Queridas y queridos tod@s, me alegra poder sacar este post, tras el 1º Showroom o «ChowRum» titulado «Interdisciplinar Contemporary Art» , una experiencia artística realizada en La Jaquería, el espacio maker y hacker que much@ ya conocen (sito en El Zapillo, C/ la Vega, 44, bajo, Almería)

Según el diccionario en línea consultado [Nota1] ante la idea de realizar el evento (en el que participé como comisaria y dinamizadora), “showroom” quiere decir “sala de exposición” o exposición donde creador@s o fabricantes muestran sus novedades para su comercialización o difusión. Y como comentamos en la inauguración, y en el texto de sala, también puede significar momento/lugar donde mostrar, charlar con fans, que también se puede convertir después en posibles compradores de las y los artistas invitad@s…; pero ante todo, este showroom se ha manifestado como una Acción artística/creativa necesaria… Necesaria en el mundo actual, donde vamos y venimos sin ton ni son (o por narices, por trabajo, porque sí, pero sin parar…), donde apenas tenemos tiempo para mirar y escuchar de cerca, en persona (piel con piel como diría un buen amigo) a «los otros» (en genérico).

Así que la motivación principal fue el MOVILIZARNOS en este mundillo del Arte Contemporáneo, aquí, en Almería (desde donde escribo), vernos, mostrar y pasar un buen rato, pero también difundir, …, difundir Cultura, hablar, enfocar de una forma un poco más intelectual, pero sin ínfulas, jeje (o cada cual las que quiera y pueda, claro)…

Porque…, ¿dónde podemos encontrar a nuestr@s artistas si no abrimos ventanas,…espacios mentales Y FÍSICOS…? Sí, en galerías y salas de exposición, claro, pero…, qué pasa con artistas que se mueven más a nivel local (no por falta de ganas y fuerza y por supuesto interés y valía propia  para volar hacia otros lugares) y no encuentran espacios acordes al Arte Contemporáneo de hoy día en su propia zona, en su propio entorno….?

…Artistas con reputación, en activo, pero que ven tan difícil el día a día…, y más para exponer, mostrar…o disfrutar de un panorama normalizado de exhibición, y claro, llegar a su propio público…

En fin, esto daría para un libro, y no un mero post…, invito a preguntaros por qué en la capital de Almería no existen apenas salas de exposiciones de ARTE CONTEMPORÁNEO, galerías privadas o de instituciones públicas o de otro «género» (que existen en otras ciudades…y cuantiosas) que traigan/atraigan a artistas, obras, proyectos actuales (no hablo de obra o artistas encumbrados o «históricos de lo contemporáneo», que ya trae el CAF, o la sala Acanto…, o MECA a nivel más de Andalucía…)…, en fin.

¿Por qué no podemos asistir por aquí CON ASIDUIDAD y horarios continuados a performance, instalaciones, las novedades que se puede ver en cuanto pisas otras ciudades con un tejido expositivo activo, …exposiciones que se vean como algo cotidiano y no inaudito y a lo sumo «exportadas» de otras ciudades como si de exposiciones «en cadena» se tratara, que no esta mal tenerlas, y gracias, pero…, hace falta más…, necesitamos más…, queremos más, debería decir EXIGIMOS MÁS, PERO SOBRE TODO, de veras lo creo: NOS MERECEMOS MÁS…

Y de verdad, que está muy bien poder ver lo inmediatamente anterior a Hoy, pero queremos vigencia, de interés, de necesidad para quienes amamos el arte vivo y actual…

Y «porsupuestísimo»…, me reitero en la idea general de esta intro: ¿ por qué no podemos ver con continuidad, y conocer inclusive, a nuestras y nuestros propios artistas residentes o nacidos en Almería desde los años 80 a esta parte del siglo XXI?

….¿Murió el arte contemporáneo en Almería con los Indalianos?

…No, ya os lo digo, como historiadora del arte y crítica de arte moderno y contemporáneo que está atenta aquí (y fuera de aquí) os digo que …, NO !!.

Porque aquí hay grandes trayectorias y una gran cantera que se tiene que ir …, volar y desaparecer…si no ponemos remedio… (y no solo en artes plásticas y visuales o audiovisuales, en toda la práctica del Arte Contemporáneo, en todas las disciplinas…, ojo)

Nada que decir de las salas y museos (pocos) o centros que exhiben Arte a día de hoy en Almería (capital, sobre todo), pero hace falta renovar el tejido y mejorar la PROGRAMACIÓN,…señoras y señores de las instituciones públicas: Ayuntamientos, Diputación, Junta de Andalucía en Almería o Estado español, me da igual, cada cual a su nivel… Favorecer la producción desde aquí también, crear, hacer foros, dinamizar, promover, difundir…, tener espacios propios para las Artes Contemporáneas…

…Y bueno… , tras esta mini diatriba…me pongo  a comentaros qué pasó en este primer ShowRoom de La Jaquería, propósito inicial del post:

Porque pudimos disfrutar de parte de estos artistas contemporáneos en activo que he comentado antes que existen y que son  de lo mejor de Almería!… (sin tapujos ni vergüenza lo digo).

14 artistas [Nota 2] que fueron tan generos@s y gentiles de aceptar el pequeño reto de colgar o mostrar su obra en este espacio pluridisciplinar, underground y no al uso que es La Jaquería, el espacio maker-hacker único en Almería.

Tuvimos 3 sesiones con actividades («acciones artísticas» efímeras, en sí) de viernes a domingo, pero se pudo ver a 11 artistas más en la «sección fija» desde la inauguración hasta el siguiente viernes que clausuramos tras prorrogar por aclamación popular.

IMÁGENES DE INAUGURACIÓN Y RESTO DE DÍAS CON ACCIONES ARTÍSTICAS:

(pinchar para ampliar imagen, cada imagen se ha ido poniendo a un tamaño aleatorio, a gusto del código de este theme de wordpress que me niego a descartar porque me encanta, pero se va quedando obsoleto…)

     Comparto aquí parte del TEXTO DE SALA:

» (…) Seguimos jugando  con lo contracultural, pero nuestr@s artistas viven de su trabajo, así que se invita a participar activamente en este “ChowRum” a quienes lo deseen, a interesarse y preguntar….

Queremos poner en valor la importancia del Arte actual!! artilugio, obra o concepto! Pero siempre como intensa vivencia necesaria hoy día, en directo, respirando a compás…

Por un lado traemos experiencias artísticas, como la proyección de la performance en vídeo de Ana Cayuela: «Levantarse» (16min.) [realización: Leo Köppen y Laura Núñez M. Schnitt, Weimar, 2013] el viernes, tras la inauguración; el sábado “DanceExperience” la acción de danza de María Lera (pensada expresamente para este espacio con la colaboración de la pieza lumínica de la propia Jaquería y Gonzalo Moyano), con Post-coloquio ; y el domingo una charla/debate con Adolfo Rosillo, profesor, pensador y pintor (nuestro compañero jaqueriense) donde reflexionaremos un poco sobre el Arte y los Espacios contemporáneos actuales del arte…

Por otro lado, en la sección expuesta, tenemos la serie de obras al óleo sobre tela de Cecilia García Giralda, con “La Irrenunciable llamada de la Luz”, que “explora, desde una mirada crítica, el territorio de los invernaderos almerienses y la gente que habita bajo ese mar de plástico (…), proyecto artístico en el que lleva trabajando varias años…”; varias piezas de collage de Moli Moli, y stickers pictóricos, así como ropa (vestidos, almohadones…) creada por ella con su marca Molinda, todo remitiéndonos a su especial universo de color y expresividad, de carga tan divertida como intuitiva; la obra de técnica mixta de trazo dinámico y personajes existencialistas del díptico “sin título”, de Sol Úbeda; los óleos sobre tela de Javier L.Lizaur con sus figuras volumétricas llenas de sensualidad; la fotografía de gran formato de Pablo Vara con “Nelson” de su serie haitiana, así como una pieza cerámica de delicada técnica rakú, también de su autoría; el collage fotográfico anti-sistema y no sistémico de Amalita Muscaria (que ya expuso anteriormente aquí) con piezas originales y reproducciones; las fotografías de detalle o paisaje almeriense de Francisco Úbeda Llorente, que vuelve a montar estudio en Almería tras un largo periodo fuera; el linograbado de Ámina Pallarés con “El faro”, una de las técnicas predominante en sus trabajos con la que nos hace vibrar siempre; la obra de técnicas mixtas con que podemos pasear por las narraciones del mundo interior de María Moreno (la marimoreno), (estas dos últimas artistas, pertenecientes al activo colectivo artístico en Almería EspacioCampingás); las singulares camisetas de diseño sobre Topics almerienses, con ilustraciones propias de Por los clavos de Cristo, y las fantásticas piezas de croché creativo para complementos (anillos, collares…) de Salero Ibérico…

Gracias por apoyar la Cultura!!!

DISFRUTAD de esta exposición tan divertida y reflexiva como vital! «

La Jaquería juega con la experimentación y la multidisciplinariedad, y aceptamos diversidad de público intergeneracional

Puedes saber más de la asociaicón cultural sin ánimo de lucro y espacio creativo propio y autogestionado y sustentado en www.lajaqueri.org // @lajaqueria

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LAS OBRAS EXPUESTAS

 

Vista general de perchero con bolsos de Moli-Moli en el showroom

 

[Nota1] Según Wikipedia:Se llama showroom, sala de exposición o, abreviadamente, exposición a un espacio donde el vendedor o fabricantes exponen sus novedades a los compradores. El término es un barbarismo del inglés.

Los showrooms son característicos del mundo de la moda, si bien su empleo se ha extendido a otros sectores como el mobiliario y la decoración de interiores. También son conocidos en el ámbito tecnológico y la automoción. Se trata de espacios abiertos en los que los diseñadores o fabricantes exponen sus nuevas colecciones con objeto de darlas a conocer a compradores y consumidores. Se utiliza el término en la industria del calzado, joyería y moda en general. Se está ampliando al sector inmobiliario y, especialmente, a la automoción. Pueden ser espacios de exposición permanente o temporal y pueden estar dirigidos exclusivamente a profesionales (periodistas especializados o compradores) o al público en general. En cualquiera de los casos, se pueden ubicar en las sedes de los propios diseñadores o en espacios habilitados al efecto. Tampoco faltan en las ferias y desfiles de moda. En el caso de la moda, cuentan con una o varias salas con maniquíes o percheros en que se cuelgan las prendas, así como material promocional y medios audiovisuales en que se presentan desfiles o campañas de publicidad.

[Nota 2] Vari@s artistas mostraron interés para este primer showroom, y era ya bastante extensa la muestra, así que se implicarán con nosotr@s en el siguiente, y otros venideros si seguimos adelante, claro (puesto que la primera inauguración y eventos del fin de semana fueron, lo digo sin tapujos, un verdadero éxito).

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FICHA ARTÍSTICA de obras y breve BIO de Artistas:

[Obra expuesta]

CECILIA GARCÍA GIRALDA Serie ” La Irrenunciable llamada de la Luz”. Óleos sobre lienzo. 120x140cm y 24x40cm. // @ceciliagarciagiralda

Licenciada en Bellas Artes, Máster de Investigación Artística cuyo tema principal es “El Arte contemporáneo como estrategia de cambio”, considerando el arte multidisciplinar y la instalación artística herramientas para la reflexión, la sensibilización y la observación ante una sociedad con falta de herramientas para la transformación social. Ha expuesto en el ámbito nacional e internacional. Actualmente reside en Cabo de Gata y es profesora de Arte en la Educación Secundaria en el territorio de Nijar.

PABLO VARA “Nelson”. Retrato fotográfico. 150x70cm. aprox. y Vasijas de cerámica, técnica “rakú”. // @pablovarafoto

Licenciado en Bellas Artes en la especialidad de Imagen en la Universidad de Barcelona. Obtuvo su Master de Profesorado en la Universidad de Almería; Beca Erasmus en la Hochschule für Grafik und Buchkunst de Leipzig (Alemania); Beca de la Residencia Fundación Antonio Gala, Córdoba. Ha realizado cerámica en la Escuela de Arte de Almería y compagina su Proyecto fotográfico (donde ha publicado y expuesto en numerosas ocasiones) con la docencia en enseñanza secundaria.

JAVIER L.LIZAUR “Bañista 1″, 73,3×41,3 y ”Bañista 2″, 41,7×39,2cm. Óleo sobre lienzo. // www. jilizaur.art

Estudió Diseño Gráfico en la Escuela de Arte de Sevilla y Talla en Piedra en la Escuela de Arte de Almería. Realizó estudios de Bellas Artes en Santa Isabel de Hungría, Sevilla y en la Facultad de Periodismo de Sevilla. Dirigió junto a Sol Úbeda la Galería de Arte Caliope, en Sevilla, entre 1983-86. Se licenció en Historiador de Arte, especializándose en Arte Contemporáneo, por la Universidad de Granada. Lleva 20 años viviendo en Almería donde imparte pintura y técnicas de expresión artística.

(ver las exposiciones individuales y colectivas en su web)

SOL ÚBEDA “Sin título 1” (parte de un díptico), 68x70cm. Técnica mixta sobre papel. //www.solubeda.art

Se inició en la pintura muy joven, en 1970, y se licenció en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla en 1986. Dirigió junto a Javier L.Lizaur la Galería de Arte Caliope, en Sevilla, entre 1983-86. Desde principio de los 90 ha compaginado la creación artística con la enseñanza del dibujo en la Escuela de Arte de Almería. Desde el año 2000 fue profesora de Audiovisuales en el mismo centro. Artista expresionista, estudia la figura humana e investiga en nuevos materiales (plástico) y nuevas tecnologías (grabado digital y video arte). Ha expuesto fuera y dentro de Almería. (ver las exposiciones individuales, colectivas, ilustración o colaboraciones en su web)

MOLI-MOLI Varias piezas: Collage y Stickers pictóricos; MOLINDA: ropa de niña y almohadones. // @___molimoli // molindashop

Artista visual, utiliza la pintura como base de su obra, con gran interés por el oleo, sus texturas y materia. También ha trabajado en el collages o la Ilustracion, y es Muralista, interviniendo sobre muro y en proyectos de diseño de autobuses y de estudios callejeros de artistas con marcas como Absolut, Puma, Diesel. También ha realizado proyectos de arte de guerrilla urbana, con cartelería o stickers… Actualemente compagina su labor artística con talleres de imaginación, pintura y color y es Guía Montessori de niñ@s hasta 12 años. Su formación y trayectoria profesional se ha desarrollado entre Europa y America // Molinda es su marca de ropa diseñada y confeccionada personalmente con sus dibujos plasmados sobre textil para niña.

FRANCISCO ÚBEDA LLORENTE. Fotografía artística. Copias RC (obra no limitada) 50x50cm. Y otras piezas // @llorente_puig

Estudió Fotografía artística en la Escuela de Arte de Almería, e Iluminación Escénica para Teatro. Ha trabajado realizando fotografía para diversos ámbitos, festivales, teatro, etc.; se ha especializado en retrato profesional y corporativo. Ganó el Primer premio de jóvenes Fotógrafos de Andalucía, ha tomado fotos de bandas de música, ha ilustrado libros, y ha impartido clases de foto en Estonia, por ejemplo… Recientemente ha establecido su nuevo Estudio fotográfico en Almería capital.

ÁMINA PALLARÉS “El faro”. Linograbado. 25 x 25cm. // @appa_studio_

Licenciada en Periodismo por la Complutense de Madrid, cursó el Grado Superior de Grabado en la Escuela de Arte de Almería. Actualmente es ilustradora, escritora, grabadora y autora de álbum ilustrado. Creadora de APPA Estudio con diseño y creación de ropa orgánica pintada a mano. Forma parte de Campingás (Asociación Manovela Laobratorio Cultural). Es autora del álbum ilustrado «Isla Calamidad» junto con el ilustrador Simone Spellucci, publicado por Tres Tigres Tristes en 2021, incluido en el catálogo White Ravens 2022, y recientemente ha sido autora del álbum ilustrado «Mi gata Lola», junto con la ilustradora MariMoreno, publicado por Libre Albedrío en 2023, título ha sido incluido entre los 100 libros recomendados de los Premios Fundación Cuatrogatos 2024. Además, co-organiza la Semana del Albun Ilustrado en Almería con Campingas y otras instituciones/organizaciones/empresas.

AMALITA MUSCARIA Fotocollage original y Libretas, obra única y derivada. Varios tamaños // @amaliacecolash

Bajo este pseudónomio se esconde una de las varias Amalias existentes, esta es amante del collage fotográfico, al que llegó por una estupenda casualidad y lo cultiva con esmero, artivismo anticapitalista y actitud  neo-punki; las otras se funden a Amalia López bajo otros nombres, creando letras y canciones en varias formaciones (una de ellas La bilis negra) o escribiendo guiones para cine… Actualmente su vida radica en Lisboa pero esperamos que pronto nos traiga sus nuevas creaciones en cualquiera de los ámbitos donde se mueve.

MARÍA MORENO “Pequeño paisaje mixto” Giclée edición limitada, 50x70cm y “De lunes a lo-mismo o cuando la rutina destiñe los colores II” 40×30 cm. // @mariamorenoarte

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada, ha cursado Cerámica e Ilustración en la Escuela de Arte de Almería. Es gestora cultural en el Espacio Campingas. Expone en varias galerías de España. Ha sido artífice de las imágenes del álbum ilustrado “Mi gata Lola”, junto a Ámina Pallarés, publicado por Libre Albedrío en 2023 e incluido entre los 100 libros recomendados de los Premios Fundación Cuatrogatos 2024; además, co-organiza la Semana del Albun Ilustrado en Almería con Campingas y otras instituciones/organizaciones/empresas.

SALERO IBÉRICO Croché creativo para complementos:collar, anillos… // @salero_iberico

Tras esta marca se encuentra Cristina Góngora, psicopedagoga y docente, entre otras vertientes, donde, con ánimo emprendedor desafía a la creatividad desde diversos ámbitos, uniendo lo tradicional y lo “maker” con lo más contemporáneo.

POR LOS CLAVOS DE CRISTO Camisetas ilustradas // @por_los_clavos_de_cristo

Detrás de esta marca hay un artista visual ( diseñador y fotógrafo) que estudió en la Escuela de Arte de Almería y actualmente compagina el diseño gráfico y la ilustración con la dedicación al mundo del cine en Almería. «Por los clavos de Cristo» es una marca almeriense con un proyecto  de diseño de “souvenir” de toque canalla. También trabaja con collage digitales y realiza fotógrafía de texturas, siendo parte, además, de un proyecto de guerrilla de arte callejero almeriense.

[Acciones artísticas puntuales]

ANA CAYUELA MUÑOZ. “Levantarse”. 16min. Audiovisual.Vídeo-Performance. Realización: Leo Köppen y Laura Núñez M. Schnitt, Weimar, 2013 // @bidireccional

Esta artista andaluza es directora de fotografía y actualmente está afincada en Málaga. Estudió en la Bauhaus de Weimar con una beca ERASMUS donde también obtiene el premio Essentials Kreativ-Preis, Deutscher Jugendfotopreis y KAIROS 2015 Landesfrauenraty. Ha trabajado en cine desde 2012, en proyectos de ficción, documental, comerciales y videoclips y como auxiliar de Antoine d’Agata en París, y en anuncios de Vogue en Madrid. Ha sido profesora de Iluminación en la Universidad de la Habana (…) Más recientemente ha sido directora de fotografía en La Banda Film,  ha coescrito y dirigido los cortometrajes “Y tú más” o “Autónomos” y ha sido Jurado en los festivales de Casares, Cabra y Jóvenes talentos de Granada, además de impartir talleres de dinamización social a través del arte bidireccional y creativo, entre muchas de las cosas que está ahora preparando y ha realizado…

MARÍA LERA. “Dance/Experience”. Performance de danza contemporánea con instalación lumínica de La Jaquería (10min. aprox.) + Coloquio participativo al término . // @ _marialera

Bailarina, coreógrafa y docente de danza contemporánea. Graduada en Psicología y Máster en Artes Escénicas por la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid. Ha cursado su formación en danza en diversas escuelas de renombre de París y Madrid, así como estudiado con grandes coreógrafos del panorama artístico nacional e internacional, entre ellos con la Cía de danza Humanhood Dance Company en Barcelona. Ha participado como bailarina en diversos videoclips, así como actuado en festivales de música y danza de la provincia almeriense y la comunidad de Madrid. Actualmente, compagina su trabajo como profesora con la creación de piezas de danza propias. Siempre abierta y conocedora de diversas corrientes, desde la danza contemporánea explora las diversas formas de expresión artística que tienen que ver con el cuerpo y su ductilidad con pasión y dedicación exclusiva.

ADOLFO ROSILLO. Charla hacker. «Los espacios del arte contemporáneo».

Se licenció en BBAA en Granada y es docente en varias materias (Historia del Arte, Teoría del arte y de la Imagen, etc.)en la Escuela de Arte de Almería, donde compagina su trabajo personal con el artivismo y activismo social y artístico conceptual. Cofundador de HackLab Almería, también co-coordinó la exposición de «PymientoProject» en el Museo de Almería en el entorno de la PyCom de Almería, que daría después lugar a la cofundación y participación de la Asociación La Jaquería (hackspace y makerspace interdisciplinar donde se fusiona ciencia, arte y tecnología, retro y actual)…

Espacio: La Jaquería // Comisariado y organización: Maribel Úbeda G. @mbucultura / @concalmaproductions . Montaje expositivo: Adolfo Rosillo, Maribel Úbeda, Daniel Campos, Sergio Iribarne, Toni Navarro, Cristóbal Contreras.

 

Gracias a la Asociación La Jaquería y sus miembros por apoyar esta iniciativa al 100%.

Gracias infinitas a todas las personas que habéis hecho posible este showroom, inclusive quienes por motivos de trabajo no habéis podido estar o viajar, porque desde lejos se notaba el empuje.

Gracias a todas las personas que han acudido cualquiera de los 3 días y el resto de la semana prorrogada (y quienes incluso han repetido varios o todos los días!!), sin vosotras y vosotros nada de esto tendría sentido, of course!

Esperamos que haya más movidas de interactuación como esta y VIVA EL ARTE VIVO…!

[El arte de la nada] … L´art de rien …

Le queda 10 días, nada!, hasta el 17 de Marzo, jeje, pero deseo hablar de esta expo, en la Central de Bruselas

Una exposición colectiva amplia, donde se juega con materiales diversos y técnicas mixtas e interdisciplinares, comisariada por François de Coninck.

«He elegido obras que espero hablen de la sensibilidad de la audiencia. Obras accesibles, obras que tocan a la gente, que tocan a través de la sensibilidad en lugar del intelecto. Que sea a través de poesía, humor y ligereza».

  François de Coninck

Fotografías realizadas en instalaciones del Centro de Arte contemporáneo de Bruselas. Maribel Úbeda (CC)

En ella, el curador (conservador) reúne a artistas, en su mayoría, de Bruselas, «que comparten el talento del más pequeño gesto, así como una preferencia por materiales humildes: con fines estéticos, juguetones o poéticos», reutilizando piezas que «devuelven la dignidad a objetos habituales y ordinarios – de los que sumergimos, una vez consumimos, en el caos doméstico del mundo moderno».

Las piezas de l@s artistas invitad@s (con obras de la primera década del siglo XXI, hasta 2018), se complementa  en la misma línea «de humor y poesía», con una selección de obras de la colección del propio de Coninck,  y con piezas «del magnífico Gabinete de curiosidades contemporáneas de Galila Barzilai Hollander, de quien conocemos la pasión sensitiva por el objeto incongruente, dejando un lugar de honor a los artistas internacionales«.

Exterior y Acceso al Centro en sí. Fotografías de Maribel Úbeda (CC)

Bueno, bueno…, qué bien le va al cuerpo y a la mente salir de su zona habitual…, no «de confort», sino esa donde estás físicamente por narices, o por elección, pero donde siempre vives y/o trabajas, tienes familia, etc.), …
Qué bueno es, pues, Ver Mundo, que se suele decir, en general.

Y más concretamente qué bueno es VER Arte Contemporáneo, artes diversas, y pluridisciplinares muchas veces (ahora palabras clave para los posicionamientos SEO con la Feria de ARCO 2024), ya que es doblemente bueno salir de determinadas zonas donde lo que se valora es, a lo sumo, y tras el Barroco, lo Modernista, los neo, las artes figurativas reconocibles, o lo llamado «clásico»… (y no lo digo de forma despectiva, sino por lo «limitado» -cantidad- de la oferta, simplemente…).

Y bien, el caso es que, de visita a Bruselas, esa gran ciudad de Bélgica (perteneciente al triángulo del Benelux) donde se amalgaman tantas culturas, lenguas (francés, la cooficial neerlandés e inglés; más español-portugués-italiano, etc…), tonos de piel (qué maravilla), Historia e historias…, y estilos de artes (desde los Primitivos Flamencos a las Vanguardias históricas pasando por el Art Decó, por ejemplo) descubrí este «pequeño» centro contemporáneo donde su programa (por lo que he visto al buscar su histórico) alterna entre la experimentación más novedosa y el arte contemporáneo más establecido o reconocido.

Pero en todo caso hay una línea de propuesta, por lo que vi a simple vista, que me pareció fresco, no asfixiante o elitista, como en otros lugares donde el arte es el epicentro de gravedad… Y de ello dan cuenta en su web, donde dicen que quieren ser accesibles, y estar conectados con el público de todo tipo…, algo hacia lo que, de todos modos, caminan todos los museos o centro culturales hoy día…, afortunadamente, unos con más éxito/buen hacer que otros, pero en fin…

También ha sido uno de los lugares donde más he disfrutado en Bruselas (me divertí, literalmente).

Este Centro de arte contemporáneo de Bruxelles / Brussels: Centrale,  es un espacio con una  arquitectura de tinte industrial (a lo ARCO) dentro y fuera, y con varios subespacios adyacentes: la tienda, que se utiliza también para exponer piezas;  un escaparate «suelto», a unos metros de la tienda; y luego, dentro del propio centro, otros apartados donde se suele exponer: el Hall; una sala adyacente; y la salas en sí, consecutivas, y también con mini espacios como si de capillas de donantes, horadadas en el muro, se tratara…

Detalles tontos (os puede parecer), como que la entrada es una pegatina con el logo del lugar…, que los espacios expositivos se dividen entre varios lugares ya explicados…, un espacio donde entrar y salir en pleno centro de la ciudad (algo ya no tan habitual, pues se tiende a instalar lo contemporáneo bien lejos del casco histórico, jeje…), las propuestas vistas, y otras cuestiones, me han hecho poner la vista aquí, y desde ahora, intentaré estar al día de sus programaciones…

En fin, pretendía hacer una mera reseña de este centro y de la expo actual, así que voy terminando..

…Si vais a este Centro contemporáneo y «pilláis» aun esta muestra, sabed que veréis múltiples obras/piezas/instalaciones que juegan con materiales humildes como dice el comisario, de uso y desuso de lo que cotidianamente utilizamos en el hogar (o el campo o un taller…, pues también hay herramientas); y que hay arte a lo Vanguardias históricas : arte povera, art brut, arte surrealista y piezas dadaístas, a veces de estética mínimal, pero sobre todo mucha poesía, juego y metáfora visual.
Y también encontrareis buen hacer (en técnicas empleadas y procesos ) y sentido del humor…, mucho, de ahí emplear tanto la palabra Juego…, porque parece pensada para la diversión! el esparcimiento…, el «no hacer nada más» (que no es poco, creo) que dejarse llevar, contemplar y pasar un buen rato…

Pero no penséis que es solo una muestra esteta, porque también se lanzan mensajes, tanto abiertos como concretos para reflexionar, y con temáticas muy actuales como la diversidad, el consumismo, la memoria, lo vintage, con la recreación, la instalación, lo performativo y lo metafórico continuamente por medio…

En esta exposición colectiva (donde afortunadamente encuentro tantos nombres de mujeres artistas como de hombres casi), veo, además, algo que me encanta, el uso del hilo, la puntada (el croché como técnica incluso) en varias piezas, algo que actualmente se reivindica (y ya era hora) como un material y técnica más en lo plástico.

Piezas que se trabajan con hilo, puntadas o técnicas de croché y textil… (fotos MaribelÚbeda -CC-)

Reutilización, resimbolización (re-dignificación)…, dentro de un afán de coleccionismo en esta propuesta de artistas, en su mayoría de Bruselas… (donde hay piezas que han sido seleccionadas de la propia colección del curador como digo al inicio del post) y divertimento, es, en resumen, lo que os puede dar el entrar a disfrutar de esta exposición.

Reubicarnos hacia La Nada en definitiva, como «insignificancia» (no como «vacío») …creo que es un buen ejercicio «a futuros» jeje…
La nada puede, a veces, ser mucho…, mucho!

En los otros espacios alternativos capturé esto:

Exterior del Centro de arte contemporáneo de Bruselas (e el centro de la ciudad)

Poliédrica…, dinámica…, ¡no para! ¿Cuánto abarca y es capaz de hacer en un mismo año esta docente que imparte Proyectos y Teoría de la fotografía en la Escuela de Arte de Almería y es a su vez fotógrafa artivista?

Nacida en Málaga, estudió Periodismo y Comunicación Audiovisual, y se doctoró en la especialidad de Narrativa Audiovisual por la Universidad de Málaga,  donde sigue indagando en varios grupos de investigación: desde 2007, en la Facultad de Periodismo en la Universidad de su ciudad natal en “LABCOM, Laboratorio de Comunicación” dirigido por Mª de los Ángeles Cabrera; y desde 2005 en el Grupo Comunicar, donde fue miembro del Consejo de Redacción de la Revista Aularia en Almería, hasta 2014.

Además, cuenta con un título de postgrado por la UNED en «Aprendizaje Autorregulado»… y podría seguir con cuestiones académicas…

Fotografía de Elena Pedrosa. Proyecto Grávida.

Pero… esto es sólo una parte de quién es Elena Pedrosa, y en este blog, quería dar a conocer, visibilizar (para quien no la conozca aun) a una mujer «que hace cosas» en el terreno profesional, artístico y social…, muchas; bastante bien, me parece, y sobre todo, con mucha coherencia… Y aquí, en Almería, principalmente.

A parte de ser profe de la EAA, de investigar y seguir formándose en infinidad de temas, Elena imparte, a su vez, talleres de fotografía, desde la creatividad y la Arteterapia, comisaría exposiciones de fotografía, escribe y realiza sus propias fotografías para varios proyectos personales a la vez que expone en colectivas e individuales (actualmente tiene una muestra en Málaga y este mismo sábado estará en el Foro de Artistas plásticos de Almería, en Diputación, patio de luces, del que ha sido coordinadora y será conferenciante).

Como ella dice de sí misma, y me cuadra totalmente con su obra: «Abordo la fotografía como disciplina humanista. Fui periodista, con lo que mi primer acercamiento a la imagen fue el descriptivo. Pero soy poeta, con lo cual mis imágenes se vierten desde dentro hacia afuera a través de metáforas (…)»

Dentro de la coherencia temática y conceptual, que me sorprende gratamente en Elena, recuerdo que sus imágenes me llamaron la atención desde que la conozco, por sus trabajos de poesía visual, cuando firmaba como Amanda Miler y casi recién llegada como profesora a la Escuela de Artes. Después fui siguiendo sus convocatorias de exposiciones o charlas y publicaciones sobre temas sociales y fotográficos, con perspectiva de localización-deslocalización o gentrificación, conocí su vinculación a Ediciones Fantasma (de quien es cofundadora y coeditora)…y creí que ahí quedaba la cosa, compaginada con la enseñanza… que no era poco… Pero, ni mucho «menos»…

¡Y sí, aún hay más!…

La palabra que utiliza muchas veces mientras hablo con ella en nuestra entrevista para este post es «bichear», o sea, buscar, rebuscar, leer, investigar, algo que se le interesa, que le inquieta o, también, que le indican o recomiendan, … y creo que es, no ya una aptitud, el poder estar atenta a todo lo que pasa a su alrededor, sino una actitud, que encuadra bien su estar y su ser…, la curiosidad innata, pero la curiosidad por comprender, y también por construir.

Comprender lo que le rodea, «para comprenderse, a su vez, a sí misma», me dice ella en la tranquila charla que pudimos mantener a propósito de la pasada (y notable) exposición colectiva de fotografía y proyectos multidisciplinares «Almerías: Fotoensayos sobre la sociedad almeriense», encargo directo de Rafael Doctor, director del Centro Andaluz de la Fotografía (reseñado en tres post de este blog).

Sentir…, mirar, y pensar (reflexionar, ensayar, experimentar) es lo que la mueve: «Mirar y pensar resumen su actividad fotográfica y ensayística, revisar con profundidad aquello que se mira, crear imágenes para la reflexión y para la denuncia, en lo documental y para la poesía y la vida, en lo conceptual» como se explica en su blog y  porfolio.

Desde que hablamos…ha llovido (no literalmente, pero sí metafóricamente respecto a todo lo que ha continuado haciendo…, ¡y porque la entrevisté en enero! -gracias por tu paciencia, Elena-) pero ella sigue en pié de artivismo, de lucha (es una forma de vida…, no es «postureo»).

Y es que han sido, al menos, dos años (cursos) seguidos intensísimos (empleo el término a conciencia)…, y pensé enumerarlos y detallarlos, pero prefiero sólo nombrarlos, así en retahíla, para que veáis a qué me refiero con «poliédrica»; además, en su web encontraréis no solo la actualidad de sus proyectos artístico, o su CV, sino todas sus diversas actividades o colaboraciones, y otros espacios ligados a ella.

Vamos allá (estos dos años recientes): Expuso su individual “Deriva por el poniente plastificado” en Asociación “La Guajira”, Almería, en 2018; con MECA, (2018) en su sede y en el Museo de Arte (arqueológico y Sala 2) en «ArsVisibilis», colectiva para visibilizar los trabajos de mujeres artistas; en la sala Alfareros, de Diputación de Almería, «Sudamérica, presente!», en 2018. Actualmente, en Málaga, la individual “Lírica Iliria [Mostar y el regreso]” (donde aborda la Guerra en Bosnia desde la fotografía, la antropología y el periodismo)…Y todo esto (seguro que me dejo algo) comisariando «Almerías: fotoensayos sobre la sociedad almeriense”, donde había varios proyectos interdisciplinares y una ámplia programación paralela, en los que ella también participaba activamente, como Foto Acción, proyecto con el que, con su alumnado, a lo largo de varios cursos, va indagando en el territorio, lo antropológico y la imagen, identidad, fotografía…

Cuando hablo con ella, me es difícil atrapar todo lo que está haciendo a la vez, ¡y todas sus fuentes y referencias!…SOS, no doy abasto apuntando…, pero es pura coherencia, hay un Todo que une y guía sus pasos.

En el centro está el ser humano, de la mano, ella. Desde su mirada se adentra en la otredad y en su propio ser…, pero no centrándose en lo individual (que sí refleja en sus trabajos más personales), sino en lo colectivo, lo social, lo comunitario. Reflexión-mirada y Acción, van unidos. Escritura-lectura y relectura, junto a Fotografiar, también.

No voy a hablar de todos sus proyectos (nos daría para varios post bien largos), por ello para intentar ser más concisa (que me cuesta como veis) diría que si tuviéramos que poner unas etiquetas en sus imágenes, que os invito a visitar en su porfolio de proyectos personales, y en la fotografía que promueve o comisaría (un blog es de esos que se pueden ir visitando poco a poco y siempre encontraras una referencia interesante que lleve a otro lugar…), utilizaría los siguientes hashtag: #ser #yo #persona #humanidad #colectivo #sociedad #barrios #vecindarios #solidaridad #poesía #imagen #identidades #lucha #acción #realidad #otredad #búsqueda #periodismo #comunicación #preguntas #claridad …

«Utilizo la fotografía como herramienta de investigación, antropológica, social y emocional» es algo que define bien el trabajo de Elena. La palabra herramienta para la fotografía, la emplea varias veces en nuestra pequeña entrevista…y es acertadísimo, ya que no busca una trascendencia visual donde impere la estética pura, aunque siempre hay una belleza poética y formal, intrínseca, muy presentes, sino que busca comunicar, impresionar estados de ánimo a través del tema que trata; busca llegar al «quid” de la cuestión directamente, más o menos metafóricamente (dependiendo del proyecto), pero en línea recta, como un proyectil, me parece a veces. Hay onirismo, poesía, lirismo en ocasiones, pero otras, es la no metáfora, lo literal, la belleza (percibida) de la propia Realidad, aunque no nos guste lo que se nos revela (y rebela), o lo que hay, o mejor expresado: aunque nos duela lo que se muestra, lo que nos visibiliza en su propio vocabulario visual…

Dos de sus trabajos más intimistas me siguen sorprendiendo (son «in progress»): Grávida y Márgenes, donde ella remueve sus entrañas para sacar emociones, heridas, vivencias, herencia y reflexión hacia el futuro, el suyo, el de su cuerpo, o el de sus seres queridos (en femenino realmente)…

En Deriva en el poniente plastificado o El agua en Venus o Para la sed expresa sus inquietudes por el medio, por lo que nos rodea, la naturaleza desnaturalizada quizás, con imágenes bellas e impactantes por su apariencia de «ciencia-ficción» pero que está junto a nosotr@s…

En Sudamérica Presente y en Mostar y el regreso Elena trae a nuestras retinas las imágenes, cual estampas, de la otra cara del mundo, postales de otros mundos que habitan en éste, tan lejanos por su distancia en kilómetros, como por nuestra implicación emocional o ganas de mirar hacia estas partes del mundo; y ella va allí, captura esa imágenes y nos las trae, envueltas en su discurso, claro y elocuente, sonrojante casi siempre…

En  Estados de Agregación de la Materia, Entre lo sólido y lo gaseoso, encontrareis un inmenso magma de imágenes que emana a borbotones…en otro fluir de sus trabajos fotográficos…

En “Entre sin llamar” vemos la cercanía al proyecto Foto Acción, para reivindicar el espacio propio, libre de especulaciones,  o las formas de territorialidad de determinados barrios “típicos” o “turísticos” ahora, la entidad…la marginalidad o lo especial…, la singularidad dentro de la globalización…(hay múltiples y diferentes lecturas y miradas en estos proyectos).

Y en otro de sus lados poliédricos, encontramos Fotopoemas, o la serie Butterfly donde Elena despliega su esencia surrealista en su vertiente más visionaria y poética…

A mi pregunta sobre de dónde parte su temática tan presente en gran parte de sus trabajos, de la necesidad de visión colectiva, de lo social en el arte, me contesta que ya en Málaga le interesaba, siendo estudiante;  y tras el 15M, ya aquí en Almería, comenzó a moverse en la Autogestión, en 2012, con el grupo «Acción y reflexión», con asambleas de vecinos y lucha asamblearia, cine forums, etc. Para ella los casos de Gamonal y Albaicín han sido referencias importantes de estos movimientos sociales necesarios, desde los barrios y vecinos, como la implicación de los activistas solidarios Casa del Aire, en Granada, por ejemplo. Más adelante se involucró, porque impartía clases en Estudios Superiores a Diseñadores de Interiores que intervenían con sus prácticas didácticas en el diseño urbano, en la reflexión sobre el primer Plan Urban, intentando sin éxito llevar a debate al Grupo de Estudios Antropológicos La Corrala (Granada) durante la Semana del diseño, ya que se presentaba la labor de su alumnado en un concurso de ideas para embellecer el Casco Histórico, con el Ayuntamiento… Desde 2015 se ha volcado a fondo en el proyecto ya mencionado, para su alumnado, Foto Acción, aunque desea cambiar de perspectiva en este proyecto, más adelante.

Y para concluir…si es que terminar es concluir…, cuando le pregunto sobre el próximo proyecto…sólo puedo deciros que “lo próximo”…es Ya.

Un «ya» poliédrico, como ella, con unas temáticas claras y definidas, pero vistas y trabajadas desde distintas perspectivas, y una coherente óptica:…fotográfica y emocional, política, crítica y social, siempre.

Elena…, ¡Presente!! (presente-futuro)

Maribel Úbeda. Almería(s), Enero-Marzo de 20199

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Varios enlaces de interés (aunque hay enlaces a lo largo de todo el artículo):

Blog de Elena Pedrosa: www.elenapedrosa.es

Última exposición individual: ‘Lírica Iliria: Mostar y el regreso’ en Campus Teatinos, Universidad de Málaga. Hasta el 8 de Abril.

Foro de artistas plásticos, Diputación. Almería, 30 de Marzo, 2019. (inscripción)

Sobre «Almerías: Fotoensayo sobre la sociedad almeriense«. Centro Andaluz de la Fotografía, Almería.

«Escuela y más», selección de blogs de la actividad docente sobre fotografía de Elena Pedrosa.

Perfil en Arteinformado de exposiciones y galerismo (MECA)

«Lírica Iliria: Mostar y el regreso» en Diario de Almería, online

«Sudamérica, presente» en Diario de Almería online

En instagram y en facebook tiene presencia.

Los Murales de Orgosolo, en dicha población de Cerdeña, podríamos resumir que se encuentran entre el histórico muralismo y el street art…, pero…

Buscado determinada información sobre arte urbano italiano…, me encontré este caso de muralismo maravilloso de antaño, de ese que cuenta, narra, expresa…y no sólo embellece, en la línea del muy conocido Diego Rivera, Orozco o Siqueiros, y tantos otros muralistas en México, por ejemplo, y que han servido para evidenciar cuestiones sociales, políticas, denunciar atropellos a la ciudadanía de a pié, etc…;  y y me dio por reflexionar sobre el muralismo actual, que recientemente se está revalorizado…, y que se ha adscrito como una de las corrientes actuales más en boga del arte en la calle, a veces supuestamente «callejero», pero que, a su vez…se aleja tanto de la esencia del arte urbano o street art del fin de siglo XX y primeros años del XXI.

Estos murales, su temática, sus por qués, su momento…dan para mucho más que este mero post, pero no quería dejar dormir mucho más el borrador que tenía en mi blog desde hace un año al menos… (ya digo demasiadas veces que desarrollaré algo más extensamente por aquí, y no lo hago siempre, así que…mejor breve y reseñable, que la Nada…jeje).

Pues bien, fue enorme mi asombro al descubrir (después de licenciarme en Historia del Arte de las de 5 años, que dan para muchas obras de arte… ) estos murales, estas obras de arte en su mayoría, que eran totalmente nuevas para mí, y además saber que eran muy conocidas en Italia!…

A lo largo de distintas épocas, diferentes artistas han ido documentando la historia general, y de la población particular, en los muros de esta pequeña/gran población… Aunque fue el grupo Dioniso (grupo anarquistas milanes) quien en 1969 realizó el primer mural reivindicativo tras «la revuelta de Patrobello» (se quería desplazar el ganado y su pastoreo a otra zona y utilizar las tierras de Orgosolo para campo de tiro por los militares italianos y la población se negó y se rebeló); después, el profesor sienés de enseñanza secundaria llegado a la zona, Francesco del Casino, en el 75, sería quien continuó con la actividad muralística,  para conmemorar el Trigésimo Aniversario de la liberación de Italia del dominio Nazi, reproduciendo sus hechos en las paredes de la pequeña población interior, como experiencia educativa con su alumnado: «romper el muro que separa a la escuela de la sociedad»…, casi nada, tanto el tema como el motivo último…

Posteriormente, y quizás es para mí lo más llamativo,  Pasquale Buesca con el grupo cultural “Le Api” siguieron realizando murales con «temática social y ambiente campesino, mostrando la historia sociopolítica, los problemas, y las luchas sociales en las que sus habitantes han mostrado su carácter indómito» como se cuenta en el blog lasardegna.es. Otros artistas han ido contribuyendo en los muros y alrededores…hasta haber unos 200, e imagino que se han ido conservando según las técnicas originarias, unas realizadas al fresco (de mayor calidad) y otras con temple al agua…

Y es espectacular el resultado que vemos en imágenes o audiovisuales que se encuentran por las redes, y supongo, tanto más fantástico (elijo ex profeso el término) debe ser pasear por sus calles…

Hay bastante información en la red…afortunadamente, así que por ahora no voy a contar más de su historia (o historias, que seguro que son apasionantes) sino de lo que me hace pensar o sentir (que para eso es este blog en principio).

Al margen de lo que demandan y se pone de relieve en estos muros, y de la ideología de quienes realizan las pinturas, de su fuerte mensaje, muy concreto, y de quienes lo vemos y cómo lo interpretemos…, aquí podemos observar que el Muralismo no debe o no debería ser  (según mi particular criterio, claro) solamente complaciente con el entorno, con una estética o una corriente de estilo y gustos a la zaga de las modas; una vertiente (o un camino, lícito por otra parte, of course) que observamos con cierto pavor/dolor, o alejamiento al menos, las personas que amamos el Arte Urbano, urbanart o streeart, y su parte más combativa, subversiva, underground, su esencia… Y no por ser «puristas»…»vade retro»!!, sino porque un arte así, de esta trayectoria histórica, de esos orígenes que hoy ya conocemos mejor…sigue siendo necesario ahora, por su vertiente social tanto como individual, y  porque es una herramienta (unas veces artística(*) en sí, otras no tanto, pues el medio no es el fin) de ponernos en contacto con otras realidades, o en (enfatizando En) la realidad (y también en lo virtual, por qué no…)…, aunque nos sea ajena a veces, o no la entendamos, aunque la veamos lejana, y quizás, por ello mismo…

Y…ya lo sabemos, aunque se nos olvide: hay otros mundos…, pero están en este…

Y con otros mundos no me refiero a lo que cada uno desde una punta del globo ve, precisamente, por sus móviles, tabletas u ordenadores y televisiones… La publicidad, las manipulaciones de los medios…son muy tangibles, son continuas,…así que algo debe ponernos en contacto con otras realidades, personales y colectivas, claro! ; aunque tampoco el arte urbano sea ajeno ni a manipulaciones ni a la publicidad, ni al día a día de RRSS, etc, etc…, por supuesto, el arte urbano no debe nunca estar en un altar, ni aislarse, porque…es pura comunicación, es expresión!…. Pero sí que el Arte Urbano, a la antigua usanza (por así decirlo, ese donde se dice lo que se piensa o se puede denunciar algo, o contribuir a la convivencia en un vecindario, etc…) ese, es una vía necesaria…, y yo querría seguir admirándolo y descurbriéndolo, asombrándome, riéndome con imágenes o intervenciones curiosas, o alucinando con otras ideas peregrinas o duras, sin censuras ni desmesuras, aquí hay de todo, menos mal… Sólo hay que saber mirar o dónde mirar… (fácil…y difícil a la vez…depende).

Orgosolo es un referente, Orgosolo es un ejemplo, para mí y tantas otras gentes, amantes del arte urbano o no,  curiosos de la Historia, quizás, de Arte Mural reivindicativo, social y necesario. Y estéticamente…es hermoso además, con sus diferentes etapas, épocas de pintura e intervenciones… y sus diversas manos entre artísticas y artesanas…

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(*) No siempre el «artista» urbano es o pretende ser «artista» al uso (por estudio o porque se profesionaliza) y no siempre quiere comunicar algo al mundo como un artista al uso (ya digo, lo sea, o no, lo pretenda o no… -suena a galimatías, pero no lo es-), pero sí necesita expresarse, y desde luego, si lo hace en las calles, ya hay ahí algún mensaje, lo quiera o no…quien lo realiza,  lo reflexione o no…; ahí queda, y otr@s lo vemos, lo captamos… En el Arte Urbano…siempre, Siempre…, hay o habrá un mensaje (nos guste más o menos lo que se nos dice…, narra, cuenta, muestra…o hasta «escupe» en un gran muro, en un árbol, en una farola o marquesina, en una esquina de una sombría calle o en el interior de una casa o fábrica abandonadas…)

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Más info sobre los murales de Orgosolo (en redes):

Imágenes en Instagram (tag)

Sobre Francesco del Casino: Entrevista en el libro: «Cerdeña salvaje: la indigeneidad y los sueños globales del ecologismo».

Bajo estas líneas, web sobre turismo en Cerdeña:

http://flaniereninsardegna.com/entre-el-arte-la-politica-y-la-historia-los-murales-de-orgosolo/#.W824Snszbcc

 

Hasta el 27/04/2018, podremos admirar la personal obra fotográfica de Isabel Aranda en el Centro Andaluz de la Fotografía, en la Sala Jorge Rueda.

Una exposición sobre el poblado, antiguamente dedicado a la minería, en las inmediaciones de Rodalquilar (Almería), y titulada: «Tu rincón preferido».

Obra de Isabel Aranda. Exposción en el CAF 2018: "Tu rincón preferido".

Y expone junto a Nicholas Nixon , el almeriense Rubén Garcia y la Colección de libros de fotografía de la Fundación Mapfre con uno de los catálogos más completos del panorama fotográfico internacional,  donde podremos ver el catálogo de Lewis Baltz, o las monografías de fotógraf@s como Julia Margaret Cameron, Graciela Iturbide, Brassäi, Ed Van der Elsken, Duane Michals,  Hiroshi Sugimoto o Paz Errázuriz… Así que no hay excusas para dejar de ir al Centro andaluz de la fotografía.

No he querido esperar a ver esta expo para hablar un poco de ella, así que mientras puedo hablar con Isabel (nos veremos y charlaremos en breve) y puedo ir y ver (mirar y admirar seguramente) sus obras, dejo aquí el resumen que el CAF ha difundido sobre la exposición:

«Isabel Aranda expone por primera vez en el Centro Andaluz de la Fotografía, una serie fotográfica sobre el poblado minero de Rodalquilar, Níjar, Almería.

Utiliza la técnica de transferencia polaroid que consiste en despegar la emulsión del positivo o copia resultante para transferirla a otro soporte poroso, siendo lo más habitual el papel de acuarela.

En palabras de Pedro J. Miguel:  «Esta serie fotográfica consigue este mágico efecto, cada imagen cuenta una historia, y el conjunto conforma en nuestro imaginario no sólo la historia del asentamiento, sino la de sus múltiples abandonos y retornos -ocupaciones, como dirían los arqueólogos, ante la reveladora acumulación de estratos en paredes, vigas, escaleras y suelos-. La huida de sus primitivos pobladores no zanja la secuencia vital del espacio, porque nos gusta volver y dejar nuestra huella …»

CV artístico:

Isabel Aranda Jiménez (Almería, 1962) «desarrolla su labor profesional en la ciudad donde nació. Fotógrafa autodidacta, inicia su faceta artística a finales de los años noventa. Entre 2000 y 2009 participa en numerosas exposiciones colectivas de toda la geografía nacional, y en 2002 el Centro de Visitantes de Las Amoladeras recoge su primera exposición individua»l; en 2009 expuso  individualmente en el Museo de la Ciudad de Almería, «lugar que le ha dado la posibilidad de perfilar su técnica gracias a los conocimientos adquiridos en la Escuela de Artes y Oficios, en los talleres de Carlos de Paz oen el Centro Andaluz de la Fotografía. Su obra ha sido merecedora de premios diversos, y ha aparecido publicada en diarios, revistas, libros artísticos y catálogos.»

Publicaciones:  Catálogo de exposición  «Una mirada más» (con prólogo de Pedro J. Miguel ) a modo de Fotolibro.

Blog personal:

www.unamiradamas.mye.name

 

…Seguiremos informando…

 

El pasado 11 de Enero, y como viene siendo habitual, la Asociación Murciana de Críticos de Arte (AMUCA) organizó su Salón de la Crítica, en esta ocasión, en el Auditorio de Murcia, Víctor Villegas. Se puede visitar hasta el 3 de Frebrero.

En la presente edición, y su exposición colectiva, han intervenido 9 artistas que muestran sus obras, presentad@s por 8 crític@s (con sus respectivos textos críticos), y la comisaria, Carmen Hernández Foulquié, nos pedía una reflexión sobre la Imagen concretada en la Fotografía analizada hoy día…

Mi invitado a exponer fue el fotógrafo (y amigo, cuya trayectoria sigo desde hace años) Nacho Álvarez-Castellanos (editor de la revista virtual «Qué pasa en Murcia«, licenciado en Historia del Arte y dedicado a la administración pública, entre otros datos de su CV) que tuvo la generosidad de realizar 6 collages en técnica analógica (cada composición de 13cm. x 18 cm.) ex profeso; toda una serie sobre la que andaba ya pensando, pero que materializó para la ocasión.

Aquí os traigo, pues, el texto que realicé sobre sus montajes fotográficos, de estética dadaísta, un estilo y lenguaje revisitado para hablar de lo social, política, medio ambiente y cualquier cuestión candente (como se hiciera ya en los años 20 y 30 y con la vocación que nació), así como una visión cargada de memoria y emociones personales, como se explica en el texto a continuación.

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Sobre Variaciones, serie fotográfica de  Nacho Álvarez-Castellanos Blaya.   

Maribel Úbeda para el XII Salón de la Crítica. Murcia, 2018.

Las palabras Imagen y Mirada, en la propuesta sobre la reflexión en torno a la imagen fotográfica a la que se nos invitaba en este Salón de la Crítica, creo que son básicas, porque engloban toda la actividad artística, y no sólo la centrada en las artes visuales, ya que, …¿en qué se basa la poesía tantas veces, por ejemplo, en sentido figurado?…

De este modo me vino a la cabeza la obra de Nacho Álvarez-Castellanos, alguien cuyo juego con la imagen fotográfica siempre me ha atraído en sus foto-collages, en parte por su limpia técnica y el resultado final, pero además, porque no sólo selecciona y elige, tras mirar y pensar qué quiere comunicar con las imágenes fotográficas que recorta y pega, “a la antigua usanza” en fotomontaje, sino porque crea y compone, a su vez, una nueva imagen global: otro “todo”.  El cambio de significado-s viene de la mano del cambio (elección,  posición o recomposición) de los significantes…, de manera que el mensaje, porque siempre lo hay en sus trabajos (“intención social, política o ecológica; defiendo la implicación del Arte y el artista en el momento que se vive” me comenta), varía…  

Y de aquí estas Variaciones, donde el autor, también de la imagen original analógica utilizada como tema principal y soporte (“Alicia en la playa”. 2001), trabaja con una imagen- símbolo (más que con una fotografía simplemente) de lo que para él significa un estado vital: la imagen de la felicidad plena como recuerdo de un momento pasado…

Esta pura característica de la fotografía, la imagen como Memoria, como documento que atestigua un hecho…, aunque sea más emocional que material (persona-lugar-acontecimiento) sigue resistiendo hoy, incluso en la postfotografía;  pese, o gracias, a los cambios tecnológicos o estéticos,  y pese, o gracias, a su gran popularidad, consumo espectacular  y reproducción reiterada, fagocitada e híper difundida.  Así que, efectivamente, tendremos que saber leer y comprender lo que vemos-consumimos continuamente, y en ello estamos con estos textos críticos, por ejemplo.

Pero, volviendo a la serie de collages de Nacho,  el mensaje de sus Variaciones no queda sólo en un ejercicio de remembranza sobre la felicidad pasada (existente aun), sino que, al igual que en una buena pieza de Jazz o blues, donde se entrelazan melodías, el tema B de estas composiciones es una llamada de atención sobre lo que hacemos con la naturaleza;  sazonado además, con el sentido del humor subversivo (ironía más bien) y con un aire (ahora retro) de la aparente sencillez  que caracterizaba los “clásicos” collage de las primeras Vanguardias .

Así pues, sobre  el tema principal, Nacho hila una pequeña historia no lineal donde aparecen  otros personajes que, llamándose entre sí desde las diversas fuentes de donde son “arrancados” (su técnica en la búsqueda de imágenes para los collages), pueblan la onírica playa de Rodalquilar (Almería), y  la Raspa-pescado de Randy Olson, la Chatarra de Jonas Bendiksen, el Hombre en la ventana de Joachim Ladefoged  o el Hombres mirando a los pintores, de Henri Cartier-Bresson, se alían para denunciar los abusos contra el paisaje natural. Nuestro ecosistema, ese que hasta hace nada, nos daba la felicidad, y que quizás dentro de poco, sólo podamos recordar o vislumbrar, mirar, como imagen fotográfica, …y no real…

Maribel Úbeda.  Almería-Murcia.  Diciembre de 2017.

Texto publicado en el catálogo de la exposición.

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Enlaces de interés sobre la exposición y catálogo e inauguración:

Catálogo XII Salón de la Crítica, en Issuu. 2018.

(pinchar en imagen). Obra y texto en páginas

finales.

 

 

 

Blog AMUCA  

La Opinión de Murcia 

Rommurcia.es 

Cadena ser (breve reseña de exposición, audio)

La Verdad

ABC. agencia de noticias

Inuguración (algunas imágenes) Fotografías de sala de Nacho Álvarez-Castellanos, día de la inauguración.:

Sobre la Exposición experimental Pymiento Project, en el Museo de Almería, hasta el 6 de Noviembre, 2016.

Print: “!Mamá dejó la fregona y se fue al museo a programar! Herramientas para una creatividad colectiva, conectada y abierta (con una pizca de Python)»

“La actividad desarrollada no es una exposición en sí, sino un laboratorio, un experimento en curso.
Es un proceso de diálogo y una caja de herramientas. Un mensaje en una botella y un bancal para sembrar ideas y recoger preguntas”
PymentoProject

Esta exposición en el Museo de Almería (museo arqueológico) es, sí, un Taller de experimentación tecnológica y artística donde las piezas desarrolladas y exhibidas muestran, y demuestran, que la creatividad está por encima de las etiquetas, los campos concretos y las disciplinas al uso. Pero, afortunadamente, cada vez estamos un poco más cerca de no asombrarnos por algo que, en realidad, existe desde siempre, cuando los campos del conocimiento estaban tan interrelacionados que no existía apenas la llamada Especialización.

Aún podemos recordar (en los libros de historia y literatura están reflejado, so incrédulos) cuando los planetas, constelaciones o universo se leían como astrología, la química era alquimia, la medicina quedaba entre usos y descubrimientos a base de no poco sufrimiento en  vivo y en directo,  las más de las veces en manos de chamanes o gurús del momento, la arquitectura se acercaba a la escultura y la ingeniería o la invención era arte puro, como en manos de, por ejemplo, Da Vinci… Pero…, no significa, claro, que debamos volver a esos tiempos, o que nos mole la mezcla de lo esotérico con la ciencia, no…, es que aunque ahora el saber y sus compartimentos ocupan cada uno su lugar… es el momento de volver a unir la esencia de los planteamientos sobre el conocimiento, el saber… Y es el momento de recordar que todos los avances y descubrimientos en cualquier campo de la sabiduría (el arte uno de ellos, por supuesto), deberían estar al servicio del Ser Humano, y no a la inversa. Así que desde estas páginas virtuales (pero llenas de corazón anímico, físico y químico también) pedimos la no hiperespecialización hacia la que camina el mundo “civilizado” de hoy…; no queremos que nos sigan dirigiendo hacia la obsolescencia, más que programada, así que abogamos por compartir (conocimientos, software, derechos, ideas…proyectos, actividades, emociones…); es el momento de volver a mirar hacia el Humanismo y salir fuera de la famosa zona de confort (no solo para cuestiones de la relaciones personales/laborales) y entrar en la INTERDISCIPLINARIEDAD!! Sí, esa palabra que cuesta pronunciar, pero…que es tan hermosa…

Por supuesto que esto de la Interdisciplinariedad, el salir ahí fuera y compartir… puede producir cierta ansiedad (aunque hay gente, como yo, que no es capaz de centrarse en nada y pica de todos los lados que puede, deseosa de conocer por comprender, lo que y a los que, le rodean), pero recomiendo empezar con uno de los  leitmotiv de la Bola de Cristal: “vamos a enseñar a desaprender cómo se deshacen las cosas!”.

Así que, por pasos, en sentido estricto, aquí se enseña, pero no desaprendemos nada (porque aprendemos y mucho), me refiero a que tan solo debemos quitarnos prejuicios (que la mayoría de las veces, no nos engañemos, son requete-aprendidos y aprehendidos en nosotros) para mirar y disfrutar con ojos “nuevos” todo el cotarro que tenemos alrededor.

Y ya para empezar a centrarnos, en la susodicha expo-experimento hablo aquí, no sólo porque he colaborado un poquito en ella,  sino porque, además, tiene lugar en Almería, la Almería del siglo XXI, y esto hay que resaltarlo. En concreto, el inicio del proyecto pymiento vino por el entorno del desarrollo en la ciudad del PyConES ( la conferencia anual de la comunidad de usuarios y desarrolladores del lenguaje de programación de código abierto Python, a nivel nacional, que se ha venido celebrando en Madrid, Zaragoza y Valencia en años anteriores) que se celebró exitosamente los días 7, 8 y 9 de Octubre, entre la Universidad,y el Museo de Almería.

Python, es uno de los lenguaje de programación más abierto y novedoso de la amplia variedad que existe, y la particularidad de él es que sus principios se basan en la simplicidad y el código abierto para compartir, y esto es lo que, por ejemplo, yo sabía a la hora de querer participar en la exposición, y me gustó.

“Podríamos estar hablando de netart, pero hay mucho de manual aquí y no todo ha sido tecnología. Y hay mucho corazón, mucha alma, mucho ingenio, muchas preguntas y curiosidad y ganas de “hacer cosas” por encima de lo convencional, pero sin miedo a  tocar cualquier rama del conocimiento… (a poco que tienes algo, lo usas, eso estaría bien!)”.  Adolfo Rosillo

Pero, qué ha pasado en el Museo de Almería?

Unos lo llamamos expo (piezas tecno-artísticas para mí), otros Hackeo en el Museo, otros…experiencia, pero por encima de todo… ha sido «una colaboración a lo largo de varios meses, donde cada persona ha ido aportando su granito de arena en torno a una pequeña idea primigenia: experimentar con el lenguaje python (hoy más almerienses sabemos qué significa la palabreja, sin ser del gremio!) en entorno no técnico, sino tecnológico y artístico o mejor, Creativo Reactivo».

Las piezas que encontramos tienen la capacidad de realizar algo, de manera que tenemos obras interactivas, resumiendo. Algún que otro proyecto de los mostrados o ideados, no están conclusos, pero no importan, porque de eso trata, entre otras cosas, de mostrar la experiencia, no una conclusión. No son piezas cerradas o terminadas del todo;  y  de otras piezas-proyecto, por ejemplo, veremos los resultados al final de la expo, como la obra que consiste en cuatro plantas que recibirán luz según los hashtag que mande quien quiera participar (cuatro nombres, uno por planta, viva y real: marujita, liza, etc) y sobrevivirán según los que le lleguen…, el final de ellas (qué plantas han sobrevivido o no…) lo sabremos al término de la exposición. Lógicamente, este no es un experimento sin más, sino que intenta hacernos reflexionar sobre la responsabilidad sobre nuestra toma de decisiones y sus consecuencias (el poder y cómo lo ejercemos y su repercusión, vamos).

Y así podríamos ir pieza por pieza, todas aportan algo, todas son divertidas de ver y toquetear para observa qué nos muestran o demuestran…, y quien quiera ir más allá, podrá…desde luego.

Adolfo Rosillo (profe en la Escuela de Artes de Almería, crítico de arte y artista en varios campos, y “Agente provocador”) y Cristo Contreras (ingeniero de telecomunicaciones y “Flamer ecléctico”) fueron quienes nos pusieron las pilas, y bien, en el Proyecto PymientoProjetc.

Eso sí, han formado un gran equipo de locos y locas, o vamos enderezando tópicos, visionarios y visionarias como: Gonzalo Moyano – Multipotencialista & Creative Maker,  Francisco Acién – Amante de las tecnologías libres,  Delia Gálvez – Interiorista maker, Almudena Fernández – Creatividad por bandera, Aitor Álvarez – Ingeniero filósofo, Olga Lucía Fernández – Design Thinking y organización., Guillermo Fuertes – Físico Periodista, Remedios Fernández – Robótica infantil, Hugo Rosillo – Amante de la casquería mecánica, Cristina Góngora – Psicopedagogía y manualidades, Bill Muslos – Punky del estenopo, Ana Mora – Inquieta por definición, Favio Gutierrez – Diseño y Comunicación Visual, Pedro Silva – Hacking mode- y (en muy pequeña medida) Maribel Úbeda -la que escribe estas líneas-.

(ver perfiles en http://thepymientoproject.com/people/)

Las piezas de la expo funcionan y se conforman con materiales nobles y no nobles, artesanos y tecnológicos, como Rasberry Pi, arduino, y sensores o microchips en pequeñas placas…, esto como tripas, lo que maneja los objetos, pero como contenedores veréis madera o metal, papel y cartonajes, tiza…o sea, una producción colectiva diferente y divertida, curiosa, y hecha de muchas ganas e imaginación. Así pues, las técnicas y procesos creativos (de la idea al objeto) y los soportes de estas piezas de tecnoarte, arte-factos a todas luces, son también más que variados! Además, como repite Adolfo Rosillo (la última vez, vía twitt): «PymientoProject es ciudadano. No se ve, se participa. Gracias, MuseoAlmeria«

Así que os increpamos para que vayáis a este lugar de lugares, donde no se mira (al uso) SE TOCA.

Podríamos, pues, decir: ven al museo de Almería a su «Sal@ del museo» (planta 2, para más exactitud) y Toca-mira-piensa… y si encuentras algo mejor, apórtalo! (punto y coma, guión, cierra paréntesis)…

Seguiremos informando…

Por cierto!: Durante el mes de exposición se harán talleres in situ, donde se enseñará a los asistentes a iniciarse en el mundillo Pymientero.

En estos artículos de la prensa (a parte de la propia web del proyecto)podéis indagar en el contenido y motivos de la exposición experimental artística creativa:

El Museo de Almería acoge la exposición Print  “!Mamá dejó la fregona y se fue al museo a programar!”.

http://www.guadatech.com/contribucion-de-guadatech-en-el-proyecto-artistico-pymiento/

-Pronto añadiremos aquí las respuestas a las preguntas a Adolfo Rosillo, sobre cosas que quedan en el tintero, ..:-) … (post in progress)-

Aproximación a Doroteo Arnáiz… (Parte I)

  El grabado (arte mecánico?) tiene su potencial más original en la matriz. Cada prueba de estado representa una obra-testimonio (que otras artes como la pintura o la escultura no pueden obtener).   Doroteo Arnáiz.

             

«DOROTEO ARNÁIZ, Obra Grabada», es la exposición que podemos aun disfrutar en la Galería Acanto, en Almería, hasta el 6 de Junio de 2015 (inaugurada el 24 de abril)…

              …pero antes de adentrarme en ella, debo decir que me alegra volver a escribir, aunque publique esto tan «tarde», sobre una exposición de Acanto, lugar especial para mí, donde respiro Arte…, aguafuertes, aguatintas, punta seca, mezzotintas o manera negra (como ahora, con las obras de Doroteo inundando el blanco de las paredes acantianas…), y donde, no me da miedo decirlo…, soy Feliz!…, ya está, lo he dicho…

                Y…bueno, tras este arrebato de emoción…, diréis… ¿ahora cómo vamos a tomar en serio a esta mujer, o este post, cuando nos dice que tenemos que ir a esta Galería a ver la obra de Doroteo Arnáiz? (por ejemplo), no será nada objetiva…

…mmm…Pues bien, últimamente me pregunto… (es mi defensa):…¿es necesario ser Objetivo al hablar de Arte?, ¿para qué ser «objetivo» en el Arte?, Bueno, sí, al dar los datos del artista sí, su trayectoria hablará por sí misma…, al evaluar la ejecución de las técnicas y forma concreta, composición, color, etc…, si…, se puede y se debe ser objetivo, por supuesto!… Pero al analizar una obra, hay más que la obra en sí misma como objeto, como producto o producción material…, está todo el contexto desde que se ideó, está la trayectoria del autor, está el conjunto de obras a las que pertenece y el momento socio-político y hasta emocional (claro!) en que se concibieron, y luego, algo que solemos olvidar, el contexto en que se ven estas obras, qué sabes del artista, o de Arte o un movimiento artístico concreto, y hasta cómo estabas al ver la exposición, al recibir las obras, cómo lees sus mensajes (si lo tienen…), etc., etc…Vaya!, parece que ya nos vamos metiendo en el terreno de lo subjetivo, verdad?…

Podremos analizar con más frialdad la iconografía de la obra, hacer su ficha técnica,… pero la parte iconológica[1] está ahí tambien.

                Y ya entrados en harina… ¿Qué me cuenta a mí Doroteo Arnáiz, hoy ¿…qué me dice?,…pero sobre todo ¿qué siento ante la obra de Doroteo?… Todo esto me pregunto (junto a los cómo, por qué, de dónde…cuándo?) al contemplar la extensa obra de este maestro en el grabado (dato objetivo).

                Doroteo, buscador de sensaciones, de imágenes, parte creadora en la historia del arte, hacedor de su propia iconografía, coleccionista de la obra de otros, difusor del grabado, profesor (por un tiempo), comisario o director de Calcografía Nacional…, en París, en Madrid, en A Coruña, en Almería…Todos estos Doroteos en uno, se me antojan, a primera vista, como el conjunto de un artista vitalista, un gourmet del grabado y el arte…, pero luego, al pensar y analizar un poco más su obra, se permuta ante mí, como sus propios trabajos, en un artista solitario e introvertido, algo que me resulta extraño atendiendo a su extensa  trayectoria vital y profesional, tan activa en misiones artísticas…Así pues, este artista, pintor, grabador y también escultor,…¿cómo crea,…quién es?… ¿Exterioriza esta obra al artista,  a modo de chamán o medium?, ¿o es el artista quien doma y saca la obra que él quiere de principio a fin? Dicho de otro modo…: ¿el artista muestra su obra, o es la obra la que muestra al artista?…¿quién crea qué, o a quién?…

… de una manera u otra, seguro, confluyen ambas a la vez. Es la quinta esencia del arte. Ni siquiera planteo el dilema, pues imagino que todo ocurre y concurre cuando el artista controla sus técnicas, las conoce y las mima, cuando realiza sus ideas a través de sus inquietudes y se realiza, no solo como artista, sino como proyecto vital, como persona.

                Desde que comenzó esta exposición, he ido recopilando toda la información básica, sobre las obras (las vi en persona antes de su inauguración!), sus fichas técnicas, el inmenso CV del autor…, he buscado imágenes de otras producciones, textos que sobre él se han escrito, y algunas frases por él citadas, y me he ido formando una idea sobre su trabajo y figura… Pero al llegar a un punto…me he plantado y preguntado, minimizada, ante este Universo Arnáiz plagado de distintos mundos: ¿qué puedo aportar-explicar yo sobre él, si está «todo» dicho…!

Acobardada ante la magnitud de la obra y recorrido de Doroteo Arnaiz, pese a mis numerosas notas y hasta el intercambio de una pequeña entrevista con el autor y con la galería, con mis miedos y titubeos, intento partir, al menos formalmente, de lo que  Emilio Fernández (gerente de la Galería Acanto) comenta sobre Doroteo al presentarlo:

«Todo un referente dentro del mundo del Grabado en Europa (…). Inmerso de lleno en las distintas corrientes de la vanguardia europea (expresionismo, informalismo, pop, arte conceptual) tanto en su obra pintada como en la grabada, realizada esta última entre 1960 y 2000, mantiene de principio a fin gran coherencia y unidad visuales y conceptuales, a pesar de su evolución estilística. Su constante y leitmotiv: una inquietud existencialista, la búsqueda de la esencia humana, la reflexión sobre la inmutabilidad de la condición del hombre, pese al aparente progreso externo.

En esta ocasión veremos obras de su primera etapa, años 60, con una figuración próxima a la abstracción, de gran lirismo. Un bloque de obras de los años 70, de estética  Pop, en muchas de las cuáles re-interpreta obras clásicas de  los  grandes Maestros de la Pintura, con la presencia en todas ellas de un singular espectador, uno de los símbolos más característicos de su personal iconografía,  la silueta de un hombre sentado en actitud de espera, que crea a finales de los 60, presente en gran parte de sus obras hasta 1974, representación de un yo interior contemplativo y esperanzado de un modo escéptico y laico. Por último las obras de los años 80 y 90, en las que mediante la técnica de la manera negra, nos ofrece elegantes  y delicadas composiciones, marcadas por la síntesis y la economía de elementos, apoyándose en las sutiles luces obtenidas rascando levemente sobre los fondos negros.(…)».

                 Emilio Fernández (fragmentos del texto de presentación para la actual exposición)

Así que como el propio Arnáiz preconizaba en su frase: «Creo que el oficio de un arte es muy importante conocerlo en profundidad, para después… «olvidarlo». Lo que  quede, después de olvidar lo aprendido, puede que sea aquello que se conoce como maestría”, intento olvidar los datos escudriñados, y opto por contar lo sentido…, y retomar mis primeras impresiones  dejando un poco de lado tanta anotación y los borradores…, y creo que será mi visión, subjetiva, sí, lo que tendréis aquí.

…Continuo en siguiente post, Parte II…

…………

[1] Erwin Panovsky, padre de la Iconografía-Iconología como método para entender las obras de arte a lo largo de la Historia, en su artículo «La Historia del Arte en cuanto a disciplina humanística«, nos dice que el estudio iconológico de las obras , en su contexto cultural, nos explica las obras, como parte de unas coordenadas espaciales y temporales, y que  el papel del espectador, como el historiador (o crítico, teórico  e incluso el observador no entendido), nunca es “ingenuo”, sino que se enfrenta a la obra con unos presupuestos culturales para poder alcanzar su “significado”. De ahí (y esto lo explica mejor en recomendable artículo “Iconografía e Iconología: introducción al estudio del arte del renacimiento«, extrapolable, al menos para mí, al resto de etapas de la Historia del Arte) la importancia de un estudio a varios niveles (o capas) de la obra, desde su forma (un análisis formal) hasta su historia y contexto lo iconológico (o sea, desde el encargo o realización hasta el lugar que ocupa mientras observamos y devenir), pasando, claro, por el estudio iconográfico de la misma (el significado que atribuimos o se atribuye a esas formas en la obra según su paso por la Historia del Arte)…

 

TÀPIES obra gráfica es la exposición que terminaba el 15, pero se amplía hasta el 30 de Junio, tras dos meses de éxitos y alegrías en la Galería Acanto de Almería, galería de arte especializada en obra gráfica contemporánea y de una larga, importante, e interesante, trayectoria entre las salas de exposición andaluzas en este campo de las artes.

En sus paredes se cuelga la excelente selección de 18 obras, entre grabados y litografías, que abarcan el período de 1970 a 1982; una selección muy difícil de realizar a la hora de preparación de la exposición, según sus responsables (a lo largo de casi dos años con el proyecto), por la gran cantidad de obras estupendas e «históricas» donde elegir, entre unas sesenta y pico, de creación «directa» con una de las principales editoras de obra gráfica de Tàpies en Barcelona y  «con la que trabajó  a lo largo de 40 años, entre 1964 y 1994, habiendo producido en este período, con ellos, un total de 197 estampas».

Pero antes de adentrarme en la entrevista, diré que el por qué de lo tardío del post se debe a múltiples cuestiones, como el no poder ir a verla, principalmente. Y por ello, al menos, haremos balance y os contaré lo que me dijo Emilio Fernández (la mitad de Acanto, la otra mitad es Miguel Morales) en nuestra pequeña charla sobre la exposición a pocas semanas de clausurarse, ya que este post está dirigido a hablar del homenaje que han querido brindar a Tàpies (desparecido en 2012) y, también, a la nueva etapa que se abre para la galería (algo de lo que no puedo dejar de alegrarme, por los vínculos tan fuertes que me unen al espacio y su gente,tanto de amistad como por haber trabajado con ellos, colaborado, y ahora, estar al día de todo lo que hacen siempre; ah, y tener grabados suyos en mis paredes ;-).

Pero bueno, centrándonos (lagrimilla suelta y al margen de nexos de cariño, reconocimiento y demás) respecto al por qué Tàpies es idóneo para esta especie de renovación del espacio Acanto, la respuesta es sencilla: es todo un símbolo…; no sólo es uno de los artistas más importantes del panorama catalán, español e internacional contemporáneo, y de los que más interés ha ido suscitando a lo largo de toda su carrera, sino que ha dejado una impronta importante en las generaciones siguientes de artistas, y ha colaborado a engrandecer, desde su vanguardismo y experimentación visionaria, y muchas veces subversivas, las artes plásticas, y como es el caso, la obra gráfica en particular.

Y sobre todo (Acanto es un lugar de afectos y sentimientos también, claro), Tàpies estuvo en la primera exposición que Acanto realizó, y a lo largo de toda su historia: » (…) desde el inicio, allá por el año 2000, cuando nuestra exposición inaugural, Gráfica Contemporánea, fue presidida por un extraordinario aguafuerte, Má, de 1975, del gran maestro catalán. Y a lo largo de estos años de andadura, hemos contado en diversas ocasiones con  diferentes obras de él, entre grabados y litografías».

Como Emilio nos hizo saber, además, la exposición durante estos dos meses ha sido todo un éxito, de venta, y, ante todo, de una gran afluencia de público, el de siempre (fieles) y nuevo, con profesores (de diversas materias, como grabado o expresión plástica) de la Escuela de Artes de Almería, por ejemplo, llevando a su alumnado, y con los que Acanto se ha llenado de la sabiduría y se ha enriquecido con esta «dimensión didáctica» donde la sala se llenaba de explicaciones técnicas y artísticas a alto nivel.

 Y sigo mi charla con él, donde me suelta (para más envidia por mi parte) que ha sido estupenda la experiencia global y espiritualmente «con tu sala, durante dos meses, rodeado de esta impresionante obra, mirándola, pero también ella mirándote a ti, envolviéndote...», «fue todo un lujo para una galería tener estas obras (…) hemos disfrutado de todo el proceso, desde la idea, la selección, hasta la enmarcación y diseño de la exposición»; …»en esta selección quisimos mostrar una representación de la Obra de Tàpies, sus negro y gris, rojos, tierras, signos y texturas…, todo lo que nos permite filosofar sobre la imagen como él nos enseñó y pretendía…».

En suma, ha merecido la pena todo el trabajo pre y post producción de la exposición, porque Acanto se ha sentido arropada por su público y esto les da satisfacción, pero además, ganas de seguir adelante, con más ímpetu y renovadas ilusiones por seguir inaugurando exposiciones (que habían ido dilatando cada vez más desde hace un par de años), algo que puede dar quebraderos de cabeza, pero que es necesario, para una sala de exhibición, para el público interesado, y por supuesto, para los artistas.

Precisamente, para terminar (nuestra estupenda charla y este post, casi), Emilio me comentó su próximo proyecto, una muestra de Javier Huecas, habitual en Acanto, pero no por ello menos especial, que presentará una serie de acrílicos, y también esculturas, bajo el nombre de «Vanitas», donde el artista almeriense lleva años trabajando y que está llena de profundidad y de una fuerte carga experimental (así como expresiva, como gran parte de la obra de Huecas, de la que me declaro seguidora rotunda desde el primer momento que conocí sus trabajos). [Espero poder escribir sobre ella, y a tiempo, jeje].

Nuestro pequeño viaje virtual (pero también sentido, siempre es así en Acanto) acaba ya, pero empieza en otra dimensión también, el de las ideas, y por ello os dejo con una de las obras que puede tener múltiples significados para esta exposición, para los responsables de Acanto con su re-proyección, y con la obra de Tàpies en general: La letra «O», «Lletra O»: donde vemos el círculo, el símbolo del comienzo y el fin perennes, en constante fluir…, donde aparecen lo gestual, la firma, la expresión en el grueso trazo de la O, el rojo sangre y el fondo blanco…Puro Tàpies…

…Y…bueno, esta entrada en mi blog pretendía ser algo más académica o histórico-erudita (ñje) al principio (cuando creía que lo terminaría de escribir al comienzo de la exposición) pero no ha sido así, de manera que tendré que dedicar a Tàpies otro post en el futuro, con toda la info y notas que he ido recabando; con calma, eso si, con tranquilidad y reflexión, como su obra merece (como toda obra de arte merece, claro).

Gracias a Emilio y Miguel, Acanto, por traernos a Tàpies, por llevarnos a otro estadio del Arte, donde poder solazarnos, pensar, recrearse, aprender, sentir y esperar…esperarlo todo, pues todo está en continuo comenzar, seguir y observar…pero activamente, sin parar…

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Enlaces de interés:

-Para completar la muestra, en la sala se puede ver un vídeo documental sobre la vida de Tàpies (que también podrás ver aquí pinchando el link): Antoni Tàpies, (autor: Miguel Ángel, en Vimeo).

-Exposición en prensa: Diario de Almería, Artedegalería, Artedegalería (visita virtual)

Algunas imágenes de la inauguración y durante la exposición (alumnos visitándola):

Para ir poniendo al día este blog, que falta le hace…, e ir haciendo dedos tras el letargo veraniego y otros (letargo en cuanto a escritura, que no en reflexión, lecturas, visualizaciones, etc)…me pongo manos a la obra, a ver qué puedo decir de algún interés para mí misma y resto de lectoras o lectores…ayy, ahí voy…

-Este Julio pasé por PHotoEspaña, el festival 2011…, no pude ver mucho, lo esencial que me permitía el tiempo que estuve en Madrid…un día…uf. Bueno, así que este es un post atrasado, pero en fin…, formaremos uno con los fragmentos de cosas sin decir de estos meses…vale?.

El caso es que vi los rostros de El Fayum, que tantas ganas tenía de ver «in person»…, no trajeron muchos de estos retratos, pero al menos pude ver esas apreciadas e increíblemente bellas tablillas de los retratos de nuestros difuntos antepasados en «vivo» (je) y en directo. No me gustó mucho la instalación ideada en el Museo Arqueológico (que aproveché para ver, pese a que estaba en remodelaciones-ampliación- y sólo exponían las «joyas de la corona», bonitas y edificantes, si, pero cuando una va a un pedazo de museo así, intenta verlo entero, y no sólo una parte, aunque tuviera su por qué). En fin,  al grano, no vi demasiado acertada la forma de exponer (museísticamente hablando) la tablas, con muy poca luz, pero directa, con lo que se reflejaba esa poca luz en la pintura y molestaba teniéndose que ver de semi-lado, y colocadas muy altas (bueno, ya se que mi estatura no es la standar europea actual, o sea, soy tipo mediterráneo antiguo, pero de ahí a ponerlas tan altas…en fin) y bastante juntas, con lo que cualquier grupito arremolinado con guía impedía poder ver el resto con soltura. Y eso, que no se si llegaban a ser unas 10 en total…una pequeña muestra de las que existen, vamos. Tampoco me gustó el audiovisual-instalación que exponian junto estos rostros de El Fayum, pero eso es otro cantar… Y en suma no me arrepiento de la visita, tenía que verlas y las vi.

También vi, y esto si que me llenó más (entre otras cosas me sorprendió porque no iba buscando nada, ya que ni me había informado sobre ella) los famosos «autorretratos» de los 70 de Cindy Sherman imitando a personajes anónimos, entre ellos los pasajeros de autobuses urbanos neoyorkinos -de su serie Bus rider-, en la exposición: 1000 caras/O caras/1 rostro; y también conocí de cerca los retratos de Thomas Ruff (tipo carnet pero de tallas XXL, je, pero interesantes) y al, para mí desconocido, histórico aficionado de la fotografía Frank Montero…, todo un personaje en continua performance (antes de existir el término tal cual lo conocemos hoy día), también de cierto interés, diría que… dentro de la antropología del fotógrafo, je.

Las series  de Cindy Sherman, que forman parte de la Historia de la fotografía contemporánea, como Bus rider, Murder Mistery People, o Untitled Film Stills, son para mí, joyas de la fotografía como concepto, no ya como técnica ni nada de esto, porque tampoco lo pretenden. Son retratos sobre la sociedad, desde la reflexión de lo que significa la Identidad, algo sobre lo que planea hoy día gran parte de las obras de arte de rabiosa actualidad…

Y ya hablando en general, creo que pese a que, quizás, por lo que he visto, y leído, no sea este el más brillante de los Photoespaña, material o expositivamente hablando, el dedicar al Retrato el festival, ha sido un gran acierto, y demuestra que no sólo este género está en plena vigencia, sino que el festival está al día en las tendencias, claro…

También me dio tiempo a ver la super (por extensa y bien densa) exposición del paparazzo de los paparazzi, Ron Galella, al que yo no tenía muy ubicado, la verdad, y del que pude apreciar su calidad,  pese a lo «irrespetuoso» de su trabajo (je…, se nota que los artistas y famosos a los que fotografiaban, no sabían la que se les avecinaba después, en el trascurrir de los tiempos fotográficos, periodísticos, y del resto de medios de comunicación, redes sociales, canales de comunicación digitales, etc.) con robados increiblemente buenos ( Marlon Brandon o Mick Jagger…ufff, qué pasada -la fotografía que pongo abajo es de mis preferidas de Galella), y algún robado-posado que otro (entre ellos Liz Taylor…, que creo que siempre iba posando ya de por sí…animal fotográfico, con esa mirada felina y bella  y que  ha sido el rostro publicitario del festival de este año…).

Bueno, el festival daba mucho de sí, y fue una pena no poder ver más exposiciones in situ (menos mal que siempre tendremos su web, y sus catálogos, …bien editados y a mano de cualquier comprador que los quiera).

En fin, «Que me quiten lo…bailao», visto, en este caso, si pueden, jeje…como diría alguno por la feria que acaba de terminar en Almería…ele!

(el próximo post, precisamente va de fotografía por aquí, Almería…Tierra de objetivos…cinematográficos y fotográficos…la historia y el presente lo atestiguan…)