Sobre ÁNGELA BRUN y su residencia artística con FOIE. Almería-2026

I. PREÁMBULO: F.O.I.E  [[[satélite cultural descentralizado con residencias artísticas impropias]]]

Hay Residencias y residencias: esta es la de FOIE para/por ALMERÍA (no siempre en la misma Almería).

Un tipo de Residencia artística donde, por solo mencionar algo de lo que me llama especialmente la atención, se da la grata peculiaridad de poder encontrar las artes integrales, desde lo interdisciplinar o lo multidisciplinar…, como si de la medicina reintegrativa se tratara – supongo que a más de una le suena este término tan interesante donde se trata la salud como un todo y donde cada pequeña parte puede afectar o intervenir en otras partes-. Si trasladáramos “lo reintegrativo” a conceptos artísticos, encontraríamos algo similar durante el Renacimiento, donde el todo cuenta tanto como las partes y a la inversa, dentro de sus parámetros de la búsqueda de la Armonía, por ejemplo…

Otra cosa que me gusta y me llama poderosamente la atención en las residencias y proyectos de FOIE es que el Arte y las artes son una forma de Artivismo…, o un Activismo casi existencialista, pero a la vez, muy vívido, dinámico y concreto…

FOIE, y los proyectos que acoge, o que ayuda a crear, nacen de la necesidad genuina de expresión artística, de comunicación, pero su trasfondo esta conectado con la vivencia profunda y doliente de interesarse por el entorno, envolviéndose de toda una esencia trascendental en general, tanto en lo coyuntural como el contexto del lugar donde se trabaja, lo histórico o cultural (entorno medioambiental, social o ideológico…), y por supuesto conectando con las sensaciones o sentimientos propios que suelen mover el hecho artístico «per se»…

Aquí sobrepasamos el actual “yoismo” o soliloquio del artista contemporáneo ( también necesario, ojo, en el proceso creativo, e incluso en del crecimiento o formación del Yo artístico) para pasar a un diálogo, o a un debate, en cuyo seno se puede dar una confrontación de realidades…, que busca el ver con los ojos del artista el objeto de búsqueda determinado (o los objetivos), esto es, la materia de trabajo o de reflexión creativa que, como mencioné al inicio, no se suele anclar a una sola disciplina (alabado sean los dioses por esto, pues amplifica sin necesidades de IA la Experiencia…)

Por lo que llevo visto en los proyectos de FOIE, los artistas residentes, utilizan para transmitir su propio cosmos formal, estético y conceptual, cualquier herramienta que sientan necesaria para ello. Esto no solo aporta una libertad extra (sin los corsés de utilizar equis disciplina o técnicas, ni los tiempos delimitados por un espacio como suele ocurrir) sino que tenemos proyectos artísticos que se van conformando como piezas híbridas con sub-piezas, como por ejemplo, el caso del trabajo sobre el viento de Javier Pérez, donde encontramos, como producción artística en sí, las bolsas de plástico o de rafia de súper que él iba moldeando para tensarlas y usarlas como cometas al viento; a esto se le sumaba la grabación de audios para mostrar la percusión creada con esas bolsas infladas por el aire almeriense tan característico…, con lo que el sonido (sin más, sin un afán musical en sí mismo) se va “consolidando como eje fundamental” [ver explicación de la obra completa en https://foie.pizza/2026/residentes/javier-r-perez-curiel/ ]

Pues bien, este es solo un ejemplo de qué significa o puede acontecer en estas residencias de FOIE, proyecto global del que hablaré en un post más adelante y donde entrevistaré a su principal actor-ejecutor y curador [nota1]: Jonathan García.

II. ÁNGELA BRUN

 “Me interesa reconfigurar los relatos heredados hacia formas más abiertas, conciliadoras, sincréticas y contemporáneas de la espiritualidad, en un territorio con una construcción simbólica tan compleja como Almería.”

Ángela Brun para FOIE

Y ahora sí, me centraré en la más reciente “residente” que ha entrado en la familia FOIE, la artista multidisciplinar nacida en Toledo, ÁNGELA BRUN (nombre artístico), quien, dentro de los diversos itinerarios de acción y trabajo FOIE, ha optado por la linea “Almería como Memoria, Patrimonio y Conciliación”, unidad donde ella aportará sus propios temas de investigación artística: “las tradiciones santorales” [nota 2], desde las que, como ella misma narra: “planteo un horizonte de trabajo que se sitúa entre el retrato y la imaginería contemporánea, el ajuar y la vestimenta religiosa, así como el ritual y la performance colectiva”, “entre lo visible y lo invisible, lo cotidiano y lo sagrado, lo material y lo espiritual”.

Bebiendo de la historia, el arte, la tradición cristiana, el feminismo y la crítica consciente a sistemas patriarcales desfasados -incluidos los artísticos- Ángela subvierte y juega poética y visualmente con toda la cosmogonía religiosa cristiana y los significados heredados culturalmente. Nos propone otras puestas en escena y utilizar, de forma evidente, los referentes historicos que llevamos grabados a fuego, normalmente desde la más tierna infancia, por las prácticas o dogmas religiosos de nuestro entorno social, o familiar directamente, como en su caso [Nota 3].

Así para empezar… creo que todo este planteamiento promete…

Acción M2, “Una artista en un pajar”. Ángela Brun, performance. Presentada por primera vez en Juan Gallery de Madrid

De lo que hablamos en la entrevista by phon-movil:

procesos y trabajos realizados hasta ahora, cómo y por qué…

Como, a diferencia de otros post de este blog, no parto de una producción aun concretada (suele ser por una exposición, por ejemplo), sino de la residencia en sí -que ya tiene lugar mientras escribo estas líneas, y empezó “en diferido” (Junio de 2026) -, me he decidido por narraros el resultado de mi entrevista con ella en primera instancia para comprender sus puntos de partida, y ya en otro post hablaremos del proyecto final resultante de dicha aventura FOIE. [Nota4]

*Podéis seguir las trayectorias (en general y en particular con la residencia FOIE)

en IG de Ángela Brun y de FOIE

    Las primeras «palabras clave» que Ángela me lanzó sobre su obra fueron: “mensaje” y “didáctico”, ¡bien!…, porque de todo eso va la obra artística de ella también, dejándome entrever que hay, no sólo actitud crítica y un camino premeditado de forma intelectual, sino una gran pasión y emoción por dichos temas, además de mucho trabajo, revisión… y reflexión; de esa reflexión más teórica y científica (la Historia del arte es una ciencia, os recuerdo) es de donde parte el reeducar la mirada, y querer modificar concepciones preconcebidas culturales, pero con una pedagogía visual, desde las prácticas artísticas contemporáneas (con el uso de lo digital-virtual, ya que hay vídeo, además de performance grabada en móvil y expuestas en sus redes sociales, por ejemplo), junto con el uso, mayoritario, de técnicas, procedimientos o recursos ya empleados en las vanguardias históricas (pese a que haya a quienes les resultan extravagantes o poco convencional aun a día de hoy, increíble pero cierto…)

Y es que esta artista, que maneja y domina el ensamblaje como forma principal de transformación, re- aprovechamiento, re-significación e invención artística, es, además, profesora de artes plásticas y visuales, y dentro de ese amplio bagaje que da el conocimiento intrínseco de los diversos lenguajes y preceptos del Arte, tiene una gran necesidad de transmitir esa otra visión sobre la siempre igual narrada historia del arte, de la religión y de la mujer fuera y dentro de estos grandes ejes culturales y sociales, aunque, atención, investigando y trabajando en tono de “reconciliación”, «dentro del optimismo» – el buen rollo o el humor, elemento este último muy presente en toda su obra y en su persona-, y desde el sentimiento de la justicia, el anti totalitarismo o la re-utilización del discurso creador impuesto.

Piezas de Ángela Brun. Izquierda: The holy sins tree. Collage con papel y juguetes. 40x40cm. 2022
Derecha: Activismo cotidiano, collage analógico, lapices y pintura acrílica, 40 x 30 cm. 2020

Ángela trabaja en positivo subrayando, o señalando sutilmente -depende-, desde la construcción o la reconstrucción, en una búsqueda de entendimiento, ya que muchas veces es necesario reivindicar desde lugares no comunes para hacerlos comunes (precisamente es la base de sus objetivos, el ver de otro modo el universo que nos ha ido instando a admitir siempre una estética y conceptos occidentales, patriarcales y judeocristianos), desde puestos incómodos (según para quien) y dentro de la tensión que provoca darle la vuelta a las cosas que siempre hemos visto, falsamente, “inmutables”.

En este sentido, el trabajo de Ángela se enclava dentro de una de las tendencias artísticas más plenamente necesarias y contemporáneas (y postmodernas) de señalar los enclaves donde la mujer (en la religión o el arte) debería estar y no está, o reformular las fallas y huecos en donde estamos, como la artista granadina Marina Vargas, a quien me cita como uno de sus referentes cuando le pregunto por ellos, y también me nombra a la andaluza Cristina Lucas, realizadora de video performance, feminista de proyección internacional, o a Doris Salcedo (Bogotá, 1958), artista que se apoya en una “rigurosa labor de investigación experiencial”, desarrollando un «multifacético trabajo en torno a la violencia política y el sufrimiento» para «(re)construir la historia, incompleta y fragmentada, de los seres que habitan en la periferia de la vida”; a Pilar Albarracín, quizás más conocida a nivel popular y con gran peso en la performance también, cuestionando y revisando estereotipos y la identidad (andaluza, con sus tópicos, entre otras), o Mona Hatoum (Beirut, Líbano), enfocada en esteticistas y formas más mínimal-conceptuales, y que también afronta la crítica al establishment «donde el arte se convierte en un espacio de denuncia, memoria y transformación». También nombra a otros artistas que le gustan y le han influenciado, como o el performer y clown afincado en España Leo Bassi (creador de la Iglesia patólica en Madrid, entre otras genialidades) o León Ferrari (fallecido en 2013) quien dijo en su día: «defiendo la inseparabilidad del arte y la acción política», algo que también podemos vislumbrar (creo) en el trabajo de Ángela.

     Respecto a mis preguntas sobre las técnicas que prefiere en sus creaciones (piezas o proyectos), varían tanto como la pieza requiera, y al explicarme cómo realizó varias obras concretas, como su dolorosa denominada “FALOGOCENTRISMO RIP S.XXI D.C.» -performance donde aparece ella transformada en figura de virgen dolorosa en mitad de la Feria de arte ARCO en 2023-, «THE FIRST DATE AT THE GOLDEN GATE» – un collage analógico-, o «CHRIST WAS FEMINIST AND ANTIFASCIST TOO» -una pequeña escultura de un crísto (40x60cm) restaurado con pintura acrílica, alambre, flores secas y esgrafiado con tatuajes-…, puedo comprender el tiempo y esfuerzo que dedica a todo su proceso, desde la idea hasta la consecución final, ya que cada pieza -y cada una de sus partes- está tratada con mimo excepcional. Los materiales, “objetos encontrados”, o buscados, provienen de su propia familia a veces (como el Cristo antes citado) y les tiene veneración, cuida cada elemento incorporado o cambiado, cada detalle (como la tipografía de la letra del tatuaje en la piel del mismo cristo…), piensa y repiensa el color o colores de un fondo, etc., etc., para, como decía al inicio de mi texto, obtener un todo coherente, que impresiona y puede sorprender, hacer pensar o incluso sonreír (o reír) y hasta, por supuesto, herir…

Imagen izquierda: Ángela Brun en plena Performance en Arco 2023. Falogocentrismo R.I.P. S.XXI d.C.

Imagen derecha, detalle de la performance. Rostro de la dolorosa con máscara trabajada para tal intervención.

Imagen izquierda y  derecha (detalles) de Cristo intervenido por Ángela Brun, Christ was femmenist and antifasciste too. 40x60cm. 2026.

Esta labor de artesanía fina contrasta en cierto modo con otro aspecto que me destaca Ángela Brun sobre sus procesos creativos, y es que crea paso a paso cada pieza para un objetivo particular, pero antes, su materia “prima” está pululando por su casa hasta que las necesita, ya que ella se considera un poco «médium» en el trance creativo, de una forma inconsciente puede inspirarse para obras, aunque antes, las partes de ese todo ya puede que estén con ella en su estudio. No va buscando tema tipo folio en blanco, son proyectos que de un modo u otro ya estaban rondando por el espacio o por la cabeza (ideas o sensaciones) tiempo atrás, bien sea de forma subliminal o como un “run-run” que le llega en un momento determinado.

Dentro de estos procesos de trabajo, a mi pregunta expresa sobre cuándo da una pieza por terminada o si retoca sus propias piezas «acabadas» Ángela me explica que puede modificarlo al cabo de meses o años, ya que esos proyectos “me encuentra a mí”, como antes explicaba. Y es lógico, ya que los significados potentes le atraen, si algo le llama la atención, termina teniendo “un valor” de interpretación que quiere explorar, siendo el propio azar el que la guía en ocasiones.

De forma vibrante, la artista me confiesa esto: “voy sembrando, lo dejo en el taller (una pieza cualquiera) y luego llega el momento de usarla!” , “bicheo los rastros, mercadillos o anticuarios y la calle” y “me dejo el sueldo en tiendas como chatarrerías, mercadillos, antigüedades” (y también en las famosas tiendas online de compra-venta, claro) apostilla (me sonrío para mí porque me la imagino en una especie de Estudio o taller de artista y santuario). Aunque, otras veces parte de una idea, un referente, visionado o lectura que le está rondando también desde hace tiempo. Buscando o encontrando, Ángela llega a la concepción de la pieza a la que va sumando los objetos o detalles, buscando expresamente lo necesario para dar un toque decisivo, por ejemplo.

Por esta forma de concebir su quehacer, también le atrae e inspira la obra de Banksy, y su concepto de Intervención, de pieza no creada de cero o de la nada, sino la reutilización, o “tuneo” podríamos decir. Este proceso re-creativo, revisionista, de añadir o quitar, crear, poner y volver a ajustar está acompañado de la simultaneidad, no es lineal. De todos modos nada de lo expresado anteriormente significa que no haya planificación concreta, porque siempre hay bocetos, notas, croquis o maqueta incluso; entre todo ese magma de elementos e ideas la pieza va cobrando sentido, hace o rehace dándose un efecto de retroalimentación en la idea/creación.

Esta acción es coherente con sus principios y técnicas preferidas, pues esta forma de trabajo es típica del ensamblaje y el collage, donde hay algo más que la ductilidad de la materia y el trabajo manual (escultórico al fin y al cabo) o performático (donde ella se transforma y “tunea” también normalmente, se trata como un pieza más), en este sumergirse en la pieza o proyecto hay unas sensaciones y emociones que ella realiza a modo de ritual de renovación, … con pleno sentido y derecho de existir por sí mismo. Y llegados a este punto os diré que mi sensación es que trata a sus piezas y obras como a amigos…,como a personas, no como piezas inanimadas o para su exhibición.

Imagen de collage de sus propias obras, imagen para su dossier artístico (captura)

[respiremos…aquí hay mucha información, y sigamos, ¡fue una charla de una hora y pico!]

     Hay un momento de la conversación importante para comprender la obra de Ángela, y es cuando le pregunto si aún es creyente tras contarme que su interés por lo religioso decayó en su etapa universitaria (estudió en colegio de monjas y su entorno vivía con devoción esta faceta religiosa), fue un momento donde “desperté y me dio rabia La Mentira, que no se sostenía”…, esa rabia y quizás desamparo -del hacerse mayor o crecer, por otro lado- se fue transformando de nuevo, al buscar un interés genuino donde centrar su carrera artística: «había una inercia cuando volvía a mi pueblo (en Toledo) que me llevaba a lo religioso de nuevo, y he seguido por ahí”. Su sensibilidad visual y sensorial se vuelca hacia este mundo de santas y santos, devoción y sentimientos íntimos  compartidos, aunque no desde lo que marca la Iglesia, la ortodoxia cristiana, sino en la búsqueda de una transcendencia espiritual, “mostrando cómo lo religioso interfiere en el mundo y en ti”.

En sus piezas más claramente (re)religiosas [recibe, por cierto, encargos de algunos religiosos, de restauración o nueva ejecución] su imaginario está repleto de los eternos atributos citados en las hagiografías (vidas -biografías- de santos) que conformaron la tradicional iconografía y simbología visual cristiana, muchas veces transformados pero reconocibles, junto a elementos más populares (de la fe a pie de calle), conformando una reinterpretación y Re-Visión de los modelos, los cánones y estética (desde lo paleocristiano y medieval hasta lo barroco y decimonónico) del arte cristiano de la Contrarreforma (las vírgenes y cristos de la imaginería barroca castellana o andaluza por ejemplo) pero también los mitos sobre las diosas ancestrales (me cista varias veces la figura de Gilgamesh), pasando por lo egipcíaco, o lo cretense.

«El carácter crítico y poético de sus obras introduce al espectador en su universo más íntimo, sus naufragios y resiliencias espirituales. Y es precisamente en estas fisuras donde emerge lo innombrable, revelándose a través de símbolos y fragmentos de imágenes cargadas de ambigüedad»

(fragmento de dossier de Ángela Brun)

     Pasad por sus redes…, porque es decisivo ver con calma sus piezas para comprender de qué estamos hablando, porque resultan más impactantes, en un escrutinio atento, de lo que pueda parecer en un primer vistazo, cuando aun estamos (normalmente, y supongo que otras personas les habrá pasado como a mí) flipando con la forma, elementos, atributos, símbolos, objetos…coloridos (tonos planos y chillones, brillos o dorados incluidos, entre el pop– kitch, lo povera o el origami occidentalizado).

     Respecto a la gran cuestión del género (femenino) dentro del arte, el gran pilar de su trabajo conceptual, temática y visiblemente transversal al resto de temas, nos preguntamos ambas: ¿cuando entrará, de verdad, la mujer en el mundo del arte? Y estamos de acuerdo en que aun hay mucho por hacer y cambiar, como que quien decida y pague exposiciones, retrospectivas, colecciones, etc., no sigan siendo mayoritariamente hombres (dentro del sexismo y machismo aun imperante y reforzado por los tiempos actuales; y quien lo niegue que mire con más detenimiento y empatía, gracias), y me comenta a colación, que uno de los momentos cruciales para ella en su toma de conciencia reivindicativa fue la acción con el colectivo MAV (Mujeres en las artes audiovisuales) del “Punto rosa” en las galerías donde incluían obra de Artistas mujer (ellas iban vestidas de negro buscando en galerías la presencia de artistas mujer y, donde las había, colocaban por fuera un punto rosa).

Piezas sobre feminismo de Ángela Brun. Izquierda: Collage analógico. 40x25cm. 2020. / Derecha: Imagen capturada de dossier de Ángela Brun

     Para ir concluyendo este texto sobre la obra de Ángela y nuestra charla, me gustaría incidir en que con Ángela no solo vemos crítica y una revisión de la historia del arte y creación, sino meta-arte, metalenguaje del arte, transgresión con juego, pero también con un punto poético y surrealista (como ella se etiqueta), aunque su surrealismo es más por la parte técnica y matérica, del objeto encontrado, ensamblaje y collage, o la idea de subversión política, descomposición/recolocación de la materia o los cuerpos, etc., no en la estética conseguida finalmente, donde tiene mayor peso lo pop, o lo caricaturesco, como máscara y envoltorio de ideas, para hacer contrapeso al impacto de lo cuestionado. Por todo esto percibo más simbolismo (y expresionismo a veces), o actitud dadá inclusive, que un surrealismo canónico. Ángela Brun destila rebeldía y esas ganas de batalla metafórica; como ángel(a) o arcágel (haciendo un símil con estos «seres espirituales y celestiales que actúan como mensajeros  intermediarios entre la divinidad y la humanidad» ) pelea a través de su obra, con esa valentía y exposición personal-artística, que hasta la lleva al escenario (a penas he hablado de su faceta musical) con una gran voz a su favor, y donde mezcla música con performance también.

Sus fuentes, en pleno siglo XXI, pasan de la calle y lo local, a los textos sagrados totémicos -mitología, leyenda, narración o dogmas- vertidos a través de las obras de arte que ella re- visiona… Todo ese saber enciclopédico, sección Historia del arte y las imágenes que consumimos (a lo Fontcuberta y su posfotografía-post imagen) y lo que observa en los ambientes de santería o religiosos son lo que alimenta el universo Brun. Ella desmigaja los temas y nos los sirve emplatados con otro aire, deconstruidos… Como en sus Adan y Eva, por ejemplo (muñecos hinchables sin genitales pero con caras denotando su género) donde aparece a la vez el mensaje reeditado del preludio ilícito con la manzana y la serpiente, pero cuyo peso ahora recae en otros sitios, no en el pecado de Eva, sino en el inconformismo que proponer su mirada que,  por supuesto, no desea que se quede en algo puramente estético, pues no es romper por romper en todo caso…, sino replantear.

Izquierda: Adán y Eva floating in the paradise. Collage de papel. 40x35cm. 2024 / Derecha: fotograma de Vídeo-arte. La verguenza de Adán y Eva.

    Su práctica artística es una forma de decirnos (exhortarnos): ¡Eh!, ¡se puede tocar!, ¡¡se puede jugar con todo esto que hemos heredado!!, y vosotras, tocad, tocad y regodearos aún más, es el momento…

Y esto último, queridas y queridos lectores, no me lo ha dicho Ángela en la entrevista, … me lo susurran sus obras …

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Notas:

[Nota1] Curador,-a: esta palabra que indica a la persona que realiza la acción curatorial, en España se ha conocido y se puede conocer como Comisario,-a (de Comisariado/comisariar ) proviene del término latino “curare”, como “curar”: cuidar, interesante, ¿verdad?, aunque en realidad, al comienzo de su uso como témino artístico se refería a la actividad de conservación de las obras de arte en el siglo XX.

No obstante, no vengo en esta nota a explicar el significado de la palabra ni de esta profesión tan necesaria en el Arte contemporáneo más actual, sino a expresar lo bien que viene (una vez asumida la traducción del anglo: “curator”) ya que podemos hacer el juego de palabras en castellano con curar, de salud (no solo cuidar), sanar con el arte diría yo. De modo que mi alusión a la “medicina reintegrativa” no queda sola y descontextualizada. Porque Sí, el Arte, las artes, ayudan a vivir, y a vivir mejor, y no me refiero al tema económico, y menos para los y las artistas o resto de profesiones alrededor de las obras de arte, etc., (jeje, más quisiéramos), no, me refiero a que realmente pueden sanar el alma en el circundante momento histórico de todos los tiempos hasta hoy día, lo creo y lo digo como lo siento).

[Nota 2] Prácticas santorales como las incluidas (quiera la Iglesia o no, católica, apostólica y romana española) en las tradiciones cristianas desde antaño en Andalucía, Castilla, Murcia o Albacete, por ejemplo. No nos referimos a las denominadas prácticas de Santería de origen afro-cubano, aunque ambas (lo santoral y la Santería, se adscriben bajo el sincretismo religioso en general).

[Nota3] Me refiero a “activismo cristiano” porque en el caso de España, que actualmente es laica, no aconfesional como Francia, por ejemplo, y la deriva histórico-social y religiosa de este territorio nos lleva a una mayoría de cristianos bautizados, aunque no se sea practicante, y se conviva con otras ortodoxias y creencias que tampoco tienen por qué ser practicadas (incluidas las diferentes ramas del cristianismo como el anglicanismo, ortodoxos, metodistas, etc., así como islamismo -y sufismo-, hinduismo, judaísmo, budismo,…, y, ¿por qué no?, el agnosticismo, y el ateísmo -esta última más bien anti religiosa, pero ahí está-).

[Nota4] En nuestra charla telefónica (que fue como tomar un café juntas por la cercanía que Ángela transmite) pude preguntarle bastantes cosas sobre su concepción del arte, del trabajo, de sus procesos y de algunas obras en concreto, y aun queda mucho en el tintero, por lo que podremos seguir charlando en nuestro futuro Podcast, de la mano de FOIE (que será grabado el 30 de Agosto de 2026 en Almería).

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    Bio

Ángela Brun (1988, Toledo) se licenció en Bellas Artes por la Universidad de Castilla- La Mancha (2012) y ha participado en diferentes eventos culturales y exposiciones colectivas en Cuenca, Valencia, Salamanca, Londres, La Rioja, Barcelona, Madrid, como Artista Plástica, Músico y Performer. Actualmente, es profesora de Arte en institutos de Madrid capital y recientemente, ha lanzado su primer proyecto musical de ‘El Ángel Terrestre’ A.T.

Como artista multidisciplinar Interviene imágenes del imaginario colectivo religioso y cultural tratando de traslucir el desequilibrio de género que, asegura, comenzó a acentuarse con las religiones abrahámicas, tratando, asimismo, de reconfigurar el imaginario de una fe cada vez más sincrética, más transreligiosa y más intercultural.
El estilo que mejor la describe es el simbolismo y el surrealismo en estado puro por todos sus matices formales y conceptuales: reivindica el proceso manual e intelectual de las artes a través del Dibujo, el Collage, la Pintura, el Vídeo-Arte y la Performance, donde integra su propio simbolismo con imágenes religiosas y objetos cotidianos que tienden puentes directos entre Poesía – Pensamiento, Realidad – Inconsciente, Historia – Mito, Antigüedad – Modernidad…

    Sobre ella (en medios)

Nueva tribuna (periódico online) «Ángela Brun. Una artista en un pajar»

La tundra (plataforma cultural): Ángela Brun: El arte como poema visual y escénico. 17 junio, 2020

ArteInformado. Perfil (galerías con las que trabaja y enlaces a exposiciones)

Festival Vociferio. Intervención en su VIII edición (festival de poesía de Valencia)

La circular. Revista cultural. Entrevista con  Ángela Brun «No tenemos nada que decir sobre Ángela Brun» (2022)

All child sholud be sacred. Ángela Brun. Imagen intervenida con yeso (Niño Jesús). 30x10cm. 2023

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Os recomiendo seguirla, no sólo en su IG sino en su faceta musical -performer:

Canal youtube  Música @angelabrun 

Canal youtube Ángela Brun performer

Canal Vimeo

Tienda: shop/AngelaBrunArt

Gore World... así es…lejos del mundo idealizado o idílico de gran parte del arte, muchos artistas pueden lanzarnos hacia otros latidos, otro sentir…, otros olores, tacto o gustos…

Desde que vi (disfruté/aluciné, a partes iguales) esta exposición en la Galería Two Art Gallery de Murcia, a finales de Diciembre de 2021…, ha pasado poco tiempo, pero ha llovido mucho, metafóricamente hablando (que no meteorológicamente) como todo el mundo sabe, por el diluvio de acontecimientos anacrónicos/injustos/ kafkianos en Ucrania…

[Mi sentido pesar por quienes tristemente lo están padeciendo y sufriendo…y lo que traerá para el resto del mundo a corto y largo plazo]

Así que ahora mi escritura sobre la misma exposición al abordar este post es ligeramente diferente, desde posicionamientos racionalmente antibelicista y antibelicosos… Lo primero puede ser fácil como principios, pero lo segundo es algo más complicado de llevar airosamente, puesto que late en el aire un ambiente poco optimista, con voces de rearmamento, guerra nuclear, etc., etc.,  que parece surrealista, pero es la realidad, …la cruda realidad, como parte de las imágenes que observamos en la galería Two Art Gallery.

De todos modos, y pese a este comienzo, intentaré no irme por los cerros de mi apellido y hablar (comentar, reflexionar o analizar…) Gore World, estupenda muestra por sí misma y al margen de cualquier situación exterior, aunque las obras y piezas (esculturas principalmente, aunque también instalación, pintura y fotografía) no están exentas de diálogo interno y externo, desde luego. Es más, tienen un marcado tono ácido todas ellas…, y no solamente por su estética o temáticas variadas (dentro del universo de lo que podemos enmarcar lo llamado gore) sino por el alto contenido ideológico [*1] de crítica hacia políticos, cultura, ética, moral o falta de todas ellas que desprenden las piezas artísticas.

Porque es esta una exposición colectiva de diversas autorías nacionales e internacionales (con obras actuales o de hace algunos años), seleccionadas por la galerista y comisaria, Eva Hernández Calderón, bajo el criterio de lo provocadoramente gore…; y «gore» puede ser tanto algo sangriento (no en balde proviene esta palabra del término inglés «sangre»), como una idea, una actitud, o determinadas filias, no nos confundamos. Tampoco gore tiene que significar imagen virulentamente sangrante y/o cutre hasta la risa, como nos tiene acontumbrados el término del subgénero en cinematografía (véanse dos grandes referentes para el epíteto «gore» en «Braindead» de Peter Jackson o el film gallego «La matanza caníbal de los garrulos lisérgicos«, como ejemplos, y mejor la segunda que la primera según mi parecer…), aunque sí suele haber algunos elemento comunes en todo lo denominado «gore», y es, a parte de los referentes a lo pop y el cómic (en lo estético), la ironía, sátira y esperpento, el humor negro, o la escatología, la mutilación …,  unido casi siempre, en las artes plásticas, al realismo o hiperrealismo, y bastantes veces, a la crítica social (moral o esteta), bien como actitud concreta, o bien como posicionamiento general y visceral…(literalmente o no, también).

En palabras de la propia galería, aun estáis a tiempo de ver: «Desde la sangre hasta las mutaciones, pasando por la religión, el sexo y la coprofilia en su máxima dimensión, “Gore World” recoge todo tipo de fenómenos perversos a través de unas obras desgarradoras, un submundo paralelo donde la provocación y lo extraordinario son una constante pero, sobre todo, una experiencia única para el espectador y muy especialmente para los aficionados a este tipo de manifestaciones. Un tributo al exceso, a lo deforme, a lo diferente, pero también a la imaginación, a la libertad no sólo creativa sino también mental, todo cabe en ese universo trágico-cómico del gore, incluido el humor. Un show de dos rombos en el que participan 45 artistas nacionales e internacionales con más de cincuenta obras».

Por orden, obras de los artistas: Werner Reiterer/escultura hombre, Thomas Kuebler/escultura músico bicéfalo, Simone Racheli/escultura bomber (izquierda) y (derecha) Silvia Flechoso/Retrato D.Trump, Patricia Mateo/pintura goyesca , Nojus Petrauskas/pintura, Leo Ferdinando Demetz/escultura niño, Jorge Rueda/collage fotográfico. Fotografías cortesía de la galería. 

De manera soslayada (las menos), como el hitchikoriano Mr. Bean y la goyesca dama, o de manera directa, las más…, como el aterrador papa emérito, las siamesas de los Chapman, o la talla excelente de Joan Priego (por citar alguna de las que más me impresionaron), las obras apelan a todos nuestros sentidos, a los más evidentes y primarios (como la vista) y a los más (co)laterales, el subconsciente, la memoria (referentes cinematográficos, periodísticos o activistas y culturales), junto a nuestros instintos básicos o sublimes/subliminares… Y hay que estar, o bien muy preparados, o bien dejarse llevar sin más, sin miedos ni complejos…; porque sí, queridos y queridas, el Ser Humano es todo eso también, o además…, y creo que ambas actitudes en esta sala son compatibles, pues el realismo hasta el hiperrealismo, o lo neofigurativo, puede llevarnos por muy diversos derroteros en esta gran exposición. Y con grande me refiero tanto a extensa en metros cuadrados y número de obras, como en calidad, puesto que todos sus artistas son de renombrado prestigio y trayectoria, sin pararme en la técnica de todas ellas (porque tendría que reescribir el catálogo, que os recomiendo, entre otros motivos por su cuidado, como todas las  publicaciones de la galería) de un detallismo o preciosismo extremos en la mayoría, por imperativo de concepto.

Pero, repito, esta exposición recomendable, que, como se dice en otras publicaciones online sobre ella, es dificilmente repetible fuera de esta sala (ni en galerismo privado ni en salas públicas u otros espacios que no sean ARCO a nivel nacional) no es solo de alto interés por lo gráfico explícito, la capacidad de sus artistas, la variedad de formatos, técnicas, materiales, disciplinas y estilos (dentro de la estética gore, bizarra y hasta kitch en general), o por el alarde temático, tan inusual como comprometido, sino por las ideas que desmenuza, hechos, realidades, cuestiones, elementos, fragmentos, formas…de nuestro mundo en los márgenes, que no deseamos ver o mostrar las más de las veces…

Aunque, por supuesto, no siempre hay «algo» especial o dantesco detrás, y sí una gran puesta en escena y/o mucho humor -sin más- donde poder enredarnos, como en las excelentes piezas  del hombre «lamiendo» la pared, de Werner Reitener, o el bicéfalo conjunto del tocador de banjo sacado de la américa profunda por Thomas Kueblerg,  por ejemplo.

TAG trae de esta forma y formato gore lo mejor del panorama del arte contemporáneo en lo figurativo, y es indiscutible, solo teneis que pasearos por sus anteriores exposiciones para ver otros mundos escamoteados normalmente en su línea…

El espacio libre de pandemias mentales de Two, cuya trayectoria es larga (*2) y coherente desde su anterior espacio (Clave), demuestra tener coraje y ganas de mostrar…, ganas de no ir nadando por entre las corrientes sencillas unas, otras simplonas, a las que nos quieren acostumbrar quienes programan (o hemos programado incluso) exposiciones para todos los «gustos», saberes y haberes, edades o ideas/ideales (ideologías…de nuevo)…, estádares, conceptos cuadricualados, prejuiciosos o poco libres…

Pues bien, ..dicho todo lo anterior…, esta expo deseo pensar que puede ser para todo el mundo, sí, …pero hay que bajar la guardia y sumergirse en el lodazal, el fango, las pesadillas o los sueños menos tranquilos, menos domesticados, menos… pero cuando el menos es más … y más…y más…

Catálogo de la exposición (imagen galería).

Artistas con obra en la exposición Gore World:

Javier Aguilera – Reme Amorós – Alessandro Boezio – Francisco Carrillo – Antony Crossfield – Jake & Dinos Chapman – Tomy Ceballos – Leo Ferdinando Demetz – Luca del Baldo – Carlo di Meo – Andrzej Dragan – Carlos Fernández – Silvia Flechoso – Santiago Gijón – Mitsy Groenendijk – Harma Heikens – Chao Cheng Huang – John Isaacs – Thomas Kuebler – Alfredo López – Piero Manzoni – Fausto Martín – Enrique Marty – Guillermo Masedo – Patricia Mateo – Lorenzo Mena – Zhang Peng – Jorge Pérez Parada – Dante Perrito – Nojus Petrauskas – Joan Priego – Iván Prieto – Juan Piza – Simone Racheli – Werner Reiterer – José Romero – Jorge Rueda – Viktor Safonkin – Paolo Schmidlin – Joseph Seigenthaler – Qimmy Shimmy – Gerald van Scyoc – Lia Viciute – Joel Peter Witkin – Peter Zelei

 

Fotos cortesía de la galería. Gore World. en Two Art Gallery.

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*Nota 1.

Es interesante, cuando un@ escribe, ver qué sabes o no, no del tema en sí, sino en general…; por ejemplo, de pronto me he planteado qué es Ideología; o sea, qué abarca…, pues pensamos, a veces, que solo se refiere a nuestras querencias o cultura política, o religiosa como mucho, pero …no…, abarca más, el todo diría yo, y  donde nos movemos en la teoría y práctica (vayan o no unidas estas).

Así que según Wikipedia: «El término ideología fue formulado por Antoine Destutt de Tracy (Mémoire sur la faculté de penser, 1796), y originalmente denominaba la ciencia que estudia las ideas, su carácter, origen y las leyes que las rigen, así como las relaciones con los signos que las expresan.» (…)

«En ciencias sociales, una ideología es un conjunto normativo de emociones, ideas y creencias colectivas que son compatibles entre sí y están especialmente referidas a la conducta social humana. Las ideologías describen y postulan modos de actuar sobre la realidad colectiva, ya sea sobre el sistema general de la sociedad o en uno o varios de sus sistemas específicos, como son el económico, social, científico-tecnológico, político, cultural, moral, religioso, medioambiental u otros relacionados al bien común.»

[merece la pena seguir leyendo toda la entrada en wikipedia y seguir ampliando nuestro conocimiento sobre este manoseado, pero necesario, término].

*Nota 2

Como comenté con la galerista Eva (a quien agradezco la atención de la visita guiada, improvisada, junto a mi compañero de crítica y amigo, el periodista Jose Alberto Bernardeau), en la anterior Galería Clave conocí, recién llegada al «mundo del arte contemporáneo» como quien dice, la obra de referencia del fotógrafo J-Peter Witkin, y disfruté, a parte de grandes escultores de la escena contemporánea (bastante desconocidos en general y en particular por mí ,tras terminar mi carrera especializada en Historia del Arte), del fotógrafo Tomy Ceballos o Chema Madoz, entre otros… Y comprendí lo que es llevar una línea «editorial», en este caso artístico-visual en una galería, así como aprendí lo que una buena publicación significa en el mundo del arte…, o la especializacion, los criterios de selección y los vínculos inestimables con el arte contemporáneo y sus artistas concretos, que a la vista está en Two Art Gallery en la actualidad… La rabiosa actualidad del arte contemporáneo post-Todo de fin de siglo XX y los primeros 20 del siglo XXI.

** Por cierto, suelo acompañar de mis propias fotos los post de las exposiciones a las que voy, pero desgraciadamente, aunque las hice, perdí el móvil con ellas dentro… Lástima, algunas me gustaban bastante…jeje.

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Enlaces de interés donde se habla de la exposición Gore World:

lahornacina.com/noticiasmurcia

www.laopiniondemurcia.es

https://murciaplaza.com

Otras exposiciones de Two Art Gallery

John de Andrea

Guillermo Pérez Villalta. Dibujos y Esculturas

Rigor Mortis

Ladies. 37 mujeres y un pollo

Thomas Kuebler. De Brujas, Monstruos y Asesinos

Animal Farm

Autores por orden:  Fausto Martín/pintura, Guillermo Masedo/pintura,  varias obras/autorías, Alessandro Boezio/escultra, Joan Priego/talla. Fotografías cortesía de la galería Two Art Gallery, Gore World, 2022.

«Alicia Urda…Soledad acompañada»

Aquí os dejo  mi texto crítico sobre la exposición realizada por la veterana artista Alicia Urda en La Casa de la Lectura-Biblioteca Municipal de Segovia, y que se puede visitar hasta el día 13 de febrero del presente año, cuyo titulo es ‘La soledad de la naturaleza’ :

Imagen de la artista en la sala durante la inauguración,
junto al concejal de Cultura, Alberto Espinar - Foto: D.S. Prensa, fuente
"El día de Segovia" digital.

«Nunca sabemos el misterio que puede encerrar la mirada sobre las cosas cotidianas (no por eso fútiles o banales) o las más trascendentales o espirituales, de determinadas personas…

Y la mirada de Alicia sobre el paisaje, la naturaleza y el ser humano de paso, en las pintura y esculturas que presenta en esta exposición “La soledad de la naturaleza” es un ejemplo de que no podemos dejar de sorprendernos, para bien, en más ocasiones de las esperadas,… afortunadamente.

Alejada del mundanal ruido las más de las veces, encerrada por propia voluntad muchas en su estudio, que tiene vistas hacia el espacio infinito del campo que rodea Segovia, esta pintora, profesora y restauradora de bienes culturales nos presenta una muestra coherente, compacta y persuasiva……, esparciendo esa mirada de la que hablé al comienzo, y los demás sentidos, por las tierras y cielos del norte castellano.
En este contexto, importante para la artista, Alicia se recrea en la observación casi analítica, llena de reflexión, intuición y profundos sentimientos, para cogernos de la mano y hacernos partícipes del silencio…, de la soledad buscada…, de la inmensidad concreta, detallada, minuciosa, de la Naturaleza.

De forma casi asceta, nos enseña a mirar de nuevo esa naturaleza que nos empeñamos en destrozar día a día, minuto a minuto, como si tuviera una bomba de relojería atada que no puede (o eso parece) frenar su cuenta atrás…

A través de estas imágenes del paisaje en primavera, verano y otoño, con brotes de verdor y algo de ocres aquí y allá…se nos sumerge en un personal y delicado mundo donde la Naturaleza grita por su supervivencia…
Prevalecen los árboles de ramas secas, en realidad muertas, troncos enroscados de nudos eternos, añejos, bellos en su rusticidad y franqueza, exhibidos a base de manchas de luz…, con una paleta fría en gran parte, pues es el mañana lo que la autora toma normalmente, y más cálida en ocasiones.

Con pincelada resuelta, minuciosa (admiradora de Sorolla, y se nota), o espátula para esparcir mejor esos destellos luminosos,…la obra de Alicia se recrea en un mundo interior de lo exterior, nítido… y resuelto a mostrarnos su verdad.

La imagen que abre el tríptico, un paisaje del Otoño, con el venado muerto en primer plano de forma desoladora, y que quienes asistáis podréis ver …, es toda una declaración de principios (su modo de vida y su obra lo avalan) y del significado de la exposición: está dedicado “al cambio climático y al efecto que tiene en la naturaleza. Entre la soledad de la muerte y la belleza de sus formas” como indica ella misma.

Los protagonistas de estas obras, los troncos desnudos de las pinturas y los personajes enraizados y sin rostro sobre la tierra en forma de bola de su serie de esculturas en barro (que me apasionan a la par que intimidan) son un grito de ¡Basta! Ante tanto maltrato al ecosistema que habitamos…
Las esculturas de arcilla, modeladas y vaciadas, y piezas únicas, en barro rojo y blanco (en parte esmaltados) representan “La condición humana” y no tienen rostro porque no desea ver ni escuchar, pese a que salen de la tierra, o un tronco y sus manos son raíces, siendo una metáfora de que lo que rechaza es lo que necesita para vivir a su vez…

Tanto sus paisajes como los seres arbóreos muestra los principios de su estética: el Realismo…, que oscila hacia el realismo mágico en otras ocasiones (mirando obras de anteriores etapas).

Aunque la contemplación de las primeras obras que me fue mostrando Alicia para esta exposición, me llevaron a la Escuela de Barbizon, por los paisajes al óleo y su pincelada suelta y tonos más cálidos, también vi en sus tablas, de gran detallismo y trabajo, los tonos y cielos de los paisajes ingleses y nórdicos de la pintura decimonónica (amaneceres sobre el mar o los acantilados alpinos de tonos fríos, donde las ramas pueden casi tocarse o sentir el frío húmedo del mar…); donde busca unos cielos a base de blancos limpios para que no se manchen, a través de una depurado proceso de dejar secar parte y luego ir aplicando el color de carmines, azules, etc., paso a paso, pieza a pieza…

Y no es de extrañar su estética presente, porque en su obra anterior sabemos de la admiración que Alicia siente por el realismo español de los años 60, de la Escuela madrileña, con Antonio López, María Moreno o Isabel Quintanilla, y vemos cómo trabaja cada pieza con enorme solvencia y amor, viniéndome a la mente la frase de Santa Teresa: “También entre fogones anda dios ”, para señalar que en lo pequeño y sencillo, aparentemente, está lo bello, y hasta sublime muchas veces…

Así pues, estas 15 obras, óleos sobre lienzo y sobre tabla, y las 4 piezas escultóricas, nos darán cuenta del trabajo que Alicia Urda ha realizado en los últimos tiempos en estas obras que nos atraparán por la excelente técnica y también por su temática .

Os invito a pasaros por su exposición, y espero que Alicia, una persona que, con aspecto de que en cualquier momento puede desvanecerse en su delicada semblanza y creatividad, es acogedora y decidida, siga llenando paredes y espacios de salas donde se quiera percibir, sentir y experimentar una mirada auténtica y comprometida con el arte, la vida y la Naturaleza…

Esta naturaleza que está en la esencia de todo y que por ello…debemos respetar, cuidad y amar más de lo que hacemos ahora…

Gracias, Alicia, por brindarme la oportunidad de pensar contigo, y extasiarme en los detalles de lo pequeño para ver lo grande…»

Maribel Úbeda
Almería , 2021

Izquierda: Imagen de prensa digital, fuente: «El Adelantado», Segovia. Imagen de Nerea Llorente. Derecha: Invitación a la exposición.

Carrusel de fotos expo en El dia Segovia imagenes de Rosa Blanco

 

Bio de Alicia Urda

Su vinculación con las artes es fuerte y viene de atrás, desde la adolescencia empezó a realizar cursos y a moverme en círculos artísticos (durante varios años en el círculo de Bellas Artes de Madrid, realizó dibujo al natural de desnudo).

Finalizado el bachillerato realizó la especialidad de «cerámica artística y murales» en Segovia en la Escuela de Artes y Oficios en la «Casa de los Picos» de Segovia; donde tambien asistió a las clases de pintura artística de Lorenzo Tardón y Muñoz de Pablos; en escultura con José María Moro; en moldes de escayola con el especialista Feliciano, y por último, marionetas con el profesor Peralta.

A posteriori formó, junto a otros compañeros, el grupo «Lizo y Chamota» dedicado principalmente a la enseñanza artística, además de la realización de exposiciones.

Dirigió durante cuatro años las actividades del Campo de Trabajo Internacional en el Castillo y la Torre de Coca (Segovia).

«A partir del 2000, comenzó a realizar colaboraciones en restauración, tanto en instituciones como para particulares. En el 2001 trabajó en la restauración de la sala de la Galera en el Alcázar como colaboradora y es este momento es cuando decidió estudiar restauración. Años después estudió en la escuela de Ávila como diplomada en restauración de Bienes Culturales en la especialidad de arqueología; posteriormente realizó diferentes especialidades para profesionales en la Fundación de Sta. María de Albarracín (Teruel). Entre los años 2014-2018 perteneció al grupo de restauradoras de Arte Urbano del GEIIC. Actualmente se dedica a la restauración, a la impartición de clases de pintura y la realización de encargos, especialmente, de retratos». (Bio resumen de D.S. en El día de Segovia / digital. 23/12/21)

Enlaces de la exposición en parte de los medios:

Tríptico de la exposición en sala

Reflexiones artísticas sobre el cambio climático

Una exposición para reflexionar sobre el cambio climático

El día de Segovia. Alicia Urda expone en La casa de la cultura