“Cuerpos de agua” es la obra que este año presenta la artista seleccionada por mí, María Dolores Gallego , para el XV Salón de la Crítica, organizado por la Asociación Murciana de Críticos/-as de Arte  (AMUCA; asociación que pertenece también a AECA, ahora AICA Spain) como cada curso.

Cartel individual de exposición de Cuerpos de Agua. 2024.

La exposición colectiva donde se puede ver este conjunto de obras en acuarela líquida y bordado en hilo sobre papel, se podrá ver hasta el 30 de Enero en la Sala Ángel Imbernón del Museo del Cristo de la Sangre en Murcia.

Como siempre explico, en este salón, los y las socias de la Asociación Murciana de Críticos de Arte, escogemos a una/un artista y una de sus obras para una muestra colectiva; escribimos el texto crítico sobre dicha obra y lo presentamos ejerciendo labores de co-comisariado por así decirlo, cada cual de nuestro/-a invitada o invitado.

Es algo que esperamos gratamente (hablo en plural porque es el sentir de la mayoría de compañeros y compañeras) ya que se establece, normalmente, un diálogo muy fructífero entre artistas y críticos, salimos de nuestro mundo personal para adentrarnos en la obra, trayectoria y peculiaridades de la persona que presentamos, y creo que este ejercicio es muy bueno para mantenerlos al día de lo que “se cuece” a nuestro alrededor, tan cerca muchas veces, y de excelente calidad, dentro de los parámetros del Arte Contemporáneo más actual.

El comisariado general del Salón de 2024 ha recaído en Rodrigo Carreño, que también presentó a un artista. En total han sido 10 obras de 10 artistas diferentes presentad@ por 10 comisari@s.

*Y al final de este post podréis pinchar en los link donde la prensa online se hace eco de esta (sin ser pretenciosa) estupenda exposición.

Os muestro aquí el texto que he escrito para dicha obra:

Podréis leerlo también, junto al resto de textos críticos con sus correspondientes obras y artistas, en el catálogo online XV SALÓN DE LA CRÍTICA .

Detalle de la obra (pieza del conjunto de 16 formatos A3) Cuerpos de Agua, de María Dolores Gallego. Acuarela líquida y bordado en hilo sobre papel. Fotografía de María Rodríguez Valdés.

Cuerpos de agua, de María Dolores Gallego

      Como María Dolores Gallego nos recuerda, respecto a esta obra que tengo el placer de presentar en el XV Salón de la Crítica de Murcia, “un cuerpo o masa de agua” es la extensión acuosa que se encuentra tanto en la superficie terrestre como en el subsuelo, en estado líquido o sólido, formada natural o artificialmente…, y que también se encuentra en nuestros cuerpos en un elevadísimo porcentaje… De modo que la conclusión es: Somos puro cuerpo de agua, en el Todo (lo que nos rodea) y en la extensión de nuestro propio cuerpo…

      En la exploración que significa “Cuerpos de agua”, realizada en el Espacio de Cultura Contemporánea de Cádiz (ECCO) bajo la organización de MECA (Mediterráneo Centro Artístico de Almería, durante BLUE&BLUE Octubre-2023), María Dolores (o “Mado”, nombre con el que la conocí) nos ofrece, en el Museo de la Sangre de Murcia, una obra plástica compuesta por 16 acuarelas en A3, trabajadas con técnica mixta (acuarelas líquidas e hilo) sobre papel, cuya totalidad, vista en su conjunto, dilata nuestras pupilas siguiendo los surcos que traza ese fluido elemento mezclado de azules.

      Los pigmentos Azul Turquesa, Celeste, Marino, Real, Pizarra, Añil, Primario y Púrpura, empleados en este juego esencial, son tonalidades que puede adquirir el agua, aunque sea a base, “realmente”, de luz roja (N¹), cuando esta atraviesa el líquido y nos devuelve color azul a nuestros ojos.

Lo acuoso, aunque incoloro, sin sabor ni olor en estado puro, es tangible…, y actúa, para ser observado, como un camaleón, nutriéndose de los colores reflectados, y según donde se halle… Las formas sinuosas de fractales no geométricos contornean el papel con las gamas escogidas en una suerte de decisión racional, por la selección de los mismos, pero en un dejarse llevar a la vez, para que, precisamente, fluyan y nos desborden…

      Y es en este baño de acuarela troquelada por la aguja del hilo (que ayuda a los azules a desparramarse) donde María Dolores reflexiona: “el agua configura nuestra vida y está en constante movimiento. Nosotros también. Fluidos, desbordados, contenidos… Vivimos en una sociedad líquida caracterizada por una extremada incertidumbre, flexibilidad y cambio permanente (…)”.

  Es por ello que la obra que traemos me remite irremediablemente a La Metamorfosis de Ovidio, cuyos poemarios nos narran, mezclando lo mitológico con lo histórico, una aproximación al Origen del mundo (al menos el Occidental); pero no una creación en pasos o metódica, sino todo lo contrario, caótica, llena de casualidades, devenires y Transformaciones continuas.

En esta tradición cultural, en cuyo mar Mediterráneo (por ejemplo) se da el germen de civilizaciones varias…, un elemento tan aparentemente sencillo como es El agua, …que se nos escurre entre los dedos (como el tiempo), y varía siempre de forma orgánica,…está en el, casi épico, epicentro de ese Todo del que hablaba al principio de este texto…

       La reflexión visual de María Dolores Gallego, en su línea conceptual, y dentro de la abstracción donde suele trabajar, nos ofrece una obra hermosa por la acuarela pero matizada por las puntadas en blancos y azules cual pinceladas de luz, dentro de unos procesos que enlazan de forma coherente con otros proyectos de la autora, quien investiga sobre lo textil, el coser o tejer, como seña de identidad, como medio de comunicación, o como forma vital de estar presente en el mundo; como reivindicación, al fin, de la Historia e historias individuales de las Mujeres, entre otras cosas…

     En este magma ancestral os invitamos a fluir como espectador@s, enajenados de gritos silenciados o de prisas, de movimientos sin péndulos quizás, metamorfoseándonos en la belleza de lo inabarcable, como esos cuerpos de agua con sus hilados y acuáticos azules que también podrían estar en la paleta de William Turner, por ejemplo…. Gracias por todo ello Mado…

Almería-Murcia, 2023/24

“Cuerpos de agua”, obra de María Dolores Gallego. 16 piezas de técnica mixta: Acuarela líquida y bordado en hilo sobre papel. 2024. Fotografía del conjunto de María Rodríguez Valdés

(Nota1) “El color del agua se debe a la absorción selectiva de la luz. Cuando la luz atraviesa el agua, ésta absorbe del espectro electromagnético las radiaciones correspondientes a la luz roja, y por tanto,la luz que la atraviesa la vemos como azul ”

Fuente Wikipedia.

+ SOBRE LA ARTISTA MARÍA DOLORES GALLEGO

Breve BIO

MARÍA DOLORES GALLEGO
1988, Torreperogil (Jaén)

-Artista visual y profesora del Departamento de Pintura de la  Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Granada.
– Doctora en Historia y Artes por la UGR (con Mención Internacional).
Licenciada en Bellas Artes, Máster en Producción e Investigación en Arte, y Máster en Dibujo por la misma universidad.
– Ha realizado estancias internacionales en prestigiosos centros de  investigación, creación y educación artística superior de Atenas (Grecia),  Roma (Italia), Milán (Italia), São Paulo (Brasil) y Bucarest (Rumanía).

• Exposiciones y proyectos individuales:

2023:
– “Rompiendo Patrones”. Paseo Iglesia Vieja de Doña Mencía,  Córdoba (Artista invitada a la XXV Muestra de Arte Contemporáneo DMencia. Comisario: Moisés Bedmar).
– “Orígenes”. Galería Azur, Jaén (Comisario: Antonio Del Moral. Textos críticos de Miguel Scheroff y Rosa Lendínez).

2022:
– “Retrospectiva Visual”. Centro Cultural Casa de la Música de Torreperogil, Jaén (Comisario: Paco Torres. Exposición oficial de la Bienal MAV 2022).

2021:
– “Incerteza Viva”. MECA – Mediterráneo Centro Artístico, Almería. (Comisario: Fernando Barrionuevo).
– “Vítores Abstractos”. Seminario de San Felipe Neri de Baeza, Jaén.

2018:
– “Cuerpos Coloreados”. Claustro Archivo Histórico Provincial, Jaén (Proyecto site-specific oficial de la Noche en Blanco de Jaén 2018. Comisarios: Iván de la Torre Amerighi y Juan Ramón Rodríguez-Mateo. Mecenazgo: Caja Granada Fundación).
– “Pensar es olvidar”. La Empírica, Granada (Texto crítico de Simon Zabell.

2017:
– “Discurso sobre las pasiones del amor”. Galería La Silla Eléctrica, Sevilla (Exposición oficial del Encuentro Internacional de Arte Contemporáneo – ARTSevilla 2017).

2013:
– “Textiles Alhambrescos”. Sala de Exposiciones del Museo Histórico de Carcabuey, Córdoba.

2011:
– “Animales Hilvanados”. Centro Cultural Casa de Porras, Granada.

• Exposiciones colectivas:

Desde 2008, sus obras han sido exhibidas en más de 80 exposiciones que han tenido lugar en galerías, espacios alternativos, centros de arte y museos de España, Portugal, Italia, Grecia, Jordania, Canadá y Estados Unidos.

• Bienales y Ferias de Arte:

– BIUNIC 2019 – III Bienal Andaluza de Creación Plástica Contemporánea en Sevilla

– III Bienal CROMÁTICA 2014 en Ourense

– FACBA 2014 y 2013 en Granada

– ARTJaén 2013

– Bienal IKASART 2011 en Bilbao

• Obra en Colecciones pública

Universidad de Jordania

Universidad de Granada

Universidad de Jaén

Universidad Internacional de Andalucía

Ayuntamiento de Granada

Ayuntamiento de Doña Mencía, Córdoba

Fundación Sierra Elvira

Fundación OMNIA

Y en colecciones privadas de España, Italia, Brasil, Omán y Grecia.

• Premios obtenidos:

2023:

– Segundo Accésit en el XXVII Certamen Internacional de Pintura Juan Almagro.

– Ganadora del X Premio UNIA – Universidad Internacional de Andalucía de Pintura 2023.

2021:
– Artista seleccionada en la VIII Edición MMM (Mujeres Mirando Mujeres) de MAV – Mujeres en las Artes Visuales a nivel nacional.

2020:
– XIII Premio de Estudios Iberoamericanos La Rábida 2020 a la Mejor Tesis Doctoral en el ámbito de Iberoamérica.
– Ayuda a la Creación Artística 2020 de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales de la Consejería de Cultura y Patrimonio Histórico de la Junta de Andalucía.

2019:
– Finalista en el XLIX Concurso Internacional de Pintura Homenaje a Rafael Zabaleta.

2018:
– Tercer Premio en el III Certamen Internacional de Pintura Manuel A. Ortiz de la Universidad de Jaén
– Primer Premio del I Concurso de Pintura de la Fundación Sierra Elvira
– Mención Honorífica en el XX Premio de Pintura Joven de Granada
– Premio Alonso Cano de la Universidad de Granada a la Creación Artística 2018. Modalidad de Pintura.

2014:
– Artista seleccionada vía convocatoria internacional para la Residencia Artística Mostrami VIII. Milán (Italia).

2013:
– Finalista en el VI Premio UNIA – Universidad Internacional de Andalucía de Pintura.

2012:
– Finalista en el XXVI Certamen de Pintura Emilio Ollero
– Finalista en el V Concurso de Pintura La Rural

2015:
– Beca Iberoamérica del Santander Universidades.

2011:
– Premio Diseño del Cartel Día Internacional de la Mujer de Granada

Pincha aquí para ver la Versión Extendida del CV de Maria Dolores Gallego

………………..

RRSS de María Dolores Gallego:

www.mariadoloresgallego.com

[email protected]

@mdoloresgallego (IG)

@mdoloresgallego (FB

IMÁGENES DE LA INAUGURACIÓN

Fotografías durante la Inauguración, día 11 de Enero. 2024. MaribelÚbeda (CC)

NOTICIAS EN PRENSA ONLINE

Noticia en la plataforma Portal de la Región de Murcia: murcia.com

Noticia en plataforma MAV :Mujeres en las Artes Visuales

Noticia en ALMUARTE plataforma digital de “Antiguos Alumnos y Amigos de Hª del Arte y Bellas Artes y del Patrimonio Histórico-Artístico de la Región de Murcia”: XV Salón de la Crítica

Diario La Opinión de Murcia: Salón de la Crítica presenta el mejor alrte

Diario.es de Murcia: XV Salón de la Crítica, por J.Alberto Bernardeau

Cartel de la exposición colectiva donde se muestra Cuerpos de agua. XV Salón de la Crítica, 2024.

FOTOGRAFÍAS DE LA OBRA EN SALA

Por Pedro López Esparza (Fotógrafo)

Una año más,  y para iniciar 2023 como se debe, presento a una artista, en este caso una fotógrafa almeriense, Rosa Cid (en redes Rosita de Pitiminí), en el Salón de la Crítica que organiza la Asociación Murciana de Críticos y críticas de Arte Contemporáneo (AMUCA) .

En esta XIV edición, el tema propuesto para el Salón ha sido “Futuros fugaces” (también título de la exposición colectiva inaugurada el 12 de Enero, y que estará hasta el 26 del mismo mes) , y en el texto de invitación de comisariado, entre otras cosas, se nos preguntaba: “¿Qué futuros imaginamos? ¿Existe aún la posibilidad de un mañana? (…) Ante una sociedad en crisis y amenaza constante –desastre climático, político, bélico, sanitario–, ¿cuáles son las respuestas y las propuestas del arte? ¿Sigue teniendo el arte un papel en la imaginación política? Se nos escapa el presente, pero también se nos escapará el futuro. (…)”

[podreis leer este texto completo en el prólogo del catálogo que estará en la Sala de Ángel Imbernón, del citado Museo Cristo de la Sangre en Murcia, en el Barrio de El Carmen]

Composición para catalogo Serie Sin Límites. Fotografías de Rosa Cid para Salón de la Crítica, AMUCA, 2023. En Murcia

Ante el reto de presentar obra que tuviera que ver, según cada crítico y crítica (claro), con un tema que suena de partida “apocalíptico”…, y revisando la obra, entre vari@s candidatos, principalmente de fotografía, encontré la interesante y reciente serie de Rosa Cid, que aceptó mi invitación exprés para participar en la presente exposición/catálogo de obra crítica, y aquí extraigo el texto resultante, para el catálogo de la exposición, inspirado en su serie “Sin límites”:

Rosa Cid / Rosita de pitiminí : Sin límites. Retrato en danza.

…Y tú… ¿qué esperas del futuro?, ¿cómo lo encaras?…¿quizás con un movimiento continuo…?, ¿con una danza perpetua…así…, hasta el infinito…?. ¿Recordando en cada gesto, cada paso, impulso o salto a quienes nos han precedido, o a quienes están con nosotros ahora, o ya no están pero siguen presentes y seguirán, así, entre nosotras…?

Porque…¿qué es el futuro?… Es una pregunta existencial, pero también pragmática por real, algo que todo el mundo se pregunta alguna vez, o con insistencia en determinados momentos. El futuro es YA!, pero…, se desvanece…ya no es…, así que…¿cómo retenerlo?

…Una forma sería como lo hace Rosa Cid en esta serie fotográfica que presentamos para el XIV Salón de la crítica, porque creemos que se acopla perfectamente a la temática general de dicho salón, ya que estas instantáneas, realizadas con larga exposición, conjuran el Futuro con lo Efímero, congelando el Tempo de la danza para nuestro disfrute y reteniendo toda una serie de estelas de movimiento improvisado…

Es parte de la magia de la fotografía, atrapar ese momento llamado instante por su fugacidad para retenerlo en un puño y hacerlo Eterno. Es Nada y es Todo a la vez…

Como la propia Rosa me indica para estas líneas, comenzó en la fotografía de forma necesaria y emocional, para recordar a sus seres queridos y añorados tras su desaparición incluso…, y desde entonces, cada vez que retrata a alguien, alguna persona mayor, por ejemplo, se pregunta qué será de el o ella más adelante… Este acto/pasión/reflexión asociado a la técnica de exponer, revelar/editar/componer…, obtener, es muy semejante al inicio de la primera fotografía: capturar el alma…, inmortalizar al mortal…

Rosa Cid y María Lera, la fotógrafa observadora apasionada y su objeto/sujeto de captura…, crean una forma de futuro compartido en “Sin límites”, tanto por la disciplina y técnica como porque Ellas son presente, pero también Futuro…. El futuro de las artes visuales y de la danza contemporánea en este caso…, y me alegro de tenerlas aquí, entre estas páginas y para este Salón porque permanecerán ya unidas y expuestas, sus almas, ante ustedes (y ahora…, un redoble de tambores…).

Las cuatro imágenes mostradas de esta serie fueron realizadas durante un ensayo de María, de forma experimental, en el himpas de la grabación de un vídeo de danza contemporánea sobre el movimiento corporal que consistía en dejar el cuerpo fluir capturando el movimiento bajo el concepto de “lo líquido” (algo que os recomiendo como ejercicio, y os lo digo en primera persona, pues María Lera es, además de una gran bailarina, una excelente profesora…), de manera que la cámara de Rosa seguía de forma orgánica la improvisación de María… La estela dejada por su cuerpo sobre el espacio, incorpórea casi, y también casi fantasmagórica (si estuviera en b/n y esta imagen hubiera sido tomada a finales del siglo XIX, por ejemplo…) representa muy bien una visión no apocalíptica (sin menospreciar lo apocalíptico) sino vital…, porque es la captura de la esencia de nuestro cuerpo, y por ello del Ser/existir, pues VIVIMOS, trabajamos, amamos, reímos, añoramos, sentimos, bailamos, hacemos arte, lo disfrutamos,… o nos desilusionamos ( junto a la guerra, la violencia en nombre de no se qué…) y demás males…, pero, … aquí estamos, aquí seguimos, CREANDO, Y siendo el Presente del Futuro.

…Reteniendo lo fugaz hasta el infinito, como en la Danza, como en la fotografía…, porque si no… ¿qué Futuro imaginas tú ?…

Maribel Úbeda

Texto para el XIV Salón de la Crítica de la Asociación Murciana de Críticos de Arte. Almería-Murcia, 2023

BIO de Rosa Cid

Rosa Cid –Rosita de Pitiminí, nombre artístico- (Almería, 1988) es graduada superior en Fotografía y en Gráfica Publicitaria, también ha cursado estudios de audiovisual y ha trabajado en el campo de la gráfica publicitaria.

Actualmente realiza profesionalmente reportaje social además de retrato y fotografía por encargo, compaginándolo con proyectos personales de videoarte y fotografía artística.

Exposiciones: 2021- Proyecto “Cómo despedirse del mar”. Exposición colectiva 7 Propuestas. Varias muestras: Museo de Arte de Almería Sala II, y Sala de exposiciones Clasijazz, Almería / Exposición colectiva con Colectivo Desencuadre Fotografía, Paseo de Almería.// 2019- Exposición colectiva “Tejidos Invisibilizados”, La Oficina, Producciones Culturales, comisariada por Ana Cayuela (cineasta, fotógrafa y profesora de audiovisual). // 2018-

Exposición colectiva. Instituto Andaluz de la Juventud. Comisariada por Elena Pedrosa (fotógrafa, comisaria y profesora de la Escuela de Arte de Málaga) con la EAA. / Exposición colectiva. Museo Arqueológico de Almería, comisariada por E. Pedrosa. EAA. / Proyecto Foto Acción Almería, Centro Andaluz de la Fotografía (CAF), comisariada E. Pedrosa.

*BIO de María Lera
María Lera (María Lentisco Ramírez, Cartagena, 1992) es artista, bailarina y coreógrafa, titulada de Máster en Artes Escénicas por la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid y graduada en psicología por la Universidad de Almería. Recibe su formación en danza con distintas escuelas y profesores de la provincia de Almería y en reconocidas escuelas de Madrid y París, con un especial enfoque en la improvisación y la danza experimental.
Ha trabajado como bailarina para distintas compañías de danza, participando así en eventos y festivales de la provincia almeriense.
Actualmente, se encuentra creando proyectos artísticos propios, tal es el caso de “Garabato”, su primera pieza de danza en solitario, la cual ya ha sido presentada en la provincia almeriense.
Además, es profesora de danza de diferentes estilos, entre ellos: danza contemporánea (enfocada desde la exploración del movimiento e improvisación), danzas urbanas, y ancestral dance (danza libre y meditación en movimiento).

ENLACES RELACIONADOS:

Enlaces de Rosa Cid

Blog de Rosa Cid

@rositadepitimini  (instagram)

Enlaces de María Lera

@_marialera (instagram)

Noticia del XIV Salón de la crítica en prensa:

eldiario.es/murcia

https://murcianoticias.es/el-xiv-salon-de-la-critica-muestra-a-partir-de-este-jueves-sus-obras-seleccionadas-bajo-el-lema-futuros-fugaces/

XIV SALON DE LA CRITICA

Murcia.com

GALERÍA DE IMÁGENES

Fig. 1, 2, 3 y 4: Fotografías de Rosa Cid, Serie “Sin límites”. Fig.5: Obras expuestas en Sala de Ángel Imbernón, Museo Cristo de la Sangre, Murcia. Fotografías comisariado de exposición. Fig.6:  Imagen de prensa del día de la inauguración de la exposición colectiva, texto de Asier Ganuza, Diario La Opinión de Murcia.

Cartel oficial de exposición Salón de la Crítica, AMUCA, 2023. En Murcia.

Gore World... así es…lejos del mundo idealizado o idílico de gran parte del arte, muchos artistas pueden lanzarnos hacia otros latidos, otro sentir…, otros olores, tacto o gustos…

Varias Autorías

Gore World.  Two Art Gallery. Fotografías cortesía de la galería.

Desde que vi (disfruté/aluciné, a partes iguales) esta exposición en la Galería Two Art Gallery de Murcia, a finales de Diciembre de 2021…, ha pasado poco tiempo, pero ha llovido mucho, metafóricamente hablando (que no meteorológicamente) como todo el mundo sabe, por el diluvio de acontecimientos anacrónicos/injustos/ kafkianos en Ucrania…

[Mi sentido pesar por quienes tristemente lo están padeciendo y sufriendo…y lo que traerá para el resto del mundo a corto y largo plazo]

Así que ahora mi escritura sobre la misma exposición al abordar este post es ligeramente diferente, desde posicionamientos racionalmente antibelicista y antibelicosos… Lo primero puede ser fácil como principios, pero lo segundo es algo más complicado de llevar airosamente, puesto que late en el aire un ambiente poco optimista, con voces de rearmamento, guerra nuclear, etc., etc.,  que parece surrealista, pero es la realidad, …la cruda realidad, como parte de las imágenes que observamos en la galería Two Art Gallery.

De todos modos, y pese a este comienzo, intentaré no irme por los cerros de mi apellido y hablar (comentar, reflexionar o analizar…) Gore World, estupenda muestra por sí misma y al margen de cualquier situación exterior, aunque las obras y piezas (esculturas principalmente, aunque también instalación, pintura y fotografía) no están exentas de diálogo interno y externo, desde luego. Es más, tienen un marcado tono ácido todas ellas…, y no solamente por su estética o temáticas variadas (dentro del universo de lo que podemos enmarcar lo llamado gore) sino por el alto contenido ideológico [*1] de crítica hacia políticos, cultura, ética, moral o falta de todas ellas que desprenden las piezas artísticas.

Porque es esta una exposición colectiva de diversas autorías nacionales e internacionales (con obras actuales o de hace algunos años), seleccionadas por la galerista y comisaria, Eva Hernández Calderón, bajo el criterio de lo provocadoramente gore…; y “gore” puede ser tanto algo sangriento (no en balde proviene esta palabra del término inglés “sangre”), como una idea, una actitud, o determinadas filias, no nos confundamos. Tampoco gore tiene que significar imagen virulentamente sangrante y/o cutre hasta la risa, como nos tiene acontumbrados el término del subgénero en cinematografía (véanse dos grandes referentes para el epíteto “gore” en “Braindead” de Peter Jackson o el film gallego “La matanza caníbal de los garrulos lisérgicos“, como ejemplos, y mejor la segunda que la primera según mi parecer…), aunque sí suele haber algunos elemento comunes en todo lo denominado “gore”, y es, a parte de los referentes a lo pop y el cómic (en lo estético), la ironía, sátira y esperpento, el humor negro, o la escatología, la mutilación …,  unido casi siempre, en las artes plásticas, al realismo o hiperrealismo, y bastantes veces, a la crítica social (moral o esteta), bien como actitud concreta, o bien como posicionamiento general y visceral…(literalmente o no, también).

En palabras de la propia galería, aun estáis a tiempo de ver: “Desde la sangre hasta las mutaciones, pasando por la religión, el sexo y la coprofilia en su máxima dimensión, “Gore World” recoge todo tipo de fenómenos perversos a través de unas obras desgarradoras, un submundo paralelo donde la provocación y lo extraordinario son una constante pero, sobre todo, una experiencia única para el espectador y muy especialmente para los aficionados a este tipo de manifestaciones. Un tributo al exceso, a lo deforme, a lo diferente, pero también a la imaginación, a la libertad no sólo creativa sino también mental, todo cabe en ese universo trágico-cómico del gore, incluido el humor. Un show de dos rombos en el que participan 45 artistas nacionales e internacionales con más de cincuenta obras”.

Por orden, obras de los artistas: Werner Reiterer/escultura hombre, Thomas Kuebler/escultura músico bicéfalo, Simone Racheli/escultura bomber (izquierda) y (derecha) Silvia Flechoso/Retrato D.Trump, Patricia Mateo/pintura goyesca , Nojus Petrauskas/pintura, Leo Ferdinando Demetz/escultura niño, Jorge Rueda/collage fotográfico. Fotografías cortesía de la galería. 

Obra de Jorge Pérez Parada/pintura. Fotos cortesía de Two ArtGallery. Gore World, 2022

Obras de Reme Amorós/pintura (izquierda) y Paolo Schmidlin/escultura (centro). Foto cortesía de la galería.

De manera soslayada (las menos), como el hitchikoriano Mr. Bean y la goyesca dama, o de manera directa, las más…, como el aterrador papa emérito, las siamesas de los Chapman, o la talla excelente de Joan Priego (por citar alguna de las que más me impresionaron), las obras apelan a todos nuestros sentidos, a los más evidentes y primarios (como la vista) y a los más (co)laterales, el subconsciente, la memoria (referentes cinematográficos, periodísticos o activistas y culturales), junto a nuestros instintos básicos o sublimes/subliminares… Y hay que estar, o bien muy preparados, o bien dejarse llevar sin más, sin miedos ni complejos…; porque sí, queridos y queridas, el Ser Humano es todo eso también, o además…, y creo que ambas actitudes en esta sala son compatibles, pues el realismo hasta el hiperrealismo, o lo neofigurativo, puede llevarnos por muy diversos derroteros en esta gran exposición. Y con grande me refiero tanto a extensa en metros cuadrados y número de obras, como en calidad, puesto que todos sus artistas son de renombrado prestigio y trayectoria, sin pararme en la técnica de todas ellas (porque tendría que reescribir el catálogo, que os recomiendo, entre otros motivos por su cuidado, como todas las  publicaciones de la galería) de un detallismo o preciosismo extremos en la mayoría, por imperativo de concepto.

Pero, repito, esta exposición recomendable, que, como se dice en otras publicaciones online sobre ella, es dificilmente repetible fuera de esta sala (ni en galerismo privado ni en salas públicas u otros espacios que no sean ARCO a nivel nacional) no es solo de alto interés por lo gráfico explícito, la capacidad de sus artistas, la variedad de formatos, técnicas, materiales, disciplinas y estilos (dentro de la estética gore, bizarra y hasta kitch en general), o por el alarde temático, tan inusual como comprometido, sino por las ideas que desmenuza, hechos, realidades, cuestiones, elementos, fragmentos, formas…de nuestro mundo en los márgenes, que no deseamos ver o mostrar las más de las veces…

Aunque, por supuesto, no siempre hay “algo” especial o dantesco detrás, y sí una gran puesta en escena y/o mucho humor -sin más- donde poder enredarnos, como en las excelentes piezas  del hombre “lamiendo” la pared, de Werner Reitener, o el bicéfalo conjunto del tocador de banjo sacado de la américa profunda por Thomas Kueblerg,  por ejemplo.

TAG trae de esta forma y formato gore lo mejor del panorama del arte contemporáneo en lo figurativo, y es indiscutible, solo teneis que pasearos por sus anteriores exposiciones para ver otros mundos escamoteados normalmente en su línea…

El espacio libre de pandemias mentales de Two, cuya trayectoria es larga (*2) y coherente desde su anterior espacio (Clave), demuestra tener coraje y ganas de mostrar…, ganas de no ir nadando por entre las corrientes sencillas unas, otras simplonas, a las que nos quieren acostumbrar quienes programan (o hemos programado incluso) exposiciones para todos los “gustos”, saberes y haberes, edades o ideas/ideales (ideologías…de nuevo)…, estádares, conceptos cuadricualados, prejuiciosos o poco libres…

Pues bien, ..dicho todo lo anterior…, esta expo deseo pensar que puede ser para todo el mundo, sí, …pero hay que bajar la guardia y sumergirse en el lodazal, el fango, las pesadillas o los sueños menos tranquilos, menos domesticados, menos… pero cuando el menos es más … y más…y más…

Catálogo de la exposición (imagen galería).

Artistas con obra en la exposición Gore World:

Javier Aguilera – Reme Amorós – Alessandro Boezio – Francisco Carrillo – Antony Crossfield – Jake & Dinos Chapman – Tomy Ceballos – Leo Ferdinando Demetz – Luca del Baldo – Carlo di Meo – Andrzej Dragan – Carlos Fernández – Silvia Flechoso – Santiago Gijón – Mitsy Groenendijk – Harma Heikens – Chao Cheng Huang – John Isaacs – Thomas Kuebler – Alfredo López – Piero Manzoni – Fausto Martín – Enrique Marty – Guillermo Masedo – Patricia Mateo – Lorenzo Mena – Zhang Peng – Jorge Pérez Parada – Dante Perrito – Nojus Petrauskas – Joan Priego – Iván Prieto – Juan Piza – Simone Racheli – Werner Reiterer – José Romero – Jorge Rueda – Viktor Safonkin – Paolo Schmidlin – Joseph Seigenthaler – Qimmy Shimmy – Gerald van Scyoc – Lia Viciute – Joel Peter Witkin – Peter Zelei

Fotografía de J. Peter Bitkin.

Escultura de Juan Piza.

Escultura en resina policromada. Harma Heikens.

Fotos cortesía de la galería. Gore World. en Two Art Gallery.

*Nota 1.

Es interesante, cuando un@ escribe, ver qué sabes o no, no del tema en sí, sino en general…; por ejemplo, de pronto me he planteado qué es Ideología; o sea, qué abarca…, pues pensamos, a veces, que solo se refiere a nuestras querencias o cultura política, o religiosa como mucho, pero …no…, abarca más, el todo diría yo, y  donde nos movemos en la teoría y práctica (vayan o no unidas estas).

Así que según Wikipedia: “El término ideología fue formulado por Antoine Destutt de Tracy (Mémoire sur la faculté de penser, 1796), y originalmente denominaba la ciencia que estudia las ideas, su carácter, origen y las leyes que las rigen, así como las relaciones con los signos que las expresan.” (…)

“En ciencias sociales, una ideología es un conjunto normativo de emociones, ideas y creencias colectivas que son compatibles entre sí y están especialmente referidas a la conducta social humana. Las ideologías describen y postulan modos de actuar sobre la realidad colectiva, ya sea sobre el sistema general de la sociedad o en uno o varios de sus sistemas específicos, como son el económico, social, científico-tecnológico, político, cultural, moral, religioso, medioambiental u otros relacionados al bien común.”

[merece la pena seguir leyendo toda la entrada en wikipedia y seguir ampliando nuestro conocimiento sobre este manoseado, pero necesario, término].

*Nota 2

Como comenté con la galerista Eva (a quien agradezco la atención de la visita guiada, improvisada, junto a mi compañero de crítica y amigo, el periodista Jose Alberto Bernardeau), en la anterior Galería Clave conocí, recién llegada al “mundo del arte contemporáneo” como quien dice, la obra de referencia del fotógrafo J-Peter Witkin, y disfruté, a parte de grandes escultores de la escena contemporánea (bastante desconocidos en general y en particular por mí ,tras terminar mi carrera especializada en Historia del Arte), del fotógrafo Tomy Ceballos o Chema Madoz, entre otros… Y comprendí lo que es llevar una línea “editorial”, en este caso artístico-visual en una galería, así como aprendí lo que una buena publicación significa en el mundo del arte…, o la especializacion, los criterios de selección y los vínculos inestimables con el arte contemporáneo y sus artistas concretos, que a la vista está en Two Art Gallery en la actualidad… La rabiosa actualidad del arte contemporáneo post-Todo de fin de siglo XX y los primeros 20 del siglo XXI.

** Por cierto, suelo acompañar de mis propias fotos los post de las exposiciones a las que voy, pero desgraciadamente, aunque las hice, perdí el móvil con ellas dentro… Lástima, algunas me gustaban bastante…jeje.

Enlaces de interés donde se habla de la exposición Gore World:

lahornacina.com/noticiasmurcia

www.laopiniondemurcia.es

https://murciaplaza.com

Otras exposiciones de Two Art Gallery

John de Andrea

Guillermo Pérez Villalta. Dibujos y Esculturas

Rigor Mortis

Ladies. 37 mujeres y un pollo

Thomas Kuebler. De Brujas, Monstruos y Asesinos

Animal Farm

Autores por orden:  Fausto Martín/pintura, Guillermo Masedo/pintura,  varias obras/autorías, Alessandro Boezio/escultra, Joan Priego/talla. Fotografías cortesía de la galería Two Art Gallery, Gore World, 2022.

Rocio Kunst : la antítesis de la insoportable levedad del ser en tiempos de crisis…

En este post que inaugura 2022, extraigo mi Texto Para el XIII SALÓN DE LA CRÍTICA,  organizado por la ASOCIACIÓN MURCIANA DE CRÍTICOS DE ARTE. 2021, y que se expone actualmente hasta el día 3 de Febrero del presente 2022, en el Museo de la sangre de la ciudad de Murcia.

“¿Por qué la antítesis de lo leve, volátil o superficial -en el peor sentido de estas palabras-?…

Porque lo que Rocío transmite con sus obras es algo profundo, emocional e introspectivo que apela directamente a nuestro ser. Y si acaso, lo que tiene de ligero es que se eleva por encima de lo que percibimos en un primer vistazo: piezas de enorme belleza con una gran técnica detrás. Y claro…,lo bueno, al menos para mí, es que no queda ahí la cosa, en el hecho artístico en sí…, que ya es…,sino que nos sobrepasa, y buscamos a través de nuestras retinas, tanto en el cerebro como en el alma …
Porque cuando observo la obra que Rocio Kunst lleva realizando hasta ahora, …me envuelve una tormenta de ideas, percepciones, recuerdos y referentes impresionante…, y no creo que el mérito sea mío, aunque (en parte por mi edad) haya visto, leído, o escuchado ya mucho en las diversas ramas del Artes…, sino de ella, por su trabajo impecable y por su capacidad de reflexión y exploración continuos, con un análisis cargado de introspección y “de abierto carácter confesional” donde el autorretrato, muy presente en la mayoría de fotografías, adquiere un fuerte “valor simbólico” en sus escenas, dicho con sus propias palabras; a la par que por su, también, estudio externo, desde dentro de la sociedad y sus preocupaciones más actuales.

Cuando me acerco más a su obra plástica comprendo por qué prefiere que hablemos de ella como artista visual y no como fotógrafa, y es porque sus intereses van más allá de lo fotográfico o una visión fotográfica de las cosas/sensaciones; para Rocío la fotografía es una herramienta creativa más, en el camino de transmitir lo que desea. Cosa que avala también con los textos que suelen acompañar sus piezas, y el hecho de que sus referentes sean en gran medida literarios:

(…) “creo que incluso más que cualquier referente visual, los libros que leo me evocan imágenes, así que mis referencias (artísticas) son los libros y mi propia experiencia, que está también atravesada precisamente por la lectura. Encontrar experiencias comunes en esas lecturas me ayudan a construir mis imágenes” me comentaba a raíz de esta exposición…

De los trabajos, en general, de Rocío, me dejo cautivar tanto por la provocación/sutilezas de estas propuestas visuales como por los temas que trata en ellos, tan potentes e interesantes actualmente como son la identidad, la memoria, el concepto de maternidad, la imagen (y la metaimagen), el feminismo desde la posición como mujer, la creación en sí misma…, y “los espacios y los estados psicológicos” como ella misma afirma.

Así pues, es un privilegio para mí poder presentar en esta XXII Edición del Salón de la Crítica, dedicada a “El arte en tiempos de crisis” tras esta pausa obligada de casi tercer año de pandemia…y pandemias (en plural por sus variantes, no sólo médicas…), a Rocio Kunst y su excelente, y hasta el momento inédita pieza “Maceración”, que me sugiere la unión de varios mundos visuales, todos con un pié en épocas asoladas por la crisis a nivel global, económica, social y de grandes cambios, como fueron el Periodo Barroco o los años 20-30 del pasado siglo XX:

Por un lado tenemos la estética barroca de este bodegón humano…, ungida por ese tratamiento tenebrista de la joven y las uvas…, con el simbolismo que encierra una imagen tan sensual (dionisíaca) como críptica a la vez…

Y por otro lado, la vestimenta de la muchacha y la desesperanza que se intuye tras las uvas, me transporta (temáticamente hablando) a la obra sobre la América profunda, del Crack del 29, de la fotógrafa Dorotea Lange y sus instantáneas de la miseria durante la Gran Depresión, en concreto el retrato de Madre migrante… Desde donde salto, dentro de esa misma evocación del momento histórico y tan plausiblemente parecida a la crisis actual (enfermendades-crisis- pobreza sumado a la novedad de la emergencias climáticas en puertas) al film Las uvas de la ira, de John Ford, basado en la obra literaria de John Steinbeck, en tesis con Dorotea Lange…

En Maceración tenemos una vez más una mujer que oculta su rostro, como en tantos de los retratos o personajes (incluso en sus propios autorretratos) de Rocío Kunst, y es algo que revela parte de cómo teje los hilos de la identidad…

En una cálida paleta que también puede llevarnos en la composición y sus elementos hacia la fotografía pictoricista, o el simbolismo de fin de siglo XIX, esta Dafne contemporánea quizás metamorfoseará sus manos en ramas y quedará enclaustrada dentro de su eterna belleza.

¿Quiénes posan en sus obras realmente?, ¿qué hay tras sus teatrales escenografías?, ¿…de dónde emana su dramatismo casi cinematográfico?… ¿qué narraciones nos susurran sus construcciones y sus fuera de campo?
… Ante las numerosas preguntas que nos suscitan las imágenes de Rocío Kunst, creo que la respuesta está en nosotras y nosotros, porque apela a nuestra propia experiencia, imaginación o memoria…como espectadores omniscientes…

Maribel Úbeda. Murcia, Diciembre de 2021

Maceración, de Rocío Kunst

“MACERACIÓN”. FOTOGRAFÍA sobre PAPEL HAHNEMÜHLE, 2021. 60 x 40cm.

Reseña de Bio de Rocío Kunst:
Rocío Kunst (Murcia 1990). Estudió Bellas Artes en la Universidad de Murcia y se especializó en fotografía en la Escuela EFTI (Madrid). Desde entonces su obra ha sido expuesta en galerías y espacios de Murcia, Valencia, Málaga o Madrid de forma colectiva y también individual.

Sus exposiciones durante 2021: Centro14 (Alicante); Espacio ES/UM (Murcia), comisariada por Marisol Salanova; Cámara Roja. Espacio Expositivo; Biblioteca General María Moliner, Universidad de Murcia; Sala Progreso 80 (Murcia) o en 2020: en la Cárcel de Segovia, Centro de Creación y en el Festival BFOTO, en el Teatro Principal (Barbastro); siendo su primera exposición individual en 2019: Inside the house, outside home. Ica. Plan de espacios expositivos (Murcia).
Investiga y ha obtenido varios becas para proyectos siendo numerosas veces premiada. Sus más recientes galardones son: Accésit. Circulart. Certamen Nacional de Artes Plásticas (2021), Odsesiones. Intervención artística de la UM. (2021), Primer premio Crea Murcia de Artes Plásticas (2021), Honorable Mention. Monovisions Photography Awards. Londres (2021), o la Mencion de Honor en Cértamen de Jóvenes Creadores de Salamanca (2020) entre sus muchos galardones desde 2014. Actualmente ejerce como docente en la Universidad de Murcia.

Puedes visitar su obra en su web www.rokunst.wordpress.com

Sala Museo de la sangre, Murcia. Obras de ka exposición colectiva del XIII Salón de la crítica, 2021/22. Imágenes arriba y abajo (izquierda/derercha) cortesía de Eva de Egea.

“Alicia Urda…Soledad acompañada”

Aquí os dejo  mi texto crítico sobre la exposición realizada por la veterana artista Alicia Urda en La Casa de la Lectura-Biblioteca Municipal de Segovia, y que se puede visitar hasta el día 13 de febrero del presente año, cuyo titulo es ‘La soledad de la naturaleza’ :

Imagen de la artista en la sala durante la inauguración,
junto al concejal de Cultura, Alberto Espinar - Foto: D.S. Prensa, fuente
"El día de Segovia" digital.

“Nunca sabemos el misterio que puede encerrar la mirada sobre las cosas cotidianas (no por eso fútiles o banales) o las más trascendentales o espirituales, de determinadas personas…

Y la mirada de Alicia sobre el paisaje, la naturaleza y el ser humano de paso, en las pintura y esculturas que presenta en esta exposición “La soledad de la naturaleza” es un ejemplo de que no podemos dejar de sorprendernos, para bien, en más ocasiones de las esperadas,… afortunadamente.

Alejada del mundanal ruido las más de las veces, encerrada por propia voluntad muchas en su estudio, que tiene vistas hacia el espacio infinito del campo que rodea Segovia, esta pintora, profesora y restauradora de bienes culturales nos presenta una muestra coherente, compacta y persuasiva……, esparciendo esa mirada de la que hablé al comienzo, y los demás sentidos, por las tierras y cielos del norte castellano.
En este contexto, importante para la artista, Alicia se recrea en la observación casi analítica, llena de reflexión, intuición y profundos sentimientos, para cogernos de la mano y hacernos partícipes del silencio…, de la soledad buscada…, de la inmensidad concreta, detallada, minuciosa, de la Naturaleza.

De forma casi asceta, nos enseña a mirar de nuevo esa naturaleza que nos empeñamos en destrozar día a día, minuto a minuto, como si tuviera una bomba de relojería atada que no puede (o eso parece) frenar su cuenta atrás…

A través de estas imágenes del paisaje en primavera, verano y otoño, con brotes de verdor y algo de ocres aquí y allá…se nos sumerge en un personal y delicado mundo donde la Naturaleza grita por su supervivencia…
Prevalecen los árboles de ramas secas, en realidad muertas, troncos enroscados de nudos eternos, añejos, bellos en su rusticidad y franqueza, exhibidos a base de manchas de luz…, con una paleta fría en gran parte, pues es el mañana lo que la autora toma normalmente, y más cálida en ocasiones.

Con pincelada resuelta, minuciosa (admiradora de Sorolla, y se nota), o espátula para esparcir mejor esos destellos luminosos,…la obra de Alicia se recrea en un mundo interior de lo exterior, nítido… y resuelto a mostrarnos su verdad.

La imagen que abre el tríptico, un paisaje del Otoño, con el venado muerto en primer plano de forma desoladora, y que quienes asistáis podréis ver …, es toda una declaración de principios (su modo de vida y su obra lo avalan) y del significado de la exposición: está dedicado “al cambio climático y al efecto que tiene en la naturaleza. Entre la soledad de la muerte y la belleza de sus formas” como indica ella misma.

Los protagonistas de estas obras, los troncos desnudos de las pinturas y los personajes enraizados y sin rostro sobre la tierra en forma de bola de su serie de esculturas en barro (que me apasionan a la par que intimidan) son un grito de ¡Basta! Ante tanto maltrato al ecosistema que habitamos…
Las esculturas de arcilla, modeladas y vaciadas, y piezas únicas, en barro rojo y blanco (en parte esmaltados) representan “La condición humana” y no tienen rostro porque no desea ver ni escuchar, pese a que salen de la tierra, o un tronco y sus manos son raíces, siendo una metáfora de que lo que rechaza es lo que necesita para vivir a su vez…

Tanto sus paisajes como los seres arbóreos muestra los principios de su estética: el Realismo…, que oscila hacia el realismo mágico en otras ocasiones (mirando obras de anteriores etapas).

Aunque la contemplación de las primeras obras que me fue mostrando Alicia para esta exposición, me llevaron a la Escuela de Barbizon, por los paisajes al óleo y su pincelada suelta y tonos más cálidos, también vi en sus tablas, de gran detallismo y trabajo, los tonos y cielos de los paisajes ingleses y nórdicos de la pintura decimonónica (amaneceres sobre el mar o los acantilados alpinos de tonos fríos, donde las ramas pueden casi tocarse o sentir el frío húmedo del mar…); donde busca unos cielos a base de blancos limpios para que no se manchen, a través de una depurado proceso de dejar secar parte y luego ir aplicando el color de carmines, azules, etc., paso a paso, pieza a pieza…

Y no es de extrañar su estética presente, porque en su obra anterior sabemos de la admiración que Alicia siente por el realismo español de los años 60, de la Escuela madrileña, con Antonio López, María Moreno o Isabel Quintanilla, y vemos cómo trabaja cada pieza con enorme solvencia y amor, viniéndome a la mente la frase de Santa Teresa: “También entre fogones anda dios ”, para señalar que en lo pequeño y sencillo, aparentemente, está lo bello, y hasta sublime muchas veces…

Así pues, estas 15 obras, óleos sobre lienzo y sobre tabla, y las 4 piezas escultóricas, nos darán cuenta del trabajo que Alicia Urda ha realizado en los últimos tiempos en estas obras que nos atraparán por la excelente técnica y también por su temática .

Os invito a pasaros por su exposición, y espero que Alicia, una persona que, con aspecto de que en cualquier momento puede desvanecerse en su delicada semblanza y creatividad, es acogedora y decidida, siga llenando paredes y espacios de salas donde se quiera percibir, sentir y experimentar una mirada auténtica y comprometida con el arte, la vida y la Naturaleza…

Esta naturaleza que está en la esencia de todo y que por ello…debemos respetar, cuidad y amar más de lo que hacemos ahora…

Gracias, Alicia, por brindarme la oportunidad de pensar contigo, y extasiarme en los detalles de lo pequeño para ver lo grande…”

Maribel Úbeda
Almería , 2021

Izquierda: Imagen de prensa digital, fuente: “El Adelantado”, Segovia. Imagen de Nerea Llorente. Derecha: Invitación a la exposición.

Carrusel de fotos expo en El dia Segovia imagenes de Rosa Blanco

Bio de Alicia Urda

Su vinculación con las artes es fuerte y viene de atrás, desde la adolescencia empezó a realizar cursos y a moverme en círculos artísticos (durante varios años en el círculo de Bellas Artes de Madrid, realizó dibujo al natural de desnudo).

Finalizado el bachillerato realizó la especialidad de “cerámica artística y murales” en Segovia en la Escuela de Artes y Oficios en la “Casa de los Picos” de Segovia; donde tambien asistió a las clases de pintura artística de Lorenzo Tardón y Muñoz de Pablos; en escultura con José María Moro; en moldes de escayola con el especialista Feliciano, y por último, marionetas con el profesor Peralta.

A posteriori formó, junto a otros compañeros, el grupo “Lizo y Chamota” dedicado principalmente a la enseñanza artística, además de la realización de exposiciones.

Dirigió durante cuatro años las actividades del Campo de Trabajo Internacional en el Castillo y la Torre de Coca (Segovia).

“A partir del 2000, comenzó a realizar colaboraciones en restauración, tanto en instituciones como para particulares. En el 2001 trabajó en la restauración de la sala de la Galera en el Alcázar como colaboradora y es este momento es cuando decidió estudiar restauración. Años después estudió en la escuela de Ávila como diplomada en restauración de Bienes Culturales en la especialidad de arqueología; posteriormente realizó diferentes especialidades para profesionales en la Fundación de Sta. María de Albarracín (Teruel). Entre los años 2014-2018 perteneció al grupo de restauradoras de Arte Urbano del GEIIC. Actualmente se dedica a la restauración, a la impartición de clases de pintura y la realización de encargos, especialmente, de retratos”. (Bio resumen de D.S. en El día de Segovia / digital. 23/12/21)

Enlaces de la exposición en parte de los medios:

Tríptico de la exposición en sala

Reflexiones artísticas sobre el cambio climático

Una exposición para reflexionar sobre el cambio climático

El día de Segovia. Alicia Urda expone en La casa de la cultura

Parte I “Almerías: una visión crítica sobre su espacio habitado. 15 miradas, 15 fotógraf@s”

Imagen de promoción, cartel para “Almerías. Fotoensayos sobre la sociedad almeriense”.

“Almerías”pretende dar una visión crítica, social, humanista y personal más allá de una visión estética de la misma, a modo de fotoensayos, con imágenes que hacen pensar. Distintas realidades desde distintos puntos de vista, algunos de fuera de Almería, aunque la mayoría almerienses.

(fragmento introductorio del texto que explica la exposición)

Hasta el 20 de Enero, 2019, se puede visitar y reflexionar sobre la imagen de Almería y las distintas visiones que de ella tienen los y las 15 fotógraf@s que han intervenido en la exposición del Centro Andaluz de la Fotografía (*1) con: ALMERÍAS. FOTOENSAYO DE LA SOCIEDAD ALMERIENSE  donde se presentan los proyectos (fotoensayos) de: Chema López, Carlos de Paz, Rodrigo Valero, Raquel Rodríguez y Mª Isabel Muñoz, Estela García, Oliver Mairinger, Ana Cayuela, Lucas Gómez, Antonio Jesús García `Che´, Marina del Mar, Eduardo Maldonado Juárez y Dory Hernández Guerrero, Gabriel Martínez López, Laura Brinkmann, Mariquina Ramos, Pablo Vara. Desierta Fanzine y Foto Acción Almería.

Como advierte la comisaria, Elena Pedrosa Puertas, de esta extensa (ocupa las dos plantas  del CAF) y variada exposición (15 artistas + 2 proyectos más), es rica en subtemáticas, estilos y estéticas: “Va dirigida a un público crítico que lea. A un público snob que abra los ojos. A un público que se reconozca. A la ciudad de Almería en general. Pretende dar una visión social de las distintas realidades”

Y tiene, pues, una clara toma de posición y una conciencia muy determinada frente a los diversos caminos que puede tomar hoy día la fotografía, pero no por ello es cerrada ni dirijista, gracias al amplio abanico de artistas y miradas que han sido seleccionadas.

“Hay zonas, personas y modos de vida que no se contemplan como visibles en la ciudad y que son cotidianos y parte de su tejido. A modo de denuncia social sobre el clasismo y el racismo, frente a la turistización y edulcoración de la ciudad marca, ‘Almerías’ es un mosaico de situaciones y vivencias de distintas procedencias, tanto geográficas como sociodemográficas, dentro de nuestra provincia” 

Estas palabras resumen el interés principal y la misión de una exposición importante en nuestra comunidad. Mostrar otra Almería diferente de las postales, dicho muy genéricamente, de aquellas postales de antaño que aún perduran en los soportes metálicos de los quioscos o tiendas de souvenirs, pero también de las imágenes de los “soportes digitales”, que hacemos durante el ocio o el turismo…y que tampoco sobran, vamos, que son bienvenidas, pero, está claro que No Son lo único que hay que mostrar… que ver…o percibir en un lugar.

Si para muchos la fotografía muestra, sencillamente, para otros congela, pues también se corre el peligro de crear un “cliché” eterno e invariable, que marca una identidad sin apenas darnos cuenta…sutilmente (aunque la publicidad conoce esta sutileza bien, y la utiliza conscientemente, por ejemplo). La imagen fotografiada es archivo de la memoria, la memoria gráfica, esa que sirve para que lugares o seres queridos perduren en el tiempo o en nuestra retina.  Pero también pueden ser un “simple” (o no tanto) “yo estuve aquí” como en el tag del grafiti; esas imágenes que ahora podemos mostrar fuera de un restringido grupo de familiares o amigos (no como cuando lo hacíamos, algún@s…, alrededor de una comida con el famoso Álbum de viaje a alguna parte, y que, como mucho, mostrábamos con un carro de diapositivas pre-era digital proyectadas sobre una pared limpia ex-profeso de cuadros…).

Pero no, esta exposición no va de todo eso, “Almerías” nos focaliza en un Ahora… Cada artista, y más en fotografía, puede retratar su tiempo, su momento, de muchas formas, fuera de la antes exigida corrección técnica o canon de belleza estipulados por modas y contextos. Y ahora, además, la fotografía no es sólo estampa o registro, documento (algo valiosísimo por supuesto) o recuerdo, sino que cuenta, narra, …; más allá de la técnica y su reproductibilidad, nos comunica Ideas, Sentimientos y Pensamientos. El objeto (cosa, persona o lugar, contexto) fotografiado habla, normalmente, por sí mismo…, pero porque quien está detrás…ha decidido qué quiere comunicar, sobre qué dialogar, o qué mostrar…

Y si alguien no fija la mirada en temas o cuestiones, o detalles, que no son sólo bellos, especiales o “de foto”… ¿quién lo va a hacer salvo determinados fotógraf@s , reporter@s, periodistas o historiador@s, pensador@s o ensayistas …? ¿Quiénes VISIBILIZAN lo que casi cualquiera podría ver pero no quiere, o no sabe, mostrar?

…Son, quienes trabajan con lo visual como herramienta para transmitir más allá de la pura imagen, del texto literal…, de lo políticamente correcto y lo asépticamente admitido…, quienes manejan el material más sensible…, quienes nos comunican las situaciones insostenibles y las realidades subyacentes pero presentes, ahí, a cuatro pasos de nuestra confortable casa…como en este caso.

…Y son algun@s de las y los fotógraf@s en pié de instantánea, además, quienes alertan…, quienes nos pueden transmitir lo que los medios de masas, las noticias y las redes sociales nos escatiman (o nos escatimamos). También desde la poesía, la escritura, la filosofía, la educación, la investigación y la divulgación, en ramas como la antropología o la sociología, se pueden acercar al Ahora, al Momento, para fijarlo, estudiarlo y analizarlo, claro…(a parte del BigData, sí…a parte), pero, desde que se inauguró esta necesaria exposición, el encuadre ha sido dado aquí, en el CAF, en Almería. Y desde aquí se nos están contando un crisol de verdades…en distintos formatos y formas estéticas fotográficas, desde la mirada y el alma.

Para mí, “Almerías es un “Imagina”, aludiendo al espíritu de este Centro de la Fotografía andaluza, pero actualizado, mostrando las distintas Almerías que conviven entre sí en el siglo XXI (leedlo con sonido de exclamaciones).

Esta ineludible exposición colectiva y bien definida desde el CAF, coordinada y diseñada por Elena Pedrosa, nos ha abierto los ojos a otros colectivos, márgenes y realidades desde finales de Noviembre, y ha contado con un intensísimo programa de charlas, mesas redondas, visitas guiadas y actividades paralelas durante todo Diciembre hasta terminar en Enero; pero en su recta final, aún podemos disfrutar, comprender, escrutar  o valorar las 15 miradas donde se concentra parte de la fotografía artística y socialmente comprometida que se está realizando actualmente en el panorama visual almeriense.

Y para animaros a visitarla un poco más,  mejor centrarnos en la parte “física” de la exposición, que ha sido estructurada en dos grandes discursos, articulado en torno a una meditada puesta en escena o montaje expositivo, que, como se explica en las visitas guiadas y en el texto de la exposición, se orienta a través de la idea de dentro y fuera, aludiendo a las situaciones que ocurren en unos lugares o a unas personas determinadas que “se cierran” en sus modos de vida, mientras se ocultan o se dejan fuera otros modos, otras circunstancias y vivencias”.

Además, cada planta del edificio, encierra una temáticas principal: mientras que en la planta de abajo se habla (visual y conceptualmente) de las ideas de Barrio, espacio edificado, lo geográfico…, en la segunda planta se concentran los distintos discursos sobre la sociedad y sus formas de trabajos u ocio (invernaderos, ferias y mercadillos…).

Contemplamos formas y lugares reconocibles, claro, pero lo metafórico, la alegoría y la proyección interior planea por los diferentes fotoensayos…

La mirada concreta o la distante, la sencilla pero chirriante, la poética, la humanitaria o la hastiada, la alegre o la irónica, campan a sus anchas por las salas, pero, hay un elemento esencial que une a todas estas visiones: la calle, siempre presente, siendo lo urbano (o extraurbano, como cuando aparecen asentamientos de chabolas o plantas de reciclaje de plástico) el escenario común a todos los objetivos fotográficos… y casi siempre…ocupado por el factor humano, siempre presente de forma visible o invisible, visibilizado o escondido…

Durante el montaje de la exposición (imágenes de Elena Pedrosa)

(…seguir leyendo en la parte II …)

(*1) El CAF se sitúa en la C/ Pintor Díaz Molina nº 9; en pleno casco antiguo y mirando hacia el puerto y bahía de Almería, por si aun hay alguien que ha venido a esta ciudad, o vive aquí. y no se ha pasado por este centro de arte.

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Continuación. Parte II de “Almerías”: una visión crítica sobre su espacio habitado. 15 miradas, 15 fotógraf@s + 2 proyectos multidisciplinares.

Creo que esta es una exposición que cada cual vivirá de una forma distinta, si se adentra en ella, y cada persona podrá extraer sus propias reflexiones, conclusiones y hasta indagaciones, pues tiene conciencia de ser decididamente abierta, invita a repensar las imágenes o situaciones que la habitan…, y por ello es merecedora de una visita tranquila, larga…paseando entre los árboles de columnas de sus salas (como me gusta decir del bello edificio que alberga el CAF)…

Esta es una reseña “tardía” (por las fechas en que he podido publicarla) pero me parecía indispensable escribir sobre ella (y desde el primer día que asistía a la pre- inauguración) no sólo por mostrar el panorama de profesionales de la fotografía en Almería hoy, sino para señalar también, la gran labor de su comisaria, Elena Pedrosa, que ha realizado un intenso y cuidadoso trabajo de búsqueda de artistas, de sus trabajos, y de la concreción de las fotográficas a exponer, muchas veces síntesis de los propios trabajos habituales de sus autor@s.

En este punto pues, me parece de justicia recalcar el pulido e ingente trabajo de Elena (desde la selección de los trabajos reseñados, hasta el montaje y textos varios),  que además compaginaba varias exposiciones colectivas e individuales, talleres y charlas, a la vez que impartía sus clases en la Escuela de Artes de Almería, donde coordina el departamento de comunicación…, y que ha hecho posible este firme y necesario (repito) panorama de fotografía comprometida con su espacio y tiempo en el CAF.

…La dirección de este Centro andaluz de la fotografía (con Rafael Doctor Roncero a su cabeza, e implicando directamente a la comisaria) puede estar orgullosa de cada una de las historias o retazos de vidas en imágenes, que cuelgan de sus muros y compartimentos en esta muestra; así como del impecable formato periodístico que se ha utilizado como catálogo(*2) de la exposición, idea de Rafael Doctor y Javi Al Cuadrado en colaboración con su comisaria también.

Periódico/catálogo de Almerías. Publicación del CAF y EDUAL junto a Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía.

Si con las exposiciones anteriores, de Plossu, Goytisolo y Vicente Aranda, veíamos unas Almerías de cine, a veces oníricas, y muy personales, que puebla nuestro imaginario colectivo ya, y que se mezcla en nuestras cabezas con toda la imaginería de un Pérez  Siquier o Manuel Falces (…por resumir), con esta gran muestra, podemos ver la contemporaneidad de estas Almerías nuevas, bajo la óptica del ensayo… Algo que creo que no es circunstancial y ni mucho menos baladí…y que ahora abrirán camino para futuros trabajos en o desde Almería también.

Por todo lo dicho, pues, creo que esta muestra se puede situar dentro de la estela del proyecto Imagina de Manuel Falces (como escribía más arriba), por su calidad y responsabilidad artística, social y cultural…

De todos modos, por si aún os quedan dudas, puedo definir un poco más esta exposición, a modo de conclusión, pero con lo que No encontrareis en ella…,  y en “Almerías” no hay imágenes bucólicas, ni complacientes, ni tranquilas o reposadas…; al contrario, hay vida, dinamismo, movimiento, transgresión, un grito soterrado, casi mudo porque no se oye ostentosamente, pero está… No hay unanimidad clara, no hay un único reconocimiento, no hay una versión objetiva de ningún hecho, y no hay… ningún eslogan ni etiqueta que le sirva al pregonero mayor de ninguna fiesta de guardar…

Hay, eso sí…, o como yo lo veo…,  ojos muy abiertos y atentos…, que no sólo ven la costa, la alpujarra o la bahía y su alcazaba, el cable inglés o el desértico western…. En estas “Almerías”, los iconos han sido desterrados por estos discursos y narraciones entre visionarias y contundentes. No son distopías, pero están en sus límites. Realidades disidentes de las estampas  coloreadas…

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Sobre las Obras y su autoría. (Recojo textualmente el nombre y resumen de cada proyecto de ensayo visual, citando parte de presentación de la expo, y añado alguna cuestión de mi propia visión;  y al final del segundo post, parecerá la breve bio de cada autor y autora de las fotografías): 

Chema López en “Al-Miraya” hace una declaración de sus principios básicos y su concepción del espacio y sociedad contextualizadas en su ciudad natal, Almería.

[ Papel fotoquímico sobre paspartú; color y b/n. Planta baja] Centrando su mirada en barrios como La Chanca y Pescadería, La Hoya o La Almedina…, retrata de forma antropológica a los habitantes de estas zonas, sirviendo de metáfora de su propia vida.

Chema López

Carlos de Paz se acerca a sus “Retratos de la Chanca” con una mirada humanista, social y metafórica.

[22 fotografías en papel Hahnemühle Photo Rag Baryta 315gr. En b/n; enmarcadas sobre paspartú. Planta baja ] En su trabajada forma clásica de fotografiar en b/n, y con su lenguaje de calle, estas imágenes forman parte del habitual mundo de una Chanca que no queremos perder de vista en Almería, pese a las obras de reestructuraciones urbanísticas y pequeñas gentrificaciones. Notamos que las personas fotografiadas posan porque son conocidas, en su calle u hogar; nada de “robado”; el tiempo necesario para cada toma y el contacto…humano.

Carlos de Paz

Raquel Rodríguez y Mª Isabel Muñoz nos ofrecen en su trabajo “Rastros de crisis” su visión introspectiva sobre la huella visual de la crisis en las calles de Almería.

[Impresión látex en vinilo, sobre soporte de cartón 1000gr.; gran formato en color. Planta baja]. Estas imágenes muestran las huellas que la crisis ha ido dejando en muros, edificios y calles del centro de Almería; un deterioro mostrado de forma luminosa no obstante, en una forma de intentar comprender y mirar la realidad circundante, articulada en torno a tres elementos conceptuales: Cerrado-Vacío-Cicatrices. No aparecen personas, sólo su  rastro…y el de la crisis… (De este proyecto más extenso escribí en este blog con anterioridad. Leer)

Isabel Muñoz y Raquel Rodriguez.

En “Medianerías”, Estela García reflexiona acerca de la manera de comunicarse de las comunidades de vecinos que comparten muros en edificios de pisos. 

[Fotografía digital sobre vinilo en gran formato, color. Planta baja].Estela reflexiona visualmente sobre la estética (el ritmo y la “armonía” de un “feísmo” aceptado)  de los altos edificios que desde los años 70 han irrumpido en el paisaje urbano de Almería…La comunicación humana dentro de un espacio construido hostilmente hacia el ser humano en principio…

Estela García.

En su serie fotográfica “Dignidad”, Rodrigo Valero incluye fotografías de los barrios de “Los Almendros” y “La Chanca”, en un intento de dignificar estos barrios y romper las barreras de los prejuicios.

[Impresión giclée en b/n con tintas minerales laminadas sobre Kapafix. Planta baja] Sus ocho fotografías, en gran formatos (de metro por metro y medio algunas), muestran uno escenario concreto, y en cierto modo cerrado, pero a su vez, Rodrigo capta, en estas escenas habituales, el pulso de unos habitantes que nos retrotraen a otros escenarios atemporales de una España en extrarradio…; apartados, en el margen de la comodidad, pero que sobreviven como son representados, con dignidad.

Rodrigo Valero.

Oliver Mairinger en  41°43′N – 49°56′W hace “una alegoría a la historia de un país que se estrelló a toda máquina contra un iceberg que nadie quería ver”.

[27 fotografías en Papel Ilford Galería Prestige Smooth Pearl; montadas sobre paspartús; color. Planta baja]. Estas imágenes exponen desnuda y subjetivamente sus vivencias en un momento de encrucijadas diversas, desde la personal (situación incierta profesional y crisis artística/personal) hasta la de la ciudad y país de acogida, en plena crisis económica y social. Un retrato introspectivo que ahora se puede convertir en documento social colectivo de tinte existencialista…

Oliver Maringer.

“Regresos” supone “una película” en la que su director, Lucas Gómez, dirige a sus personajes mostrando diferentes escenas socioculturales de barrios y localizaciones de la provincia de Almería con las que se encuentra cada vez que vuelve a su tierra.

[8 imágenes –composiciones- en color, impresas sobre papel fotoquímico perla 300gr.] En estas composiciones de varias imágenes que parecen superponerse en cada soporte conjunto, Lucas realiza una especie de foto-película-documental, con una ecléctica estética donde los formatos audiovisuales actuales tienen un potente efecto llamada para narrar una cotidianeidad personal y familiar.

Composición fotográfica de Lucas Gómez

En “Almería es viuda”, Ana Cayuela reflexiona sobre la comunidad que fotografía en confluencia con su propia identidad y vivencias, retratos y situaciones cotidianas, en torno al concepto de viudez en las mujeres que entrevista y con las que se mezcla.

[21 fotografías, color y b/n; tinta digital sobre papel Ilford Galerie Smooth Pearl 310gr. Enmarcadas] En un ejercicio de meta fotografía, Ana Cayuela fotografía, dentro de este políptico amplio, a estudiantes de la Bauhaus, por ejemplo, mientras la retratan cuando ella posa como modelo…; y así dialoga con parte de colectivos (como el de mujeres gitanas, por ejemplo) en los que ha impartido talleres, a los que retrata a su vez.

Ana Cayuela

Antonio Jesús García muestra una serie de imágenes panorámicas de la ciudad que forman parte de un proyecto humanista donde calles, plazas y sus gentes son captadas con la fugacidad del tiempo cotidiano.

[Impresión sobre papel fotoquímico, color; serie de 10 panorámicas enmarcadas] Entre estas imágenes impregnadas de la horizontalidad que remite a lo cinematográfico (por su formato de doble proporción áurea), encontramos el trasiego de las gentes que pueblan desde un mercadillo a una boda… y donde son pillados ensayando su papel, en su ir y venir, bajo el juego de las luces y sombras de un “exterior/día”.

Antonio Jesús García, Che.

Marina del Mar en “Vi-viendo Almería” ahonda en la naturaleza social del personaje, rodeándolo con su entorno, para así descubrir a través de sus retratos el pulso vital que caracteriza la vida en la ciudad.

[6 fotografías de impresión INK en papel, montaje sobre paspartú y marcos de aluminio; color] Ejemplo viviente de fotoperiodista, Marina realiza una fotografía directa (como proclamaran parte de los fotógrafos del Grupo AFAL) y sus imágenes destilan esa esencia de captura del instante, el momento que atrae a la mirada como un imán para poder abrirse camino entre las letras de un texto escrito.

Marina del Mar

Eduardo Maldonado y Dory Hernández, en “Fiestas, Feriantes y otros figurantes” hacen un recorrido a través de diferentes fiestas de pueblos y barrios de Almería, capturando las costumbres, gestos y miradas de las personas que se encuentran en estos festejos.

[Papel Baryta Photographique 310gr.; color] Parte de la peculiaridad de esta serie de tipos que pueblan el festejo local (eterno, pues nos llevan a la versión actualizada de los personajes que podemos ver en colecciones como FotoColectania cuando repasa fotografías de los 50 y 60 en España, por ejemplo) está en que esta pareja de fotógrafos (Dory y Eduardo) realizan tomas a la vez, cada cual con su mirada, y las exponen de forma unidireccional, en un diálogo continuo desde la toma fotográfica a la exposición; otra forma afrontar el hecho de pensar y realizar (tomar) la imagen fotográfica. De ahí su montaje en sala, no lineal.

Dory Hernández y Eduardo Maldonado

El proyecto “Refugios y Refugiados” de Mariquina Ramos es un trabajo documental que refleja la vida de los inmigrantes africanos en el territorio almeriense.

[25 fotografías Impresión INKJET sobre papel Creative Smooth 320gr. Fine art. Color y b/n] En estas imágenes observamos fotografía social en esencia, un acercamiento comprometido que muestra el interior y exterior de quienes viven desde dentro la experiencia de la emigración, en este caso africanos asentados aquí. Al estilo clásico del documental que inauguraran Johe Thomson o Jacob Riis, Mariquina mantiene cierta distancia (porque aquí la objetividad lo dice todo) con lo representado aunque nos introduce en escenas íntimas de un dia a día cualquiera.

Mariquina Ramos

“Diario de un currela con un móvil que hace fotos” de Gabriel Martínez López, pretende ser un testimonio visual de la vida cotidiana en el poniente almeriense, de las personas que lo habitan, de sus modos de vida y del entorno que los rodea.

[Impresión inkjet sobre pepel Epson Luster 250gr.;  color Montado sobre paspartú y moldura de aluminio] En estas 30 fotografías realizadas “sin artificio” alguno con el soporte móvil, se agolpa “la imagen” exterior del paisaje semiurbano que, quienes conocemos algo del Poniente y el mar de plástico, tenemos asimilada, pero que poco se ve publicada de forma artística o documental incluso; y es la selección de un proyecto global que durante tres años ha ido realizando Gabriel, a modo de diario visual de un declive colectivo, mientras luchaba personalmente contra la crisis económica en pleno apogeo.

Gabriel Martínez López

En las series “Cosecha amarga” y “De segundas”, que parten de un trabajo de fotografía e intervención anterior, “Invernaderos” (2005-2006), Laura Brinkmann evidencia a través de la metáfora el resultado de la productividad en el poniente almeriense.

[fotografías digitales sobre dibond y foam; color] En el contexto del trabajo de invernadero, una de las composiciones llama poderosamente la atención, nos hace tomar conciencia de la segregación de lo diferente, desde la agricultura en este caso, cuando unos tomates que a primera vista derrochan salud, resultan ser los apartados de la su venta y consumo por sus “irregularidades”…

Laura Brinkmann

Para finalizar: Pablo Vara nos muestra su experiencia en los asentamientos de inmigrantes no normativizados en El Ejido, un modo de vida como cualquier otro en nuestra provincia, derivado de la gestión económica y sociodemográfica de la misma.

[13 fotografías en formato medio, de impresión sobre papel Foto Satín RC, 250gr.; color] En sus visitas a los asentamientos (varios de ellos y de mano de la Cruz Roja, donde realizó apoyo y ayuda humanitaria), Pablo realiza estas tomas donde quería transmitir la forma de vida en estos asentamientos, pobres pero muy limpios y cuidados, así como el diálogo que se establece entre el uso del plástico que se acumula deteriorado tras su utilización sin ser reciclado, una reutilización involuntaria pero que lo humaniza en cierto modo… El plástico, además, aparece retratado como un personaje más en ese paisaje de tierra, matojos y pvc, que puede contener más que oro verde…vidas de refugiados como Mamadou…

                                                                    Fotografías de Pablo Vara.

*2. La publicación en formato de revista o fanzine “Almerías”, es el Nº3 de la Colección Cuadernos CAF- UAL, que sirve de guía de las obras y autorías de esta exposición, como si de un catálogo de exposición se tratase, es parte de las publicaciones que realiza Edual, Editorial Universidad de Almería.

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…..Continuar leyendo en parte III. (donde podréis encontrar enlaces de seguimiento de la exposición, y la breve bio de los autores y la comisaria)….

…. en breve, incluiré la entrevista a Elena Pedrosa, donde contará el cómo y el por qué del contexto de esta muestra….

“Un náufrago estaba encantado de serlo. Pero la culpa, hacía que intentara su rescate con humo, durante todas las noches sin luna”

Fragmento del texto en sala de J. Vicario.

“Nadar es un asunto muy abstracto. Nadar es conjugar la nada en verbo” 

Fragmento de texto en sala, «Nadar» Iñaki Ezquerra.

 En la Sala de exposiciones del  Instituto Andaluz de La Juventud de Almería (C/ General Tamayo, 23. Bajo) tiene lugar una aventura emocional y visual…que recomiendo, vivamente, no dejéis pasar…

Fotografía de Pablo Vara. 2018. Detalle de instalación.

Fotografía de Pablo Vara. 2018. Detalle de Ilustración.

“El blanco, el viento y el vacío” muestra la reciente obra de María José Moreno (o La Marimoreno, como también firma la autora), con obras cuya base es la pintura, el dibujo y la ilustración (acompañados de instalación, vídeo y poemas…) concretados en 20 abstractos y 16 ilustraciones sobre diversos soportes y distintos formatos, todo trabajado en técnicas mixtas, pintura, grafito, acrílicos y ceras, con las que experimenta en la mayoría de las ocasiones, añadiendo o quitando, raspando, esgrafiando, y trabajando en capas donde va imprimando diversos estratos o registros de pintura blanca fundamentalmente…, aunque…estos blancos, con los que ella juega, y donde busca y busca (amante de la teoría del blanco, los blancos…) van atenuándose a lo largo de su narrativa visual en este caso…como iré explicando a lo largo de este post.

El título, pues, nos da pistas de lo que quiere contarnos, y nos señala los tres elementos principales de su exposición, el color Blanco, como nexo total a nivel pictórico o plástico; el Viento, como vínculo a nivel profundo, de la idea y los sentimientos que provocan en la artista este fenómeno en Almería; y el Vacío, que da unidad al conjunto global, y paradójicamente…, como sentimiento de lo encontrado en el desierto almeriense también…, como elemento y protagonista de la experiencia vital que la ha llevado a estas obras…

… Como veis, hay que ir desgranando las también distintas capas que coexisten en esta puesta en escena…, todo en esta exposición, desde sus ideas primigenias (como textos en los que se basa, o los sentimientos y situaciones vivenciales de la artista que dieron origen a su necesidad de expresión plástica) hasta la forma en la que está colocada la obra y el total de la exposición.

…#FFFFFF…

       Desde el primer momento que comenzamos a entrar en la sala, ser nos prepara para un rico panorama visual, incluyendo el pequeño audiovisual en la antesala, y ya van dando ganas de quedarse allá abajo (la sala está en sótano, lo que ayuda al montaje de la expo, pues desde los primero escalones de descenso vas encontrando detalles de lo que se presentará después y no desvelaré aquí)  para  desmenuzar lo que nos susurra la artista…como hizo la intérprete Paula Palomo Carmona del cuento del marinero, y luego, al oído de muchos de quienes fuimos a la inauguración.

Y así es, esos susurros, nos van guiando por un viaje lleno de caminos que se bifurcan en distintas historias, desde un pequeño cuento en capítulos que se va desentramando hasta su desenlace, a su vez con distintos estratos y varias lecturas, sentidos u orientaciones (según sopla el viento…).

Para escribir como se debe, de una exposición, siempre hay que volver al lugar de los hechos…y gracias a ello he podido hablar in situ con ella, con la Artista (con mayúsculas, porque así estamos viendo madurar a María José, al menos durante el año que la conozco…) y charlar tranquilas…, y ella me va desvelando parte de lo que aflora, y no siempre se ve del todo… Pero mejor, porque va bien dejar que quien explora una exposición disfrute de su propia mirada en un principio…

Todo empieza desde la pared derecha de la sala, pero leyendo,  primero, el cuaderno/catálogo de mano, el cuento donde comienza nuestro viaje y aventura, con esta narración de la propia María José:

Decía que tenía los ojos azules de tanto mirar al mar.

Había aprendido a protegerse de la tierra que duele

y de las palabras que cortan, enhebrando el viento

entre las velas de su barco; orientándose con las gaviotas

y con las estrellas.

….Ffffff…. (*)

Sol de invierno, nido de carne, alegría del juego en el agua

El mar era como una enorme mano y él solía esconderse en

el cuenco de su palma.

Hasta que de repente, la misma brisa que le empujaba a navegar

le hizo perderse en el desierto.

No sabía cómo había llegado a ese lugar.

Allí solo había blanco, viento y vacío.

Caminó durante días por entre aquel paisaje pardo y desnudo.

Los labios secos, los pasos cansados, la piel ardiendo.

Y siguió caminando.( **)

….Ffff….

(…)

 Para leer el resto del poema… debéis ir a la sala y adentraros en este pequeño mundo de María José Moreno.

…#FFFFFF…

…A lo largo de este hilo expositivo, sentimos que todo fluye y va cambiando levemente , todo va in crescendo moderato (y cantábile), evoluciona conforme contemplamos las obras que están posicionadas de forma que se aprecie una gradación, de más “sencillez” en las técnicas y procesos artísticos a más densidad, y de más sencillez en cuanto a la comunicación verbal, a más complejidad , porque el cuerpo de lo escrito en la selección de textos se haya en el tramo final de la lectura de la exposición. Así pues, al comienzo apreciamos gran riqueza o capas de acción procesual en técnicas, donde los blancos son los protagonistas,…y donde la  abstracción nos llena y guía, con algún pequeño y casi invisible elemento figurativo y grafías; aquí hay más imagen que lectura,… más preguntas que respuestas… Y conforme avanzamos por la sala, en su sentido lineal, encontramos más lecturas de textos, y obras más complejas a  nivel narrativo, más figuración (en ilustración) y menos blanco…, hacia el Color, pero un color sin estridencias…de gamas pastel, rosáceos y malvas corales y azules marinos… (***)

Fotografía de Pablo Vara, 2018.

El detalle, el trabajo, la gran riqueza de Texturas (en mayúsculas, porque es así, debéis acercaros física y mentalmente a las obras para comprobarlo y disfrutarlo) que María José contiene y encierra en estas obras…es enorme…, una gozada para quienes disfrutamos de lo sutil y complejo a la vez, de los hallazgos, de descubrir aquí y allá una tonalidad, una pequeña pieza de collage, un color debajo del blanco, una frase que a primera vista no entendemos…

Encontramos un conjunto de obras genuino y bello en la primera ojeada a la sala…pero es un concentrado de ideas, historias, personaje(s) y temas… La capacidad estética, técnica y narrativa de esta joven artista nacida en Níjar, licenciada en BBAA por la Universidad de Granada y formada luego, entre otros lugares, en Génova…es profunda y crece a pasos agigantados. Y ahí está…tan serena, realizando su “faena” poco a poco, sin pausa, con corazón y mucho tesón, imaginación o pasión…pero también con precisión, y, también, con un alto grado de realismo (sobre el entorno circundante del mundo del arte) para compensar.

La obra de María José me sabe a odas, cuentos, mitos y lecturas de la infancia (no por ello poco profundas, sino llenas de imágenes, viajes y aventuras, como dije al comienzo)…se ancla y basa en la poesía, en textos de muy variada índole y estilo…, desde Unamuno o José Ángel Valente, al poeta y repentizador Alexis Días Pimienta o el autor de Moby Dick, H. Melville,…y además, …elemental!: sus propios escritos, poéticos y reflexivos…, escuchando y alzando su propia voz.

Del nihilismo o lo zen…, a lo concreto, lo táctil, los olores, el viento…., de lo elevado y sutil a la tierra que se mastica y vuelve a las manos…, María José se abre en canal para mostrarse, como ella misma comenta… Una persona sencilla (casi tímida en la distancia) que piensa y sueña en blancos, los blanco de la porcelana (uno de los orígenes de su búsqueda del Blanco), o los blancos de la cal, de los muros limpios pero gruesos de tanta capa y capa blanca con que las gentes del mediterráneo recubren sus casas y protegen su hogar.

 (…)

Poner blanco, luego color.
Añadir blanco nuevamente.
Rayar ese color para volver a obtener el rastro de abajo.
Buscar la huella. Añadir el grafismo para hacer que algo se mueva.
Difuminar ese rastro, para no concederle demasiado protagonismo
Seguir hacia adelante.
Manchar, borrar, rayar, dibujar, pegar un papel sobre otro.
Perderse en las texturas.
Soltarse y disfrutar,
y de repente morirse del miedo y parar.
Sentirse satisfecha y frustrada.
Volver al principio. Cubrirlo todo con otra capa de pintura.
Ponerse frente al blanco una vez más
Y quedarse tan a gusto”

(…) texto de María José Moreno.

Aunque María José ahora hace todo lo contrario de la blanca cal, se expone, se descubre y se arroja a hablar de rupturas, de pérdidas, de sentimientos encontrados, del dolor de sentirse sola y a la deriva,…de vacíos, pero vacíos llenos, llenos de viento, agua, sal, y de los cientos de  variaciones del blanco que pueden darse hasta estallar en el color del fondo del mar…

Porque es una artista aguerrida, curtida y con buenas armas, herramientas y bases prácticas y teóricas, donde se reivindica dibujante e ilustradora a la par que pintora, volviendo, desde experiencias del campo de la gestión cultural, por ejemplo, al mundo del arte en su línea más activa como ella cuenta: “El dibujo es para mí el lenguaje más sincero con el que crear narraciones y contar secretos”.

Fotografías de Pablo Vara, 2018. Detalle de obras abstractas.

Y para ir concluyendo este post…, y como se podría explicar si hiciéramos el tráiler de una película…:

Este deambular marinero es un cuento narrado para quien lo quiera escuchar, ver y sentir… Una experiencia introspectiva en forma de bitácora o cuaderno de capitán de navío que ahora emerge a la superficie para izarse en el exterior,…es la historia ilustrada de abstracción con matices figurativos, de blancos, vacíos y pigmentos que se mueven con el viento, de pequeños personajes etéreos y semitransparentes, que flotan y se agitan en la nada, en un vacío rico de nadas…, donde flotan, nadan…y nadan…; es la verdadera historia de una artista que surcó aguas amargas y profundas, se perdió y volvió a una tierra firme llena de sequedad, tierra y viento…, cálido y áspero a la vez…, pero… y sobre todo ahora, también es la historia de cómo supo arribar con la barca entera y más experta, para seguramente, dentro de algún tiempo…, quizás, volver a zarpar hacia otras costas, paisajes o lugares que habitan el alma humana…

“Tus figuras –tus palabras– han llegado finalmente y han traído consigo al color.

Espero, amiga, que se queden un rato más, y que nos vuelvan a llevar a sitios lejanos, no importa si áridos, acuáticos o tempestuosos, pero sitios que te vacíen por dentro, que te dejen ligera, para que el viento –o lo que venga– pueda empujarnos más fácilmente.”

Fragmento del texto en sala de Julia Martos para María José Moreno.

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Ojalá “El blanco, el viento y el vacío” viaje por otros espacios, como sus historias, que vuele y se enriquezca.

En proyectos futuros  María José Moreno no se queda corta, con unos molinos que seguramente la esperan en la ilustración de un interesantísimo proyecto en ciernes.

Y ahora podemos disfrutar de su obra en varias salas más, como en la exposición colectiva de mujeres artistas: Ars Visibilis, en la sede de la Galería Meca (Centro de Arte Contemporáneo de Almería) y en el Museo de Almería.

Y en la exposición del colectivo de artistas Espacio Campingás (donde María José tiene su estudio y donde también imparte asiduamente talleres de técnicas de expresión artística variadas o ilustración, trabajando junto a sus compañer@s del colectivo), que se exhibe desde el pasado día 8 en el polifacético y encantado espacio de La Guajira para mostrarnos lo que hacen.

Recientemente ha impartido, además, el taller de Técnicas de expresión artística en Campingás, dentro de La semana del álbum ilustrado, en Almería, englobado dentro del Primer festival literario de ámbito nacional. Álbum

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(*) No sé si es o no así, pero esta exposición es de las más coherentes que he visto en tiempo, esférica o redonda, tanto…, que sus onomatopéyicos y expresivos Fffff (que evocan el soplido del viento en la escritura, es como #FFFFFF: la forma de expresar las  coordenadas de color blanco en lenguaje HTML (el que usamos, por ejemplo, en las profundidades de la escritura de este blog, por ejemplo).

 (**) Este es el primero de los textos principales al que acompaña a otros, puesto que María José, no sólo dibuja, pinta o ilustra, también escribe…y bastante bien.

(***) Esta era la idea de la colocación en sala de toda la obra, aunque, en la realidad, debido al juego que requiere el componer sobre la pared de una sala el conjunto de unas obras, algunas obras donde predomina la ilustración (de pequeño formato) se han ido intercalando con otras donde predomina el trabajo por capas de blancos (más experimentación de blancos, manchas, y grafías). Pero la idea se transmite en su fragmentaria unidad de todos modos…

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Breve Bio:

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada y Técnico Superior en Cerámica Artística por la Escuela de Artes de Almería.

Ha completado su formación en centros La Accademia Ligustica di Belle Arti de Génova, en Italia.

1er Premio certamen artístico “Por los buenos tratos” del Instituto Andaluz de la Juventud. 2015

Ha recibido varias becas de colaboración en la Universidad de Granada o Génova.

Exposiciones colectivas e individuales:

Obra permanente en Galería Acanto. Almería. Desde 2017.

Exposición stand en la II Feria de Arte Contemporáneo de la Vía Verde. Almería, 2017.

Exposición individual. “Sobre el viento y otros cuentos” Pintura e ilustraciones. Espacio Campingás. Almería, 2017.

Exposición colectiva. “Gran refranero ilustrado” Galería L ́atelier. Almería, 2017.

Exposición colectiva Real Academia de Bellas Artes Santa Isabel de Hungría. Sevilla, 2016.

Exposición colectiva. “ABC ilustrado” Galería Dall Vill Art. Almería, 2016.

Exposición individual. Acción. “Espacio Reservado”.

 Ha gestionado y organizado diversos talleres y exposiciones en sus labores de gestión cultural.

Sobre la exposición, otros enlaces de interés:

Noticia cubierta por Tele Almería Noticias el día de la presentación del IAJ.

Noticia en el Instituto de la Juventud, Almería. Junta de Andalucía.

En su perfil de Facebook.

https://www.facebook.com/Lamarimorenotristan/videos/10156247806152054/

En la web de la Galería Acanto.

“Ars Visibilis. IV, Genius “ Salas de Meca, hasta el 30 de Noviembre. Y en la sala de Museo de Almería hasta el 18 de Noviembre.

Exposición colectiva en La Guajira: “La chispa de Espacio Campingás” hasta mediados de Diciembre.

Fotografías de Pablo Vara, 2018. Detalles de obra técnicas mixtas y detalles de instalación.

En el Centro Andaluz de la Fotografía, en su sede principal, en Almería, confluyen tres exposiciones que creo que merece la pena reseñar…y…aconsejar su visita: “Almería” del francés Bernad Plossu, “Campos de Nijar” del cineasta Vicente Aranda, y “La cosa vuestra” de la realizadora y artista María Cañas. Además de la muestra en la biblioteca de: Los cuadernos de la kursala , colección que ya forma parte del Centro de Documentación del Museo Reina Sofía y que puede ser considerada como una “de las principales influencias en la edición del fotolibro en España”.

En esta ocasión, se va a poder respirar Almería en grandes dosis, porque, aunque Imagina -proyecto iniciado por el alma mater de esta institución, Manuel Falces- siempre tuvo parte de su mirada en la Imagen fotografiada de las tierras o territorio (gentes, lugares, paisajes…) de Almería, de la mano de magnífic@s fotógraf@s, esta vez…vamos a contemplar una revisión, en b/n y pequeño formato, en su mayoría, de unas Almerías que se mueve entre los años 60 y finales de los 80… Y lo digo en plural porque son dos exposiciones que la recorren, de forma individual.

Ambas plantas del Centro, pues, las hayamos repletas de tomas fotográficas que nos hablan de unas tierras almerienses encontradas, percibidas, divisadas y capturadas por los trabajos de Bernard Plossu (fotógrafo francés nacido en Vietnam y muy vinculado a estas tierras por su familia política),  y por otro lado, de Vicente Aranda (el cineasta, que no solía realizar trabajos fotográficos tan extensos) siguiendo a Goytisolo y sus Campos de Nijar…

Cada exposición individualmente merece su propia reseña y escrito (o post en este caso), y también, aunque son fotografías de otro cariz, y otro signo estético y conceptual, la exposición de María Cañas, en la sala multimedia (la de menor tamaño pero grandeza interior como me gusta decir… ;-)…con unos trabajos, en videocollage y collage o montajes, que juegan con el significado de la imagen  de forma comprometida e intensa, ya a primera vista.

Visitad el CAF, y su biblioteca abierta al público, así como su pequeña tienda con publicaciones fotográficas, siempre de autorías de primera fila.

La web de referencia: www.centroandaluzdelafotografía.es

Hasta pronto…

Isabel Aranda y la Imagen vivida… olvidada,  soñada y reencontrada en el Espacio /Tiempo. Sobre su exposición “Tu rincón preferido”. CAF Almería, 2018.

Así es como veo y siento esta exposición en el Centro Andaluz de la Fotografía, en Almería. Hasta el 27 de Mayo (ampliada la fecha de la muestra, como era de esperar).

Aunque el ajetreo cotidiano, a veces, te hace dilatar  los pequeños proyectos del día a día,… al fin puedo publicar esta aproximación a Isabel Aranda y su reciente exposición:

 “Gracias a la memoria, el tiempo no se ha perdido y si no se ha perdido, el espacio tampoco”.

Georges Poulet, L’Espace Proustien (1963)

Entrando en la pequeña sala (solo por dimensión espacial) donde Isabel Aranda muestra su reciente obra fotográfica: “Tu rincón preferido”, me encuentro la primera sorpresa, las imágenes que veo, su calidad, no se corresponde exactamente con la imagen del cartel de promoción para la exposición…, pero…

…pero me alegro, porque es muchísimo mejor, y si ya me atraía el cartel, imaginad la obra real.

Es cierto, entro predispuesta favorablemente, porque me gustan las fotografías de Isabel Aranda; pero…, lo que hallo no es la fotografía de cariz urbano en b/n que conozco de ella, cercanas a un universo de Robert Frank (por la imagen de lo cotidiano pero sutil) y su blanco y negro, en la estela de la vanguardia catalana como Catalá Roca o Colom, Miserach, etc., sino que me topo con pequeñas obras de arte, tratadas con el mimo de los pequeños retratos de los primitivos flamencos… Y no por el tema o técnica, claro, sino por su atractivo general, que me pide ver qué pasa dentro, …que me llaman tanto que me pego para ver los detalles bien cerca (cualquiera se hubiera extrañado al verme tan cerca de las imágenes)

Pero, lejos de ser una fotografía detallista, o de filigrana (como en las miniaturas del siglo XIV o XV), donde todo queda evidenciado…Isabel Aranda me da otra grata sorpresa: hay más de lo que aparece a simple vista…, se crea un clima, un ambiente…, un poco a lo Manuel Falces, por ejemplo, sin ir muy lejos…, por la atmósfera, por la sinuosidad, por los espacios y el colorido de las imágenes que están sin estar, como en un sueño donde al parpadear cambias de estancia en un gran lugar laberíntico…

Laberinto de imágenes…, laberinto de emociones…

Espero encontrar las viviendas abandonadas (pero no olvidadas) del poblado minero de Rodalquilar…, pero no…, es otra historia, son muchas historias, o vivencias más bien, una dentro de otra, a modo de juego de “matrioshka”…

Lo que muestran sus imágenes son una invención, la reinvención de lo que ella ha ido viendo y sintiendo en esa localización con el paso del tiempo y sus sucesivas visitas al entorno a lo largo de treinta años visitando el lugar…

Gracias a la memoria, pero en forma de fotografía (memoria fotográfica podríamos llamarlo, reutilizando la cita de comienzo de G. Poulet) y no documental, sino sensorial y sentimental, Isabel ha ido observando con su cámara las vidas que habitaban esos restos de hogares…, desde okupas hasta vagabundos o grafiteros momentáneos…; escaleras, muros, objetos, grafiti sobre pintada, pintada sobre un grafiti, pegatinas, restos de carteles, suciedad o limpieza…ocupación, reutilización… Los muros interiores o exteriores de esas casas obreras, mineras, son y serán existencia pura, mientras perdure la Imagen de esas vidas, las que las habitaron originariamente y las que han ido pasando y dejando, de algún modo, su rastro.

Los vestigios del pasado se imbrican con el presente y con el futuro en las imágenes de Isabel. Y digo imágenes en vez de fotografías, porque aunque utiliza la polaroid en la técnica de la transferencia de su película o emulsión pigmentada al papel (algo delicado y que le exigió pruebas y experimentación hasta lograr  lo que quería, y sin romper o estropear la emulsión), el final es la consecución de obra única (copia original quiero decir, dado que solo hay un ejemplar de cada polaroid) de una imagen onírica, casi primitiva estéticamente, donde se juega con lo desvaído que imprime carácter a este tipo de fotografía (ese colorido especial a veces amarillea o azulea, según, y que consiguen con el paso del tiempo), y la sensación sutil  y leve que transmite la caída de emulsión extraída al posarse sobre el papel con sus pliegues naturales.

Veo en cada imagen enmarcada, una delicada pieza de arte proyectada en la pared de la sala… y el Tiempo (en mayúscula, sí) se detiene, para no saber en qué momento estamos…, pues son paredes de varias épocas, pero su imagen (su metaimagen) sigue allí; otros elementos fotografiados ya no están, o están bajo estratos de las consecutivas estancias de personas anónimas…

Me ha emocionado la visión de Isabel, porque trasciende la fotografía matericamente hablando, se convierte su obra en sensación genuina; me parece imágenes de una ensoñación en celuloide al más puro estilo del nuevo romanticismo de los años ochenta… y juega con la plasticidad del formato pequeño; las manchas, que de lejos pueden parecer abstracciones incluso, de franjas y manchas de color, se van dibujando en elementos narrativos más reconocibles en espacios mágicos, pero no concretos del todo…, su imaginario flota, se atrapa y se desvanece en el pequeño y encuadrado formato, a veces asfixiante, pero que luego se amplía buscando más…

“Tu rincón preferido”, los rincones fotografiados, se convierten en el mío, porque he estado allí, en persona, y ahora, con ella, en un viaje trasferido a través del tiempo, miro con sus ojos techos, muros, día o noche da igual; esgrafiados, desconchones, manchas y pintura…; los signos de la transición entre el siglo XX y el XXI están aquí (en la sala) y allí (en la imagen instantánea), capa a capa hasta su aterrizaje en estos papeles de acuarela.

Como dice para esta exposición Pedro J. Miguel: “nos convertimos en demiurgos” del “múltiple abandono y retorno” de estas pequeñas historias…

Estas narraciones, creo, pequeñas o grandes, están contadas con voz en off y en fuera de campo, y aunque intuyamos la presencia de la fotógrafa por allí, son a escala, porque Isabel nos deja entrar y salir de sus imágenes, completar el puzle o rompecabezas que constituye su mundo interior de belleza singular, la imagen que proyecta el poblado minero de Rodalquilar, en el parque natural de Cabo de Gata, Nijar… para nuestros ojos y alma… material sensible, pero transferible…afortunadamente…

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(detalles de obras, fotografías de Maribel Úbeda, con móvil..., mejor verlas in person...jeje)

Extras:

CHARLA CON ISABEL ARANDA

En la entrevista o charla que mantuve con Isabel tras ver su exposición, me contó detalles de su forma de entender la fotografía, como un todo, y con la libertad por delante. Ama el proceso y es minuciosa, hasta conseguir su idea original, y prefiere esperar a tener lo que desea sin arrebatos, pero tras un tiempo sin exponer (aunque con una obra que esperemos que pronto salga a la luz en formato de pequeño libro de fotografía y poesía…, no digo más), tiene pendientes dos muestras más: primero en Julio en la Sala Alfareros (de la Diputación de Almería, y de la que hablaremos más adelante por aquí, espero) y casi en paralelo, durante este verano, en los muros de RodalquilarArte 2018.

Isabel tiene numerosas cámaras fotográficas y de distintos formatos (su Nikon analógica, una Hasselblad 6×6, varias Polaroid, etc., etc.),  trabaja con la cámara y experimenta, pero para ella prima el ojo, las sensaciones, el instante (tan sincero siempre, sin artificios en su caso) y la emoción, no la técnica (lógicamente, creo yo…, y afortunadamente), pero sostiene (algo que también comparto) la buena toma fotográfica, encuadrar y exponer bien para no tener que ir retocando.

Uno de los referentes o fotógraf@s preferidos de los que me habló es Masao Yamamoto, y tomo nota para buscarlo con calma, a parte de Robert Frank, Chema Madoz o Isabel Muñoz, de la que me habló con más extensión y compartimos admiración.

Para Isabel, fotografiar es Comunicar, más allá del hecho artístico o matérico, está la expresión, y se nota. Gracias Isabel, por tu tiempo y tus IMÁGENES…

Bio de Isabel Aranda (en post anterior y en su blog)

Link a noticias sobre la exposición de Isabel Aranda en el CAF:

CAF. Centro Andaluz de la fotografía

Noticia en: La ventana del arte, Junta de andalucía, cultura.

en Instagram: @isabelaranda62

Entrevista a Isabel Aranda en Interalmería (en breve)

Más obra suya en cuaderno catálogo “Una mirada más” (con prólogo de Pedro J. Miguel.)