Aproximación a Doroteo Arnáiz… (Parte I)

  El grabado (arte mecánico?) tiene su potencial más original en la matriz. Cada prueba de estado representa una obra-testimonio (que otras artes como la pintura o la escultura no pueden obtener).   Doroteo Arnáiz.

«DOROTEO ARNÁIZ, Obra Grabada», es la exposición que podemos aun disfrutar en la Galería Acanto, en Almería, hasta el 6 de Junio de 2015 (inaugurada el 24 de abril)…

              …pero antes de adentrarme en ella, debo decir que me alegra volver a escribir, aunque publique esto tan «tarde», sobre una exposición de Acanto, lugar especial para mí, donde respiro Arte…, aguafuertes, aguatintas, punta seca, mezzotintas o manera negra (como ahora, con las obras de Doroteo inundando el blanco de las paredes acantianas…), y donde, no me da miedo decirlo…, soy Feliz!…, ya está, lo he dicho…

                Y…bueno, tras este arrebato de emoción…, diréis… ¿ahora cómo vamos a tomar en serio a esta mujer, o este post, cuando nos dice que tenemos que ir a esta Galería a ver la obra de Doroteo Arnáiz? (por ejemplo), no será nada objetiva…

…mmm…Pues bien, últimamente me pregunto… (es mi defensa):…¿es necesario ser Objetivo al hablar de Arte?, ¿para qué ser «objetivo» en el Arte?, Bueno, sí, al dar los datos del artista sí, su trayectoria hablará por sí misma…, al evaluar la ejecución de las técnicas y forma concreta, composición, color, etc…, si…, se puede y se debe ser objetivo, por supuesto!… Pero al analizar una obra, hay más que la obra en sí misma como objeto, como producto o producción material…, está todo el contexto desde que se ideó, está la trayectoria del autor, está el conjunto de obras a las que pertenece y el momento socio-político y hasta emocional (claro!) en que se concibieron, y luego, algo que solemos olvidar, el contexto en que se ven estas obras, qué sabes del artista, o de Arte o un movimiento artístico concreto, y hasta cómo estabas al ver la exposición, al recibir las obras, cómo lees sus mensajes (si lo tienen…), etc., etc…Vaya!, parece que ya nos vamos metiendo en el terreno de lo subjetivo, verdad?…

Podremos analizar con más frialdad la iconografía de la obra, hacer su ficha técnica,… pero la parte iconológica[1] está ahí tambien.

                Y ya entrados en harina… ¿Qué me cuenta a mí Doroteo Arnáiz, hoy ¿…qué me dice?,…pero sobre todo ¿qué siento ante la obra de Doroteo?… Todo esto me pregunto (junto a los cómo, por qué, de dónde…cuándo?) al contemplar la extensa obra de este maestro en el grabado (dato objetivo).

                Doroteo, buscador de sensaciones, de imágenes, parte creadora en la historia del arte, hacedor de su propia iconografía, coleccionista de la obra de otros, difusor del grabado, profesor (por un tiempo), comisario o director de Calcografía Nacional…, en París, en Madrid, en A Coruña, en Almería…Todos estos Doroteos en uno, se me antojan, a primera vista, como el conjunto de un artista vitalista, un gourmet del grabado y el arte…, pero luego, al pensar y analizar un poco más su obra, se permuta ante mí, como sus propios trabajos, en un artista solitario e introvertido, algo que me resulta extraño atendiendo a su extensa  trayectoria vital y profesional, tan activa en misiones artísticas…Así pues, este artista, pintor, grabador y también escultor,…¿cómo crea,…quién es?… ¿Exterioriza esta obra al artista,  a modo de chamán o medium?, ¿o es el artista quien doma y saca la obra que él quiere de principio a fin? Dicho de otro modo…: ¿el artista muestra su obra, o es la obra la que muestra al artista?…¿quién crea qué, o a quién?…

… de una manera u otra, seguro, confluyen ambas a la vez. Es la quinta esencia del arte. Ni siquiera planteo el dilema, pues imagino que todo ocurre y concurre cuando el artista controla sus técnicas, las conoce y las mima, cuando realiza sus ideas a través de sus inquietudes y se realiza, no solo como artista, sino como proyecto vital, como persona.

                Desde que comenzó esta exposición, he ido recopilando toda la información básica, sobre las obras (las vi en persona antes de su inauguración!), sus fichas técnicas, el inmenso CV del autor…, he buscado imágenes de otras producciones, textos que sobre él se han escrito, y algunas frases por él citadas, y me he ido formando una idea sobre su trabajo y figura… Pero al llegar a un punto…me he plantado y preguntado, minimizada, ante este Universo Arnáiz plagado de distintos mundos: ¿qué puedo aportar-explicar yo sobre él, si está «todo» dicho…!

Acobardada ante la magnitud de la obra y recorrido de Doroteo Arnaiz, pese a mis numerosas notas y hasta el intercambio de una pequeña entrevista con el autor y con la galería, con mis miedos y titubeos, intento partir, al menos formalmente, de lo que  Emilio Fernández (gerente de la Galería Acanto) comenta sobre Doroteo al presentarlo:

«Todo un referente dentro del mundo del Grabado en Europa (…). Inmerso de lleno en las distintas corrientes de la vanguardia europea (expresionismo, informalismo, pop, arte conceptual) tanto en su obra pintada como en la grabada, realizada esta última entre 1960 y 2000, mantiene de principio a fin gran coherencia y unidad visuales y conceptuales, a pesar de su evolución estilística. Su constante y leitmotiv: una inquietud existencialista, la búsqueda de la esencia humana, la reflexión sobre la inmutabilidad de la condición del hombre, pese al aparente progreso externo.

En esta ocasión veremos obras de su primera etapa, años 60, con una figuración próxima a la abstracción, de gran lirismo. Un bloque de obras de los años 70, de estética  Pop, en muchas de las cuáles re-interpreta obras clásicas de  los  grandes Maestros de la Pintura, con la presencia en todas ellas de un singular espectador, uno de los símbolos más característicos de su personal iconografía,  la silueta de un hombre sentado en actitud de espera, que crea a finales de los 60, presente en gran parte de sus obras hasta 1974, representación de un yo interior contemplativo y esperanzado de un modo escéptico y laico. Por último las obras de los años 80 y 90, en las que mediante la técnica de la manera negra, nos ofrece elegantes  y delicadas composiciones, marcadas por la síntesis y la economía de elementos, apoyándose en las sutiles luces obtenidas rascando levemente sobre los fondos negros.(…)».

                 Emilio Fernández (fragmentos del texto de presentación para la actual exposición)

Así que como el propio Arnáiz preconizaba en su frase: «Creo que el oficio de un arte es muy importante conocerlo en profundidad, para después… «olvidarlo». Lo que  quede, después de olvidar lo aprendido, puede que sea aquello que se conoce como maestría”, intento olvidar los datos escudriñados, y opto por contar lo sentido…, y retomar mis primeras impresiones  dejando un poco de lado tanta anotación y los borradores…, y creo que será mi visión, subjetiva, sí, lo que tendréis aquí.

…Continuo en siguiente post, Parte II…

…………

[1] Erwin Panovsky, padre de la Iconografía-Iconología como método para entender las obras de arte a lo largo de la Historia, en su artículo «La Historia del Arte en cuanto a disciplina humanística«, nos dice que el estudio iconológico de las obras , en su contexto cultural, nos explica las obras, como parte de unas coordenadas espaciales y temporales, y que  el papel del espectador, como el historiador (o crítico, teórico  e incluso el observador no entendido), nunca es “ingenuo”, sino que se enfrenta a la obra con unos presupuestos culturales para poder alcanzar su “significado”. De ahí (y esto lo explica mejor en recomendable artículo “Iconografía e Iconología: introducción al estudio del arte del renacimiento«, extrapolable, al menos para mí, al resto de etapas de la Historia del Arte) la importancia de un estudio a varios niveles (o capas) de la obra, desde su forma (un análisis formal) hasta su historia y contexto lo iconológico (o sea, desde el encargo o realización hasta el lugar que ocupa mientras observamos y devenir), pasando, claro, por el estudio iconográfico de la misma (el significado que atribuimos o se atribuye a esas formas en la obra según su paso por la Historia del Arte)…

Aproximación a Doroteo Arnáiz… (Parte II)

(leer Parte I, Doroteo Arnáiz, el Hobre que observa, el artista que trabaja)

                Me retrotraigo a la primera vez que vi ante mí gran parte de lo expuesto ahora (32 obras seleccionadas entre el artista y Emilio, de unas 300 obras catalogadas en total…) y recuerdo que me quedé anonada, primero con la manera negra de sus Orquídeas, en sus diferentes estados y cómo las iba sacando de la luz hacia la oscuridad…! Sí, precisamente lo contrario de la imagen preconcebida sobre el artista (sacar a la luz las imágenes cual Miguel Ángel,  liberando los volúmenes y cuerpos de la piedra…).

(Estados I, II, III y IV de Orquídea Kabuki. Manera negra y punta seca. 1991. Doroteo Arnáiz)

Doroteo, al revés, introduce en estupendas sombras la luz de sus personajes, para presentarlos a escena; pero esto sólo en su producción de manera negra y punta seca…sobre la que Emilio Fernández me cuenta:

Considero que Doroteo encuentra en la manera negra la técnica ideal para traducir visualmente la filosofía Zen que sigue y vive desde que entró en contacto con ella a finales de la década de los 60 en París. No creo que haya otra técnica que permita una simbiosis más lograda entre forma y fondo, para plasmar visualmente el concepto Zen que el autor tiene tan interiorizado. El equilibrio y la tensión entre luces y sombras, entre negro y color, entre lleno y vacío, que tan certeramente están presentes en estos grabados de Arnáiz, son la expresión máxima de la filosofía que le impulsa a crear. (seguir su explicación aquí [1] ).

Y el mismo Doroteo, al preguntarle qué le atrae de esta técnica, me dice:

Fue un autodesafío en dos partes, la primera dominar la técnica de forma ortodoxa, la segunda desarrollar otra posibilidad más libre y personal no abordada hasta ese momento. Ese núcleo de obras lo presenté en varias exposiciones con el título de “Opus nigrum”.

 …Interesante lo que me explica, porque,  literalmente, el título que eligió la primera vez que trabajó en esas producciones “a la manera negra” se refiere a “obras en negro”, pero me asalta a la cabeza la magna novela de Marguerit Youcernal, y su personaje Zenón,  el alquimista que buscaba  la Gran Obra, donde opus nigrum significaba, según los tratados alquímicos, la fase de separación y disolución de la sustancia, la fase más difícil de esa Gran Obra… Muy revelador…, creo.

Las Orquídeas, la Strelitzia, los Cardos o sus fases de estampado en Ogi y Kumade[2] (ya los nombres de las obras, plantas de exótica belleza o utensilios rituales, nos atraen a un estado especial) son trabajos de una hermosura arrebatadora (y de un tamaño, algunas de ellas, considerable además) que me impactaron desde el primer momento…, pero cuando aparece un Caballero de la mano en el pecho sobre fondo anaranjado óxido, y otro similar, sobre fondo amarillo, taqueado de pequeños hombres sentados de perfil…y, más adelante, descubro a ese mismo personaje sentado, en grande, ocupándolo todo…, ahí, sobre un fondo negro y amarilla superficie, de una fuerza arrolladora…me quedo boquiabierta…

(Otra espera, Greco, Permutable III y Caída de símbolos IV; años 70, aguafuerte y aguatinta.)    

Impactantes! Las tintas planas recorridas por mis dilatadas pupilas se intercalaban de imágenes reconocibles…, Rembrandt…Vermeer?…, Goya!…, no voy a describiros todo (tendréis que ir a verlo o pinchar el enlace a la web de Acanto)…

(Ivan el terrible, Las estrellas y Cíclope; años 1961. aguafuerte)    

Decididamente, hay un buen muestrario de lo que Doroteo es capaz de percibir y exteriorizar…, con diversos estados de Arnáiz a conocer: el de las mezzotintas y punta seca de los 90, obras desde un posicionamiento Zen (claramente) con la recreación de los sentidos; el de los inicios (años 60), también muy interesante, de una marcada tendencia expresionista, unas veces más figurativa y otras más abstracta, de rotundas formas y sencillos (quizás) mensajes, como Iván el terrible, el Cíclope o Las estrellas…., y el más pop (década de los 70), donde el color lo invade todo, pudiendo llamarlo incluso… expresionismo pop, y donde homenajea a sus referentes los grandes pintores clásicos, los Maestros por excelencia…, los que nos siguen enseñando Todo (aun más ahora que en sus propias épocas).

Es la estética pop, de la que hablaba más arriba, donde trabaja principalmente con aguafuerte y aguatinta (técnicas también “clásicas” por antonomasia, ilustres y de pura tradición de la estampa) y es donde construye a uno de los Personajes principales de sus escenografías posibles, ¿quizás su alter ego?: el hombre sentado de Otra espera…, en el que presentimos al Artista… que observa…

Lucien Curzi[3] describe así a este Hombre del perfil sedente:

» (…) El personaje en reposo: dibujado, pintado, grabado. Ni ostentación de elocuencia, ni pretensiones, ni arrogancia. Está hecho de lo que observa. Asiste desarmado a un espectáculo sin origen ni fin. (…) De esta manera, el arte del hombre sentado nació de una incoercible disposición a meditar. Y se acompaña de ironía cruda y mordaz. Mirar en otra parte es también un modo de civismo, una manera de alejarse para comprender mejor, en aparente indiferencia. (…) «

(fragmentos seleccionado para la exposición)

…Y bien,como este hombre que espera (imagen insignia de la exposición, y que en principio identifiqué con un Hitchcock, por mi eterna atracción hacia el cine y el cómic), yo contemplo y espero a Arnáiz a mi vez,…y encuentro a un exquisito grabador de imágenes, un experto de las técnicas de estampar ideas, pero además…, a un comunicador. No puedo dejar de lado esta sensación…, sus obras me cuentan pequeñas historias…me hablan,…de distinta forma (estética, técnica y contenidos), pero lo hacen.

…Continuo en siguiente post, Parte III…

…………

[1] Continuando con la explicación de Emilio Fernández sobre la manera negra: “Es poco habitual encontrar autores que trabajen esta técnica. Realmente con ella se consiguen efectos visuales muy especiales, que sólo esta técnica permite obtener. Los claro-oscuros, la sutileza de las luces, las aterciopeladas texturas, confieren un halo de misterio y magia a estas obras. Doroteo lleva la técnica a elevadísimas cotas de calidad y expresividad. Sus grabados a la manera negra son de extraordinaria delicadeza y sensibilidad, sirviéndose de su gran dominio técnico y su maestría en este campo para componer desde un sentir Zen, elegantes, armoniosas, equilibradas y sutiles estampas, de gran belleza, que invitan a meditar, y a entrar en un estado de paz”.

Sobre la técnica de la manera negra o mezzotinta aquí enlazo alguna referencia, como la de la interesante página de BNE (junto con la explicación de otras técnicas).

[2] Palabras japonesas: la primera (Ogi) significa  Adorno para el peinado, en forma de abanico, y la segunda (Kumade), significa Rastrillo,  pero como amuleto de la buena suerte.

[3] En su artículo: «Arnáiz, sentado en su verdor, de pie en su lentitud».

(leer Parte I y II: Doroteo Arnáiz, el Hobre que observa, el artista que trabaja)

(Cuaderno monográfico sobre Arnáiz, de Lucien Curzi).

Este fragmento del mismo texto anterior, de Curzi, me ilumina un poco más:

“Arnáiz es el filtro (…) El artista preconiza que lo visto tiene un doble faz, ya es rigor y verdad, ya es palinodia y mentira. Siempre pensando (…)¿Veis a caso, al hombre, sin sombra, arrellanado en una imposible placidez?.”

Si…, Arnáiz es el filtro… y sus obras viven vidas por sí mismas: Otra espera, El Greco en sus diversas versiones (Permutable I, II y III) …, Rembrandt (Permutable II) o Goya (Permutable II), contienen Historia e historias diversas, tras esa aparente sencillez  formal, que parece exigir menos esfuerzo por parte del lector de imágenes, se aprecia una gran reflexión; y en las Orquídeas o Isadora y sus Ogi…, siento un gran goze estético que no me insta a pensar demasiado (en ese estado que propicia la práctica zen), tamizando nuestros sentidos para que como a él, sea la técnica lo que lo guíe todo, sacando, en cada estado de la plancha, una obra magnífica…, una sensación extasiante…

Pero no  hay que dejarse engañar por la diferencia de propuestas,  pues en cada estado, o etapas, hay un nudo que todo lo entrelaza, como partes de un Todo orgánico y natural.

La Obra grabada de Doroteo Arnáiz me apasiona y me llena estéticamente, pero lo más importante para mí es que me incita a indagar, me presenta enigmas por resolver y caminos que explorar,…con sus heterogéneas tendencias plásticas o temáticas, pero sobre todo…, con su mirada que busca y encuentra…

…En estos magníficos trabajos quizás no vemos los momentos de tránsito entre etapas (aunque sí entre estados en obras, como al mostrar las transiciones hacia la manera negra en las Orquídeas Kabuki), pero están ahí, se perciben como bifurcaciones y caminos en un extenso mapa: o él mismo comenta de forma concisa: Todo ese proceso creo que refleja mis vivencias, reflexiones, aprendizajes, etc. En fin, la vida vivida… (matiza Arnáiz). Y sí, ese discurrir de la Obra grabada de Doroteo Arnáiz, que presenta Acanto, muestra distintas faces (de faz), pero se originan todas en la misma Matriz y pasan por el mismo Filtro…: el devenir de una vida intensamente atrapada! La imagen capturada (pero libre, no encerrada, sino exteriorizada) por, y en, el Hombre/Artista que observa… trabaja y Espera…

Maribel Úbeda, Collado Villalba, Mayo de 2015

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Anexos:

Sobre otras cuestiones planteadas a Doroteo Arnáiz :

-Actualmente, ¿tienes algún proyecto u obra entre manos?… si se puede contar…

Siempre tengo algo entre manos (cuando puedo) o entre notas. Me lo paso bien con la escultura, en pequeño formato, desde los años 70.

-¿Cómo ves el panorama actual del grabado en el arte contemporáneo? Se valora lo suficiente, o sigue siendo una forma de expresión un poco dejada de lado entre los artistas jóvenes? (porque para mí tiene una fuerza especial, y casi siempre demuestra un plus en laboriosidad, en ideas y en conocimiento de técnicas -aunque haya artistas que solo  usen unas concretas y no conozcan todas, claro o utilicen las más “fáciles”…si es que se pude usar esta palabra en grabado)…

Estas dos preguntas requieren una reflexión muy particular y por otro lado el paréntesis suscita la discusión sobre el tema.  Difícil de reducir a una respuesta.

*Espero, pues…, el momento en que podamos debatir sobre ello larga y extensamente… (anotación al margen, propia).

 A Emilio Fernández (codirector de la Galería Acanto) le pregunté por el nexo de Doroteo Arnáiz con Almería e intento resumir lo que me explicó de forma extensa :

Como saben los amantes del arte en Almería, recientemente Arnáiz expuso obra pictórica en el Museo CAMA de Almería[1], y realizó una muestra de sus libros de artista en la Escuela de Artes de la ciudad.

Pero, su relación con este lugar le viene de antaño y, como me narra Emilio F., surgió de una forma tan singular como bella:

Empezó por el gran cariño y amistad que le unía al pintor Ginés Parra[2], a quien conoció en 1956 a través de un artículo sobre su pintura en la revista del Ateneo de Madrid, La Estafeta literaria; una vez instalado en París (1957), mediante su gran amigo Baltasar Lobo (recordemos que allí se reunían numerosos artistas españoles como Peinado o Bores entre otros, algunos de ellos vinculado a la de la última generación de españoles pertenecientes a la llamada Escuela de París) pudo buscar (se presentó en su casa él mismo) y, finalmente, conocer, a Ginés Parra. Desde entonces trabaron estrecha amistad, se veían semanalmente para compartir sus visiones sobre arte y otras cuestiones, pero ambos (según cuenta el propio Doroteo) compartían, las más de las veces, un silencio contemplativo simplemente… Su relación perduró hasta la muerte de Parra en 1960.

Pero aun no acaban aquí las conexiones, porque en la misma revista del Ateneo madrileño, en la misma Estafeta literaria, y en los mismos años que conociera la obra de Parra, Arnáiz había visto y admirado también la obra de otro artista almeriense muy especial (en este caso de Pechina): el llamado “enterrador de Pechina”, Vicente Ferrer Vicente[3], pintor de estética Naif desde los años 40, arqueólogo de vocación y enterrador en el cementerio de Pechina (Almería) de profesión; y a dicha localidad viajó a conocerlo (y adquirió dos obras de él) en 1963 desde la costa granadina, siendo esta la primera vez que visitó nuestras tierras.

Hasta 2010, Arnáiz no volvió a Almería, y fue, aun así, siguiendo los pasos del autor del catálogo para la exposición que sobre Ginés Parra organizó la Fundación Museo Casa Ibáñez de Olula del Río, el investigador y artista, licenciado en BBAA  cuyas investigaciones y tesis doctoral (en preparación) versan sobre la figura de Ginés Parra: Pedro Segura Cano.

Desde entonces no ha dejado de frecuentar Almería y la provincia. Gracias a Segura Cano, aterrizó en la Galería Acanto, donde, además de mostrar su obra personal, ha dejado parte de los  fondos de grabados editados en el taller del CEGRAC con autores como Roberto Matta, Josep Guinovart, Dacos, Mircea Milcovitch, Assadour, Carlos González Villar, Masafumi Yamamoto, entre otros.

                Como vemos, Doroteo Arnáiz se ha visto atraído desde los comienzos de su carrera por un cierto encanto telúrico de estos artistas almerienses, quizás por sus personalidades y su vanguardia enraizada en uno de los confines del territorio peninsular…quizás tan solo una suerte de atracción espiritual y en espiral… que ha llevado a Arnáiz hasta esta gran exposición en la Galería Acanto que, traerá, a su vez, otra nutrida serie de conexiones, sin duda, extraordinarias…

                *El CEGRAC (Centro de Grabado Contemporáneo de A Coruña) fue fundado por el propio Doroteo Arnáiz en 1988, hoy clausurado, y significó una de sus iniciativas para la difusión, creación y divulgación del Grabado contemporáneo en España (en concreto A Coruña) desde donde se realizó una gran labor de acercamiento entre artistas españoles e iberoamericanos del grabado entre otros logros.

Para finalizar este post, al preguntarle por la próxima exposición en la Galería Acanto, Emilio Fernández me comentó esto en primicia:

Para la próxima exposición (el 12 de junio) contaremos con Juan Carlos Mestre y Alexandra Domínguez. Por primera vez van a exponer juntos este matrimonio de poetas y artistas visuales, que ambos son. En la inauguración habrá un pequeño recital poético de ambos; el primero que van a dar juntos en su vida también. De Mestre habrá, grabados, acuarelas, esculturas, litografías, monotipos con collage, y de Alexandra, pinturas, grabados, litografias y monotipos. Además, el sábado 13 por la noche, Mestre dará un recital poético en Tetería Almedina, en el centro de la Almería andalusí (al pié de la Alcazaba).

Y sin duda esta exposición, como la de Doroteo Arnáiz, serán un gran cierre de temporada Acanto!.

 (Otras obras de Doroteo Arnáiz -no de esta exposición-)

Link de interés.

Exposición en la Galería Acanto: obras y exposición (actualmente, hasta el 6 de Junio de 2015).

Exposición en el CAMA de Almería (2013).

En El Almería, noticia previa a la exposición en el CAMA.

Entrevista y reseña de la exposición de Arnaiz en Interalmería tv en youtube: “El CAMA reúne desde ayer una muestra antológica de la obra artística de Doroteo Arnáiz” (2013).

Sobre el CEGRAC: “CEGRAC: 25 años”, por Ánxeles Penas, en el Ideal Gallego.  

(Imagen de la exposición 25 años de CEGRAC y portada del catálogo de la exposición en el CAMA, Almería, 2015.)

Doroteo Arnáiz en las Redes de Acanto: Instagram, Twitter, Facebook.

Biografía (web de la Galería Acanto)

Doroteo Arnáiz, (Madrid, 1936) estudió en la Escuela de Artes Gráficas de Madrid (hasta 1957), y en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París (1960-1968), lugar donde posteriormente fue nombrado miembro del tribunal para diploma de BBAA (1972-81). Después de esto vuelve a vivir a España dejando París.

Fue becario del Gobierno Francés y de la Fundación Juan March ; premiado en las Bienales de París, Lieja, Brest y en la Trienal de Grenchen; Medalla de Oro en el XVII Salón del Grabado de Madrid y Premio de Escultura-Múltiple de la Galería Serie, Madrid.

Ha trabajado la escultura, la pintura y el grabado (materia en la que ha sido profesor en la Universidad de París-Norte, 1971; profesor invitado en la Academia de Bellas Artes de Lieja, 1978; y en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra 1995-2000) convirtiéndose en uno de los grandes artistas y entendidos en el grabado y estampa de la escena española desde los años 70.

Presidió el Salón Schemes, la Bienal Internacional de Estampa de París, fue el comisario de exposiciones como «Grabadores de Paris» (Biblioteca Nacional de Madrid en 1969) o los II Encuentros Europeos en el Camino de Santiago (Santiago de Compostela 1985). Asimismo, fue director-regente de la Calcografía Nacional de Madrid entre 1980- 1985 y cabe destacar su labor como fundador del Centro de Grabado Contemporáneo de A Coruña, desde el que promovió exposiciones y convocatorias internacionales como la Iberoamericana del Grabado hasta la fecha de su clausura (2013).

Expone en los más prestigiosos espacios del territorio nacional e internacional; de forma colectiva participa en la «XII Bienal de Artistas Grabadores» de Madrid, 1963, en la «Bienal de Sao Paulo», 1965, en la «V Bienal de París» 1967, entre los más destacados…

Su obra está presente en más de 35 Museos y Colecciones Públicas de Europa, América y Asia como MNCARS, Madrid; MOMA, N.York; The Art Institute, Chicago; Centro Nacional de Arte Contemporáneo, París; Museo de Arte Contemporáneo de Québec (Canadá) ; Museos de Arte Moderno de Lieja , Montreal , Skopje (Yugoslavia) y París. Kunsthaus de Grenchen (Suiza), Kunstmuseum de Düsseldorf (Alemania); Museo Rehovot (Israel), Yamanashi Prefectural Museum of Art (Japón). Bibliotecas Nacionales de: Lisboa, Madrid, Montreal, París; The Library of Congress, Washington; The Hougton Library (Harward University, Boston); Calcografía Nacional, Madrid; The Hispanic Society of America, N.York …

[1] Doroteo Arnáiz: Pintura, 1958-2013. CAMA, 2013.

[2] Ginés Parra, pintor almeriense, nacido en Zurgena, en 1896 y fallecido en París en 1960.

[3] El pintor de Almería, afincado en Madrid, Alcaraz, según cuenta la crónica este mismo, dio a conocer a Ferrer Vicente a Jose Antonio Vallejo-Nágera (doctor en psicología, escritor, pintor y amante de la pintura Naif) y este lo incluyó, tras viajar a Pechina y conocer su obra, en el diccionario (reeditado como “Naifs Españoles Contemporáneos”, 1975). Actualmente tiene obra expuesta en el Museo de artes plásticas de Almería, Doña Pakita. Perceval escribió sobre él, y en el ABC de 2005, Enrique Andrés Ruiz, lo menciona a raíz de la reseña de dos exposiciones en Roquetas de Mar (Almería), comisariadas por Juna Manuel Bonet Correa sobre los Indalianos (movimiento estético almeriense, genuino) y sobre Jesús de Perceval (pintor insigne de Almería), de quien dice: “prologó la exposición del primer pintor enterrador de la era indaliana. Que lo era un hombre de Pechina llamado Ferrer Vicente”.

Bueno, bueno…este va a ser un post combativo…(aunque llevo en él bastante tiempo, no me atrevía a sacarlo y voy cambiándole palabras y frases, aquí y allá…) Pero es que a veces hay que implicarse y arriesgarse a que le digan a una que qué chorrada, no?. Bueno, pues ahí va: como historiadora del arte (y de vez en cuando parte activa o productiva en el mundo del arte contemporáneo)…reivindico desde aquí, la utilización del término «Expresión artística contemporánea», en vez de utilizar «Arte contemporáneo» sin más…, al menos a referirnos de obras concretas o de determinada parte de la producción o actividad artística actual contemporánea; ya que la mayoría de las veces, cuando se emplea dicho término, se hace de forma, primero, desconocedora de todo lo que implica y abarca, y segundo, y lo más habitual, de forma despectiva, irónica o interrogante; sobre todo en demasiados medios de comunicación, y muchas veces, de manos de personas interesadas en el Arte, pero que no han ahondado en el Arte Contemporáneo de justo antes y justo después de las primeras vanguardias históricas….ahí es nada…je.

Pero aun así, aunque sí se conozca la trayectoria del Arte Contemporáneo, la historia, protagonistas, obras, etc., …creo que va siendo hora de renovar el vocabulario y las terminologías, no?, o si no, para qué estamos los historiadores? para ser meros transcriptores, documentalistas o archiveros de lo que pasó?, ¿para transmitir, o retransmitir, más bien, lo que otros dijeron ya?… ¿No hay nada que aportar actualmente, para que se comprenda mejor la Historia del Arte en general hasta nuestros días?, ¿no hay nada que podamos hacer para que se comprenda y acepte de una vez las nuevas ideas y conceptos sobre el Arte contemporáneo reciente, y aun…el de las Vanguardias históricas???

Y es que, queridos y queridas lectoras de este blog (que quizás estáis leyendo de forma casual, o no, este post)…, deberíamos ir cambiando, modernizando, o evolucionando en la terminología sobre arte contemporáneo, igual que en otros campos. ¿Acaso no existe el metalenguaje, la etiqueta o el hashtag y otros muchos términos nuevos para hablar de actividades o acciones ahora, que antes existían, pero de otro modo? («etiquetar» por ejemplo, siempre ha tenido el significado sinónimo de denominar a alguien de forma breve, pero ahora se utiliza el término hashtag…, y se pone una almohadilla delante! -símbolo que a su vez, para mí siempre significó «sostenido» en lenguaje musical…jeje, pero bueno, ese es otro cantar- ; el lenguaje mismo varía…, fluctúa, como todo…, se enriquece o degenera…o, cambia, simplemente) .

Y no hablo de cambiar términos sobre el arte en el campo de lo digital o virtual, ni hablo de nombrar de forma nueva al arte contemporáneo más experimental o multidisciplinal, vanguardista o conceptual actual, no. Me refiero a cambiar los términos con que nos referimos al Arte desde los años 90 en adelante, o mejor dicho (para ser coherente con este post/reflexión) los términos con que hablamos de las diversas prácticas artísticas desde los años 90 hasta hoy día. Al poner esas fechas (grosso modo)…, sí, coincide con la aparición y el uso de nuevas herramientas (como las nuevas tecnologías) técnicas, estéticas, procesos, ambientes y actitudes mentales en el arte, claro, pero no es por esto solo, sino por los cambios ostensibles que se dan desde entonces en todas las demás artes, en la sociedad y en el propio ser humano, no solamente por lo tecnológico.

Y aun me arriesgaría a ir más allá, hacia atrás en el tiempo, para hablar de Expresión artística contemporánea respecto a las Artes contemporáneas, porque me remontaría a los años 60-70 como mínimo, pero en realidad la cosa ha cambiado desde, por poner algo maś claro, el dadaísmo y Duchamp, y las últimas vanguardias históricas, pues allí se comenzó a acuñar la verdadera revolución o grandes cambios para con el Arte en general…. Tras Picasso y gran parte de sus coetáneos, han venido muchos  artistas que luchaban por expresarse, principalmente, no por hacer objetos artísticos bonitos con cabida en un mercado…, que han querido mostrar sus obras al mundo con intereses distintos a los artistas del siglo XVII y hasta fines del XIX, por encima de las técnicas al uso, tras experimentar con las experiencias musicales, o literarias, en poesía y en todas las otras artes  y sus ramificaciones. Tras la segunda guerra mundial, el panoram cambia aceptando otro tipo de artistas y aires en el mundillo; y para ser más exactos aun, deberíamos hablar de Expresión artística contemporánea desde que se abrió paso al Arte Conceptual (aunque esto del arte conceptual también depende desde qué punto de mira hablemos, si desde que alguien empleó las ideas por encima de las formas, o si hablamos del arte Conceptual puro y duro como movimiento o estética del siglo XX…, afortunadamente aun tenemos bastantes debates abiertos en el mundo de las Artes plásticas…).

La mano, de Elina Brotherus

Pues bien, os pregunto a vosotros-as, porque yo ya me he preguntado durante años y me he contestado que sí: …¿no creéis que ya es hora de «modernizar» un poco nuestro vocabulario, sobre todo para no dar lugar a tanto error???? (y horror…) ¿No debemos ir poniendo las cosas en su «sitio» y dejar claro determinadas diferencias de base en las artes contemporáneas? Que sepan, quienes no lo comprende, o no lo aceptan, que no es lo mismo el arte actual que sigue con determinados cánones en técnicas, temas, elementos formales y mensajes explícitos o no, que aun se estudian, exponen, exhiben, re-interpretan o copian, vendiéndose aun o no…, (como el retrato clásico, el bodegón, marina, acuarela de paisaje, etc), no es lo mismo digo, que el Arte Actual, Contemporáneo, el cual, muchísimas veces, siquiera está realizado o concebido para ser expuesto al uso, o vendido, o para gustar, etc…, sino solo para Expresar determinadas ideas, sentimientos, propuestas, experiencias y demás sensaciones posibles. Sí, expresar con los medios más reciente o no, pero de forma «artística»….esto es, con intencionalidad, al menos, …artística. Expresión artística que muchas veces estará por encima de las formas y los materiales, y por ello de ser mostrados de forma convencional y hasta de poder ser rentables para el artista (y posible galería también).

No entro en que, muchas veces, esa intencionalidad y deseos de expresión, por buena idea que lleve en su ser, sea o nos parezca (y mucho menos, unánimemente), artística, redonda, conseguida, pero de comienzo es lo que se busca, y hasta se  persevera para conseguirlo. Y esto, es lícito, existe, se da…y es la oportunidad del Arte Contemporáneo, que será del «pasado» en unos años siguientes…es ley de vida.

Del Arte Actual Contemporáneo que tiene como base principal la Expresión artística contemporánea, de tal artista o grupo, momento, fecha, estética, corriente o artista individual, con nombres y apellidos (o no, como por ejemplo, en Arte Urbano….), en el futuro, nos quedaremos con una mínima parte para hablar de ello en los centros educativos, las conferencias, los libros, blogs, publicaciones y hasta documentales o películas…Esto es así, como siempre lo ha sido. El futuro será de los artistas o movimientos, corrientes, etc., reconocidos unánimemente, o con el suficiente apoyo y consenso generalizado, ya sea en seguida o a posteriori (la mayoría de las veces de forma despectiva, irónica o interrogante en demasiados medios de comunicación, e incluso en boca de parte de la profesión, artistas principalmente, que no, o mucho menos, en los gestores, galeristas, críticos y curadores afortunadamente-), si son «revisados», re-descubiertos, estudiados mejor, etc., etc…, o no os suena que lo mismo ocurrió con artistas como Velázquez, por ejemplo, de ser un genio pasó a la oscuridad, y de ahí a ser de nuevo descubierto y puesto en valor…

Aquí lo dejo por ahora…porque esto…claro, da para más…(y hasta mejor expresado y con mejores ejemplos). Seguiremos informando y escribiendo sobre este tema… 🙂

…y es que hay cosas, como esta peli, que te intrigan desde la primera vez que oyes hablar de ellas…, o no?

Murieron por encima de sus posibilidades

«Murieron por encima de sus posibilidades»… Es una peli, que, como ya se ha explicado desde hace años, mietras la iban haciendo, se ha ido cociendo a fuego lento. Un reparto de lujo (precisamente), coral, con presupuestos ajustados y modo de gastos-beneficios cooperativos (vamos, que se cobra a posteriori según la caja)…es lo que adorna una historia que seguro es interesante cuando menos. Porque…cuántas películas nos están contando de forma «adecuada» el estado actual socioeconómico de los habitantes de este país??(aunque en este caso sea a base de humor negro y hasta esperpento, algo tan, tan…ehpañóh»)
Este post, como veis, no es de algo que he visto, sino de algo que quiero ver, y que de entrada…me parece interesante compartir ya, antes de poder decir nada más…y antes de que comiencen a bombardearnos-camelarnos los partidos «diversos» que aspiran a «gobernar» el país en breve. Ahí lo dejo (hasta degustar este plato).

Imagen por Troballola en Flickr.

Arte a nuestros piés!
Tan sencillo, como un regalo…y va a más
sigue este enlace para ver y comentar este enlace y foto:
https://flic.kr/p/nLy45U

Poligrafa XV Anys, Tàpies

TÀPIES obra gráfica es la exposición que terminaba el 15, pero se amplía hasta el 30 de Junio, tras dos meses de éxitos y alegrías en la Galería Acanto de Almería, galería de arte especializada en obra gráfica contemporánea y de una larga, importante, e interesante, trayectoria entre las salas de exposición andaluzas en este campo de las artes.

En sus paredes se cuelga la excelente selección de 18 obras, entre grabados y litografías, que abarcan el período de 1970 a 1982; una selección muy difícil de realizar a la hora de preparación de la exposición, según sus responsables (a lo largo de casi dos años con el proyecto), por la gran cantidad de obras estupendas e «históricas» donde elegir, entre unas sesenta y pico, de creación «directa» con una de las principales editoras de obra gráfica de Tàpies en Barcelona y  «con la que trabajó  a lo largo de 40 años, entre 1964 y 1994, habiendo producido en este período, con ellos, un total de 197 estampas».

Clau 4, Tàpies

Pero antes de adentrarme en la entrevista, diré que el por qué de lo tardío del post se debe a múltiples cuestiones, como el no poder ir a verla, principalmente. Y por ello, al menos, haremos balance y os contaré lo que me dijo Emilio Fernández (la mitad de Acanto, la otra mitad es Miguel Morales) en nuestra pequeña charla sobre la exposición a pocas semanas de clausurarse, ya que este post está dirigido a hablar del homenaje que han querido brindar a Tàpies (desparecido en 2012) y, también, a la nueva etapa que se abre para la galería (algo de lo que no puedo dejar de alegrarme, por los vínculos tan fuertes que me unen al espacio y su gente,tanto de amistad como por haber trabajado con ellos, colaborado, y ahora, estar al día de todo lo que hacen siempre; ah, y tener grabados suyos en mis paredes ;-).

Pero bueno, centrándonos (lagrimilla suelta y al margen de nexos de cariño, reconocimiento y demás) respecto al por qué Tàpies es idóneo para esta especie de renovación del espacio Acanto, la respuesta es sencilla: es todo un símbolo…; no sólo es uno de los artistas más importantes del panorama catalán, español e internacional contemporáneo, y de los que más interés ha ido suscitando a lo largo de toda su carrera, sino que ha dejado una impronta importante en las generaciones siguientes de artistas, y ha colaborado a engrandecer, desde su vanguardismo y experimentación visionaria, y muchas veces subversivas, las artes plásticas, y como es el caso, la obra gráfica en particular.

Y sobre todo (Acanto es un lugar de afectos y sentimientos también, claro), Tàpies estuvo en la primera exposición que Acanto realizó, y a lo largo de toda su historia: » (…) desde el inicio, allá por el año 2000, cuando nuestra exposición inaugural, Gráfica Contemporánea, fue presidida por un extraordinario aguafuerte, Má, de 1975, del gran maestro catalán. Y a lo largo de estos años de andadura, hemos contado en diversas ocasiones con  diferentes obras de él, entre grabados y litografías».

Como Emilio nos hizo saber, además, la exposición durante estos dos meses ha sido todo un éxito, de venta, y, ante todo, de una gran afluencia de público, el de siempre (fieles) y nuevo, con profesores (de diversas materias, como grabado o expresión plástica) de la Escuela de Artes de Almería, por ejemplo, llevando a su alumnado, y con los que Acanto se ha llenado de la sabiduría y se ha enriquecido con esta «dimensión didáctica» donde la sala se llenaba de explicaciones técnicas y artísticas a alto nivel.

 Y sigo mi charla con él, donde me suelta (para más envidia por mi parte) que ha sido estupenda la experiencia global y espiritualmente «con tu sala, durante dos meses, rodeado de esta impresionante obra, mirándola, pero también ella mirándote a ti, envolviéndote...», «fue todo un lujo para una galería tener estas obras (…) hemos disfrutado de todo el proceso, desde la idea, la selección, hasta la enmarcación y diseño de la exposición»; …»en esta selección quisimos mostrar una representación de la Obra de Tàpies, sus negro y gris, rojos, tierras, signos y texturas…, todo lo que nos permite filosofar sobre la imagen como él nos enseñó y pretendía…».

En suma, ha merecido la pena todo el trabajo pre y post producción de la exposición, porque Acanto se ha sentido arropada por su público y esto les da satisfacción, pero además, ganas de seguir adelante, con más ímpetu y renovadas ilusiones por seguir inaugurando exposiciones (que habían ido dilatando cada vez más desde hace un par de años), algo que puede dar quebraderos de cabeza, pero que es necesario, para una sala de exhibición, para el público interesado, y por supuesto, para los artistas.

Precisamente, para terminar (nuestra estupenda charla y este post, casi), Emilio me comentó su próximo proyecto, una muestra de Javier Huecas, habitual en Acanto, pero no por ello menos especial, que presentará una serie de acrílicos, y también esculturas, bajo el nombre de «Vanitas», donde el artista almeriense lleva años trabajando y que está llena de profundidad y de una fuerte carga experimental (así como expresiva, como gran parte de la obra de Huecas, de la que me declaro seguidora rotunda desde el primer momento que conocí sus trabajos). [Espero poder escribir sobre ella, y a tiempo, jeje].

Lletra O, Tàpies

Nuestro pequeño viaje virtual (pero también sentido, siempre es así en Acanto) acaba ya, pero empieza en otra dimensión también, el de las ideas, y por ello os dejo con una de las obras que puede tener múltiples significados para esta exposición, para los responsables de Acanto con su re-proyección, y con la obra de Tàpies en general: La letra «O», «Lletra O»: donde vemos el círculo, el símbolo del comienzo y el fin perennes, en constante fluir…, donde aparecen lo gestual, la firma, la expresión en el grueso trazo de la O, el rojo sangre y el fondo blanco…Puro Tàpies…

…Y…bueno, esta entrada en mi blog pretendía ser algo más académica o histórico-erudita (ñje) al principio (cuando creía que lo terminaría de escribir al comienzo de la exposición) pero no ha sido así, de manera que tendré que dedicar a Tàpies otro post en el futuro, con toda la info y notas que he ido recabando; con calma, eso si, con tranquilidad y reflexión, como su obra merece (como toda obra de arte merece, claro).

Gracias a Emilio y Miguel, Acanto, por traernos a Tàpies, por llevarnos a otro estadio del Arte, donde poder solazarnos, pensar, recrearse, aprender, sentir y esperar…esperarlo todo, pues todo está en continuo comenzar, seguir y observar…pero activamente, sin parar…

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Enlaces de interés:

-Para completar la muestra, en la sala se puede ver un vídeo documental sobre la vida de Tàpies (que también podrás ver aquí pinchando el link): Antoni Tàpies, (autor: Miguel Ángel, en Vimeo).

-Exposición en prensa: Diario de Almería, Artedegalería, Artedegalería (visita virtual)

Algunas imágenes de la inauguración y durante la exposición (alumnos visitándola):

MOLI expone en el espacio de Ramsés,en pleno centro de Madrid, en La Puerta de Alcalá!

Tras casi cruzarse (en tiempo y ciudad) su muestras de pintura de uno de los espacios de la cadena Kling Downtown , con la que inauguró este 29 de Mayo en Ramsés (uno de los lugares más solicitados de la noche y el día madrileños), Moli, pintora y muralista almeriense -pero universal-  nos enseña sus obras.

Hasta el 12 junio, inclusive, podréis visitar esta exposición (no al uso, por el lugar elegido), con colores centelleantes de viva paleta, personajes entrañables que nos miran, o hablan entre sí, pero que sentimos cercanos;…con mujeres con moño, sillones o paredes, repletas, que nos cuentan historias…; los ambientes que recrea nos llaman primero y nos atrapan luego…Entre la ilustración y la pintura pura, la mano y el corazón de Moli nos lleva por laberintos recónditos que parecen sacados del cómic, del expresionismo alemán o de los recortables para niñas de antaño…Es una mezcla de candidez y lucidez, pero también, pese a lo que veamos en un primer momento, sus protagonistas nos pueden parecer inquietántemente zozobrantes…

 17 obras, pues, en el centro de Madrid, dentro de la iniciativa tucuartodelarte.com, que embelesan. La narratividad es evidente en esta pintora, que prefiere no explicar sus cuadros para que sea el propio observador quien haga su propio recorrido emocional…

En su otra pictórica (también en dibujos un otras técnicas y trabajos), Moli suele realizar series, como «Personajes» o «Rooms«, donde podemos entrar en la intimidad de evocadores momentos, vidas ajenas donde querríamos escudriñar…

Entre el colorido fauvista, y la sencillez de un Art Brut colindante con la linea Naive (o Naif), que nos retrotrae en parte a las primeras vanguardias liberadoras pero que nos lleva por un camino heterodoxo, Moli es encantadoramente personal, intuitiva y directa, pero también es detallista, descriptiva; es un manojo de exuberancia que se desborda sin prejuicios o contenciones (como en el propio hecho de no poner marcos a sus pinturas);  y encima, posee un ámplio curriculum con una trayectoria diversa y rica (ha trabajado con marcas como Diesel, Adidas, Absolut. Colabora con artistas de todo el mundo; ha vivido en América varios años -conservándose en México una de sus piezas más importantes en la Embajada Española, en D.F.- y ha expuesto en México, Estados Unidos, Alemania y España). Así pues, Moli es una artista joven pero no inexperta, profunda pero refrescante, que cada vez tendrá más peso en el panorama de la pintura (y el Arte) contemporáneo actual.

Triunfará!…(ya lo está haciendo), eso creo, y eso espero, porque  su creatividad, su coherencia interna y externa, y su tesón, lo merecen.

Su web: molimoli.com (aquí podrás seguila en su blog y en los enlaces a sus redes sociales, twitter, facebook o pinterest)

Ah!! y novedad…, este jueves, día 6 de Junio, nueva exposición en Madrid, dentro del DECO OPEN NIGHT…seguiremos informando…

*Cuadernos de notas sobre Estética:

322. Si vosotros, historiógrafos, o poetas, o matemáticos (hombres de ciencia), no habéis visto las cosas con vuestros ojos, mal podréis referirlas por escrito; y si tú, poeta, quieres trazar una historia con la pintura de tu pluma, el pintor con su pincel lo hará más satisfactoriamente y, causando menos hastío, logrará que lo entiendan. Si tú llamas a la pintura una poesía muda, el pintor podrá replicarte diciendo que la poesía es una pintura ciega. Decide ahora cuál es la más perjudicial de las dos incapacidades: la del ciego o la del mudo. Si el poeta es tan libre en sus invenciones como el pintor, sus ficciones no procuran al hombre tanta satisfacción como las pinturas, porque si la poesía se empeña en figurar con palabras, formas, hechos, sitios, el pintor busca en la imitación de las formas la manera de reproducirlas. Ahora bien, ¿qué está más cerca del hombre: su nombre de hombre o su figura humana? El hombre cambia de un país a otro; la forma sólo se altera con la muerte.

 323. Si dijerais: la poesía perdura más, yo contestaría que las obras del calderero son más durables aún, y que el tiempo las conserva más que las vuestras y las nuestras; pero, fantaseas aparte, la pintura, ejecutada sobre una superficie de cobre y empleando colores de vidrio, dura indefinidamente.

Il Quarto Stato, 1901, de Giuseppe Pellizza da Volpedo. Óleo sobre lienzo, 293 × 545 cm. Actualmente expuesto en el Museo del Novecento, en Milán. (Existe un estudio previo, datado entre 1895-96, también en óleo sobre lienzo, titulado «Fiumana», que podríamos traducirlo por «avalancha humana»…y se expone en La Pinaconteca de Brera, en Milán también.)

«El cuarto estado» (creo que en el contexto de la obra, y por su temática, principalmente, podemos deducir fácilmente qué significado se le quiso dar al cuadro, y casi es un apoyo, el título, que reitera su carácter simbólico dentro de su dramático realismo), es una de las obras pictóricas más conocidas en relación al movimiento obrero y a las reivindicaciones de los trabajadores por sus derechos básicos (por un salario lógico y dignidad, lo uno lleva a lo otro… ).

Perteneciente a la estética y al compromiso del Realismo social de un número importante de artistas de la época, se hizo famoso, más tarde, al ser utilizado en la, para mí, estupenda película Novecento, de Bertolucci.

Por esto y mucho más, me ha parecido interesante traer esta obra a mi blog, dado que la conocía desde hacía tiempo, pero nunca me había parado a recavar datos sobre ella con cierta calma…

 Y dicha obra me sirve para deciros:

Feliz día del Trabajo, gran conquista, trabada de sudor y lágrimas, y sangre…y feliz día de la posibilidad de la reivindicación (sin aparentes cortapisas) para los y las trabajadores-as remunerados-as…(para quienes trabajan, sin nómina, sin sueldo, sin remuneración, tendremos que buscar, quizás, otro día, no de celebración, obviamente…; y también tendremos, por qué no?, que buscar un día para los y las trabajadores-as remunerados-as, pero que no cotizan, o…»no me consta» que coticen y por tanto no figuran entre quienes tendrá derechos en el futuro tras su «jubilación»…) (y ya puestos -y no debería usar tanto paréntesis, pero soy así, qué le voy a hacer-, también deberíamos buscar un día, que no sea el de «la madre»…para reivindicar a las mujeres (y cada vez más, hombres también) que trabajan a destajo en casa (han trabajado y trabajarán), que nunca han cotizado por ello, y tampoco reciben ni recibirán sueldo o nómina alguna…pero están pagados con «amor»…el «amor» de la familia y de la sociedad; un trabajo «impagable» al parecer,  si es que se les valora en sus casas, y ya reciben algo…y si no…, pues ni eso…Porque en este caso, «Amor»…está «sobre-valorado» -qué paradoja, verdad??-, y es un sueldo vitalicio para tantos importantes trabajos en la sombra…Sin acritud, pero si con tristeza, lo digo ,-))