buenos) Las Almadrabillas, con El Cable Inglés y el puerto almerienses cada uno a un lado del díptico. También en su estilo habitual, con ese aire realista pero a la vez lejano, recordando la estética estadounidense de David Hopper y donde parece que va a pasar algo…, algo nos va a traer ese mar calmo pero que cuenta historias en off, en ese lenguaje del cine que también se da tanto en tierras almerienses…

En la sección fotográfica:

Karlos Kaplan (Almería, 1980), otro nombre habitual de la galería, nos regala una inusual vista “marítima”…¿o no? (tendréis que asomaros a la galería para comprobarlo) en una estupenda imagen abstracta, cargada de fuerte colorido y texturas a base de tintas pigmentadas sobre papel de algodón.

Y Francisco Martínez Romera (Almería 1977), dejando a un lado sus collages esta vez, nos muestra una bella vista de la playa almeriense de los Genoveses, también en tintas pigmentadas pero sobre papel HQ18, donde juega con la imagen digital de forma casi pictórica en gran formato, y que nos trae ya hacia el fin del verano por su paleta de azules grisáceos de aguas algo agitadas.

En cuanto a la representación escultórica, es SAFI (Serón, Almería, 1962), otro artista frecuente en Acanto (expuso hace poco “Comer el azul”), quien se metamorfosea con el Cabo de Gata y destila esencia del mediterráneo almeriense, con varias piezas, en piedra o en hierro forjado y soldado, de formato pequeño y mediano donde juega a modelar fantasías de reminiscencias arcaicas  que estilísticamente me llevan a recordar la abstracción del Informalismo de los años 70 en España (por su estilo y materiales).

 

“Mediterráneo”, en Acanto, nos trae olores y visiones cargadas de la belleza enlazada al Mar pero en su forma más dulce, no tiene que ver, por ejemplo, con el Mediterráneo que nos presentaba Nick Hannes en su exposición fotográfica realista y casi documental “La continuidad del hombre”, mostrada en 2016 en el Centro Andaluz de la Fotografía (y de la cual realicé una entrada en este blog)ni tampoco estamos ante una exposición donde se hable del mapa socio político del Mediterráneo (que daría para mucho, claro, y más estos últimos años que se tiñe de luto y pateras a la deriva)…

Estamos ante el simple mar, del Mediterráneo, como metáfora del mar en sí y sus múltiples elementos, símbolos y representaciones esenciales…, peces, arenas, olas y espuma de mar, pequeñas embarcaciones y personas disfrutando de sus brisas y calidez, porque se trataba  de disfrutar el Mediterráneo desde la orilla o con el juego de sus olas;  desde la paleta extensa de sus múltiples gamas de azul… Se trata de asomarnos a las transparentes aguas (quizás por poco tiempo ya tan frescas o saludables, así que aprovechemos) y disfrutar de la brisa que amansa a las futuras fieras de otoño, de la vuelta a la rutina o la ciudad de siete cabezas…

Estamos ante el Mediterráneo hedonista del viajero o del que pasa unas sencillas vacaciones en las costas (¿por qué no?).

Desintoxiquémonos de la rutina y pasemos por Acanto y su mar Mediterráneo, aún estamos a tiempo…

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[i] Bueno, sí, lo transcribo, en pro de la difusión de las artes y que el público descubra lo interesante que es el mundo del grabado y la estampación, la obra seriada, etc.: ahí va: “Cromolitrografía (fotolitografía más litografía: toner mas litografía; aguada, lápiz y litografía en matriz de aluminio graneada) estampada sobre papel de algodón Zerkall Litho VI de 250gr.

*Me encanta que los artista y galeristas pongan información de interés artístico-técnico en las cartelas… poner título y autor…y fecha si acaso, me enerva, sobre todo en fotografía…jeje)

**Una muestra tan sólo, de alguna de las obras presentadas en ese número de Azul Mediterráneo, de Sol Úbeda. (no he podido conseguir más enlaces en internet hasta el momento, de otras obras presentadas y no poseo el número, pero en cuanto lo tenga, pondré alguna imagen o texto del ejemplar)


Más información e imágenes sobre la exposición en redes sociales de Galería Acanto

Carmaradas!, esto no es un blog; quien abre esto abre a una persona…Revisando HOJAS DE HIERBA, W. WHITMAN

mayo 14th, 2017 mayo 14th, 2017
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Tú, lector, tú te estremeces de vida y orgullo lo mismo
que yo;
En consecuencia, para ti son los cantos que siguen.
TÚ, LECTOR (Thou reader), en Holjas de hierba, Walt Withman.

Sobre HOJAS DE HIERBA y WALT WHITMAN, poeta inglés de fin de siglo XIX.

“Camarada, esto no es un libro; quien toca esto toca a un hombre
Con esta breve y efectiva arenga de comienzo, Walt Whitman (1819-1892) define la obra que escribió y revisó, y amplió a lo largo de unos cuarenta años, algo, este trabajo a lo largo del tiempo, ininterrumpido, que lo hace muy moderno a mis ojos, ya que realizó lo que hoy llamaríamos un “work in progress”; un trabajo artístico o creativo que avanza y no termina al uso, que no se considera, ni mucho menos, finiquitada, un canto a concebir una obra, aunque hecha y coherente en sí misma, inacabada a su vez…,  y que a mí me fascina desde que A. Rosillo (entrevistado en un post ante-ante anterior) me dio a conocer el término a propósito, por ejemplo, de la obra de Gerhard Richter – de mis preferidos entre los artistas plásticos actuales, aunque se cotice tanto en el mercado, jeje -.
“Fruto de una época y de un lugar -la Norteamérica del siglo XIX-, este gran poema épico nace y crece con la intención de definir al hombre americano frente al dominio cultural anglosajón. Su polémica ruptura, formal y conceptual, con el canon poético tradicional fue tal, que se dice que toda la poesía norteamericana posterior es un continuo diálogo con Whitman; incluso buena parte de la poesía occidental, desde el español García Lorca hasta el caribeño Walcott, bebe de esta fuente de inspiración.”
Y “redescubro” al poeta Whitman por una casualidad muy tonta…, aunque realmente, lo he descubierto  ahora porque mi primer conocimiento de su poesía, aunque me impactaron los primeros versos que escuché, fue a través de la peli El club de los poetas muertos, como casi todo el mundo (de mi generación y alrededores inmediatos al menos, salvo que estudiaras Filología inglesas, jeje).
Y sí, alucino…Parece mentira, pero leo lo que escribe y cómo lo escribe (aunque traducido del inglés, por ahora, sorry!) y su estilo, su ideario, su forma de actuar y estar en la vida,…y de pronto, me hace sentir que tengo una especie de Héroe!!
Será porque los otros modelos, de mujer u hombre que he admirado, artistas, escritoras o no,…, no sirven para todo momento, o para momentos como este, no lo sé, pero este es mi momento Whitman… Entre revolucionario y naturalista, entre la aceptación de la condición humana y su ensalzamiento…, descubro a un gran Personaje (con mayúsculas) de la historia de la literatura, de la poesía… social, diría yo, que se me hace más importante como persona y como ser humano, por cuanto piensa y hace, más que por su obra literaria. Porque es, y eso lo valoro casi más,  coherente con la actitud vital que pregona poéticamente… En una exposición de vida redonda…, muestra lo que piensa, hace lo que dice o escribe, leemos lo que Es, en sí. Es por lo que dice y hace… y así podemos volver  a empezar…
Original…, vitalista…me lo quedo!
Enlace a Hojas en la hierba (Traducción y edición por “Biblioteca Virtual Universal”)
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“Considerado de forma unánime el máximo poeta de Estados Unidos, Walt Whitman (1819-1892) es el supremo cantor del Yo y de la naturaleza, del cuerpo y del alma, de la igualdad del hombre y la mujer, de las delicias del sexo, de la fraternidad y la democracia. Profundamente renovadora en cuanto a forma y contenido, su obra suscitó una oleada de entusiasmo y controversias. Aparecida en 1855, “Hojas de hierba” vio nueve ediciones corregidas y aumentadas en vida del poeta. La presente antología bilingüe, traducida, prologada y anotada por Manuel Villar Raso, ofrece los poemas de Whitman en sus primeras versiones, en las cuales el impulso que les dio origen se manifiesta con mayor fidelidad que en las últimas, expurgadas por el propio poeta.” Otra en reseña de Casa del Libro digital.
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Por ahora, esto es todo…(me estoy obligando a editar mis post más cortos, alguien me lo agradecerá mucho, jeje)

Una peli sobre la que pensar y sentir: La comuna (de Thomas Vinterberg)

abril 20th, 2017 abril 20th, 2017
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Escribo aquí y ahora sobre una peli que acabo de ver (en varios tramos y días distintos, sí, así que me ha dado para verla en diferentes estados de ánimo -y sí, también creo que necesitaría otro visionado antes de lanzarme a la…”crítica de cineeeee”…cómo suena esto…- ).

El caso es que la he visto en mi plataforma digital cinematográfica preferida: Filmin, y como a veces me enrollo demasiado y no me deja el sistema de comentarios escribir más de X número de palabras (caracteres)…, pues ale, me he dicho- preguntado: para qué carajo tengo un blog propio??? Y ale, he copiado y pegado lo escrito (que luego he recortado en Filmin antes de publicar) aquí.

Ahí va mi opinión completa (dejemos la palabra “crítica” para otro momento donde haya un análisis más exhaustivo, formal, etc.):

La Comuna, de Thomas Vinterberg (Kollektivet, Dinamarca, 2016), cuyo autor ya me arrebató el ánimo con Celebration…, me ha parecido tremenda!, y en muchos sentidos…

[ Amplío aquí parte de la sinopsis que aparece en Filmin, para que os ubiquéis mejor, y algunos datos más: “Erik, un profesor de arquitectura, hereda el viejo caserón de su padre al norte de Copenhague. Su esposa Anna, presentadora de televisión, le sugiere que inviten a sus amigos a vivir con ellos. Con esto espera alejar el aburrimiento que ha empezado a infiltrarse en su matrimonio. Muy pronto, unos cuantos de ellos se instalan en la casa. Se toman decisiones en común, se habla de todo y se discrepa en mayor o menor grado debido a sus idiosincrasias. Pero el frágil equilibrio amenaza con romperse cuando Erik se enamora de Emma, una alumna suya, que se muda a la casa. (…) la historia de una generación que debe enfrentarse a sus principios y se convierte en víctima de sus ideales a mediados de la década de los 70

Premios y nominaciones de La Comuna: European Film Award por el Mejor Montaje; Festival de Berlín, Oso de Plata- Mejor Actriz; Robert Festival, Mejor Actriz y Mejor Guión; Festival de Chicago, Sección Oficial.

Guion: Tobias Lindholm, Thomas Vinterberg; Fotografía: Jesper Tøffner; Música: Fons Merkies. ]

Eso sí (los comentarios de usuarios en Filmin suelen ser para animar, o no, a los futuros “visionandos” de pelis, quienes se preocupan de otear la opinión de otros con anterioridad, una forma de hacer comunidad también, verdad?, jeje) creo que este film no es apto para no-sensibles o des-sensibilizados (comentario a colación de un usuario, por cierto, habitual, que la pone de desastre tildándola de “vulgar” o algo así!!!!, y nada más alejado de mi impresión primera y posterior, aunque aparezcan elementos trillados, como profesor y alumna joven se lían…y alguna cosa más), pero, desde luego, si tienes un mal día, o mala racha…o estas “mal”…, mejor déjala para otro momento… Es dura, aunque como dicen otros “filmínicos”, también puede ser “agridulce”, o “maravillosa” (seguramente, comentario referido a las circunstancias generales que engloban el todo: la creación de una comuna hippie por un grupo de amigos ya maduros, en la Dinamarca de los años 70).

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A mí me ha parecido una buena película en general, con reparto excelente y una interesante dirección… Y si bien es cierto que al comienzo puede parecer distante y algo deslavazada…, despega realmente de la mitad hacia el final, y ahí vemos-sentimos dramas en profundidad, las historias entrelazadas en profundidad, personalidades diversas conviviendo y aceptando lo bueno, lo malo, siendo derrotados o incomunicándose, comunicándose, ayudándose o destrozándose por fuera o por dentro…; esto último que digo no se ve tal cual  en todo momento (como etiquetan en la plataforma Filmin, tiene momentos de cierto humor…negro, y aunque yo no lo veo así, sí que tiene toques de desenfado), pero se palpa, se perciben las diversas formas de ser o sentir, los dramas personales, las pequeñas disputas y rencores, las admiraciones secretas, la amistad o fidelidad, el compañerismo o pequeñas mezquindades de cualquiera conviviendo;  un ambiente bastante completo, de gran diversidad de formas de pensar o actuar, donde terminas empatizando (queriendo, casi, estar ahí, en algún momento, para opinar e intervenir como un personaje más).

Y creo que ahí radica lo mejor de la peli, porque al principio parece lejana, por la forma de dirigir de Vinterberg (restos de su propio movimiento Dogma), y por el mundo que muestra, anacrónico hoy día, desconocido para mí y mucha gente de mi generación, y con un punto muy, muy retro, pero que, poco a poco, se acerca a la vida de cualquiera, aun viviendo como lo hacemos, en solitario, o encapsulados en familias pre-funcionales, funcionales o disfuncionales, y no en una comuna (aunque todos vivimos en comunidad y creo que al final se parece, lo queramos o no, interactuemos más o menos, nos aislemos o no).

Para finalizar mi exposición de por qué la recomendaría, también me parece un pequeño canto a superar los malos momentos, a tomar la vida como viene, o a “Tomad la rosa mientras podáis”, como decía el poeta…citado en otra peli emblemática para mí cuando tenía…mmm…mejor no lo digo…(cuando mi mente y alma estaban tan sensibles como ahora, pero pensaba que lo superaría con la edad, al crecer…y ahí lo dejo), por ahora…

Porque, como siempre, este será un “post in progress”…

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-Por ejemplo, ahora que releeo el post tras unas 5 horas de su primera publicación…., me fijo en que no he expuesto apenas ningún punto negativo, que los tiene, como casi todas las películas, por mucho que te gusten, al menos desde el punto de vista filmico (no sólo de la historia), y entonces me pregunto si la gente que lee sobre pelis espera que siempre se digan cosas negativas, o les da igual, mientras se les convenza de lo positivo…, ¿o no se predisponen a nada concreto? (yo no lo hago, en principio, desde luego)…

Seguiremos dándole una vuelta a esto de lo negativo en esta peli.

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Sobre La comuna: http://www.filmaffinity.com/es/film855472.html

(Bueno, aquí teneis lo que comentaba más arriba, personas que la han visionado y encuentran más cosas negativas, casi, que positivas a resaltar; las críticas a esta película en fillmaffinity la tachan de regular, decepcionante, etc., resumiendo, y bueno, es curioso cómo las expectativas, los prejuicios, o los gustos, sin más – hay de todo-, condicionan, creo, el visionado, reflexión y posterior comentario o crítica de una peli…, jeje, empezando por mí, of course, pero bueno…., en algunos casos me llama mucho la atención la diferencia tan abismal de sensaciones distintas sobre un mismo film.)

Dejo para otro momento el poneros más link sobre otras opiniones, etc.

(y amenazo con publicar en este blog más críticas, opiniones o reseñas de pelis, algo que siempre he querido hacer, pero que, por falta de tiempo y organización -de tiempo y otros- no he hecho aquí demasiado…; eso sí, iré rescatando pequeños textos sobre pelis que ya he publicado en otros lugares, y ale, igual inauguro sección cinematográfica y/o audiovisual en general) (no es Navidad, pero la cosa va de propósitos a cumplir…)