Sobre ÁNGELA BRUN y su residencia artística con FOIE. Almería-2026

I. PREÁMBULO: F.O.I.E  [[[satélite cultural descentralizado con residencias artísticas impropias]]]

Hay Residencias y residencias: esta es la de FOIE para/por ALMERÍA (no siempre en la misma Almería).

Un tipo de Residencia artística donde, por solo mencionar algo de lo que me llama especialmente la atención, se da la grata peculiaridad de poder encontrar las artes integrales, desde lo interdisciplinar o lo multidisciplinar…, como si de la medicina reintegrativa se tratara – supongo que a más de una le suena este término tan interesante donde se trata la salud como un todo y donde cada pequeña parte puede afectar o intervenir en otras partes-. Si trasladáramos “lo reintegrativo” a conceptos artísticos, encontraríamos algo similar durante el Renacimiento, donde el todo cuenta tanto como las partes y a la inversa, dentro de sus parámetros de la búsqueda de la Armonía, por ejemplo…

Otra cosa que me gusta y me llama poderosamente la atención en las residencias y proyectos de FOIE es que el Arte y las artes son una forma de Artivismo…, o un Activismo casi existencialista, pero a la vez, muy vívido, dinámico y concreto…

FOIE, y los proyectos que acoge, o que ayuda a crear, nacen de la necesidad genuina de expresión artística, de comunicación, pero su trasfondo esta conectado con la vivencia profunda y doliente de interesarse por el entorno, envolviéndose de toda una esencia trascendental en general, tanto en lo coyuntural como el contexto del lugar donde se trabaja, lo histórico o cultural (entorno medioambiental, social o ideológico…), y por supuesto conectando con las sensaciones o sentimientos propios que suelen mover el hecho artístico «per se»…

Aquí sobrepasamos el actual “yoismo” o soliloquio del artista contemporáneo ( también necesario, ojo, en el proceso creativo, e incluso en del crecimiento o formación del Yo artístico) para pasar a un diálogo, o a un debate, en cuyo seno se puede dar una confrontación de realidades…, que busca el ver con los ojos del artista el objeto de búsqueda determinado (o los objetivos), esto es, la materia de trabajo o de reflexión creativa que, como mencioné al inicio, no se suele anclar a una sola disciplina (alabado sean los dioses por esto, pues amplifica sin necesidades de IA la Experiencia…)

Por lo que llevo visto en los proyectos de FOIE, los artistas residentes, utilizan para transmitir su propio cosmos formal, estético y conceptual, cualquier herramienta que sientan necesaria para ello. Esto no solo aporta una libertad extra (sin los corsés de utilizar equis disciplina o técnicas, ni los tiempos delimitados por un espacio como suele ocurrir) sino que tenemos proyectos artísticos que se van conformando como piezas híbridas con sub-piezas, como por ejemplo, el caso del trabajo sobre el viento de Javier Pérez, donde encontramos, como producción artística en sí, las bolsas de plástico o de rafia de súper que él iba moldeando para tensarlas y usarlas como cometas al viento; a esto se le sumaba la grabación de audios para mostrar la percusión creada con esas bolsas infladas por el aire almeriense tan característico…, con lo que el sonido (sin más, sin un afán musical en sí mismo) se va “consolidando como eje fundamental” [ver explicación de la obra completa en https://foie.pizza/2026/residentes/javier-r-perez-curiel/ ]

Pues bien, este es solo un ejemplo de qué significa o puede acontecer en estas residencias de FOIE, proyecto global del que hablaré en un post más adelante y donde entrevistaré a su principal actor-ejecutor y curador [nota1]: Jonathan García.

II. ÁNGELA BRUN

 “Me interesa reconfigurar los relatos heredados hacia formas más abiertas, conciliadoras, sincréticas y contemporáneas de la espiritualidad, en un territorio con una construcción simbólica tan compleja como Almería.”

Ángela Brun para FOIE

Dios era una mujer. Ángela Brun. Collage de papel y pintura spray. 100x70cm. 2025

Y ahora sí, me centraré en la más reciente “residente” que ha entrado en la familia FOIE, la artista multidisciplinar nacida en Toledo, ÁNGELA BRUN (nombre artístico), quien, dentro de los diversos itinerarios de acción y trabajo FOIE, ha optado por la linea “Almería como Memoria, Patrimonio y Conciliación”, unidad donde ella aportará sus propios temas de investigación artística: “las tradiciones santorales” [nota 2], desde las que, como ella misma narra: “planteo un horizonte de trabajo que se sitúa entre el retrato y la imaginería contemporánea, el ajuar y la vestimenta religiosa, así como el ritual y la performance colectiva”, “entre lo visible y lo invisible, lo cotidiano y lo sagrado, lo material y lo espiritual”.

Bebiendo de la historia, el arte, la tradición cristiana, el feminismo y la crítica consciente a sistemas patriarcales desfasados -incluidos los artísticos- Ángela subvierte y juega poética y visualmente con toda la cosmogonía religiosa cristiana y los significados heredados culturalmente. Nos propone otras puestas en escena y utilizar, de forma evidente, los referentes historicos que llevamos grabados a fuego, normalmente desde la más tierna infancia, por las prácticas o dogmas religiosos de nuestro entorno social, o familiar directamente, como en su caso [Nota 3].

Así para empezar… creo que todo este planteamiento promete…

Acción M2, “Una artista en un pajar”. Ángela Brun, performance. Presentada por primera vez en Juan Gallery de Madrid

De lo que hablamos en la entrevista by phon-movil:

procesos y trabajos realizados hasta ahora, cómo y por qué…

Como, a diferencia de otros post de este blog, no parto de una producción aun concretada (suele ser por una exposición, por ejemplo), sino de la residencia en sí -que ya tiene lugar mientras escribo estas líneas, y empezó “en diferido” (Junio de 2026) -, me he decidido por narraros el resultado de mi entrevista con ella en primera instancia para comprender sus puntos de partida, y ya en otro post hablaremos del proyecto final resultante de dicha aventura FOIE. [Nota4]

*Podéis seguir las trayectorias (en general y en particular con la residencia FOIE)

en IG de Ángela Brun y de FOIE

    Las primeras «palabras clave» que Ángela me lanzó sobre su obra fueron: “mensaje” y “didáctico”, ¡bien!…, porque de todo eso va la obra artística de ella también, dejándome entrever que hay, no sólo actitud crítica y un camino premeditado de forma intelectual, sino una gran pasión y emoción por dichos temas, además de mucho trabajo, revisión… y reflexión; de esa reflexión más teórica y científica (la Historia del arte es una ciencia, os recuerdo) es de donde parte el reeducar la mirada, y querer modificar concepciones preconcebidas culturales, pero con una pedagogía visual, desde las prácticas artísticas contemporáneas (con el uso de lo digital-virtual, ya que hay vídeo, además de performance grabada en móvil y expuestas en sus redes sociales, por ejemplo), junto con el uso, mayoritario, de técnicas, procedimientos o recursos ya empleados en las vanguardias históricas (pese a que haya a quienes les resultan extravagantes o poco convencional aun a día de hoy, increíble pero cierto…)

Y es que esta artista, que maneja y domina el ensamblaje como forma principal de transformación, re- aprovechamiento, re-significación e invención artística, es, además, profesora de artes plásticas y visuales, y dentro de ese amplio bagaje que da el conocimiento intrínseco de los diversos lenguajes y preceptos del Arte, tiene una gran necesidad de transmitir esa otra visión sobre la siempre igual narrada historia del arte, de la religión y de la mujer fuera y dentro de estos grandes ejes culturales y sociales, aunque, atención, investigando y trabajando en tono de “reconciliación”, «dentro del optimismo» – el buen rollo o el humor, elemento este último muy presente en toda su obra y en su persona-, y desde el sentimiento de la justicia, el anti totalitarismo o la re-utilización del discurso creador impuesto.

Piezas de Ángela Brun. Izquierda: The holy sins tree. Collage con papel y juguetes. 40x40cm. 2022
Derecha: Activismo cotidiano, collage analógico, lapices y pintura acrílica, 40 x 30 cm. 2020

Ángela trabaja en positivo subrayando, o señalando sutilmente -depende-, desde la construcción o la reconstrucción, en una búsqueda de entendimiento, ya que muchas veces es necesario reivindicar desde lugares no comunes para hacerlos comunes (precisamente es la base de sus objetivos, el ver de otro modo el universo que nos ha ido instando a admitir siempre una estética y conceptos occidentales, patriarcales y judeocristianos), desde puestos incómodos (según para quien) y dentro de la tensión que provoca darle la vuelta a las cosas que siempre hemos visto, falsamente, “inmutables”.

En este sentido, el trabajo de Ángela se enclava dentro de una de las tendencias artísticas más plenamente necesarias y contemporáneas (y postmodernas) de señalar los enclaves donde la mujer (en la religión o el arte) debería estar y no está, o reformular las fallas y huecos en donde estamos, como la artista granadina Marina Vargas, a quien me cita como uno de sus referentes cuando le pregunto por ellos, y también me nombra a la andaluza Cristina Lucas, realizadora de video performance, feminista de proyección internacional, o a Doris Salcedo (Bogotá, 1958), artista que se apoya en una “rigurosa labor de investigación experiencial”, desarrollando un «multifacético trabajo en torno a la violencia política y el sufrimiento» para «(re)construir la historia, incompleta y fragmentada, de los seres que habitan en la periferia de la vida”; a Pilar Albarracín, quizás más conocida a nivel popular y con gran peso en la performance también, cuestionando y revisando estereotipos y la identidad (andaluza, con sus tópicos, entre otras), o Mona Hatoum (Beirut, Líbano), enfocada en esteticistas y formas más mínimal-conceptuales, y que también afronta la crítica al establishment «donde el arte se convierte en un espacio de denuncia, memoria y transformación». También nombra a otros artistas que le gustan y le han influenciado, como o el performer y clown afincado en España Leo Bassi (creador de la Iglesia patólica en Madrid, entre otras genialidades) o León Ferrari (fallecido en 2013) quien dijo en su día: «defiendo la inseparabilidad del arte y la acción política», algo que también podemos vislumbrar (creo) en el trabajo de Ángela.

     Respecto a mis preguntas sobre las técnicas que prefiere en sus creaciones (piezas o proyectos), varían tanto como la pieza requiera, y al explicarme cómo realizó varias obras concretas, como su dolorosa denominada “FALOGOCENTRISMO RIP S.XXI D.C.» -performance donde aparece ella transformada en figura de virgen dolorosa en mitad de la Feria de arte ARCO en 2023-, «THE FIRST DATE AT THE GOLDEN GATE» – un collage analógico-, o «CHRIST WAS FEMINIST AND ANTIFASCIST TOO» -una pequeña escultura de un crísto (40x60cm) restaurado con pintura acrílica, alambre, flores secas y esgrafiado con tatuajes-…, puedo comprender el tiempo y esfuerzo que dedica a todo su proceso, desde la idea hasta la consecución final, ya que cada pieza -y cada una de sus partes- está tratada con mimo excepcional. Los materiales, “objetos encontrados”, o buscados, provienen de su propia familia a veces (como el Cristo antes citado) y les tiene veneración, cuida cada elemento incorporado o cambiado, cada detalle (como la tipografía de la letra del tatuaje en la piel del mismo cristo…), piensa y repiensa el color o colores de un fondo, etc., etc., para, como decía al inicio de mi texto, obtener un todo coherente, que impresiona y puede sorprender, hacer pensar o incluso sonreír (o reír) y hasta, por supuesto, herir…

Imagen izquierda: Ángela Brun en plena Performance en Arco 2023. Falogocentrismo R.I.P. S.XXI d.C.

Imagen derecha, detalle de la performance. Rostro de la dolorosa con máscara trabajada para tal intervención.

Imagen izquierda y  derecha (detalles) de Cristo intervenido por Ángela Brun, Christ was femmenist and antifasciste too. 40x60cm. 2026.

Esta labor de artesanía fina contrasta en cierto modo con otro aspecto que me destaca Ángela Brun sobre sus procesos creativos, y es que crea paso a paso cada pieza para un objetivo particular, pero antes, su materia “prima” está pululando por su casa hasta que las necesita, ya que ella se considera un poco «médium» en el trance creativo, de una forma inconsciente puede inspirarse para obras, aunque antes, las partes de ese todo ya puede que estén con ella en su estudio. No va buscando tema tipo folio en blanco, son proyectos que de un modo u otro ya estaban rondando por el espacio o por la cabeza (ideas o sensaciones) tiempo atrás, bien sea de forma subliminal o como un “run-run” que le llega en un momento determinado.

Dentro de estos procesos de trabajo, a mi pregunta expresa sobre cuándo da una pieza por terminada o si retoca sus propias piezas «acabadas» Ángela me explica que puede modificarlo al cabo de meses o años, ya que esos proyectos “me encuentra a mí”, como antes explicaba. Y es lógico, ya que los significados potentes le atraen, si algo le llama la atención, termina teniendo “un valor” de interpretación que quiere explorar, siendo el propio azar el que la guía en ocasiones.

De forma vibrante, la artista me confiesa esto: “voy sembrando, lo dejo en el taller (una pieza cualquiera) y luego llega el momento de usarla!” , “bicheo los rastros, mercadillos o anticuarios y la calle” y “me dejo el sueldo en tiendas como chatarrerías, mercadillos, antigüedades” (y también en las famosas tiendas online de compra-venta, claro) apostilla (me sonrío para mí porque me la imagino en una especie de Estudio o taller de artista y santuario). Aunque, otras veces parte de una idea, un referente, visionado o lectura que le está rondando también desde hace tiempo. Buscando o encontrando, Ángela llega a la concepción de la pieza a la que va sumando los objetos o detalles, buscando expresamente lo necesario para dar un toque decisivo, por ejemplo.

Por esta forma de concebir su quehacer, también le atrae e inspira la obra de Banksy, y su concepto de Intervención, de pieza no creada de cero o de la nada, sino la reutilización, o “tuneo” podríamos decir. Este proceso re-creativo, revisionista, de añadir o quitar, crear, poner y volver a ajustar está acompañado de la simultaneidad, no es lineal. De todos modos nada de lo expresado anteriormente significa que no haya planificación concreta, porque siempre hay bocetos, notas, croquis o maqueta incluso; entre todo ese magma de elementos e ideas la pieza va cobrando sentido, hace o rehace dándose un efecto de retroalimentación en la idea/creación.

Esta acción es coherente con sus principios y técnicas preferidas, pues esta forma de trabajo es típica del ensamblaje y el collage, donde hay algo más que la ductilidad de la materia y el trabajo manual (escultórico al fin y al cabo) o performático (donde ella se transforma y “tunea” también normalmente, se trata como un pieza más), en este sumergirse en la pieza o proyecto hay unas sensaciones y emociones que ella realiza a modo de ritual de renovación, … con pleno sentido y derecho de existir por sí mismo. Y llegados a este punto os diré que mi sensación es que trata a sus piezas y obras como a amigos…,como a personas, no como piezas inanimadas o para su exhibición.

Imagen de collage de sus propias obras, imagen para su dossier artístico (captura)

[respiremos…aquí hay mucha información, y sigamos, ¡fue una charla de una hora y pico!]

     Hay un momento de la conversación importante para comprender la obra de Ángela, y es cuando le pregunto si aún es creyente tras contarme que su interés por lo religioso decayó en su etapa universitaria (estudió en colegio de monjas y su entorno vivía con devoción esta faceta religiosa), fue un momento donde “desperté y me dio rabia La Mentira, que no se sostenía”…, esa rabia y quizás desamparo -del hacerse mayor o crecer, por otro lado- se fue transformando de nuevo, al buscar un interés genuino donde centrar su carrera artística: «había una inercia cuando volvía a mi pueblo (en Toledo) que me llevaba a lo religioso de nuevo, y he seguido por ahí”. Su sensibilidad visual y sensorial se vuelca hacia este mundo de santas y santos, devoción y sentimientos íntimos  compartidos, aunque no desde lo que marca la Iglesia, la ortodoxia cristiana, sino en la búsqueda de una transcendencia espiritual, “mostrando cómo lo religioso interfiere en el mundo y en ti”.

En sus piezas más claramente (re)religiosas [recibe, por cierto, encargos de algunos religiosos, de restauración o nueva ejecución] su imaginario está repleto de los eternos atributos citados en las hagiografías (vidas -biografías- de santos) que conformaron la tradicional iconografía y simbología visual cristiana, muchas veces transformados pero reconocibles, junto a elementos más populares (de la fe a pie de calle), conformando una reinterpretación y Re-Visión de los modelos, los cánones y estética (desde lo paleocristiano y medieval hasta lo barroco y decimonónico) del arte cristiano de la Contrarreforma (las vírgenes y cristos de la imaginería barroca castellana o andaluza por ejemplo) pero también los mitos sobre las diosas ancestrales (me cista varias veces la figura de Gilgamesh), pasando por lo egipcíaco, o lo cretense.

«El carácter crítico y poético de sus obras introduce al espectador en su universo más íntimo, sus naufragios y resiliencias espirituales. Y es precisamente en estas fisuras donde emerge lo innombrable, revelándose a través de símbolos y fragmentos de imágenes cargadas de ambigüedad»

(fragmento de dossier de Ángela Brun)

     Pasad por sus redes…, porque es decisivo ver con calma sus piezas para comprender de qué estamos hablando, porque resultan más impactantes, en un escrutinio atento, de lo que pueda parecer en un primer vistazo, cuando aun estamos (normalmente, y supongo que otras personas les habrá pasado como a mí) flipando con la forma, elementos, atributos, símbolos, objetos…coloridos (tonos planos y chillones, brillos o dorados incluidos, entre el pop– kitch, lo povera o el origami occidentalizado).

     Respecto a la gran cuestión del género (femenino) dentro del arte, el gran pilar de su trabajo conceptual, temática y visiblemente transversal al resto de temas, nos preguntamos ambas: ¿cuando entrará, de verdad, la mujer en el mundo del arte? Y estamos de acuerdo en que aun hay mucho por hacer y cambiar, como que quien decida y pague exposiciones, retrospectivas, colecciones, etc., no sigan siendo mayoritariamente hombres (dentro del sexismo y machismo aun imperante y reforzado por los tiempos actuales; y quien lo niegue que mire con más detenimiento y empatía, gracias), y me comenta a colación, que uno de los momentos cruciales para ella en su toma de conciencia reivindicativa fue la acción con el colectivo MAV (Mujeres en las artes audiovisuales) del “Punto rosa” en las galerías donde incluían obra de Artistas mujer (ellas iban vestidas de negro buscando en galerías la presencia de artistas mujer y, donde las había, colocaban por fuera un punto rosa).

Piezas sobre feminismo de Ángela Brun. Izquierda: Collage analógico. 40x25cm. 2020. / Derecha: Imagen capturada de dossier de Ángela Brun

     Para ir concluyendo este texto sobre la obra de Ángela y nuestra charla, me gustaría incidir en que con Ángela no solo vemos crítica y una revisión de la historia del arte y creación, sino meta-arte, metalenguaje del arte, transgresión con juego, pero también con un punto poético y surrealista (como ella se etiqueta), aunque su surrealismo es más por la parte técnica y matérica, del objeto encontrado, ensamblaje y collage, o la idea de subversión política, descomposición/recolocación de la materia o los cuerpos, etc., no en la estética conseguida finalmente, donde tiene mayor peso lo pop, o lo caricaturesco, como máscara y envoltorio de ideas, para hacer contrapeso al impacto de lo cuestionado. Por todo esto percibo más simbolismo (y expresionismo a veces), o actitud dadá inclusive, que un surrealismo canónico. Ángela Brun destila rebeldía y esas ganas de batalla metafórica; como ángel(a) o arcágel (haciendo un símil con estos «seres espirituales y celestiales que actúan como mensajeros  intermediarios entre la divinidad y la humanidad» ) pelea a través de su obra, con esa valentía y exposición personal-artística, que hasta la lleva al escenario (a penas he hablado de su faceta musical) con una gran voz a su favor, y donde mezcla música con performance también.

Sus fuentes, en pleno siglo XXI, pasan de la calle y lo local, a los textos sagrados totémicos -mitología, leyenda, narración o dogmas- vertidos a través de las obras de arte que ella re- visiona… Todo ese saber enciclopédico, sección Historia del arte y las imágenes que consumimos (a lo Fontcuberta y su posfotografía-post imagen) y lo que observa en los ambientes de santería o religiosos son lo que alimenta el universo Brun. Ella desmigaja los temas y nos los sirve emplatados con otro aire, deconstruidos… Como en sus Adan y Eva, por ejemplo (muñecos hinchables sin genitales pero con caras denotando su género) donde aparece a la vez el mensaje reeditado del preludio ilícito con la manzana y la serpiente, pero cuyo peso ahora recae en otros sitios, no en el pecado de Eva, sino en el inconformismo que proponer su mirada que,  por supuesto, no desea que se quede en algo puramente estético, pues no es romper por romper en todo caso…, sino replantear.

Izquierda: Adán y Eva floating in the paradise. Collage de papel. 40x35cm. 2024 / Derecha: fotograma de Vídeo-arte. La verguenza de Adán y Eva.

    Su práctica artística es una forma de decirnos (exhortarnos): ¡Eh!, ¡se puede tocar!, ¡¡se puede jugar con todo esto que hemos heredado!!, y vosotras, tocad, tocad y regodearos aún más, es el momento…

Y esto último, queridas y queridos lectores, no me lo ha dicho Ángela en la entrevista, … me lo susurran sus obras …

———————————————————————————

Notas:

[Nota1] Curador,-a: esta palabra que indica a la persona que realiza la acción curatorial, en España se ha conocido y se puede conocer como Comisario,-a (de Comisariado/comisariar ) proviene del término latino “curare”, como “curar”: cuidar, interesante, ¿verdad?, aunque en realidad, al comienzo de su uso como témino artístico se refería a la actividad de conservación de las obras de arte en el siglo XX.

No obstante, no vengo en esta nota a explicar el significado de la palabra ni de esta profesión tan necesaria en el Arte contemporáneo más actual, sino a expresar lo bien que viene (una vez asumida la traducción del anglo: “curator”) ya que podemos hacer el juego de palabras en castellano con curar, de salud (no solo cuidar), sanar con el arte diría yo. De modo que mi alusión a la “medicina reintegrativa” no queda sola y descontextualizada. Porque Sí, el Arte, las artes, ayudan a vivir, y a vivir mejor, y no me refiero al tema económico, y menos para los y las artistas o resto de profesiones alrededor de las obras de arte, etc., (jeje, más quisiéramos), no, me refiero a que realmente pueden sanar el alma en el circundante momento histórico de todos los tiempos hasta hoy día, lo creo y lo digo como lo siento).

[Nota 2] Prácticas santorales como las incluidas (quiera la Iglesia o no, católica, apostólica y romana española) en las tradiciones cristianas desde antaño en Andalucía, Castilla, Murcia o Albacete, por ejemplo. No nos referimos a las denominadas prácticas de Santería de origen afro-cubano, aunque ambas (lo santoral y la Santería, se adscriben bajo el sincretismo religioso en general).

[Nota3] Me refiero a “activismo cristiano” porque en el caso de España, que actualmente es laica, no aconfesional como Francia, por ejemplo, y la deriva histórico-social y religiosa de este territorio nos lleva a una mayoría de cristianos bautizados, aunque no se sea practicante, y se conviva con otras ortodoxias y creencias que tampoco tienen por qué ser practicadas (incluidas las diferentes ramas del cristianismo como el anglicanismo, ortodoxos, metodistas, etc., así como islamismo -y sufismo-, hinduismo, judaísmo, budismo,…, y, ¿por qué no?, el agnosticismo, y el ateísmo -esta última más bien anti religiosa, pero ahí está-).

[Nota4] En nuestra charla telefónica (que fue como tomar un café juntas por la cercanía que Ángela transmite) pude preguntarle bastantes cosas sobre su concepción del arte, del trabajo, de sus procesos y de algunas obras en concreto, y aun queda mucho en el tintero, por lo que podremos seguir charlando en nuestro futuro Podcast, de la mano de FOIE (que será grabado el 30 de Agosto de 2026 en Almería).

…………………………

    Bio

Ángela Brun (1988, Toledo) se licenció en Bellas Artes por la Universidad de Castilla- La Mancha (2012) y ha participado en diferentes eventos culturales y exposiciones colectivas en Cuenca, Valencia, Salamanca, Londres, La Rioja, Barcelona, Madrid, como Artista Plástica, Músico y Performer. Actualmente, es profesora de Arte en institutos de Madrid capital y recientemente, ha lanzado su primer proyecto musical de ‘El Ángel Terrestre’ A.T.

Como artista multidisciplinar Interviene imágenes del imaginario colectivo religioso y cultural tratando de traslucir el desequilibrio de género que, asegura, comenzó a acentuarse con las religiones abrahámicas, tratando, asimismo, de reconfigurar el imaginario de una fe cada vez más sincrética, más transreligiosa y más intercultural.
El estilo que mejor la describe es el simbolismo y el surrealismo en estado puro por todos sus matices formales y conceptuales: reivindica el proceso manual e intelectual de las artes a través del Dibujo, el Collage, la Pintura, el Vídeo-Arte y la Performance, donde integra su propio simbolismo con imágenes religiosas y objetos cotidianos que tienden puentes directos entre Poesía – Pensamiento, Realidad – Inconsciente, Historia – Mito, Antigüedad – Modernidad…

    Sobre ella (en medios)

Nueva tribuna (periódico online) «Ángela Brun. Una artista en un pajar»

La tundra (plataforma cultural): Ángela Brun: El arte como poema visual y escénico. 17 junio, 2020

ArteInformado. Perfil (galerías con las que trabaja y enlaces a exposiciones)

Festival Vociferio. Intervención en su VIII edición (festival de poesía de Valencia)

La circular. Revista cultural. Entrevista con  Ángela Brun «No tenemos nada que decir sobre Ángela Brun» (2022)

All child sholud be sacred. Ángela Brun. Imagen intervenida con yeso (Niño Jesús). 30x10cm. 2023

Os recomiendo seguirla, no sólo en su IG sino en su faceta musical -performer:

Canal youtube  Música @angelabrun 

Canal youtube Ángela Brun performer

Canal Vimeo

Tienda: shop/AngelaBrunArt

 (Imagen web Museo Málaga, obra de Paula Rego)

Aunque la pérdida de esta excepcional artista, pintora [casi «artivista»] fue en Junio, y nos pilló a much@s desprevenid@s… y, como quien dice, saliendo de su excelente retrospectiva en el Museo Picasso de Málaga, por mi parte es ahora cuando comparto texto sobre ella. Y aunque no me extenderé como suelo hacer, y querría…, porque ahora hay bastante info muy interesante en redes, etc., al menos le rindo tributo, como era mi idea en aquellas fechas de su desaparición…

Paula Rego, como reza en parte de los textos de dicha exposición, fue: (…) una artista insobornable de extraordinaria imaginación que ha redefinido el arte figurativo y revolucionado la representación de las mujeres.

En la exposición pudimos ver: su notable trayectoria, poniendo de manifiesto el carácter autobiográfico de buena parte de su arte, el contexto sociopolítico donde hunde sus raíces y el amplio espectro de sus puntos de referencia, desde el cómic hasta la pintura de historia. A través de más de ochenta obras, entre collages, pinturas, pasteles de gran formato, dibujos y aguafuertes, el recorrido abarca desde sus trabajos en los años sesenta hasta las escenas ricamente estructuradas y estratificadas de las dos primeras décadas de este siglo.

Conocía muy por encima parte de la obra más «popular» de Paula Rego (Lisboa1935-Londres 2022) porque la había visto al buscar información para una investigación sobre Freud y otros artistas contemporáneos (hasta principios del siglo XXI) en su faceta de retratos y autorretratos …,pero, no me había parado a verla con calma…

VERLA*(1)…

Así que esta exposición ha supuesto para mí un re-descubrimiento y descubrimiento total de una artista justo un día antes de su fallecimiento, con casi 90 años a sus espaldas y en activo…

La reciente exposición de su restrospectiva en el Museo Picasso estuvo organizada por la Tate Britain en colaboración con el Kunstmuseum Den Haag y el Museo Picasso Málaga, y fue  comisariada por Elena Crippa ( conservadora de Arte Moderno y Contemporáneo en la Tate Britain), junto a Zuzana Flašková  (curadora adjunta de la Tate), quienes, creo, han transmitido conocimiento, respeto y cariño hacia la obra de la pintora.

Pues bien, yo quedé muy impresionada por las obras que pude disfrutar en vivo (como deberían verse siempre, al menos una vez en la vida, a todos los artistas que se admiran, si se puede), y conmocionada, porque justo al día siguiente de verla y pensar en escribir sobre mi experiencia (especial, excitante e importante para mí), nada más llegar a casa… se nos dió la noticia de su fallecimiento…

Así pues, fue un acontecimiento doblemente impactante. Pero quedé definitivamente seducida por su obra, por sus referentes y por su vida. No puedo centrarme aquí y ahora en algo que me llamar más la atención de sus múltiples  rasgos, y está claro que es una obra para seguir investigando y analizando…,pero intentaré resumir lo que más me llamó la atención como punto de partida de un futuro estudio.

Viendo las obras sala por sala, no sólo me sorprendió la prolífica obra, diferente y rica en cada etapa, muy diversa, nunca repetitiva (aunque con un marcado y característico sello personal siempre) sino el carácter que demuestra su autoría, los bocetos para escenografías y el gran formato de parte de las obras de su dilatada carrera…,  por ejemplo.

En esta gran retrospectiva pudimos descubrir además su taller (y entrar virtualmente en él !) , la forma de trabajar y los mensajes, rabiosamente actuales, de sus temáticas…: los malos tratos, los abusos o los terrores psicológicos ambientados como pesadillas o ensoñaciones, ocultas bajo un halo de fantasía desbordante…

Imágenes entre sumamente inquietantes o terroríficas directamente…, que son denuncias de forma explícita (aunque con visos de formalismo estético, a lo Freud, por ejemplo, con esa especie de frialdad llena a su vez de estatismo convulso, si se permite usar términos que parecen antagónicos en la misma frase, fría combustión de sentimientos) como las infrahumanas condiciones de aborto de la mujer…, o de la utilización (y venta) de la mujer…, o de la visión y exhibición de sí misma, sin ir más lejos, en el sufrimiento más íntimo y público a su vez también…

Para mí fue un revulsivo, unido al placer, la verdad…, porque era como ver una estética ya conocida y ampliamente aceptada (la Escuela londinense) pero en su crudísima temática y versión femenina, …, diciendo cosas tan necesarias…, no en un regodeo existencialista sin más, o abyecto, como algunos  tildan a parte de la obra de esta escuela de la segunda mitad de siglo XX, …aquí nada sobra, y todo es importante, un grito desesperado, o una espera paciente…, de todo hay en formas y en sentimientos…, en mundos, en estratos de experiencia y experimentación…

No, la obra de Rego no es fácil, no es…»bonita», aunque sí está cargada de belleza indómita, revolucionaria, contestataria y fantasiosa o fantástica (en ambos sentidos del término).

No, no es una pintura amable, ni en la forma (sobre todo a partir de los 80), ni en sus contenidos, más variados de lo que salta a simple vista, complejos la mayoría, caleidoscópicos, de varias capas de significado y significantes, sí…, donde hay que escudriñar, conocer contextos, revisar el momento, no perder de vista su biografía, sus antecedentes, sus precursoras o precursores, sus lecturas, el contexto de la época, etc.,etc…

Y sí, es teatral…, viva…, cargada de solidez, y hasta pesadez, en la rotundidad de sus formas volumétricas (parece que pinta esculpiendo o tallando), o en su claroscurismo que raya en el tenebrismo desde los 90 en adelante…

 Fotos catálogo de sala. Maribel Úbeda(CC)

Estoy contenta de esta oportunidad de conocer y reconocer a una gran pintora, artista, artivista, como dije al comienzo…

Y también me alegro por la organización del contenido que ha dado el comisariado en la propia exposición, donde pudimos aprender y conectar su obra entre sus diversos periodos, y ver la vasta gama de matices, de cambios…

(Imagen web Museo Málaga, obra de Paula Rego)

Dejo aquí la subdivisión en temáticas de la exposición, para ver la amplitud de la propuesta:

1.La realidad fragmentada.

2. Cuentos populares portugueses

3. Fantasía y Rebelión

4. Pintar historias

5. El dibujo

6. La fiereza del pastel

7. Posesión

8.El teatro de la vida

9.Rimas infantiles

Paula Rego es más que todo lo aquí dicho, por supuesto, pero también es una artista con un legado que va más allá de lo que hasta el momento se le ha concedido…, así que seguiremos viendo, ampliando y estudiando sus obras…

D.E.P. Paula Rego.

Maribel Úbeda, Junio-Septiembre de 2022

Enlaces de interés, a parte del de la exposición del M.Picasso de Málaga más arriba.

Resumen de exposición en Museo Picasso Málaga. RTVE

Palabras de la propia artista y parte de su trayectoria,  canal de youtube HENI Talks

En el canal del  youtuber  Antonio V. (me reconcilia con su canal…)

Para ver más imágenes 

Wikiart y wikipedia

*Nota 1 . Pararse con calma a ver, descubrir, algo que no está machacado o resaltado y acentuado hasta la saciedad, como con la mayoría de los artistas (en masculino) Mirar sin prejuicios…, es algo de lo que puede diferenciar a un simple visitante de exposiciones de alguien que estudia o analiza las obras que mira… Con Paula Rego, y otras artistas…, siento que he sido muy torpe por no pararme a ver-las… Pero además, me devuelve a la queja de cuando empecé a estudiar Arte en los años 90…de ¿por qué no copan el mercado, información , libros ,investigaciones también ellas?…, pero sobre todo, ¿por qué dejarme llevar yo  también por la vía de la ceguera común con muchas artistas en general?…( me respondo y no es agradable, pero en ello, en ellas, estamos…, y estaremos, posando la mirada, la reflexión…y poniéndolas en el lugar que merecieron y merecerán siempre)

Rocio Kunst : la antítesis de la insoportable levedad del ser en tiempos de crisis…

En este post que inaugura 2022, extraigo mi Texto Para el XIII SALÓN DE LA CRÍTICA,  organizado por la ASOCIACIÓN MURCIANA DE CRÍTICOS DE ARTE. 2021, y que se expone actualmente hasta el día 3 de Febrero del presente 2022, en el Museo de la sangre de la ciudad de Murcia.

«¿Por qué la antítesis de lo leve, volátil o superficial -en el peor sentido de estas palabras-?…

Porque lo que Rocío transmite con sus obras es algo profundo, emocional e introspectivo que apela directamente a nuestro ser. Y si acaso, lo que tiene de ligero es que se eleva por encima de lo que percibimos en un primer vistazo: piezas de enorme belleza con una gran técnica detrás. Y claro…,lo bueno, al menos para mí, es que no queda ahí la cosa, en el hecho artístico en sí…, que ya es…,sino que nos sobrepasa, y buscamos a través de nuestras retinas, tanto en el cerebro como en el alma …
Porque cuando observo la obra que Rocio Kunst lleva realizando hasta ahora, …me envuelve una tormenta de ideas, percepciones, recuerdos y referentes impresionante…, y no creo que el mérito sea mío, aunque (en parte por mi edad) haya visto, leído, o escuchado ya mucho en las diversas ramas del Artes…, sino de ella, por su trabajo impecable y por su capacidad de reflexión y exploración continuos, con un análisis cargado de introspección y “de abierto carácter confesional” donde el autorretrato, muy presente en la mayoría de fotografías, adquiere un fuerte “valor simbólico” en sus escenas, dicho con sus propias palabras; a la par que por su, también, estudio externo, desde dentro de la sociedad y sus preocupaciones más actuales.

Cuando me acerco más a su obra plástica comprendo por qué prefiere que hablemos de ella como artista visual y no como fotógrafa, y es porque sus intereses van más allá de lo fotográfico o una visión fotográfica de las cosas/sensaciones; para Rocío la fotografía es una herramienta creativa más, en el camino de transmitir lo que desea. Cosa que avala también con los textos que suelen acompañar sus piezas, y el hecho de que sus referentes sean en gran medida literarios:

(…) “creo que incluso más que cualquier referente visual, los libros que leo me evocan imágenes, así que mis referencias (artísticas) son los libros y mi propia experiencia, que está también atravesada precisamente por la lectura. Encontrar experiencias comunes en esas lecturas me ayudan a construir mis imágenes” me comentaba a raíz de esta exposición…

De los trabajos, en general, de Rocío, me dejo cautivar tanto por la provocación/sutilezas de estas propuestas visuales como por los temas que trata en ellos, tan potentes e interesantes actualmente como son la identidad, la memoria, el concepto de maternidad, la imagen (y la metaimagen), el feminismo desde la posición como mujer, la creación en sí misma…, y “los espacios y los estados psicológicos” como ella misma afirma.

Así pues, es un privilegio para mí poder presentar en esta XXII Edición del Salón de la Crítica, dedicada a “El arte en tiempos de crisis” tras esta pausa obligada de casi tercer año de pandemia…y pandemias (en plural por sus variantes, no sólo médicas…), a Rocio Kunst y su excelente, y hasta el momento inédita pieza «Maceración», que me sugiere la unión de varios mundos visuales, todos con un pié en épocas asoladas por la crisis a nivel global, económica, social y de grandes cambios, como fueron el Periodo Barroco o los años 20-30 del pasado siglo XX:

Por un lado tenemos la estética barroca de este bodegón humano…, ungida por ese tratamiento tenebrista de la joven y las uvas…, con el simbolismo que encierra una imagen tan sensual (dionisíaca) como críptica a la vez…

Y por otro lado, la vestimenta de la muchacha y la desesperanza que se intuye tras las uvas, me transporta (temáticamente hablando) a la obra sobre la América profunda, del Crack del 29, de la fotógrafa Dorotea Lange y sus instantáneas de la miseria durante la Gran Depresión, en concreto el retrato de Madre migrante… Desde donde salto, dentro de esa misma evocación del momento histórico y tan plausiblemente parecida a la crisis actual (enfermendades-crisis- pobreza sumado a la novedad de la emergencias climáticas en puertas) al film Las uvas de la ira, de John Ford, basado en la obra literaria de John Steinbeck, en tesis con Dorotea Lange…

En Maceración tenemos una vez más una mujer que oculta su rostro, como en tantos de los retratos o personajes (incluso en sus propios autorretratos) de Rocío Kunst, y es algo que revela parte de cómo teje los hilos de la identidad…

En una cálida paleta que también puede llevarnos en la composición y sus elementos hacia la fotografía pictoricista, o el simbolismo de fin de siglo XIX, esta Dafne contemporánea quizás metamorfoseará sus manos en ramas y quedará enclaustrada dentro de su eterna belleza.

¿Quiénes posan en sus obras realmente?, ¿qué hay tras sus teatrales escenografías?, ¿…de dónde emana su dramatismo casi cinematográfico?… ¿qué narraciones nos susurran sus construcciones y sus fuera de campo?
… Ante las numerosas preguntas que nos suscitan las imágenes de Rocío Kunst, creo que la respuesta está en nosotras y nosotros, porque apela a nuestra propia experiencia, imaginación o memoria…como espectadores omniscientes…

Maribel Úbeda. Murcia, Diciembre de 2021

Maceración, de Rocío Kunst

«MACERACIÓN». FOTOGRAFÍA sobre PAPEL HAHNEMÜHLE, 2021. 60 x 40cm.

Reseña de Bio de Rocío Kunst:
Rocío Kunst (Murcia 1990). Estudió Bellas Artes en la Universidad de Murcia y se especializó en fotografía en la Escuela EFTI (Madrid). Desde entonces su obra ha sido expuesta en galerías y espacios de Murcia, Valencia, Málaga o Madrid de forma colectiva y también individual.

Sus exposiciones durante 2021: Centro14 (Alicante); Espacio ES/UM (Murcia), comisariada por Marisol Salanova; Cámara Roja. Espacio Expositivo; Biblioteca General María Moliner, Universidad de Murcia; Sala Progreso 80 (Murcia) o en 2020: en la Cárcel de Segovia, Centro de Creación y en el Festival BFOTO, en el Teatro Principal (Barbastro); siendo su primera exposición individual en 2019: Inside the house, outside home. Ica. Plan de espacios expositivos (Murcia).
Investiga y ha obtenido varios becas para proyectos siendo numerosas veces premiada. Sus más recientes galardones son: Accésit. Circulart. Certamen Nacional de Artes Plásticas (2021), Odsesiones. Intervención artística de la UM. (2021), Primer premio Crea Murcia de Artes Plásticas (2021), Honorable Mention. Monovisions Photography Awards. Londres (2021), o la Mencion de Honor en Cértamen de Jóvenes Creadores de Salamanca (2020) entre sus muchos galardones desde 2014. Actualmente ejerce como docente en la Universidad de Murcia.

Puedes visitar su obra en su web www.rokunst.wordpress.com

Sala Museo de la sangre, Murcia. Obras de ka exposición colectiva del XIII Salón de la crítica, 2021/22. Imágenes arriba y abajo (izquierda/derercha) cortesía de Eva de Egea.

MESA REDONDA IV: 30 AÑOS DE DÍAS DE CINE

«El único programa sobre cine de la programación televisiva» y…del mundo!!, por sus contenidos, ya que no sólo es sobre estrenos…»

«La enciclopedia del cine, en la parrilla de TVE»…

«El 6 de octubre de 1991 se emitió por vez primera Dias de Cine. Fue en formato de media hora, y sin presentaciones, con dirección de César Abeytua. Casi tres décadas»

[Si no conoceis demasiado el programa, o lo seguisteis alguna vez…, mirad su programa especial!]

Días de Cine cumplió 30 años en octubre de 2021, y esta fue la excusa, o Macguffin (a lo Hitchcock, como dijo el propio moderador atinadamente) para poder disfrutar y ver a parte de sus responsables (esta vez les toca ser a ellos los protas de la historia, jeje…) en una tertulia encabezada por  Gerardo Sánchez, su director, donde se habló del día a día del programa: qué temas (especiales, cartelera, aniversarios, producciones españolas, etc.) ocupan su agenda, muy apretada, para seleccionar y marcar la parrilla cada semana y qué se prioriza o cómo se cubre la información concreta.

Participaron  Raúl Alda (subdirector DDC) y Javier Sales (subdirector DDC), dos de las voces, junto a Gerardo Sánchez  , que podemos escuchar narrando apasionantes crónicas (donde siempre dicen lo que opinan, con criterios y de forma serena y bien articulada) en este mítico programa. También estuvieron María Romanillos, que acaba de estrenar peli y ha sido madrina del programa recientemente, y Eva Llorach,  actriz murciana con Premio Ha nacido una estrella, en los Premios Días de cine, por «Quién te cantará» y que con muchas tablas ponía los puntos sobre las íes en muchos de los temas. Y… cubriendo el evento, Virginia García, otra voz (aunque aquí estaba trabajando y no en la mesa) asidua para quienes somos seguidores y fan totales de Días de Cine.

Fue esta una mesa muy amena y para mí entrañable (dejando de lado la supuesta distancia al contar un evento, jeje), porque como se habló allí, Días de cine es el mejor programa de cine actualmente (en su estilo, no sólo informando de estrenos y haciendo crítica y reportajes, sino con una gran labor de divulgación, archivo, hemeroteca, conocimientos, sabiduría y amor por el CINE), con novedades, cartelera y rabiosa actualidad, pero también con monográficos y reportajes de fondo de directores y directoras, intérpretes, estilos o escuelas y formas de hacer o entender el cine; con recopilatorios, imágenes y conexiones con otras películas, temáticas o la parte técnica que son referencia o llevan a otros proyectos anteriores cada vez que se habla de un film nuevo, o cuando se hace una pequeña retrospectiva.

Las diversas secciones que ocupan una hora completa de redacción, noticias o festivales,  es un cuidado engranaje que se realiza durante toda la semana, desde el lunes ( cubriendo estrenos, haciendo entrevistas, buscando la información e imágenes…etc.) hasta momentos antes de su montaje final, y durante la manañana del día de su emisión (se emite los viernes tarde, 20,30h en laTVE2) se realiza el visionado completo y exhaustivo para la emisión de la tarde… (uauuh, sprint total!!)

Se hizo hincapié en lo duro que puede ser, a veces, el tener un programa montado y perfecto, y justo en el último momento, que llegue la noticia de un fallecimiento de alguien importante del cine, y tener que cambiarlo todo, hacer hueco…, o tener que dejar algo en el tintero porque no cabía…  También nos contaron (para nuestro alivio, aunque sus seguidores lo sabemos ya) que en muchos casos se da prioridad a films pequeños que no tendrán tanta capacidad de expansión por su humildad, sin son buenos…, que a otros que se sabe que tendrán mucho eco.

Se habló de la gran labor que hace Días de cine como auténtico archivo o compendio de contenido fílmico, sobre todo ahora con la plataforma online y pudiendo rescatar todos los programas emitidos… Incluso ellos echan mano de su propia hemeroteca /videoteca.

Raul Alda, en concreto, comentó (tras hablar de su larga trayectoria, primero en informativos generales) la cuestión creativa a la hora de hilar un reportaje donde hay poco tiempo, pero las tablas ayudan a salir airosos, se da la magia. También puso el acento en que no son mera comunicación o información, sino difusión, una escuela de cine diría yo, en la parte teórica y de análisis fílmico y de contenido.

Javier Sales también apostilló que priorizan antes cine para ver en pantalla que el cine de plataformas, aunque no dan de lado a nada.

Se comentó el número de televidentes, que ahora es mayor que antes, aunque no se cuente debidamente, quizás, el número de impactos en la web (o través de RRSS) con tantas personas como seguimos el programa online  también (yo lo re-veo muchas veces, o busco cosas concretas gracias a las facilidades digitales…) y que arrojaría unas cifras, seguro, mayores.

A mi pregunta (sí…, una se pone nerviosa ante personas que admira y…en fin…) de si alguna vez, en estos 30 años, que dan para mucho, habían sentido o vivido la censura explícita…, me dijeron que rotundamente no. Aunque antes habían explicado que a veces, claro, las grandes majors del cine presionan para que se pongan sus pelis…, pero eso es otrao cantar…

Como aperivito de qué puede venir en los próximos programas, nos comentaron que están preparando un especial Lola Gaos, y el año que viene será el centenario de Jose Luis López Vázquez, por ejemplo, y seguramente…tendrán que ir pensando en algo …. (no esperaba menos!)

La mesa se grabó y podeis verla aquí, así que yo solo diré que…, VIVA EL CINE, Viva el cine en el estado español…y …VIVA DÍAS DE CINE…por muchos años más…!! Gracias a quienes hacéis posible cada semana que entren en nuestras casas, por nuestras retinas, las cápsulas de ilusión que son los cientos de películas que se realizan y estrenan… Gracias por comunicar, informar y formar!

Gracias «Hasta el infinito …y más allá!!!» 😉

“Durante treinta años hemos estado dando visibilidad a la gente que hace cine. Es importante que los espectadores sepan que lo que están disfrutando es el resultado de mucho esfuerzo, que normalmente no se ve porque está detrás de las cámaras”

Gerardo Sánchez

Para conocer mejor la historia de estos 30 años, os recomiendo al menos esta entrada de santa wikipedia.

Días de cine 30 aniversario

Días de cine 30 aniversario. 30 aniversario en FICAL21. Patio de Luces Diputación Almería. Fotos M.Ubeda

(foto de Gabiente Prensa Diputación)

Cuaderno de bitácora FICAL:

Día 19/11/21

La Hija, de Manuel Martín Cuenca

Ayer (sí, escribo en día 20, qué remedio)…comenzó el día duro con la proyección (pase de prensa) de LA HIJA, de nuestro paisano y ya insigne director de cine (CINEASTA, con mayúsculas) Martín Cuenca… y ahí va mi pequeña reseña:

«La hija» es una película que arranca tomándose su tiempo, de forma costumbrista en cierto modo, pero que… con pequeñas inflexiones de incertidumbre va tornándose cada vez mas inquietante y de futuro incierto, hasta llegar a un punto desangelado  y gélido (en todos los sentidos de la palabra) para atravesarnos el corazon…,  por el dilema moral que encierra y por las acciones que se van desencadenando en la trama.

Sí…, no os lo voy a ocultar, me pareció una peli muy dura…, amparándose en el género thriller…da una vuelta de tuerca al suspense… pero quiero pensar que debido a la temática en sí… De manera que entiedo como una metáfora descarnada de lo que intuyo la opinión (quizás) de Martín Cuenca cuenta sobre los vientres de alquiler (y todo un submundo o ramificaciones sociales en relación a ello)…

La tremenda temática que subyace de fondo late con fuerza, como la vida que supuestamente viene para «dar luz» -y dar a luz…- a una pareja que no puede tener hijos, junto a la trama que toma el relevo con el personaje de la joven madre…, atrapada en una decisión en un principio fácil y sencilla, adornada con todos los supuestos clichés de la vida real…

En este último film de Martín Cuenca que comenta:

«Desde ‘La mitad de Óscar’ yo decía que primero la geografía y luego la historia. Primero es el lugar y luego aparece la vida y empiezan las historias. Yo creo que lo geográfico, el espacio, habla, es real, es un personaje» (…)

…vemos cómo ha sabido trabajar un material de partida y base de forma artesana casi, como una filigrana, pieza a pieza, tensando los hilos paso a paso, desde las localizaciones (cuyas imágenes del paisaje de sierra de Jaen planean y nos achican, – se agrandan empequeñeciendonos quiero decir- a lo largo de todo el film) hasta la paleta fría de color (como cine nórdico actual), o el tono de cotidianidad y normalidad en actos y decisiones de personajes nada normales…

En suma hay un sinfin de detalles que, unidos a un buen reparto con el estupendo Javier Gutiérrez a la cabeza… y las no menos inquietantes actuaciones de Patricia López Arnáiz y la debutante Patricia López Arnáiz, hacen que sigamos de forma hipnótica, y a nuestro pesar —por el malestar increscendo que te va cautivando, al menos por mi parte—, desde la mitad principalmente, el total del metraje, y sintamos (sentir, experimentar casi…) que puede caber de todo…, pasar de todo…y terminar…de cualquier modo, pero no bien… Aunque esto…, el final, tendrás que verlo por tí mism@ si asistes a su proyección en cine o la ves en otro tipo de plataforma posteriormente… No digo más…

Ficha técnica:

• DIRECCIÓN  Manuel Martín Cuenca.
• PRODUCCIÓN Fernando Bovaira, Manuel Martín Cuenca.
• GUIÓN Alejandro Hernández, Manuel Martín Cuenca.
• INTÉRPRETES Javier Gutiérrez, Patricia López Arnáiz, Patricia López Arnáiz.
• FOTOGRAFÍA Marc Gómez del Moral.
• DIRECCIÓN ARTÍSTICA  Montse Sanz.
• MONTAJE Ángel Hernández Zoido.
• SONIDO Mayte Cabrera, Eva Valiño.
• MÚSICA Vetusta Morla.

MESA REDONDA: CENTENARIO BERLANGA Y FERNÁN GÓMEZ

La mesa redonda del primer día en FICAL21, moderada por el escritor (por resumir su perfil) Luis Alegre, como las próximas,  fue edificante y divertida, con Luis Alegre implicando a los participantes a contar anécdotas de interés en realción a las dos grandes figuras homenajeadas, Berlanga y Fernando Fernán Gómez, de este modo.

Mónica Randall (que el 18 cumplió 79 años y bromeó sobre lo bien que los llevaba, doy fe, y el fiestón de su cumpleaños para los 80), José Luis García Berlanga (hijo de Berlanga, productor y ayudante de dirección o producción en numerosísimos proyectos cinematográficos), María Barranco y Pedro Ruis (que habló de sus orígines almerienses por parte de madre y padre)… fueron muy, muy generosos relatando escenas (y digo escenas porque se escenificó e imitó voces de ambos hombres de forma entrañable) y vivencias con cada uno.

Toda la mesa estuvo de acuerdo en tres grandes afirmaciones:

Ambos era y se sentían Libres, unos génios y para nada snob, a parte de grandes amigos entre sí, aunque no hicieran más de tres películas juntos.

Como algo reseñable, idearon, en cierta ocasión, crear un partido político para los dos: Partido Aocial burgués amarquista e independiente…, pero al querer ingresar en él Pedro Beltrán le dijeron que no…, porque tres ya eran multitud para ese partido tan…especial, jeje…

El murciano (guionista, poeta, rapsoda y bohemio) Pedro Beltrán, así como Azcona (gionista y escritor) aparecieron constantemente en estos recuerdos compartidos…

-En breve añadiré algo más sobre esta mesa…que dió mucho de sí- (porque sí, abogo por los post dinámicos, jeje)

(to be continued…)

Mesa redonda Berlanga /Fernando F. Gómez. Patio Luces Diputación FICAL 21

Iznaola presentando la mesa redonda FICAL 21

Fotos de Maribel Úbeda. Mesa redonda. Patio Luces Diputación FICAL 21

———————————————————————————————————

Pd. Imposible asistir a toooodo lo que hay programado en este XX FICAL del 2021 por muy 20 aniversario que cumpla, jeje…, y por mucha info que tengamos (un poco deslavazada a veces, por su propia dificultad y el no tener ya acceso a dossier o catálogo y programa de mano en papel, donde se podía antes subrayar lo de interés y tal).

Es así, y aunque yo esté acreditada (gracias a Comunicació de FICAL por enviarnos todas las mañanas el resumen vista de la agenda diaria)…, la vida personal y profesional no da para más en un festival de esta índole, donde además, y como en casi todos los festivales, se solapan eventos, talleres, proyecciones o mesas redondas con cosas que interesan y se desarrollan a la vez o sitios alejados unos de otros (aunque esta ciudad es pequeñita, jeje)… Pero fuera lementos, viviremos el presente a rabiar!…jeje.

…………………………………………………………………………………………….

Por cierto: con #yosoyfical o #fical21, en Instagram del festival @festivalmeria se pueden compartir imágenes (historias o …) sobre este FICAL

@franortega :  a r c h i l o v e r. Art and aesthetics in architecture.

Hasta el 30 de Octubre podréis disfrutar la exposición de fotografía «Miradas. Arte y arquitectura», la primera exposición física, tangible, que no virtual, de Francisco Ortega, conocido por su cuenta personal en Instagram: @franciscortega.

Una muestra que además cuenta con la no desdeñable posibilidad de visitar uno de los edificios más interesantes actuales (arquitectónicamente hablando y por su misión y contenido) de Almería, en el casco antiguo: el Centro de interpretación patrimonial de Almería, o CIP Almería, en la Plaza Vieja (Plaza del ayuntamiento).

Fran Ortega es un activo instagramer especializado en fotografías de arquitectura ( las escaleras son una de sus debilidades, gracias a las cuales lo conocí). Pero además de su perfil personal desde 2011, tiene otras 2 Insta-personalidades, donde moviliza a otros y otras instagramer con perfiles sobre imagen arquitectónica (¡tomad nota!): @arquitecturalameria “espacio para el encuentro basado en la arquitectura y el urbanismo aunque abierto a otros temas de ámbito local” que administra desde 2016, como me comenta en nuestra charla para este post, y  @creative_architecture, un “hub” (plataforma) de fotografía de arquitectura en el que publicamos obras de los mejores creadores desde 2015” como sigue comentándome en la mini entrevista a que lo someto para esta entrada de blog.

Eso sí, sus 3 cuentas tienen varios nexos aparte de él mismo: la pasión por la arquitectura contemporánea y lo estético como punto principal; la belleza de las formas por encima de la función (uno de los pilares de la arquitectura, paradójicamente).

Fran fotografía formas donde puntos de fuga infinitos o imposibles, alturas gigantes, colores vivos en materiales eternos (hierro, cristal, aluminio, hormigón, maderas, etc.) se alían para mostrarnos su plasticidad fantástica en fachadas, esquinas, vanos y demás entrantes y salientes. Nos muestra escaleras que  no sabemos dónde empiezan y dónde acaban, claroscuros  que aparecen o desaparecen, atrios, cúpulas o adintelados que se muestran ante sus ojos en un formato (normalmente) estándar del 1:1 captadas/capturadas para que los nuestros se deleiten… Ofreciéndonos un extenso menú en imágenes, unas veces tomadas por él mismo y otras por sus compañeros (aquitect@s o no, pero apasionad@s de la fotografía arquitectónica igualmente) que vemos a golpe de dispositivo móvil en un universo paralelo de curvas o ángulos rectos, buscadas distorsiones de superficies planas o curvas, geometrías, simetrías o asimetrías varias… pero siempre en armonía.

Para mí, Fran transmite una forma de épica, del imaginario arquitectónico, a las pantallas de nuestros celulares, porque, si nos paramos a reflexionar,  no podríamos disfrutar de muchos ángulos mostrados normalmente sin estos instagramer que viajan cámara móvil o réflex (da igual) en mano, transmitiéndonos su pálpito, su instantánea (posada o robada, jeje) y su mejor momento. El momento…, el puctum, como lo llama Rolan Barthes en su ya hiperconocido libro “La cámara lúcida”.

Lo conocí hace un año y pico en persona, y tras contarme parte de las experiencias vividas gracias, o por, Instagram, ya me comentó sus ganas de exponer… Y…henos aquí, que por fin, y coincidiendo con la maldita pandemia, podemos vernos con cierta calma para visitar esta hermosa exposición, donde no solo miramos sino que además nos guía y narra cómo fue tomada cada fotografía, sus vivencias en la búsqueda trepidante de la cara tal de equis edificio, …o el por qué esa copia se llevó al papel fotográfico y no otra. Un gusto, vamos, recorrer la expo sabiendo todo tipo de pormenores con que generosamente nos deleita.

…Aunque ya se puede imaginar, por los recovecos o recodos que observamos en sus imágenes, no son pocas las peripecias realizadas para conseguir determinadas tomas fotográficas.

Puede parecer una moda o un postureo, pero no lo es, esto de ser instagramer es toda una forma de vida. El estatus “#archi” es rotundo y está para quedarse…, y hay que ganárselo. A mí me recuerda a cuando los aventureros salían en una expedición a mares desconocidos, profundas selvas o restos de ruinas egipcias, sumerias o etruscas, o al polo norte, etc., arriesgando sus vidas… y volvían para contarlo y dejar constancia. Bueno, aquí en principio nadie arriesga la  vida, pero un buen pisotón, una regañina o un aviso de posibilidad de detención por fotografiar determinados lugares…sí se han dado y en concreto esto último le pasó al propio Fran. Pero fuera de bromas, ¡¡esto es como una droga!!: conseguir la instantánea para mostrarla, para subirla a la red y compartirla con el mundo, con más gente, con su gente, porque esos somos sus seguidores y quienes tenemos un huequito para mostrar/nos, sentir, percibir…ampliar nuestros ojos…

Ser instagramer de arquitectura contemporánea no solo puede ser una actividad de riesgo sino que te mantiene atento a novedades, hablando con él he tenido que desempolvar terminología de Historia del arte sobre arquitectura y hacer memoria sobre tal o cual arquitecto, pero además he aprendido nueva jerga #archi junto a otros hashtag relevantes que son lo que los/nos unen (a parte de las cuentas en sí). Una hermandad visual universal donde hay que jugar y pasarlo bien, sin más, y que mola más cuantos más jueguen… De manera que si queréis seguirl@s, estas son las pistas para la gran «ginkana»:

#hub= plataforma; #lookup (lookdown) o #lookingup = buscar (mirar arriba) y mirar abajo (buscando la toma adecuada, composición, posición, ángulo, etc.); #flip= “dar la vuelta” a las fotos, para desorientar  y hacer más interesante o intenso el goce visual estético de las formas arquitectónicas fotografiadas; #strideby =especie de «pasaba por allí» cuando se «pilla» a alguien pasando ante una fachada o edificio  #plainfaçade= fachada plana; #collabs= colaboraciones donde alguien hace la foto y otro instagramer la edita, normalmente; #stair (staircase) spiral stair= escalera, escalera de caracol… por mostrar algunos términos entre los más utilizados dentro de esta nomenclatura Hashtagiana (ale, yo también acuño vocablo propio, jaja)

Además, como los buenos grandes juegos, hay alicientes, como por ejemplo, los #staircasefriday = hashtag para publicar fotos de escaleras que se publican todos los viernes.

Otros Hubs de arquitectura, además de @creative_architecture que administra Fran, son: @lookingup_architecture, @minimal_architecture, @ig_ometry, @arquitecturamx, @arkiromantics, @tv_buildings…

Pero bueno, al margen de que las fotografías de arquitectura que Fran muestra en esta exposición son dignas de ver y por eso os animo a ir, este post es una especie de reconocimiento a lo que hacen las RRSS por las Artes, donde veo que están vivas…, con instagramer como Fran son un aliciente junto con los súper “hilos” de twitter@s famosos o cuentas de algunos youtuber; no hay que rasgarse las vestiduras porque la difusión no provenga solamente de prensa o escritos y textos especializados, mientras no nos quedemos solo ahí, dentro o determinadas superficies (o lo superfluo), y salgamos a buscar otras fuentes, antiguas, clásicas o actuales, leamos  y visitemos lugares físicos, todo irá bien o incluso mejor que hace años, cuando costaba saber el tamaño real o el estado de tal o cual monumento, pintura, escultura o edificio…

Por todo esto quiero sabes más de, a su modo, un difusor de cultura de la arquitectura contemporánea cuando le pregunto por cómo se metió en todo esto de ser instagramer: «siempre he tenido interés por la arquitectura, especialmente por la contemporánea, cómo conseguir arte utilizando elementos básicos como la geometría, la iluminación o el uso de los materiales. A esto se añade la amabilidad de los integrantes del grupo archi en Instagram y la facilidad de acceder a los maestros y, habitualmente, su predisposición a compartir técnicas y consejos para mejorar. Poco a poco fui conociendo personalmente a muchos de ellos y es práctica común la preparación de instameets, reuniones en este caso de arquitectura, en las que compartir nuestra pasión común y pasar un buen rato conociendo otros integrantes de la comunidad (#communityfirst)»

 “Me gustan las imagenes abstractas conseguidas sin modificar la realidad. Por ejemplo esta imagen desde el sotano al lucernario del hueco de la escalera de caracol de la Fundación Feltrinelli en Milán diseñada por los arquitectos Herzog y De Meuron”.

(imagen de Fran Ortega)

Su foto preferida de otro instagramer es más difícil de seleccionar para él, claro, porque podrían ser cientos, pero “por ejemplo una de mi maestro y amigo Roc @stoptheroc pordría ser un ejemplo” Y no está nada mal como elección, no.

(catpura de imagen de @stoptheroc en su cuenta de instagram)

Hay muchas personas a quienes ha conocido en este periplo que le han impactado por sus fotos, pero por su persona también “Por suerte son muchos los amigos que he conseguido en este mundo. En cada ciudad en la que realizamos instameets de @creative_architecture o @arquitecturaalmeria hay un fantastico grupo”.

Pero además de fotografías, imágenes, Fran tiene bastantes anécdotas, por las «quedadas» a las que se someten, como «el haber sido invitado por el ayuntamiento de Zurich para hacer fotos de la ciudad y publicarlas en mi cuenta o conseguir visitas a puerta cerrada de Casa Batlló, la Casa Vicens o la Sagarada Familia de Gaudí en Barcelona”, y hasta tiene su propio hashtag: #fransiempreestaenmedio, me cuenta entre risas, ganado a pulso por su singular arrojo ante una instantánea que promete: “para conseguir una buena foto puedo poner las posturas más extrañas o tirarme por los suelos. Esto suele hacerle gracia a mis compañeros de grupo y terminan haciéndome fotos a mí”.

Algunas de las ciudades tales como Barcelona, Londres, Nueva York, Tokyo, Madrid, Zurich, que podremos ver en sus perfiles, y en esta exposición, son sus favoritas para fotografiar arquitectura. Aunque la covid le ha obligado a parar un poco este año y a tirar por tierra “una visita a 5 ciudades suizas coincidiendo con la Openhouse Zurich y a otros viajes a las capitales escandinavas, Copenhage, Oslo y Estocolmo”.

Y es que…esto de ser instagramer de arquitectura…no es tan  fácil como parece, y menos ahora…

Herzog y De Meuron, Campo Baeza, Moneo, Calatrava, Zaha Hadid, son arquitectos actuales que admira, y de los históricos, adora a los  grandes como Mies Van Der Rohe, Le Corbusier o Niemeyer.

(captura de instagram, perfil de @creative_architecture)

Muy lógico…, sólo hay que ver la estela que han dejado en la arquitectura actual…, están más vivos, quizás que nunca, gracias a esta tendencia pasional por fotografiar sus edificios.

Y cómo no, tenía que preguntarle por la ciudad donde reside, Almería, y por  cómo ve su arquitectura contemporánea, a lo que me dice que “buscando puedes encontrar pequeñas joyas, aunque es cierto que me gustaría que promotores públicos y privados dieran más importancia al diseño arquitectónico arriesgado y de calidad y viéramos por aquí edificios de grandes arquitectos de talla mundial como pueden contemplarse en ciudades vecinas como Málaga, Granada, Murcia o Cartagena sin ir más lejos” [pendiente dejamos el continuar la charla comenzada sobre el edificio de Moneo frente a la Catedral de Murcia, que proyectamos visitar juntos pronto, espero, y por el que ambos mostramos nuestra pasión; aunque haya sido de discutida opinión para muchas personas (entre entendid@s o ciudadanía en general)…].

Me queda claro, tras nuestra charla (en parte por escrito) para este post, que Fran podría haberse dedicado profesionalmente a la fotografía (no sólo de arquitectura), porque a sus conocimientos sobre arquitectura (nombres de autores, edificios, lugares, detalles de construcción, etc.) se le une facilidad  y buen ojo claramente, pero sobre este tema me dice: “he dedicado toda una vida laboral a mi profesión, la economía y el servicio público. Es un orgullo haber contribuido modestamente al trabajo de los gestores públicos tanto en la Junta de Andalucía como en nuestro ayuntamiento. Cada cosa llega en su momento y hay que intentar disfrutarla al máximo”.

De no fotografiar edificios (exterior, interior) fotografiaría ciudades en general, edificios y sus gentes, porque siente pasión por las ciudades: «Me gusta la street photography, espontánea. Conseguir congelar imágenes cotidianas sin ser advertido, capturar el momento”.

En vez de preguntarle por su cámara (réflex) preferida, le pregunto por su terminal móvil preferido, y me dice que son su debilidad. “Desde los Nokia indestructibles o los motorolas microscópicos de hace años hasta mis Huawei y Xiaomi actuales he pasado por todos los mejores de cada momento, en todos los sistemas, IOS, Android o Windows Phone (tristemente desaparecido)”.

El lugar preferido donde ha realizado fotografías ha sido Manhattan, donde tiene 2 tomas señaladas, que tienen que ver con la visión e idea que muchos podemos tener de Nueva York: las Torres Gemelas, «uno de los edificios que más me han impresionado al verlos. Las vi desde todos sus ángulos en un paseo en helicóptero» y la Seagram Tower, de Mies Van Der Rohes, y al que, comenta,»aún no he sido capaz de hacerle la foto que quiero», así que…tendrá que volver.

Y su tercera toma fotográfica especial, fue la del 8 de Spruce Street, una escultura del tamaño de un rascacielos diseñado por Frank Gehry, casi nada.

(Imagen de Fran Ortega . Y otra captura del mismo edificio)

Gracias Fran Ortega, por hacerme repensar y retomar mi gusto por la arquitectura visualmente. Andaba y ando, muy preocupada a veces por las decisiones arquitectónicas, el urbanismo (un bien común) y sobre todo la función y funcionalidad, coherencia, diseño y proyección de la arquitectura, donde vivimos o no podemos vivir, mirando con pena los edificios (históricos o no) abandonados o que terminan derribados para especulación o por desidia (aun peor casi)…, miro y fotografío arquitectura continuamente, pero…olvidaba que también puede ser un aliciente más para ir disfrutando y mirando al cielo…simplemente…

Maribel Úbeda, Almería, 2020

…

Imágenes del día de Exposición: la inaguración (casi antes de cerrar puertas) y el día de nuestra visita guiada, con Fran.

Fotografías de Maribel Úbeda, Septiembre y Octubre de 2020. Almería

«Multiversos» es la exposición de fotografía de Antonio Jesús García, Che, que puede verse hasta el 3 de Noviembre de 2019, en el Espacio 2 del Museo de Arte de Almería (frente a Estación Intermodal de la capital almeriense).  Y a la vez, también está presente este fotógrafo, docente de fotografía en la EAA y colaborador de La Voz de Almería, con imágenes de la misma serie, en la selección de PhotoEspaña 2019 (sede Almería), de la Galería MECA,  en la «Colectiva. TQ+SUR, FOTÓGRAFOS ANDALUCES -PHotoEPAÑA«, que tras inugurarse en Julio en el Centro MECA, se muestra ahora en el Castillo de Santa Ana, en Roquetas de Mar, hasta el 12 de Octubre.

Y como dicen, no hay dos sin tres, el Che (como se le conoce en el mundillo fotográfico almeriense) ha expuesto, hasta hace unas semanas, las imágenes de su libro recientemente publicado “A compás» , en el Monestir de Sant Feliú de Guixols,  con fotografías en b/n del mundo del cante, el toque y el baile flamenco, del que también se hará aquí mención.

Tríptico de exposición Multiversos

“Concediendo a la toma la mayor importancia del acto fotográfico, rehúyo de la manipulación digital. Para ello me sirvo de fotografías en espacios comunes, cuya lectura posibilitará una visión humanista y poliédrica del entorno habitable”.

Antonio Jesús García para entrevista Meca, Phe19, sobre Multiversos

Podríamos contar mucho sobre la trayectoria de Antonio Jesús García (Almería, 1961), pero centrándonos en Multiversos, y como el propio nombre de la exposición indica, esta muestra es una amalgama de personajes y pequeñas historias que conforma el devenir diario de las ciudades; “un trabajo de calle” según Antonio Jesús, con mirada puesta sobre la ciudad y sus gentes, donde nos invita a reflexionar sobre lo urbano…, con su ajetreo, sus estéticas, sus ritmos…, lo que ocurre en los actuales espacios de convivencia entre las personas que lo habitan o pasan por allí y las propias calles, su símbolos, sus signos, sus significados y sus significantes…

Multiversos es una serie de metaimágenes donde se pueden hacer diversas lecturas porque concurre diversidad de acontecimientos a la vez, y también pueden percibirse como un hipertexto visual. Los reflejos de personas a través de espejos o trasparencias de cristales de escaparates, las sombras, el dinamismo, el movimiento y el continuo va y ven están presentes casi siempre, como si de un bordón se tratara (al modo de la música barroca) donde hay un sonido de fondo, grave y continuo, que da unidad a todo el conjunto, pero con variaciones en la melodía, en este caso, lo que acontece, diferente y múltiple, en cada fotografía.

En su formato horizontal (de «extrema panorámica», como el propio Che comenta) Multiversos presenta multitud de universos (acciones, dramas o comedias, de todo habrá) que pueden conciliarse en el entorno de estas ciudades visitadas por Antonio Jesús a lo largo de este proyecto de casi 10 años. De manera que podemos percibir en estas imágenes una especie de “continuum urbano”: un estudio cultural de los tipos de personas que habitan el medio urbano, eliminando del término de la antropología social lo folk (cuando se trata de un estudio de los rasgos culturales de quienes pasan del entorno rural al urbano: “continuum folk-urbano”), aliándose de esta manera la “fotografía callejera” o “street photography” con lo documental, aunque con un pie, al menos como me parece a mí, en la ficción por lo anteriormente dicho, porque hay cierta narratividad implícita en los “protagonistas” que pueblan las imágenes.

La exposición, con 77 tomas digitales (copia en papel fotoquímico a color, en formato 70×25 cm) ha sido organizada desde el Área de Promoción de la Ciudad del Ayuntamiento de Almería y producida por la Fundación de Arte Ibáñez Cosentino, en colaboración con Ayuntamiento y Diputación provincial, con Juan Manuel Martín como comisario, quien explicó en la inauguración: “(…) la ciudad y los habitantes se presentan ante el espectador prácticamente sin ninguna intermediación. Buscando, eso sí, el equilibrio y la composición», «no es consumo banal de imágenes, sino una muestra para detenerse y deleitarse».

«Lo importante es ver aquello que resulta invisible para los demás«
Robert Frank

Muy influenciado el fotógrafo desde sus comienzos por el cómic o el diseño gráfico, así como por la cultura underground, las películas de serie B o la ciencia ficción (como sabe todo aquel que conoce al Che) esta es una Gran Exposición, en muchos sentidos, desde el número de instantáneas y su extensión física (dimensión), ocupando toda la segunda planta del edificio y cada uno de los espacios del semicírculo que configura su planta, hasta por el formato en sí, «extendido», de las panorámicas; pero también por las distintas capas de temas y subtemas dentro del tema principal ya comentado, de gran riqueza para quien guste de sumergirse, en las exposiciones de fotografía de calle, en los diversos elementos o composición de cada toma.

Y es que la imagen panorámica es singular por su proporción misma (recordemos que el formato cuadrado es 1:1; el estándar de fotografía es 3:2 -en horizontal, o 2:3 en vertical-, mientras que una toma panorámica horizontal sería 3:1), y es la que muestra un panorama [*] (del griego pan: todo, y horama: vista), y eso es exactamente lo que pretende el Che con Multiversos, mostrarnos panoramas, visiones como “vistas”  que pueden extenderse más allá de los formatos usuales, brindándonos, no algo concreto, o un detalle, sino un tumulto de ideas y sensaciones.

Trabajando este formato, habitual en él desde hace años, no sólo demuestra su pasión por lo cinematográfico (tan presente, por otro lado en la cultura almeriense) como le sugiero en mi entrevista, sino que: “aduce a una reflexión personal: el panorámico, en este caso está basado en una doble proporción áurea, invita a imaginar al espectador, no es una imagen cerrada, es una propuesta a la ensoñación, a que el público complete la imagen». El fuera de campo lo ponemos nosotr@s pues.

Y hay más de «cinematográfico» en esta expo, cada fotografía podría ser un story board, y él corrobora en parte esta sensación: “Aparentemente, en mis fotos, no pasa nada, no hay acción. Busco algo que podríamos denominar enigma o misterio. El invitar a preguntarnos qué ha pasado antes o qué va a pasar después para que esa imagen esté aquí”. Pero “cada espectador es el encargado de filmar el resto de la escena y montar la película”. “Los títulos me parecen una falta de respeto al espectador, como si dudásemos de su capacidad y le dijéramos lo que tiene que ver, coartando totalmente su capacidad de deducción.”

El uso del color empleado para estas fotografías de calle también me llama la atención en esta exposición, aunque Che me recuerde que es algo muy arraigado en sus trabajos. Pero reconozco que aún tengo muy presente su libro de fotografía (también exposición) Calles, Televisores y un Cadillac, serie realizada en analógico y en b/n, de 2002 y seleccionada en su día para PhotoEspaña por la Galería Utopía ParjWay. Efectivamente, el formato digital en color y en panorámico forma parte de su lenguaje fotográfico esencial, y “tras un periodo de pausa y reflexión” en 2007, lo retomó para quedarse con él definitivamente, aunque con incursiones de nuevo en b/n como en «A compás».

Volviendo al empleo del color, la elección de los tonos y gamas, muy concretos, creo que dota de serenidad y coherencia a las 77 fotografías, donde me asaltan los ocres (y el albero en Almería, por ejemplo) y los diferentes grises de las calles (mobiliario urbano), en contraste con el colorido de ropajes, globos o disfraces…, tratados de forma sutil, a lo que el Che me comenta: “La fotografía, etimológicamente, es escribir con luz. Yo solo busco días soleados y situaciones lumínicas propicias. No edito mis fotos, no retoco las fotos. Si a una foto tengo que dedicarle más de un minuto de edición en Photoshop es que la foto está mal hecha. Podríamos decir que la gama es la realidad y mi ojo. Como hablaba anteriormente, al trabajar en la calle y no poder controlar los elementos, hay que tener muchísimo cuidado de que no surjan o aparezcan colores discordantes que alteren o estropeen la composición y el concepto de tu imagen.”[**]

Además de lo anteriormente señalado, lo que más me interesó, tras mi primera visita (he realizado dos e iré otra más, fijo), es cómo maneja otros elemento plásticos de su fotografía (como la composición, los pesos y equilibrio de luces o sombras, etc.) en relación al tema buscado (el trasfondo) y dentro de su proceso de trabajo, basado en mucha reflexión sobre lo realizado, porque la toma tiene todo el peso, es donde “tienes que conjugar la perfección encuadre, medición de luz, composición, color, volúmenes, acción, contenido, etc.”,  ya que él no va «a la caza» de la imagen, aleatoriamente, ni se considera un “médium” o transmisor de imágenes, sino que se curra mucho el dónde y cuándo tanto como el qué: “la fotografía, en mi caso, es un ejercicio de pre visualización, de prever la imagen instantes antes de que se produzca. De ver algo que parece interesante, encuadrar con el visor y disparar cuando todo está en su sitio. Muchas de las fotografías de Multiversos parecen coreografías, que las personas y los elementos están cuidadosamente colocados para la foto, cuando nada de eso es así; no existe ni una sola imagen preparada ni nadie está posando para la foto”.

Y apostilla ante mis preguntas sobre este tema: “El rollo médium es una gran falacia, ningún fotógrafo trabaja así. Lo del mero transmisor es uno de los aforismos que más daño han aportado al hecho fotográfico, pues reduce el trabajo intelectual del fotógrafo a un mero dedo que acciona un botón. También se ha comparado la fotografía de calle con ir a pescar, coger la cámara/caña y a ver que pican. Otra impostura”

“El verdadero fotógrafo tiene ojo, cerebro e intención.”

William Klein

Entrando ahora en aspectos intrínsecos a esta muestra en sí, que siempre me parecen interesantes porque, a su manera, una exposición es un Espectáculo (y desde la selección de obra, hasta el  montaje final, es la forma de poner en contacto al autor y su trabajo con un espacio y su público), el montaje de Multiversos me parece de los más acertados que he visto en este Espacio 2 del Museo de Arte de Almería (un lugar «difícil» por su distribución y subespacios).

Al contemplar todo el conjunto, tengo la sensación de que ha huido de realizarlo por grupos y subgrupos, por lo que pregunto a Antonio Jesús si ha dejado que fluya el “orden” por estética de contenido, para compensar manchas de color o personajes, o cómo, porque no veo series, o temas correlativos, por ejemplo, veo Libertad… y además, la exposición se puede empezar desde un lado u otro de la gran sala (tiene dos escaleras en la primera planta del Espacio 2 que llevan cada una a un extremo de la exposición), a lo que Antonio Jesús me responde: “Lo defines bastante bien aunque ha sido algo más complejo. Aparentemente el criterio principal es la estética, que las manchas de color funcionen bien juntas. Por otro hay pequeñas agrupaciones por formas, y más imperceptible aún por temas o afinidades. En realidad se ha cogido cada panel de pared y se ha trabajado con él individualmente, formando una especie de trípticos que funcionan armoniosamente en conjunto, que son casi inapreciables para la mayoría del público, pero que no impiden la visión individual de cada imagen”.

Fotografías en sala Espacio 2 del Museo de Arte de Almería. (fotografías Maribel Úbeda).

Creo que, efectivamente, ha sido del todo acertada esta forma de componer los «paños» de la sala, porque me imagino la dificultad, en principio, para realizar la primera “criba” de imágenes, algo que a él no le resultó demasiado complicado porque su forma de trabajar es muy dirigida: “En un trabajo de tanto tiempo, vas filtrando, vas seleccionando el trabajo. La selección la haces en base a ese montante ya seleccionado con anterioridad. Después te citas con amigos en cuya opinión confíes, unas rondas de consultas con unas buenas cervezas y dosis de sinceridad de por medio, y se va concretando” “Tengo muchísimas fotos pero en realidad no son las «muchísimas» que podría tener otro tipo de fotógrafo. Creo que fue Einstein quien dijo que una forma de locura era repetir hacer algo de una misma forma y esperar que el resultado cambie.”

«La fotografía es un secreto de un secreto. Cuanto más te dice, menos sabes.»
Diane Arbus

Para ir avanzando en este post que me prometí breve pero incumplo, fiel a mi forma de ser/escribir, y trayendo, de esta forma, a colación, el cómo aborda los proyectos y cuándo los da por concluidos… (algo más difícil de lo que puede parecer, doy fe), Antonio Jesús me comenta que cada proyecto es diferente, pero, por ejemplo, “A compás”, lo da por terminado “aunque nunca se sabe”, pues no quiere repetir esquemas por el momento, aunque desee seguir acercándose al mundo flamenco con sus fotografías. Y respecto a Multiversos, “es algo más complejo, pues creo que forma parte de un proyecto único y global de fotografía de calle en el que empecé a trabajar hace más de 30 años”, y tiene bastante material inédito incluyendo “Calles, Televisores y un Cadillac” que configurarían un Todo.

Y así lo esperamos, ver crecer esta serie de panorámicas múltiples, al igual que espero la itinerancia de A Compás desde Sant Feliú en Almería, donde ya se presentó el libro que se pude adquirir en las librerías; y del mismo Multiversos, ya que tanto la Fundación Ibáñez-Cosentino como él están, de hecho, por la labor de que ocurra.

Fotografías de la Inauguración de la exposición «A compás» en Sant Feliú de Guixols (imagenes de promoción, autor)

Para intentar resumir: os recomiendo ir a ver y disfrutar de Multiversos, una “Reflexión sobre las ciudades” porque “las ciudades molan, mutan” según el propio Che, y aunque melancólico, como él me señala, hay un cierto poso de exaltación de la vida que merece ser revivido al contemplar, de forma activa (dejándoos llevar, e imaginando, cómo se cita más arriba) estas panorámicas.

Redescubro aquí a un fotógrafo que expone realidades, que se deleita transmitiendo que lo Cotidiano no le repele, que se puede uno recrear artística y técnicamente hablando en el día a día de una urbe, y que muestra una visión, también, poética (quizás por algo quería yo leer en el título “versos” múltiples, más que el término “multiverso”, utilizado en el entorno de la “Sci-Fi” como universo múltiple) de lo que un día pudo ser más underground, frío o ajeno por la “otredad” que conlleva la gran Ciudad, pero que actualmente conforma identidades tanto concretas como colectivas.

Multiversos se conforma en un Todo caleidoscópico de realidades paralelas contempladas con un punto onírico al mostrarlas en capas o niveles de realidad que vemos a diario sin ver, pero que otros [***], con sus objetivos, como el Che, nos han proporcionado como instantáneas que  inmortalizan el ambientes de nuestras calles, gentes, mobiliario urbano y edificios y que conforman la Imagen clave de la Vida en las ciudades del siglo XX y ahora XXI.

Antonio Jesús García, Che, no se evade con los “lugares comunes” sino que los significa e incluso dignifica si cabe, los solidifica/consolida, no los esconde y se regodea en hacer juegos visuales en un nuevo hedonismo de la imagen común (…quizás), elevando a iconos a los globos, el SpiderMan brillante, el hombre dorado disfrazado para ganarse un jornal, los invitados corriendo a una boda…, los cafés “de siempre” pero ahora, ya…

Intuyo a Súper López tanto como al Hombre Araña en estas calles, y los personajes de los tebeos de la infancia de quienes fuimos niños entre los 70 y los 80…, en las aceras de hormigón, o los bancos de líneas rectas, los escaparates relucientes que parecen espejos…o en las personas que van y vienen, que a veces miran a cámara tranquilamente;… y noto y respiro…normalidad envuelta de ensoñación,…el día a día con mejor color…, algo reconfortante, como un stop en este mundo de pantallas táctiles donde la Imagen puede ser Todo, o Nada… Y en este caso es…un Universo entero…

Maribel Úbeda. Almería Agosto-Septiembre de 2019

[*] El formato de panorámica en fotografía, que inicialmente se utilizó para el paisaje, o vistas de ciudad y arquitectura (desde uno de los primeros ejemplos a base de varias placas seguidas de daguerrotipo, a manos de Martin Behrmanx en 1851) y que se caracterizaba por el amplio horizonte visual que cubría, ha ido evolucionando a través de los siglos, desde los paisajes pintados en cuadros (apaisados o en cilindros simulando trampantojos de vistas de la realidad) del siglo XVIII, pasando por la fotografía clásica posterior hasta la actual digital.

[**] Su respuesta sobre el color y las tonalidades, me retrotrae a mis días de estudiante de fotografía artística (donde él impartía en aquel momento, por cierto, una asignatura emocionante: «Técnicas y procesos antiguos»)…, corroborando que no sólo es fotógrafo, sino profesor de fotografía…

[***] Desde los precursores como Eugène Atget, que inmortalizó las calles de París, pasando por Brassaï o Cartier Bresson (con su famoso pero controvertido “momento decisivo”), después Walker Evans, Lee Friedlander, Garry Winogrand, el gran Weegee (que lleva al campo del fotoperiodismo sus tomas callejeras en busca de noticias), la simpar Vivian Maier (que no publicó sus fotos en vida, y casi ni las reveló), Robert Franck con Los Americanos (un canto al universo callejero) o Willian Klein (que sacó la moda para Vogue a esas calles tan retratadas por él, como su niño y pistola fascinantes) definiendo para siempre la “fotografía de calle” y diferenciándola, sutilmente, del documental fotográfico o el fotoperiodismo; Lee Frelander, que conceptualiza sus imágenes de vehículos transitando por las calles, Stephen Shore o Alex Webb más reciente nos acostumbran a la calle en color; en España, el mismo Pérez Siquier que retrata barrio y habitantes de la Chanca, Colom o Terré (como otros tantos del Grupo Afal…), Cristina García Rodero,… hasta la actualidad, donde un sinfín de fotógraf@s (móvil en mano incluso) intentan captar la esencia callejera compitiendo con el streetart, graffiti y muralismo + postgraffiti…

EXTRAS:

LINK DE INTERÉS SOBRE MULTIVERSOS

• Noticia en canal de difusión de Ayuntamiento de Almería. Sobre la inauguración oficial de Multiversos
• Noticia sobre inauguración, difusión Ayuntamiento de Almería en su canal de Youtube
• Noticia en El Ideal de Almería, artículo de MARÍA PAREDES MOYA 
• Entrevista en el Programa de Radio: La Sonrisa del Gato,  – «CHE On Fire»  con Carmen Rubio y Almécija (muy extensa e interesante)
• Multiversos en blog personal de Antonio Jesús García, Che.

LINK DE INTERÉS SOBRE SU OBRA y otras exposiciones (actuales)

• Entrevista de Galería MECA. REVISTA TQPLUSART. Con motivo de su participación en PHotoESPAÑA sede MECA.
• Sobre la exposición «Colectiva. TQ+SUR, FOTÓGRAFOS ANDALUCES -PHotoEPAÑA«, en el Castillo de Santa Ana, en Roquetas de Mar.
• Inauguración en Castillo de Santa Ana, Canal Youtube de Ayuntamiento de Roquetas.
• Web personal: www.antoniojesusgarcia.com (trabajos recientes)
• Sobre el documental Quiero tener una Ferretería en Andalucía. Una mirada a los “años perdidos” de Joe Strummer, ex-líder de The Clash, en el sur español. En plataforma online Filmin (hasta hace poco, info) y en Canal Youtube, Trailer (Cameo Film)

BIO DE ANTONIO JESÚS GARCÍA 

EXPOSICIONES:   Individuales: 2019– “Multiversos”, en Museo de Arte de Almería. / “A Compás” en Monestir de Sant Feliu de Guíxols dentro del Festival Porta Ferrada. // 2016 – “Danzad, Danzad, Malditos” en galería MECA, Almería. //2007 – “La Vida Que Yo Veo” en galería MECA,  Almería. //2004– “Panoramas”,  en galería MECA, Almería. //2002– “Calles, televisores y un Cadillac”, en galería Utopia ParkWay dentro del festival internacional Photoespaña 02.   Colectivas: 2019– “PhotoEspaña, TQ+SUR, Fotógrafos Andaluces”, en Galería Meca.//2018– “Almerías”, producida por el Centro Andaluz de la Fotografía.//2003– “Nueve Fotógrafos”, homenaje a Rafael Alberti, producida por el Centro Andaluz de la Fotografía.

PUBLICACIONES: Individuales: 2019– “A Compás”. Editado Diputación de Almería e Instituto de Estudios Almerienses. //2002– “Calles, televisores y un Cadillac”. Editado por Galería Utopia ParkWay.//1999– “Silencio y Oro”. Editado por Librería Picasso y Centro Andaluz de la Fotografía. Colectivas: 2017 – “Pérez Siquier Guiños”. Editado la Universidad de Almería.//2003–  “Nueve Fotógrafos”, homenaje a Rafael Alberti. Editado por el Centro Andaluz de la Fotografía.

SELECCIONES: 2006– ALBIAC (Bienal Internacional de Arte  Parque Natural de Cabo de Gata-Nijar). Almería.//1994–  «Bienal 94» de Pintura y Escultura de Almería.//1992– “Bienal de Jóvenes Creadores de la Europa del Mediterráneo”.// 1990– «Bienal 90» de Pintura y Escultura de Almería. (Selección y adquisición).

FILMOGRAFÍA: 2011– Coautor del documental Quiero tener una Ferretería en Andalucía. Una mirada a los “años perdidos” de Joe Strummer, ex-líder de The Clash, en el sur español.

…………………………………………………………………………………………………………………………………………….

Yolanda, alma de Almedina Baraka

Dentro de este apartado de visibilización del trabajo de mujeres que crean, gestionan o se mueven en lo cultural en Almería, me ha llamado la atención la actividad de Yolanda Martínez Lirola (Almería, 1965), responsable de la programación cultural de Almedian Baraka, así como de la de la Tetería Almedina, de anterior fundación y en funcionamiento desde hace años.

Al hacer la semblanza de Yolanda veo que se traza por un camino concreto y diáfano, pero no falto de enriquecedoras experiencias.

Nos conocimos hace un año escaso y, aunque nos vemos en diferentes tipos de eventos de la capital (Almería hierve en actividad musical y artística en general), y compartimos buenas amistades, hemos ido dilatando el realizar la entrevista para hacerla con calma (calma: esa palabra que ya casi idealizo por ser tan escasa y un bien no lo suficientemente ponderado…). Al fin nos encontramos una mañana primaveral cerca del mar, junto a catamaranes, velas y palos marineros, dársenas, equipamientos deportivos y aire fresco, y charlamos a la sombra de una café tranquilito.

La palabra Baraka[1]  planea sobre mí durante todo el tiempo desde el comienzo de la charla, como algo mágico cuyo significado concreto desconozco… Así que cuando le pregunto, a mitad de la entrevista casi, por su significado (hermosísimo por cierto), este da sentido a gran parte de todas las actividades y acciones que lleva a cabo Yolanda. Baraka se puede traducir como “don”, o “lo divino en la tierra”; algo así como tener una facilidad para la realización de algo. Un concepto muy cercano al “duende” de lo flamenco y lo gitano, algo muy presente en Almedina Baraka, no sólo por las actuaciones musicales sino por la cercanía a La Chanca desde la antigua zona de la Alcazaba y su Almedina.

Pero, volviendo a Yolanda, mujer de poderosa risa, es trabajadora social de profesión, y siempre anda de allá para acá ocupada en algo, aunque sonriente y cordial, de buen talante y muchísima curiosidad; amante de la fotografía y del flamenco (si puede, arranca a cantar una copla, una seguiriya o cualquier palo que venga a cuento según la compañía o circunstancias) dedica gran parte de su tiempo a la gestión cultural, aunque le dé reparo que yo lo llame así…, algo que demuestra su sentido de la responsabilidad.

Yolanda organiza las actuaciones para las veladas de cenas musicadas (todos los sábados) desde Julio de 2017 y, recientemente también, un mercadillo, el tercer domingo de cada mes normalmente (donde «cualquier persona interesada puede participar como vendedora o compradora o cambiadora de ropa usada, libros, etc.»),  charlas o recitales, en el restaurante Almedina Baraka (frente a la entrada de la Alcazaba, en un espacio de tres plantas con terraza y patio de gran encanto de aires andalusíes), algo que anteriormente hacían también (pero de una forma menos asidua y programada) en la Tetería Almedina. Pero además, junto a Pedro, co-gestiona la Asociación El recuerdo de la Almedina y la citada Tetería Almedina, tetería-restaurante emblemático de la zona de la Almedina (zona que, por cierto, se ha ido recuperando para la ciudadanía poco a poco y que daría para hablar en un post aparte, y que en parte le debe a estas iniciativas parte de esa rehabilitación para nuestra comunidad).

“Lo que me ha motivado a dirigir el  proyecto Almedina Baraka, también presente en la teteria Almedina, ha sido:  el estar enmarcado  en uno de los lugares más bellos de la ciudad, pero olvidado; estoy ayudando a devolverle el brillo, a partir de un solar lleno de basura y una casa en ruina el nacimiento de un restaurante tetería, no con un sentido comercial al uso, porque ni por formación o por trayectoria profesional o vital, he estado ligada a la hostelería sino al trabajo social.”

Pero…, dedicarse a algo así con tanta ilusión como veo que hace (y por lo que en parte quería traerla a este blog) no se hace de la noche a la mañana, y todo este proyecto  proviene de una idea fija desde muy joven, el poder vivir en la zona de la Almedina devolviéndole parte de su idiosincrasia, haciéndola, activamente, más habitable en el siglo XXI (tal como yo lo entiendo al menos).

Todo ello se ha ido realizando compartiendo este sueño con la asociación antes mencionada desde un principio y una serie de personas con los mismos deseos e impulsos.

 “Mi tendencia humanista está acompañada por la conciencia de una vida ecológica y saludable por crear situaciones y ambientes perfumados por armonía, recuperar rincones bonitos poniéndolos en uso y a disposición de quienes gusten, el progreso personal-colectivo y el sabor por la construcción antigua y tradicional”

Así pues, primero fue creada la Asociación El recuerdo de la Almedina y la entidad religiosa “Comunidad Musulmana Almedina” (donde se puede orar como en una mezquita y también reunirse quienes se han hecho musulmanes o sus invitados), y sus inicios para dinamizar el panorama del barrio fue con un proyecto que ella recuerda con mucho cariño: el Zoco (2005-2007), un mercadillo temático que los sábados por la mañana se establecía para promocionar la cultura en la zona, y que reunía a artesanos, artistas y músicos, desde donde se hicieron interesantes actividades (en algunos momentos incluso apoyados por el ayuntamiento) como los homenajes a Miguel Hernández, Leopoldo María Panero o José Ángel Valente, entre los más destacados.

Aquella iniciativa “tuvo que desaparecer” como ella misma comenta, por muchos motivos, pero dejó huella y una buena experiencia para, como prefiere llamarlo, “hacer que se aprecie la cultura”.

Así que aquí tenemos actualmente a Yolanda, tras 16 años llevando poesía (como Juan Carlos Mestre), pequeñas exposiciones de grabado o dibujo, y actuaciones de cantautores o músicos en la Tetería Almedina, que ahora se consolida en Almedina Baraka con interesantes artistas (algun@s conocidos ya) como, recientemente, Zarrita (Flamenco, baladas), u otras propuestas inéditas en Almería, siempre en “pequeña” formación (dúos o tríos, ya que el escenario es de dimensiones reducidas, pero por expreso deseo de buscar lo intimista y acogedor), como Dioro (Tango), Hipnosis (poesía y violín), Mariana Accelli (Fados y Tangos) o Level Eye ( Rhythm Blue y Soul).

Pero hay otro tipo de actividades, como las de carácter poético, que se graba en Almedina Baraka con el programa de radio Mar de Jairan, y presentaciones de libros, como “Cuando El Trabajo Social es Literatura”.

En invierno las actuaciones o recitales tienen lugar dentro de una de las tres plantas dedicadas a restaurante y tetería, pero en verano se realizan en la terraza con vistas a la  Alcazaba, y quiero resaltar que no pertenecen a un circuito concreto, como imaginé por su calidad y variedad, sino que contactan con la asociación o el lugar, y Yolanda es a quien le toca discernir sobre la calidad de sus propuestas, currículos o trayectoria.

En definitiva, Yolanda ha conseguido dar vida a un espacio íntimo, tranquilo para la degustación tanto de la buena música y la cultura como la de la comida, repostería, bebidas de diversos tipos, lugares y tiempo andalusí, marroquí, tunecina, libanesa o de Oriente Medio.

“Bajo esta luz se gesta un centro gastronómico, cultural, saludable, con encanto, integrador, motivador de convivencia de culturas e inclusivo.”

Sin la vertiente gastronómica o de tetería, la asociación cultural y sus actividades no podrían llevarse a cabo, y es una de las “patas de la mesa” del proyecto, como ella misma se refiere en cuanto a la parte económica que sustenta Almedina Baraka .

Además, Yolanda se muestra muy orgullosa cuando me cuenta que “colaboramos en la medida de las posibilidades del lugar con toda asociación o personas que hacen propuestas o actividades que tengan principios comunes a los que mueve este lugar”.

Preguntada por cómo ve ella el panorama cultural y musical en Almería actualmente, me dice que está encantada de “ver que el gran talento artístico que hay en esta ciudad se está desarrollando y exteriorizando”. “Este lugar, y otros en la cuidad, sirven de motivación a artistas de aquí para seguir perfeccionándose y mostrar sus creaciones, así como permite a los espectadores disfrutar de la belleza de momentos que se crean dando estas oportunidades”. Además, continúa comentándome, tienen una relación excelente con sus vecinos de La Guajira, por ejemplo, ambos locales, siempre (me consta), muy respetuosos con el entorno en cuanto a terminar las actuaciones a una hora adecuada o los ruidos.

Y para ir finalizando…, a modo de colofón de esta entrevista, Yolanda me dio una primicia que pronto verá la luz en Almedina Baraka : nada más y nada menos que la inauguración de un espacio para la fotografía, para exposiciones y presentaciones de fotógrafos y fotógrafas cuyos trabajos se podrán ver en la primera planta. La primera exposición estará dedicada al fotógrafo Antonio Molina Pérez, al que además, está grabando un pequeño documental que acompañará la exposición de sus fotografías.

Gracias Yolanda, aunque sé que no necesitas ser visibilizada porque tu actividad queda a la luz, y no la realizas en solitario…, es un placer ver que se afianza, y desde luego, es un ejemplo para much@s de quienes amamos la Cultura y esta diversidad de culturas que tenemos a mano…

Desde el corazón…, nos vemos pronto por Almedina Baraka o sus magníficos alrededores.

Maribel Úbeda. Almería, Abril-Junio de 2019.

________________________________________________________________

[1] En mi estimada Wikipedia encuentro el significado de Baraka, según los diccionarios al uso, Colins: Encyclopaedia of Islam:   La baraka (en árabe بركة, «bendición, carisma, gracia divina»), en el islam, es una especie de bendición, de continuidad de presencia espiritual y revelación que comienza con Dios y fluye a través suya y a lo más cercano a Dios.¹​²​  La baraka puede encontrarse dentro de objetos físicos, lugares y personas, como elegidos por Dios. La baraka es un concepto importante en el misticismo islámico, en particular el sufismo. Impregna los textos, creencias, prácticas y espiritualidad sufíes y simboliza la conexión entre lo divino y lo mundano  (…).

_____________________________________________________________________

Programación actualizada de Almedina Baraka, en Instagram. 

____________________________________________________________________

Poliédrica…, dinámica…, ¡no para! ¿Cuánto abarca y es capaz de hacer en un mismo año esta docente que imparte Proyectos y Teoría de la fotografía en la Escuela de Arte de Almería y es a su vez fotógrafa artivista?

Nacida en Málaga, estudió Periodismo y Comunicación Audiovisual, y se doctoró en la especialidad de Narrativa Audiovisual por la Universidad de Málaga,  donde sigue indagando en varios grupos de investigación: desde 2007, en la Facultad de Periodismo en la Universidad de su ciudad natal en “LABCOM, Laboratorio de Comunicación” dirigido por Mª de los Ángeles Cabrera; y desde 2005 en el Grupo Comunicar, donde fue miembro del Consejo de Redacción de la Revista Aularia en Almería, hasta 2014.

Además, cuenta con un título de postgrado por la UNED en «Aprendizaje Autorregulado»… y podría seguir con cuestiones académicas…

Fotografía de Elena Pedrosa. Proyecto Grávida.

Pero… esto es sólo una parte de quién es Elena Pedrosa, y en este blog, quería dar a conocer, visibilizar (para quien no la conozca aun) a una mujer «que hace cosas» en el terreno profesional, artístico y social…, muchas; bastante bien, me parece, y sobre todo, con mucha coherencia… Y aquí, en Almería, principalmente.

A parte de ser profe de la EAA, de investigar y seguir formándose en infinidad de temas, Elena imparte, a su vez, talleres de fotografía, desde la creatividad y la Arteterapia, comisaría exposiciones de fotografía, escribe y realiza sus propias fotografías para varios proyectos personales a la vez que expone en colectivas e individuales (actualmente tiene una muestra en Málaga y este mismo sábado estará en el Foro de Artistas plásticos de Almería, en Diputación, patio de luces, del que ha sido coordinadora y será conferenciante).

Como ella dice de sí misma, y me cuadra totalmente con su obra: «Abordo la fotografía como disciplina humanista. Fui periodista, con lo que mi primer acercamiento a la imagen fue el descriptivo. Pero soy poeta, con lo cual mis imágenes se vierten desde dentro hacia afuera a través de metáforas (…)»

Dentro de la coherencia temática y conceptual, que me sorprende gratamente en Elena, recuerdo que sus imágenes me llamaron la atención desde que la conozco, por sus trabajos de poesía visual, cuando firmaba como Amanda Miler y casi recién llegada como profesora a la Escuela de Artes. Después fui siguiendo sus convocatorias de exposiciones o charlas y publicaciones sobre temas sociales y fotográficos, con perspectiva de localización-deslocalización o gentrificación, conocí su vinculación a Ediciones Fantasma (de quien es cofundadora y coeditora)…y creí que ahí quedaba la cosa, compaginada con la enseñanza… que no era poco… Pero, ni mucho «menos»…

Amanda Miler, Elena Pedrosa. De la serie Fotopoemas.

¡Y sí, aún hay más!…

La palabra que utiliza muchas veces mientras hablo con ella en nuestra entrevista para este post es «bichear», o sea, buscar, rebuscar, leer, investigar, algo que se le interesa, que le inquieta o, también, que le indican o recomiendan, … y creo que es, no ya una aptitud, el poder estar atenta a todo lo que pasa a su alrededor, sino una actitud, que encuadra bien su estar y su ser…, la curiosidad innata, pero la curiosidad por comprender, y también por construir.

Comprender lo que le rodea, «para comprenderse, a su vez, a sí misma», me dice ella en la tranquila charla que pudimos mantener a propósito de la pasada (y notable) exposición colectiva de fotografía y proyectos multidisciplinares «Almerías: Fotoensayos sobre la sociedad almeriense», encargo directo de Rafael Doctor, director del Centro Andaluz de la Fotografía (reseñado en tres post de este blog).

Sentir…, mirar, y pensar (reflexionar, ensayar, experimentar) es lo que la mueve: «Mirar y pensar resumen su actividad fotográfica y ensayística, revisar con profundidad aquello que se mira, crear imágenes para la reflexión y para la denuncia, en lo documental y para la poesía y la vida, en lo conceptual» como se explica en su blog y  porfolio.

Desde que hablamos…ha llovido (no literalmente, pero sí metafóricamente respecto a todo lo que ha continuado haciendo…, ¡y porque la entrevisté en enero! -gracias por tu paciencia, Elena-) pero ella sigue en pié de artivismo, de lucha (es una forma de vida…, no es «postureo»).

Y es que han sido, al menos, dos años (cursos) seguidos intensísimos (empleo el término a conciencia)…, y pensé enumerarlos y detallarlos, pero prefiero sólo nombrarlos, así en retahíla, para que veáis a qué me refiero con «poliédrica»; además, en su web encontraréis no solo la actualidad de sus proyectos artístico, o su CV, sino todas sus diversas actividades o colaboraciones, y otros espacios ligados a ella.

Vamos allá (estos dos años recientes): Expuso su individual “Deriva por el poniente plastificado” en Asociación “La Guajira”, Almería, en 2018; con MECA, (2018) en su sede y en el Museo de Arte (arqueológico y Sala 2) en «ArsVisibilis», colectiva para visibilizar los trabajos de mujeres artistas; en la sala Alfareros, de Diputación de Almería, «Sudamérica, presente!», en 2018. Actualmente, en Málaga, la individual “Lírica Iliria [Mostar y el regreso]” (donde aborda la Guerra en Bosnia desde la fotografía, la antropología y el periodismo)…Y todo esto (seguro que me dejo algo) comisariando «Almerías: fotoensayos sobre la sociedad almeriense”, donde había varios proyectos interdisciplinares y una ámplia programación paralela, en los que ella también participaba activamente, como Foto Acción, proyecto con el que, con su alumnado, a lo largo de varios cursos, va indagando en el territorio, lo antropológico y la imagen, identidad, fotografía…

Cuando hablo con ella, me es difícil atrapar todo lo que está haciendo a la vez, ¡y todas sus fuentes y referencias!…SOS, no doy abasto apuntando…, pero es pura coherencia, hay un Todo que une y guía sus pasos.

En el centro está el ser humano, de la mano, ella. Desde su mirada se adentra en la otredad y en su propio ser…, pero no centrándose en lo individual (que sí refleja en sus trabajos más personales), sino en lo colectivo, lo social, lo comunitario. Reflexión-mirada y Acción, van unidos. Escritura-lectura y relectura, junto a Fotografiar, también.

No voy a hablar de todos sus proyectos (nos daría para varios post bien largos), por ello para intentar ser más concisa (que me cuesta como veis) diría que si tuviéramos que poner unas etiquetas en sus imágenes, que os invito a visitar en su porfolio de proyectos personales, y en la fotografía que promueve o comisaría (un blog es de esos que se pueden ir visitando poco a poco y siempre encontraras una referencia interesante que lleve a otro lugar…), utilizaría los siguientes hashtag: #ser #yo #persona #humanidad #colectivo #sociedad #barrios #vecindarios #solidaridad #poesía #imagen #identidades #lucha #acción #realidad #otredad #búsqueda #periodismo #comunicación #preguntas #claridad …

«Utilizo la fotografía como herramienta de investigación, antropológica, social y emocional» es algo que define bien el trabajo de Elena. La palabra herramienta para la fotografía, la emplea varias veces en nuestra pequeña entrevista…y es acertadísimo, ya que no busca una trascendencia visual donde impere la estética pura, aunque siempre hay una belleza poética y formal, intrínseca, muy presentes, sino que busca comunicar, impresionar estados de ánimo a través del tema que trata; busca llegar al «quid” de la cuestión directamente, más o menos metafóricamente (dependiendo del proyecto), pero en línea recta, como un proyectil, me parece a veces. Hay onirismo, poesía, lirismo en ocasiones, pero otras, es la no metáfora, lo literal, la belleza (percibida) de la propia Realidad, aunque no nos guste lo que se nos revela (y rebela), o lo que hay, o mejor expresado: aunque nos duela lo que se muestra, lo que nos visibiliza en su propio vocabulario visual…

Dos de sus trabajos más intimistas me siguen sorprendiendo (son «in progress»): Grávida y Márgenes, donde ella remueve sus entrañas para sacar emociones, heridas, vivencias, herencia y reflexión hacia el futuro, el suyo, el de su cuerpo, o el de sus seres queridos (en femenino realmente)…

En Deriva en el poniente plastificado o El agua en Venus o Para la sed expresa sus inquietudes por el medio, por lo que nos rodea, la naturaleza desnaturalizada quizás, con imágenes bellas e impactantes por su apariencia de «ciencia-ficción» pero que está junto a nosotr@s…

En Sudamérica Presente y en Mostar y el regreso Elena trae a nuestras retinas las imágenes, cual estampas, de la otra cara del mundo, postales de otros mundos que habitan en éste, tan lejanos por su distancia en kilómetros, como por nuestra implicación emocional o ganas de mirar hacia estas partes del mundo; y ella va allí, captura esa imágenes y nos las trae, envueltas en su discurso, claro y elocuente, sonrojante casi siempre…

En  Estados de Agregación de la Materia, Entre lo sólido y lo gaseoso, encontrareis un inmenso magma de imágenes que emana a borbotones…en otro fluir de sus trabajos fotográficos…

En “Entre sin llamar” vemos la cercanía al proyecto Foto Acción, para reivindicar el espacio propio, libre de especulaciones,  o las formas de territorialidad de determinados barrios “típicos” o “turísticos” ahora, la entidad…la marginalidad o lo especial…, la singularidad dentro de la globalización…(hay múltiples y diferentes lecturas y miradas en estos proyectos).

Y en otro de sus lados poliédricos, encontramos Fotopoemas, o la serie Butterfly donde Elena despliega su esencia surrealista en su vertiente más visionaria y poética…

De la serie Midriasis. Elena Pedrosa.

A mi pregunta sobre de dónde parte su temática tan presente en gran parte de sus trabajos, de la necesidad de visión colectiva, de lo social en el arte, me contesta que ya en Málaga le interesaba, siendo estudiante;  y tras el 15M, ya aquí en Almería, comenzó a moverse en la Autogestión, en 2012, con el grupo «Acción y reflexión», con asambleas de vecinos y lucha asamblearia, cine forums, etc. Para ella los casos de Gamonal y Albaicín han sido referencias importantes de estos movimientos sociales necesarios, desde los barrios y vecinos, como la implicación de los activistas solidarios Casa del Aire, en Granada, por ejemplo. Más adelante se involucró, porque impartía clases en Estudios Superiores a Diseñadores de Interiores que intervenían con sus prácticas didácticas en el diseño urbano, en la reflexión sobre el primer Plan Urban, intentando sin éxito llevar a debate al Grupo de Estudios Antropológicos La Corrala (Granada) durante la Semana del diseño, ya que se presentaba la labor de su alumnado en un concurso de ideas para embellecer el Casco Histórico, con el Ayuntamiento… Desde 2015 se ha volcado a fondo en el proyecto ya mencionado, para su alumnado, Foto Acción, aunque desea cambiar de perspectiva en este proyecto, más adelante.

Y para concluir…si es que terminar es concluir…, cuando le pregunto sobre el próximo proyecto…sólo puedo deciros que “lo próximo”…es Ya.

Un «ya» poliédrico, como ella, con unas temáticas claras y definidas, pero vistas y trabajadas desde distintas perspectivas, y una coherente óptica:…fotográfica y emocional, política, crítica y social, siempre.

Elena…, ¡Presente!! (presente-futuro)

Maribel Úbeda. Almería(s), Enero-Marzo de 20199

…………………………………………………………………………………………………..

Varios enlaces de interés (aunque hay enlaces a lo largo de todo el artículo):

Blog de Elena Pedrosa: www.elenapedrosa.es

Última exposición individual: ‘Lírica Iliria: Mostar y el regreso’ en Campus Teatinos, Universidad de Málaga. Hasta el 8 de Abril.

Foro de artistas plásticos, Diputación. Almería, 30 de Marzo, 2019. (inscripción)

Sobre «Almerías: Fotoensayo sobre la sociedad almeriense«. Centro Andaluz de la Fotografía, Almería.

«Escuela y más», selección de blogs de la actividad docente sobre fotografía de Elena Pedrosa.

Perfil en Arteinformado de exposiciones y galerismo (MECA)

«Lírica Iliria: Mostar y el regreso» en Diario de Almería, online

«Sudamérica, presente» en Diario de Almería online

En instagram y en facebook tiene presencia.

Continuación. Parte II de «Almerías»: una visión crítica sobre su espacio habitado. 15 miradas, 15 fotógraf@s + 2 proyectos multidisciplinares.

Creo que esta es una exposición que cada cual vivirá de una forma distinta, si se adentra en ella, y cada persona podrá extraer sus propias reflexiones, conclusiones y hasta indagaciones, pues tiene conciencia de ser decididamente abierta, invita a repensar las imágenes o situaciones que la habitan…, y por ello es merecedora de una visita tranquila, larga…paseando entre los árboles de columnas de sus salas (como me gusta decir del bello edificio que alberga el CAF)…

Esta es una reseña “tardía” (por las fechas en que he podido publicarla) pero me parecía indispensable escribir sobre ella (y desde el primer día que asistía a la pre- inauguración) no sólo por mostrar el panorama de profesionales de la fotografía en Almería hoy, sino para señalar también, la gran labor de su comisaria, Elena Pedrosa, que ha realizado un intenso y cuidadoso trabajo de búsqueda de artistas, de sus trabajos, y de la concreción de las fotográficas a exponer, muchas veces síntesis de los propios trabajos habituales de sus autor@s.

En este punto pues, me parece de justicia recalcar el pulido e ingente trabajo de Elena (desde la selección de los trabajos reseñados, hasta el montaje y textos varios),  que además compaginaba varias exposiciones colectivas e individuales, talleres y charlas, a la vez que impartía sus clases en la Escuela de Artes de Almería, donde coordina el departamento de comunicación…, y que ha hecho posible este firme y necesario (repito) panorama de fotografía comprometida con su espacio y tiempo en el CAF.

…La dirección de este Centro andaluz de la fotografía (con Rafael Doctor Roncero a su cabeza, e implicando directamente a la comisaria) puede estar orgullosa de cada una de las historias o retazos de vidas en imágenes, que cuelgan de sus muros y compartimentos en esta muestra; así como del impecable formato periodístico que se ha utilizado como catálogo(*2) de la exposición, idea de Rafael Doctor y Javi Al Cuadrado en colaboración con su comisaria también.

Periódico/catálogo de Almerías. Publicación del CAF y EDUAL junto a Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía.

Si con las exposiciones anteriores, de Plossu, Goytisolo y Vicente Aranda, veíamos unas Almerías de cine, a veces oníricas, y muy personales, que puebla nuestro imaginario colectivo ya, y que se mezcla en nuestras cabezas con toda la imaginería de un Pérez  Siquier o Manuel Falces (…por resumir), con esta gran muestra, podemos ver la contemporaneidad de estas Almerías nuevas, bajo la óptica del ensayo… Algo que creo que no es circunstancial y ni mucho menos baladí…y que ahora abrirán camino para futuros trabajos en o desde Almería también.

Por todo lo dicho, pues, creo que esta muestra se puede situar dentro de la estela del proyecto Imagina de Manuel Falces (como escribía más arriba), por su calidad y responsabilidad artística, social y cultural…

De todos modos, por si aún os quedan dudas, puedo definir un poco más esta exposición, a modo de conclusión, pero con lo que No encontrareis en ella…,  y en “Almerías» no hay imágenes bucólicas, ni complacientes, ni tranquilas o reposadas…; al contrario, hay vida, dinamismo, movimiento, transgresión, un grito soterrado, casi mudo porque no se oye ostentosamente, pero está… No hay unanimidad clara, no hay un único reconocimiento, no hay una versión objetiva de ningún hecho, y no hay… ningún eslogan ni etiqueta que le sirva al pregonero mayor de ninguna fiesta de guardar…

Hay, eso sí…, o como yo lo veo…,  ojos muy abiertos y atentos…, que no sólo ven la costa, la alpujarra o la bahía y su alcazaba, el cable inglés o el desértico western…. En estas “Almerías”, los iconos han sido desterrados por estos discursos y narraciones entre visionarias y contundentes. No son distopías, pero están en sus límites. Realidades disidentes de las estampas  coloreadas…

……………………………………………………………………………………………..

Sobre las Obras y su autoría. (Recojo textualmente el nombre y resumen de cada proyecto de ensayo visual, citando parte de presentación de la expo, y añado alguna cuestión de mi propia visión;  y al final del segundo post, parecerá la breve bio de cada autor y autora de las fotografías): 

Chema López en “Al-Miraya” hace una declaración de sus principios básicos y su concepción del espacio y sociedad contextualizadas en su ciudad natal, Almería.

[ Papel fotoquímico sobre paspartú; color y b/n. Planta baja] Centrando su mirada en barrios como La Chanca y Pescadería, La Hoya o La Almedina…, retrata de forma antropológica a los habitantes de estas zonas, sirviendo de metáfora de su propia vida.

Chema López

Carlos de Paz se acerca a sus “Retratos de la Chanca” con una mirada humanista, social y metafórica.

[22 fotografías en papel Hahnemühle Photo Rag Baryta 315gr. En b/n; enmarcadas sobre paspartú. Planta baja ] En su trabajada forma clásica de fotografiar en b/n, y con su lenguaje de calle, estas imágenes forman parte del habitual mundo de una Chanca que no queremos perder de vista en Almería, pese a las obras de reestructuraciones urbanísticas y pequeñas gentrificaciones. Notamos que las personas fotografiadas posan porque son conocidas, en su calle u hogar; nada de “robado”; el tiempo necesario para cada toma y el contacto…humano.

Carlos de Paz

Raquel Rodríguez y Mª Isabel Muñoz nos ofrecen en su trabajo “Rastros de crisis” su visión introspectiva sobre la huella visual de la crisis en las calles de Almería.

[Impresión látex en vinilo, sobre soporte de cartón 1000gr.; gran formato en color. Planta baja]. Estas imágenes muestran las huellas que la crisis ha ido dejando en muros, edificios y calles del centro de Almería; un deterioro mostrado de forma luminosa no obstante, en una forma de intentar comprender y mirar la realidad circundante, articulada en torno a tres elementos conceptuales: Cerrado-Vacío-Cicatrices. No aparecen personas, sólo su  rastro…y el de la crisis… (De este proyecto más extenso escribí en este blog con anterioridad. Leer)

Isabel Muñoz y Raquel Rodriguez.

En “Medianerías”, Estela García reflexiona acerca de la manera de comunicarse de las comunidades de vecinos que comparten muros en edificios de pisos. 

[Fotografía digital sobre vinilo en gran formato, color. Planta baja].Estela reflexiona visualmente sobre la estética (el ritmo y la “armonía” de un “feísmo” aceptado)  de los altos edificios que desde los años 70 han irrumpido en el paisaje urbano de Almería…La comunicación humana dentro de un espacio construido hostilmente hacia el ser humano en principio…

Estela García.

En su serie fotográfica “Dignidad”, Rodrigo Valero incluye fotografías de los barrios de “Los Almendros” y “La Chanca”, en un intento de dignificar estos barrios y romper las barreras de los prejuicios.

[Impresión giclée en b/n con tintas minerales laminadas sobre Kapafix. Planta baja] Sus ocho fotografías, en gran formatos (de metro por metro y medio algunas), muestran uno escenario concreto, y en cierto modo cerrado, pero a su vez, Rodrigo capta, en estas escenas habituales, el pulso de unos habitantes que nos retrotraen a otros escenarios atemporales de una España en extrarradio…; apartados, en el margen de la comodidad, pero que sobreviven como son representados, con dignidad.

Rodrigo Valero.

Oliver Mairinger en  41°43′N – 49°56′W hace “una alegoría a la historia de un país que se estrelló a toda máquina contra un iceberg que nadie quería ver”.

[27 fotografías en Papel Ilford Galería Prestige Smooth Pearl; montadas sobre paspartús; color. Planta baja]. Estas imágenes exponen desnuda y subjetivamente sus vivencias en un momento de encrucijadas diversas, desde la personal (situación incierta profesional y crisis artística/personal) hasta la de la ciudad y país de acogida, en plena crisis económica y social. Un retrato introspectivo que ahora se puede convertir en documento social colectivo de tinte existencialista…

Oliver Maringer.

“Regresos” supone “una película” en la que su director, Lucas Gómez, dirige a sus personajes mostrando diferentes escenas socioculturales de barrios y localizaciones de la provincia de Almería con las que se encuentra cada vez que vuelve a su tierra.

[8 imágenes –composiciones- en color, impresas sobre papel fotoquímico perla 300gr.] En estas composiciones de varias imágenes que parecen superponerse en cada soporte conjunto, Lucas realiza una especie de foto-película-documental, con una ecléctica estética donde los formatos audiovisuales actuales tienen un potente efecto llamada para narrar una cotidianeidad personal y familiar.

Composición fotográfica de Lucas Gómez

En “Almería es viuda”, Ana Cayuela reflexiona sobre la comunidad que fotografía en confluencia con su propia identidad y vivencias, retratos y situaciones cotidianas, en torno al concepto de viudez en las mujeres que entrevista y con las que se mezcla.

[21 fotografías, color y b/n; tinta digital sobre papel Ilford Galerie Smooth Pearl 310gr. Enmarcadas] En un ejercicio de meta fotografía, Ana Cayuela fotografía, dentro de este políptico amplio, a estudiantes de la Bauhaus, por ejemplo, mientras la retratan cuando ella posa como modelo…; y así dialoga con parte de colectivos (como el de mujeres gitanas, por ejemplo) en los que ha impartido talleres, a los que retrata a su vez.

Ana Cayuela

Antonio Jesús García muestra una serie de imágenes panorámicas de la ciudad que forman parte de un proyecto humanista donde calles, plazas y sus gentes son captadas con la fugacidad del tiempo cotidiano.

[Impresión sobre papel fotoquímico, color; serie de 10 panorámicas enmarcadas] Entre estas imágenes impregnadas de la horizontalidad que remite a lo cinematográfico (por su formato de doble proporción áurea), encontramos el trasiego de las gentes que pueblan desde un mercadillo a una boda… y donde son pillados ensayando su papel, en su ir y venir, bajo el juego de las luces y sombras de un “exterior/día”.

Antonio Jesús García, Che.

Marina del Mar en “Vi-viendo Almería” ahonda en la naturaleza social del personaje, rodeándolo con su entorno, para así descubrir a través de sus retratos el pulso vital que caracteriza la vida en la ciudad.

[6 fotografías de impresión INK en papel, montaje sobre paspartú y marcos de aluminio; color] Ejemplo viviente de fotoperiodista, Marina realiza una fotografía directa (como proclamaran parte de los fotógrafos del Grupo AFAL) y sus imágenes destilan esa esencia de captura del instante, el momento que atrae a la mirada como un imán para poder abrirse camino entre las letras de un texto escrito.

Marina del Mar

Eduardo Maldonado y Dory Hernández, en “Fiestas, Feriantes y otros figurantes” hacen un recorrido a través de diferentes fiestas de pueblos y barrios de Almería, capturando las costumbres, gestos y miradas de las personas que se encuentran en estos festejos.

[Papel Baryta Photographique 310gr.; color] Parte de la peculiaridad de esta serie de tipos que pueblan el festejo local (eterno, pues nos llevan a la versión actualizada de los personajes que podemos ver en colecciones como FotoColectania cuando repasa fotografías de los 50 y 60 en España, por ejemplo) está en que esta pareja de fotógrafos (Dory y Eduardo) realizan tomas a la vez, cada cual con su mirada, y las exponen de forma unidireccional, en un diálogo continuo desde la toma fotográfica a la exposición; otra forma afrontar el hecho de pensar y realizar (tomar) la imagen fotográfica. De ahí su montaje en sala, no lineal.

Dory Hernández y Eduardo Maldonado

El proyecto “Refugios y Refugiados” de Mariquina Ramos es un trabajo documental que refleja la vida de los inmigrantes africanos en el territorio almeriense.

[25 fotografías Impresión INKJET sobre papel Creative Smooth 320gr. Fine art. Color y b/n] En estas imágenes observamos fotografía social en esencia, un acercamiento comprometido que muestra el interior y exterior de quienes viven desde dentro la experiencia de la emigración, en este caso africanos asentados aquí. Al estilo clásico del documental que inauguraran Johe Thomson o Jacob Riis, Mariquina mantiene cierta distancia (porque aquí la objetividad lo dice todo) con lo representado aunque nos introduce en escenas íntimas de un dia a día cualquiera.

Mariquina Ramos

“Diario de un currela con un móvil que hace fotos” de Gabriel Martínez López, pretende ser un testimonio visual de la vida cotidiana en el poniente almeriense, de las personas que lo habitan, de sus modos de vida y del entorno que los rodea.

[Impresión inkjet sobre pepel Epson Luster 250gr.;  color Montado sobre paspartú y moldura de aluminio] En estas 30 fotografías realizadas “sin artificio” alguno con el soporte móvil, se agolpa “la imagen” exterior del paisaje semiurbano que, quienes conocemos algo del Poniente y el mar de plástico, tenemos asimilada, pero que poco se ve publicada de forma artística o documental incluso; y es la selección de un proyecto global que durante tres años ha ido realizando Gabriel, a modo de diario visual de un declive colectivo, mientras luchaba personalmente contra la crisis económica en pleno apogeo.

Gabriel Martínez López

En las series “Cosecha amarga” y “De segundas”, que parten de un trabajo de fotografía e intervención anterior, “Invernaderos” (2005-2006), Laura Brinkmann evidencia a través de la metáfora el resultado de la productividad en el poniente almeriense.

[fotografías digitales sobre dibond y foam; color] En el contexto del trabajo de invernadero, una de las composiciones llama poderosamente la atención, nos hace tomar conciencia de la segregación de lo diferente, desde la agricultura en este caso, cuando unos tomates que a primera vista derrochan salud, resultan ser los apartados de la su venta y consumo por sus “irregularidades”…

Laura Brinkmann

Para finalizar: Pablo Vara nos muestra su experiencia en los asentamientos de inmigrantes no normativizados en El Ejido, un modo de vida como cualquier otro en nuestra provincia, derivado de la gestión económica y sociodemográfica de la misma.

[13 fotografías en formato medio, de impresión sobre papel Foto Satín RC, 250gr.; color] En sus visitas a los asentamientos (varios de ellos y de mano de la Cruz Roja, donde realizó apoyo y ayuda humanitaria), Pablo realiza estas tomas donde quería transmitir la forma de vida en estos asentamientos, pobres pero muy limpios y cuidados, así como el diálogo que se establece entre el uso del plástico que se acumula deteriorado tras su utilización sin ser reciclado, una reutilización involuntaria pero que lo humaniza en cierto modo… El plástico, además, aparece retratado como un personaje más en ese paisaje de tierra, matojos y pvc, que puede contener más que oro verde…vidas de refugiados como Mamadou…

                                                                    Fotografías de Pablo Vara.

*2. La publicación en formato de revista o fanzine «Almerías», es el Nº3 de la Colección Cuadernos CAF- UAL, que sirve de guía de las obras y autorías de esta exposición, como si de un catálogo de exposición se tratase, es parte de las publicaciones que realiza Edual, Editorial Universidad de Almería.

—————————————————————————

…..Continuar leyendo en parte III. (donde podréis encontrar enlaces de seguimiento de la exposición, y la breve bio de los autores y la comisaria)….

…. en breve, incluiré la entrevista a Elena Pedrosa, donde contará el cómo y el por qué del contexto de esta muestra….