A modo de breve reseña esta vez, os comento mis impresiones sobre la exposición de las pinturas de Adela Abad en la actual Casa del Cine, en Almería: «Las imágenes que nos habitan» 

La muestra expositiva estará visible en La Casa del cine de Almería hasta el 31 de marzo de 2026.

A través de imágenes de diferentes épocas, el visitante tiene la oportunidad de imaginar cómo eran los interiores y los jardines de este cortijo entre las décadas de 1930 y 1970, un espacio que además fue elegido por el director Rainer Werner Fassbinder para el rodaje de la película Whity en 1970.

Fragmento del texto de la exposición.

 

«Las imágenes que nos habitan: pinturas de Adela Abad» es una muestra que refleja, de forma luminosa y con extremo cariño, las obras que la artista pintó, entre 2009 y 2010, sobre su vida, recuerdos y sensaciones en la que antiguamente fuera la Finca de Santa Isabel o Cortijo Romero [Nota1] -también llamada así por su propietario originario, familia directa de la pintora-.

Las obras de esta exposición pues, tienen su propia intra-historia, al partir del encargo del Ayuntamiento de Almería, que se presentó en el 2011 con el título de «Una casa para la vida», junto a la investigación de la vivienda, permaneciendo en La casa del cine varios años hasta ahora, que se exhibe bajo una revisión y nueva mirada presentada por La Oficina de la mano de Péricles, dentro del concepto de rescate visual de la memoria.

De manera que este nuevo proyecto expositivo evidencia el ejercicio de memoria y de archivo visual del comisario Péricles Dias [Nota2], que partiendo de las pinturas de Adela, la historia de la familia, de la casa y de las fotografías del archivo familiar nos lanza a un juego para completar las vivencias, de manera directa, de la artista almeriense en su infancia y adolescencia en la actual Casa del Cine.

Las pinturas de Adela Abad, creo, son perfectas para un itinerario emotivo, curioso y plástico. Toda una experiencia para quien desee adentrarse en otras formas de apreciar o comprender el Arte.

     Con un determinante acento naif [Nota3] en el tratamiento formal (personajes, perspectiva de las estancias o lugares y detalles u objetos), característico en toda la obra de Adela Abad, esta nos arrastra hacia composiciones que se despliegan como en una suerte de estable ingravidez -paradojas del arte-, pero con un fuerte trazo expresionista también, alimentado por una paleta viva cuyo colorido nos evoca las diferentes tendencias vanguardistas desde los post impresionistas (como el Fauvismo), pero naciendo-creo que esto es evidente- de técnicas y sensaciones impresionistas.
Con buen pulso, Adela, cuyos dibujos y esbozos recomiendo (y que querría ver con más detenimiento cuando pueda en vivo), sitúa su pintura fuera de ciertos cánones y también fuera del Tiempo o tiempos convencionales.
Esta serie sobre la vivienda que habitó y disfrutó, en concreto, nos habla, más que de un tiempo pasado, de un tiempo propio, libre, cadencioso y vibrante (como sus amarillos, naranjas, fucsias o algunos verdes), y nos hace pararnos a disfrutar de cada elemento encontrado en sus lienzos -uno por uno-, como rostros, detalles, sus firmas o pequeñas inscripciones en ellos escondidos, y preguntarnos qué pasa ahí dentro, en esa escena, …o imaginar cualquier momento pasado de otra infancia posible.
Quienes visionen estas obras podrá detenerse en una tarde estival soleada, un rincón del jardín, una fiesta donde colarse, la biblioteca densa de preguntas o la escalera repleta de invitados y futuros viajes, por ejemplo.

     Acompañan las obras textos explicativos sobre el contexto histórico de la familia y la casa, así como fotografías y documentos de la película allí rodada del director Rainer Werner Fassbinder: Whity (1970-71), no os digo más…solo venid y disfrutad!

 

**Ah, por cierto, la exposición está acompañada de un amplio programa de visitas guiadas por la casa y obra de Adela Abad de la mano del propio curador,  y este mismo jueves podéis asistir a la Mesa redonda, donde participamos, con la artista, María Moreno y yo misma (cosa que agradezco enormemente a La Oficina y Péricles Dias).

Más adelante podréis asistir a la charla de Francisco Verdegay sobre la historia de la casa.

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Expo en medios:

Canal youtube «Almería Ciudad» presentación el día de la Inauguración

La Oficina en IG

Adela Abad en IG

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[Nota1] «Conocida como Casa Balmas, Cortijo Romero, Finca Santa Isabel o Casa de la Torre, sus orígenes datan de 1866. Sus diversos moradores fueron mejorando y ampliándola(…). Romero Balmas, invirtió en la finca, ampliando la zona construida con jardines, piscina y pista de tenis, además de la creación de bancales con frutales, un coto de caza y una granja de vacas. (…) Durante la década de los 60 y 70, fue alquilada a diversos directores de cine como Fassbinder y David Lean, actores como Peter O’Toole,​ así como John Lennon en 1966.​ También fue escenario del rodaje de diversas películas, como Whity (1971) y El oro de nadie (1971).» [leer más sobre la casa en wikipedia.org]

[Nota2] Péricles Dias es un historiador, fotógrafo y curador que estudia y trabaja (en su tesis,  por ejemplo) el mundo del arte contemporáneo desde la perspectiva del «arte de archivo» y la memoria -entre otros temas de su interés-. Podemos recordar sucomisariado de Memorias del cine: archivo, proyecto sobre el que hablé en este blog hace varios años.

[Nota3] Sobre la palabra Naif, como término del arte contemporáneo, un movimiento estético de las primeras vanguardias y derivado de las rupturas de estas desde el Impresionismo en adelante, me gustaría dejar claro que no es un término despectivo, como muchos y muchas se han empeñado en hacernos creer en su uso a destiempo. Aunque se hable (como en la cita de más abajo) de autodidactismo, esto no tiene por qué darse, y pronto pasa a ser no sólo un Movimiento, sino una estética, una forma de mirar o percibir el Arte y una forma de expresión al fin y al cabo. Ahora, como digo, se utiliza como adjetivo (igual que decir «esto es barroco o clásico» sin pertenecer a épocas concretas, en la actualidad), pero debemos ajustarnos a su significado original, y no confundir con algo simplemente infantil, o no complejo, ni mucho menos.

«La denominación naíf, naif o naïf (del francés naïf, ‘ingenuo’) se aplica a la corriente artística caracterizada por la ingenuidad y espontaneidad, el autodidactismo de los artistas, los colores brillantes y contrastados y la interpretación libre de la perspectiva o incluso la ausencia de ella.»  [cita de Wikipedia sobre el término].

«34Rostros» es el título para esta exposición de miradas y gestos que respiran Cine por obra y gracia de Heva Fuentes (Eva Fuentes, Madrid, 1974). 34 rostros de actrices conocidas y reconocidas que pudimos ver en el espacio maker de La Jaquería (lugar no ortodoxo y fuera de canon galerístico en El Zapillo, Almería) del 7 de Noviembre al 8 de Diciembre de 2025, y que se incluyó dentro del Programa de actividades paralelas del Festival Internacional de Cine de Almería 2025 (FICAL #yosoyfical @festivaldealmeria).

La disposición (rictus, gestos, acción) en que son representadas, captadas de sus fotogramas o la publicidad para la difusión y distribución de las películas en su momento, y varias de ellas con pistola en mano, comparten una posición más que desafiante…(no todas, pero hay un hilo conductor vibrante) que nos hace quedar pegados al suelo recorriendo esta suerte de miradas al unísono…, a modo de gran friso romano…, viendo un mural gigante de acrílicos sobre papel entelado cuya dimensión en todos ellos es como las medidas de los carteles clásicos: 70 x 100cm.

Sus 34 miradas, de primeros planos, casi plano-detalle en algunos casos (como se diría en jerga cinematográfica), nos siguen por la sala desde que entramos, pues  han sido dispuestas -en el montaje final de la exposición- a lo largo de las 3 paredes utilizadas, desde techo a suelo prácticamente, para que confluyan en el centro del espacio…y nos sentimos atraídos hacia los ojos desde los que ellas nos observan …

Estas representaciones figurativas, que huyen de un realismo exacerbado, nos sugiere cercanía al cómic y al universo del pop art (por su descontextualización en fondo plano en ocasiones) pero están ejecutadas con un trazo enérgico, casi expresionista, que también nos retrotrae al estilo de las ilustraciones del extinto oficio de plasmar los rostros a gran escala que tenían los pintores de oficio para carteles, murales o marquesinas en antiguos cines de grandes ciudades como Madrid o Barcelona  (recordemos a Jano, o a Juan Antonio García, padre de Juan Antonio Bayona).

Estudiando con Heva el montaje, decidimos no poner cartelas identificativas junto a cada «mujer», para tener una experiencia de visionado menos controlado (en pensamiento, sensaciones o reflexiones), y no pretendo desgranar al máximo los significados de las piezas, como la artista prefiere (ella desea que cada cual vea, o sienta la exposición a su manera), pero sí necesito hacer llegar al público que pueda haber quedado con ganas de más, varias ideas que en mi cabeza resuenan desde que contemplé por primera vez esta amplia colección de retratos que parten, de una manera de ReApropiacionismo [Nota 1], o, también, de una reconstrucción que Heva realiza con la pasión que siente por el cine, por la gran pantalla, por las grandes (o pequeñas, pero intensas) historias que pueblan los film, y hay una visión personal pero también fuertemente vivencial de la artista sobre las actrices expuestas…

La exposición ha sido concebida para mostrar el máximo de obras de esta serie de más de 50 piezas y que sigue en expansión -a modo de work in progress-,  mostrando así un mosaico de rostros, a modo de puzle a gran escala también (todos en blanco y negro con diferentes fondos, a color o no) que nuestro compañero de  montaje excepcional, el profesor Adolfo Rosillo [Nota2], compara con un Mural al estilo postsovietico -ya que expone de igual manera a todas las actrices uniformándolas sea cual sea su estatus como actrices en su día, por así decirlo-  y también, algo en lo que ambos coincidimos -aunque en otra vertiente de las diversas capas del conjunto-con la obra acumulativa de Gerhard Richter en «Atlas» (donde el artista colecciona diversas tipologías de imágenes pictóricas que le interesan desde el inicio de su carrera).

Por otro lado, y en esa misma línea de procesado de grandes rostros, uno de los artistas contemporáneos que me vino a la cabeza al reflexionar sobre la obra de Heva, fue el hoy desaparecido Chuck Close, también pintor cuya obra se basa en la fotografía o la imagen fotográfica para sus pinturas a gran escala, aunque desde una posición estética muy diferente, pues él era hiperrealista (fotorrealista)…

Estos dos artistas han trabajado de forma intensiva, y yo diría que obsesiva, como la propia Heva, en series de imágenes que trascienden lo fotográfico ( o cinematográfico) aunque partan de la imagen fija, creando otro contenido paralelo y propio.

En el caso de Heva, primero se siente atrapada por la película y su protagonista, y luego, a modo de IA, pero mejor… (la primera gran IA es nuestro cerebro, ¿o no? …porque partimos de que somos nosotr@s quienes discernimos y calificamos/clasificamos, para empezar, lo real de lo artificial…) procesa la imagen principal y destila el rostro que ya, no es, pero sí Representa, la película o a la actriz en cuestión.

Artificio, realidad, veracidad o verdad…, no tienen aquí cabida, salvo en el referente, repito. Porque Heva no busca calcar, copiar o reproducir la imagen perfecta, icónica, de estas actrices tan populares, Divas, muchas de ellas, en su tiempo y actualmente (eternamente, con toda seguridad para amantes de lo cinematográfico)…, no lo necesita, y hoy día no es necesario… No se trata de ver cuánto se parecen a la actriz en la que se basó para el retrato, aunque el nombre de la película aparece, pero es con motivo de compartirlas…, de unir experiencias cinematográfica remitiéndonos a esa película en concreto que a ella le ha motivado a pintar…

Estos rostros, además, podrían ser máscaras, como apunta de nuevo Adolfo Rosillo, no retratos en sí, porque no muestran tal cual al individuo, ni son un encargo, ni tienen ese afán, como he comentado antes, de mostrar veracidad o parecido con la persona en concreto, sino con un personaje, una idea, una sensación o emoción… (esta es una exposición tanto para iconoclastas como para cinéfilos empedernidos, creo…)

Tal y como hacían, casi, pero por otros motivos, los Retratos del Fayum [Nota3], diría yo…, los «retratos» primigenios de los antiguos egipcios romanos y Coptos, realizados como ofrenda al más allá o talismán, y pintados sobre madera o lino acompañando al cuerpo yacente y momificado en su féretro o cenotafio… Curiosamente representaban a las personas vivas y jóvenes, lo contrario de lo que amortajaban en realidad, y aunque algunos eran más realistas -según el periodo encontramos una tendencia u otra estética- la mayoría eran, no retratos, sino rostros idealizados que compartían algunos de los rasgos de la mujer, hombre o niño muerto, por lo que de nuevo, encontramos ya en el pasado remoto la Interpretación sobre la imagen de un rostro existente, pero imaginado, …recreado.

Como la propia Heva me comentó al preguntarle sobre su proceso de trabajo, ella pinta estos rostros como una forma de archivo de la memoria, una forma de no olvidar ese argumento o historias que la han capturado durante un par de horas…; reconstruye para sí un momento álgido de un film que no desea abandonar. Y según su estado de ánimo, además, les va «regalando» un fondo u otro -tono rosa frío, cálidos en llamas, o paisajes montañosos principalmente- que califica de «mi lugar seguro»: lugares que concibe como una especie de vuelta a su infancia, donde ella se encontraba feliz y segura, …libre.

 

     Breve Bio de Heva Fuentes

«Mi trayectoria en el mundo del arte comienza con siete años cuando mis padres me llevaron a ver el museo del Prado. Esta experiencia fue el comienzo de mi interés por el mundo del arte».

Heva Fuentes es una artista que se mueve dentro de las corrientes artísticas más contemporáneas y reflexiona sobre la mujer, su papel en la sociedad, la cultura y la vida, y que, en este caso, se centra en la significación cinematográfica de grandes actrices.
Estudió pintura en la Facultad de BBAA de la Universidad Complutense de Madrid y Cerámica artística en la Escuela de Arte de Almería.

Cuenta con numerosas exposiciones colectivas e individuales a sus espaldas. Algunos de los lugares donde ha expuesto son: Espacio cultural «La Rosa», Madrid, 2007;  «Galería Cerilla»,  Madrid, 2008; Casa de Perú, Majadahonda, 2009 o Espacio cultural «DeliRoom», Madrid, 2010.

Actualmente vive y tiene su estudio en Almería donde trabaja con otras series de rostros y representaciones de mujeres.

    Algunas reseñas En Medios

La sonrisa del gato, Candil Radio. Entrevista con Carmen Rubio.

Reportaje en Diario de Almería, Fotografías de Marian León (entrevista a Maribel Úbeda como comisaria)

La Jaquería (sobre la exposición 34 Rostros) en «Como Alfredo por su casa». Interalmería TV

 

    Algunas imágenes de la inauguración y en prensa

(imágenes de RRSS de @heva

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

    Parte de las obras en el montaje en la exposición de La Jaquería

 

   

Notas

[Nota1] Reapropiacionismo es una práctica vinculada recientemente al cine, a películas antiguas, descatalogadas o de aficionados, anónimas También se asocia al «Apropiacionismo», algo que en realidad, se viene dando desde siempre, ya que (y yo defiendo totalmente estas tesis) nada hay original al cien por cien, todo viene de lo anterior, siempre nos basamos en lo aprendido (y aprehendido) para crear, incluso, claro, para innovar… Podemos ser originales, cada vez es más difícil, pero…aunque haya un cambio de parámetros, una redistribución u otro punto de vista, los elementos con los que jugamos en el arte son «los mismos» desde la antigüedad. No obstante, el Apropiacionismo (y ReApropiacionismo ahora) significa tomar, clármente, un referente directo y trabajar con ello hasta recontextualizarlo, descontextualizarlo, o desmontarlo…, dotarlo de otro significado o ampliarlo…Ejemplos claros de apropiación se presentaron en las obras dadaístas y en el Surrealismo, por ejemplo. Y actualmente, con la multiplicacióin y multiplicidad de la imagen digital, por ejemplo…

[Nota2] Adolfo Rosillo es profesor de Teoría del Arte (entre otras materias) en la Escuela de Arte y diseño Carlos Pérez Siquier, en Almería. También es miembro de La Jaquería.

[Nota 3] Sobre los rostros de El Fayum: «Ya desde sus comienzos las prácticas funerarias desarrolladas por los antiguos egipcios nos ilustran, con todo lujo de detalles, sobre el importante cometido del “retrato”: máscaras funerarias, cabezas de sustitución, sarcófagos antropomorfos, entre otros elementos, tuvieron la misión de reproducir el aspecto físico del muerto mostrando con mayor o menor exactitud los rasgos del rostro, a fin de que sus integrantes anímicos, es decir, su ba (alma o espíritu móvil) y su ka (fuerza vital), pudieran reconocerle en el momento de reencontrarse de nuevo con el cuerpo del que habían formado parte en vida. Así, dotado de las cualidades y atributos de un ser divinizado[4], el difunto se encontraría en condiciones óptimas para acceder al otro mundo, renaciendo en él como Osiris, sin perder por ello el contacto con el mundo de los vivos». Extraído de https://amigosdelantiguoegipto.com/?p=1471