II. Pymiento Project toca a su fin. Entrevista con A.Rosillo

noviembre 14th, 2016
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Debía haber colgado esta entrevista con Adolfo Rosillo, uno de los precursores de Pymiento en el Museo de Almería, hace una semana y pico, pero ha sido imposible. Aunque publicar en redes exige cierta inmediatez, mis post no la suelen tener, de manera que…, tras esta intro, pasamos a la acción.

Afortunadamente, y pese a que los eventos caducan, los contenidos no, así que, aunque este 14 de Noviembre se desmonte la exposición experimental – taller de ideas entre la tecnología y la creatividad-  aquí podéis conocer un poco más sobre esta experiencia pionera en Almería.

Pero, antes de pasar a la entrevista, me reitero sobre un aspecto que me parece interesante recordar cada poco: y es que, en realidad, casi todo lo que hacemos en un campo u otro del conocimiento y la experiencia, e incluso (y afortunadamente) en las cuestiones más cotidianas o banales de nuestro día a día, suele tener un fuerte componente creativo que muchas veces obviamos, o no potenciamos, pero está ahí…, aunque a muchas personas piensen que la creación es algo único de inventores y artistas, y algún gremio de determinados productos, no, la creatividad está en cada uno de nosotros y nosotras…, de forma inconsciente las más de las veces…ahí lo dejo…

Y…, bien, e aquí lo que Adolfo Rosillo, profesor de Teoría de la Imagen y la Fotografía en la Escuela de Artes de Almería (entre otras asignaturas) cuando fui allí alumna, me contó a propósito de una batería de preguntas, a cerca de Pymiento Project:

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 Adolfo Rosillo el día de la inauguración de Pymiento Projetc, charlando junto a otros componentes del proyecto.
¿Por qué Pymento Project, el nombre de este proyecto? Pimiento, imagino, por razones obvias, de un producto,…digamos, muy dado en esta zona?, ¿el tomate ya estaba muy visto? ¿Qué hay de las habas, y los “présules” (guisantes), melones o sandías? 
La celebración en Almería de la PyConES 2016 fué la excusa para provocar una “ocasión”: un tiempo cargado de sentido. En este caso el lenguaje de programación Python nos invitaba a baladronear en esa zona limítrofe entre disciplinas que es el arte de los media, aquel que usa de forma intensiva, casi como contenido, las herramientas con las que busca generar la forma en las obras. El hecho de que Python se use en gran medida como herramienta de conexión, de mediación entre otras, también nos invitaba a explorar otro aspecto para nosotros relevante: la construcción de redes sociales. Puede parecer banal hacerse esa pregunta hoy. Hemos querido darle la vuelta: son las llamadas redes sociales las que nos parecen triviales; son útiles para relaciones de baja intensidad dado que cualquier usuario sabe que su modelo de negocio es la vigilancia, que el producto que se vende somos nosotros, nuestra información. Por el contrario, hemos buscado dar un sentido fuerte a esa idea de la red social: hemos buscado conectar personas, construir una comunidad con la intención compartida de participar en procesos de construcción colectiva de conocimiento.
El nombre es un homenaje a los hermanos Van Rossum. Guido, el padre del lenguaje de programación, adora a los Monty Python, los humoristas británicos. Pymiento Project toma ese sentido del humor y lo trasplanta a la huerta del sur de Europa. Somos sembradores, hortelanos de bytes y electrones, haciendo injertos. Hemos empezado con serpientes y pimientos pero seguro que habrá más variedades modificadas genéticamente en este bancal. Just, diseñador gráfico, es pionero en el uso de la programación en el desarrollo de su trabajo como tipógrafo.
Un último elemento que consideramos importante al pensar en un nombre fue evitar cualquier alusión a lo artístico: no se trata de una exposición al uso de piezas artísticas acabadas. Aunque algunos tenemos formación artística, la idea ante todo era romper barreras, crear puentes entre disciplinas, generar conocimiento en el lugar donde se encuentran el arte y el diseño, con la informática, las ingenierías, las ciencias naturales, las humanidades, eso que se ha dado en llamar STEAM (Science, Technology, Engineering, Arts, Mathematics).
A lo de más arriba 😉 añadiré esa expresión “me importa un pimiento”, que viene a decir que algo no vale mucho para nosotros, no nos importa. Con ese “gen” mutante de la “y” que se cuela recombinado desde python hemos buscado también hablar mediante dobles sentidos, usar las zonas de sombra del lenguaje que dan lugar a la poesía, que trascienden la mera comunicación. Pymiento somete a estrés las disciplinas con las que trabaja para llevarlas más allá de las respectivas zonas seguras, de confort. También las personas implicadas y los procesos desarrollados, hemos recorrido ese territorio. Vivimos tiempos de cambio: antes que mapas, necesitamos brújulas y aprender a orientarnos, incluso a costa de perdernos muchas veces. Oscilar entre que nos importe poco y que nos importe.
¿Por qué presentar las ideas-objetos-proyectos-piezas en el Museo de Almería?
Somos hackers, exploramos usos alternativos, no previstos en el diseño original de los dispositivos. Más que buscar un sitio donde exponer necesitábamos instituciones para hackear. Un museo con una colección fundamentalmente arqueológica era el sitio perfecto para una colección de prototipos de principios del s. XXI. Pero esto, la conexión entre un hacha de sílex y una mesa “aumentada” mediante arduino y sensores NFC, puede no resultar evidente para ciertas miradas.
Además está la lectura del actor en la red: Pymiento Project es un laboratorio ciudadano abierto, en el que pretendemos producir conocimiento de forma colectiva, sin filtros académicos ni meritocráticos. Cualquiera puede aportar en este experimento de inteligencia colectiva. ¿Qué institución es el lugar idóneo para desarrollar una propuesta así? Exacto, en Almería no existe, había que empezar por generar ese “lugar”. Este proceso generativo de lugar y ocasión es una de las claves del proyecto: un laboratorio popup, oportunista, dispuesto a materializarse en cualquier resquicio de cualquier sistema o dispositivo.
¿Cómo recogieron la idea en el Museo de Almería? ¿Os abrieron las puertas fácilmente?
Absolutamente. El Museo de Almería ha sido un interlocutor receptivo y paciente con nosotros. Nos han escuchado y nos ha apoyado en todo, incluso cuando nuestra propuesta ha mostrado sus aristas más cortantes. De salida nos ofrecieron su sala de exposiciones temporales “@”, en el corazón de su colección permanente, donde desarrollan un programa de exposiciones temporales con un marcado carácter experimental. También han sabido comprender la diferencia entre Pymiento Project y una de esas exposiciones. En nuestro caso lo experimental afecta no solo al contenido que se expone – prototipos en desarrollo, algunos apenas una idea cobrando forma – sino al propio desarrollo de la propuesta: queríamos mostrar a gente trabajando, dejar a la vista el cableado, enseñar el contenido de la caja negra, eso que normalmente se oculta al espectador, incluso asumir el mal funcionamiento, la avería, como síntomas operativos del dispositivo. Esa apuesta es difícil de asumir por una institución del nivel de desempeño del Museo de Almería. Hace falta mucho valor para aceptar lo precario, el error, la pobreza, lo que voluntariamente se limita, cuando estás en la primera línea de las instituciones culturales.
¿Habrá otra edición de proyecto pymiento, sin el paraguas conceptual de una python-reunión (congreso u otras formas variadas)?
Éste es un proyecto abierto, con un marcado carácter relacional, desarrollado por un equipo ad hoc, un enjambre ocasional. La y de Python indica cierta caducidad. Pero también una predisposición adaptativa, oportunista. Hemos mostrado un modelo que puede repetirse, replicarse, variarse, mutar, tal y como nos enseña la naturaleza. Qué mejor manera de desarrollar Pymiento que transformándolo en otra cosa.
¿Sería de nuevo en un museo, institución o mismo lugar?
Lo que sí queremos es seguir estableciendo vínculos, puentes con otros agentes, hacer con otros. Intercambiar semillas es lo que permite la biodiversidad. Pymiento seguirá siendo mientras seamos traficantes de semillas, de ideas, de acciones colectivas. Tu pregunta es muy buena porque nos pone ante un espejo como el de la bruja de Blancanieves: no tiene sentido “repetir pymiento”. Podemos seguir trabajando con el Museo de Almería para completar lo iniciado pero apuntando a nuevos objetivos.
Creo que habéis abierto una brecha importante en lo que se puede esperar de las iniciativas de gente, en apariencia, común (o sea, que no va de curadores o comisarios, ni de ninguna movida Artística o de moda tecnófaga de hipster-postureo, aunque, bueno, sí tenéis algo de frikis (tono cariñoso), porque también sois parte de la gente que originó y conforma Hacklab Almería. Así que…, ¿sois conscientes de que ahora se nos hace la boca agua y que se os pedirá (y exigirá) más? (No sólo más nivel, aun, sino más cantidad de expos, talleres, proyectos similares…)
Normalmente alguien que domina el campo desde una perspectiva global coordina a los actores para llevar a cabo la idea. El comisario elabora una tesis y busca a los artistas que tienen obra susceptible de confirmarla. El cliente busca a los técnicos que dan respuesta a sus necesidades. El artista solicita el asesoramiento tecnológico que le permite materializar su obra. Nosotros hemos querido dar la vuelta a la forma en que suelen plantearse los procesos de colaboración: para empezar no hay artistas cuya obra comisariar (que conozcamos al menos). Nos interesaba iniciar un proceso desde abajo hacia arriba: gente corriente, ciudadanos, que se ponen a trabajar juntos en un proyecto donde todo el mundo está “fuera de casa” y aporta lo que puede al esfuerzo colectivo. Da igual que no sepas de arte, electrónica o programación, escuchando ya estás aportando. Hemos querido dar un sentido literal a la idea de comisariado. En español suena a cosa policial, un señor vestido de negro que certifica a la entrada del museo la calidad de la obra y del artista. Un enterrador que certifica la defunción de la obra a su entrada en el sistema del arte. En inglés “curatorship” también alude a ese pastoreo, a esa vigilancia de una colección. Pero también podemos forzar el sentido de curar y llevarlo a “cuidar”, hacia una ética del cuidado del otro. Entender así el comisariado como una figura que cuida un campo emergente de prácticas y agentes, que cultiva las relaciones que dan lugar a la obra antes que la obra en sí, ahora una excusa para generar tejido social vivo.
Hemos huido deliberadamente de discursos prefabricados: la cultura maker, el hacktivismo, la fascinación tecnológica, el hipsterismo, desmintiendo siempre que ha sido posible cualquier retórica postiza. Uno de nuestros referentes ha sido el centenario de Cabaret Voltaire, de Dadá. Había que rendir un homenaje a los pioneros del azar creativo y del caos como fuerza cósmica, que tan importantes han sido para el desarrollo de nuestra comprensión del universo, de manera indirecta. La cosas como son, directas y desnudas, listas para usar. Pero poco más, ni siquiera esto ha sido algo preestablecido.
Es cierto que Pymiento no se entiende sin Hacklab: Pymiento es un experimento tecnológico, social y creativo. Queremos probar que se pueden obtener resultados del trabajo en equipo, a pesar de las dificultades. Much@s hemos participado en todo tipo de talleres, charlas, eventos y hackatones. Era hora de probar que se puede ir más allá y plantear un campo de colaboración estable y a medio plazo.. Nos encantaría que hubiese ganas de más actividad en este sentido, de diseño y arte mezclado con programación, electrónica, humanidades y cultura digital, educación, procomún, accesibilidad, economía, juego, astronomía, autoconstrucción, qué se yo, hay tanto por hacer. Es lo bueno que tienen los desiertos, que no hay nada, todo es vacío y posibilidades de acción. Pero también es verdad que tendemos a ser muy disciplinares. Hacklab es sobre todo tecnología; la creatividad y lo social, la experimentación, el arte y el diseño, incluso la ciencia o la educación, tienden a estar en un segundo plano frente a la componente tecnológica. Esto es mi punto de vista y no es un reproche en absoluto, pero me lleva a pensar en la necesidad de introducir el arte en ese escenario como herramienta para cuestionar los límites que nos impone la tecnología. El arte nos permite repensar, cuestionar esos límites desde una escala humana,
Una de las primeras preguntas que nos hicimos, nada original por otra parte, fue si una máquina de hardware y/o software puede crear una pieza artística. Más allá de la respuesta concreta que podamos dar, lo importante es si mediante ese objetivo (hacer arte) podremos pensar en máquinas inteligentes más humanas, pues la máquina es funcional por definición y en cambio el arte es inútil, si tiene utilidad es un subproducto secundario, no deseado, no esencial. Lo importante en arte es justo eso, que nos permite cuestionar el imperio de la razón y la lógica de las funciones. Nos permite extrañarnos.
¿Quién ha ayudado en la financiación del proyecto (si lo hay…)? ¿Habéis gastado mucho? Para quien no sepa nada de los elementos que han conformado las piezas, por ejemplo, más compleja en realización y/o tiempo, y por tanto, que sepan, que el valor, no siempre es de precio, cuantitativo, sino cualitativo…
Una de las premisas de Pymiento fue explorar los límites: ¿qué podemos hacer con un presupuesto mínimo? No era solo una cuestión de realismo (no hemos tenido aportes económicos) también hemos querido explorar la fragilidad del desierto. Hemos trabajado con lo que cada uno podía conseguir, reciclando y reutilizando. La idea era demostrar que  lo verdaderamente importante son las ideas y las personas. La realidad nos ha demostrado que a veces el dinero es importante para las personas, de la misma forma que hemos visto que los lugares de trabajo y reunión son determinantes. Hacklab Almería necesita un medialab para ir más allá de sus fronteras actuales. Sé que esto es complejo y contradictorio. Hay múltiples formas de abordar un proyecto así que se alejan de esa ética hacker de que hablaba antes.  Y también hay un motón de miradas interesadas en apropiarse de un espacio así. Pero es cierto que no es suficiente con usar los espacios que nos han facilitado empresas como Workspace Coworking, el propio Museo o Chanca Style Parties.
En cuanto a financiación, la única aportación externa ha sido la colaboración de la PyConES al financiar  y usar nuestra tarjeta jacquard como parte de su aparato promocional.
En cuanto al coste, precio y valor de las piezas, los componentes utilizados están al alcance de cualquier bolsillo: un arduino o una rasberry pi originales no cuestan más de 30 € y se puede ver el origen reciclado o reutilizado de muchos de los materiales. Además las piezas son prototipos, pruebas de concepto propias de los procesos de creación en tecnología, arte y diseño. Su valor está en que permiten poner a prueba la idea que se está elaborando. De ahí su aspecto y funcionamiento precarios, sólo son una fase de un proceso que en la sala @ del Museo se muestra al público con idea de invitar a la emulación ya la participación, pero que normalmente queda oculto en la caja negra del estudio, del taller, que casi nunca se muestra. Normalmente el visitante de una muestra de arte suele pensar “eso podría hacerlo yo, cualquiera”, nosotros queremos que no se quede en una idea, que lo intente, que Pymiento funcione como una invitación a la participación.
No sé si un prototipo, un boceto, puede adquirir una alto precio de compraventa en el mercado. Todo dependerá de que haya una posterior “obra acabada”. Nuestra intención se centra mucho más en los procesos de diálogo que plantean las obras y su conjunto, el laboratorio, que en los posibles resultados, aunque estos no sean despreciables.
Tengo mi opinión, y contesto antes de preguntar: Sí. Pero…la pregunta es: ¿Crees que ALGO se mueve en Almería? 😉
Sí, la dificultad agudiza el ingenio. En todas partes hay movimiento. Incluso en Almería. La pregunta es cómo: creo que tenemos tendencia a funcionar como partículas elementales. Preferimos ser cabeza de ratón antes que cola de león. Y no percibimos bien el valor de la comunidad, de la gente que apoya sin más, a cambio de nada y sin ser protagonistas. Rápidamente tendemos a despreciar lo que no cuesta. La meritocracia nos hace miopes. Pensar nos cuesta y comprender al diferente, exige pensar, por lo que tendemos a apartarnos de lo que no conocemos o comprendemos, tendemos a ser disciplinares. En Pymiento hemos dedicado más del 50% del tiempo de trabajo total a explicar las posibilidades del proyecto. En muchos casos, su carácter procedimental y abierto, multidisciplinar actuó como inhibidor antes que como estímulo. Da que pensar. En lo mucho que nos queda por hacer, cambiar y aprender.
Yo pediría una sala permanente de artes o creatividad y nuevas tecnologías…en el museo o en algún otro lugar (institución no privada, a ser posible…), ¿y tú?
Pymiento es un laboratorio ciudadano popup. Es una invitación a la creación de espacios permanentes de trabajo. Creo que es una obligación en el caso de las instituciones públicas. El Museo ha recogido el guante y su equipo hace lo que puede con lo que tiene a su disposición. La Escuela de Arte en la que trabajo ha sido el contenedor de muchas de las actividades de Hacklab. Otros centros educativos públicos e incluso empresas nos ceden sus espacios para actividades puntuales. Pero urge imaginar un modelo sostenible de espacio público dedicado a este tipo de actividades y procesos colectivos.
¿Qué factores confluyen en experiencias como esta? ¿podrían haberse aliado el que haya estudios universitarios de Informática o Ingeniería, la Escuela de Artes, el amor por el cine y la fotografía en esta tierra, mas un tópico: la luz!!, (jeje) y sobre todo, las, tristemente habituales (no es el caso del Museo de Almería), sequías institucionales…, que hacen que cuando hay una iniciativa con algo de sentido y empuje, salga adelante a borbotones?
Estamos en un lugar magnífico para experimentar. Sólo nos falta algo de confianza y de ambición. Presentando Pymiento usaba el ejemplo de los invernaderos: ingeniería colectiva visible desde el espacio. El cine y la fotografía son otros. Hacklab es conocido fuera de Almería como la comunidad activa que ha demostrado ser. Pero nos falta una clase empresarial y unas instituciones con visión y presupuestos. Se une a eso que no sabemos llamar con insistencia a las puertas adecuadas. Pero falta muy poco. Pymiento es una página más de un porfolio que va creciendo poco a poco. Espero que más pronto que tarde haya un grupo de gente en Hacklab que dé el paso adelante y ponga en marcha esa iniciativa de que hablamos.
Un pequeño empujoncito para las personas (sea cual sea su edad, sexo, educación, cultura y condición social o circunstancial) que no se sienten atraídas por este tipo de proyectos o novedoso campo…, tipo Pymento Project…
Pymiento es una invitación a abrir la caja negra, a participar en la construcción de un lugar de ciudadanía, desde el arte, la tecnología, el conocimiento. Lo ciudadano está de moda, como las redes sociales, pero normalmente se nos presenta como algo acabado, algo que nos pertenece. Pymiento está por hacer, no hay respuestas, sólo preguntas a la espera de un colectivo que se implique en su respuesta.
No todo el mundo va a ser artista, programador o ingeniero, pero sí que vamos a necesitar unos mínimos conocimientos sobre el tejido de que está hecha esa realidad del tercer entorno, de las redes móviles y la computación ubicua. 

Gracias Adolfo Rosillo por contestar a esta entrevista, y Gracias  a cada componente de Pymiento Project, por esta lección de trabajo en común para ofrecer experiencias creativas y dinámicas más abajo de despeñaperros… ;-))

Me dan ganas de gritar: Otro mundo es posible, Otras formas de crear son posibles, y  Otra Almería (conviviendo con lo buena que ya existe, of course) es posible!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

I. Creatividad en el Museo de Almería: PymientoProject = hablemos de arte y tecnologías

octubre 19th, 2016
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Sobre la Exposición experimental Pymiento Project, en el Museo de Almería, hasta el 6 de Noviembre, 2016.

Print: “!Mamá dejó la fregona y se fue al museo a programar! Herramientas para una creatividad colectiva, conectada y abierta (con una pizca de Python)”

“La actividad desarrollada no es una exposición en sí, sino un laboratorio, un experimento en curso.
Es un proceso de diálogo y una caja de herramientas. Un mensaje en una botella y un bancal para sembrar ideas y recoger preguntas”
PymentoProject

Hello world

Bienvenida al museo de exposición Pymiento Project. Cartel: trazos robotizados sobre plástico de invernadero. maribelubeda CC.

Esta exposición en el Museo de Almería (museo arqueológico) es, sí, un Taller de experimentación tecnológica y artística donde las piezas desarrolladas y exhibidas muestran, y demuestran, que la creatividad está por encima de las etiquetas, los campos concretos y las disciplinas al uso. Pero, afortunadamente, cada vez estamos un poco más cerca de no asombrarnos por algo que, en realidad, existe desde siempre, cuando los campos del conocimiento estaban tan interrelacionados que no existía apenas la llamada Especialización.

Aún podemos recordar (en los libros de historia y literatura están reflejado, so incrédulos) cuando los planetas, constelaciones o universo se leían como astrología, la química era alquimia, la medicina quedaba entre usos y descubrimientos a base de no poco sufrimiento en  vivo y en directo,  las más de las veces en manos de chamanes o gurús del momento, la arquitectura se acercaba a la escultura y la ingeniería o la invención era arte puro, como en manos de, por ejemplo, Da Vinci… Pero…, no significa, claro, que debamos volver a esos tiempos, o que nos mole la mezcla de lo esotérico con la ciencia, no…, es que aunque ahora el saber y sus compartimentos ocupan cada uno su lugar… es el momento de volver a unir la esencia de los planteamientos sobre el conocimiento, el saber… Y es el momento de recordar que todos los avances y descubrimientos en cualquier campo de la sabiduría (el arte uno de ellos, por supuesto), deberían estar al servicio del Ser Humano, y no a la inversa. Así que desde estas páginas virtuales (pero llenas de corazón anímico, físico y químico también) pedimos la no hiperespecialización hacia la que camina el mundo “civilizado” de hoy…; no queremos que nos sigan dirigiendo hacia la obsolescencia, más que programada, así que abogamos por compartir (conocimientos, software, derechos, ideas…proyectos, actividades, emociones…); es el momento de volver a mirar hacia el Humanismo y salir fuera de la famosa zona de confort (no solo para cuestiones de la relaciones personales/laborales) y entrar en la INTERDISCIPLINARIEDAD!! Sí, esa palabra que cuesta pronunciar, pero…que es tan hermosa…

Por supuesto que esto de la Interdisciplinariedad, el salir ahí fuera y compartir… puede producir cierta ansiedad (aunque hay gente, como yo, que no es capaz de centrarse en nada y pica de todos los lados que puede, deseosa de conocer por comprender, lo que y a los que, le rodean), pero recomiendo empezar con uno de los  leitmotiv de la Bola de Cristal: “vamos a enseñar a desaprender cómo se deshacen las cosas!”.

Así que, por pasos, en sentido estricto, aquí se enseña, pero no desaprendemos nada (porque aprendemos y mucho), me refiero a que tan solo debemos quitarnos prejuicios (que la mayoría de las veces, no nos engañemos, son requete-aprendidos y aprehendidos en nosotros) para mirar y disfrutar con ojos “nuevos” todo el cotarro que tenemos alrededor.

Y ya para empezar a centrarnos, en la susodicha expo-experimento hablo aquí, no sólo porque he colaborado un poquito en ella,  sino porque, además, tiene lugar en Almería, la Almería del siglo XXI, y esto hay que resaltarlo. En concreto, el inicio del proyecto pymiento vino por el entorno del desarrollo en la ciudad del PyConES ( la conferencia anual de la comunidad de usuarios y desarrolladores del lenguaje de programación de código abierto Python, a nivel nacional, que se ha venido celebrando en Madrid, Zaragoza y Valencia en años anteriores) que se celebró exitosamente los días 7, 8 y 9 de Octubre, entre la Universidad,y el Museo de Almería.

Python, es uno de los lenguaje de programación más abierto y novedoso de la amplia variedad que existe, y la particularidad de él es que sus principios se basan en la simplicidad y el código abierto para compartir, y esto es lo que, por ejemplo, yo sabía a la hora de querer participar en la exposición, y me gustó.

“Podríamos estar hablando de netart, pero hay mucho de manual aquí y no todo ha sido tecnología. Y hay mucho corazón, mucha alma, mucho ingenio, muchas preguntas y curiosidad y ganas de “hacer cosas” por encima de lo convencional, pero sin miedo a  tocar cualquier rama del conocimiento… (a poco que tienes algo, lo usas, eso estaría bien!)”.  Adolfo Rosillo

Pero, qué ha pasado en el Museo de Almería?

Unos lo llamamos expo (piezas tecno-artísticas para mí), otros Hackeo en el Museo, otros…experiencia, pero por encima de todo… ha sido “una colaboración a lo largo de varios meses, donde cada persona ha ido aportando su granito de arena en torno a una pequeña idea primigenia: experimentar con el lenguaje python (hoy más almerienses sabemos qué significa la palabreja, sin ser del gremio!) en entorno no técnico, sino tecnológico y artístico o mejor, Creativo Reactivo”.

Las piezas que encontramos tienen la capacidad de realizar algo, de manera que tenemos obras interactivas, resumiendo. Algún que otro proyecto de los mostrados o ideados, no están conclusos, pero no importan, porque de eso trata, entre otras cosas, de mostrar la experiencia, no una conclusión. No son piezas cerradas o terminadas del todo;  y  de otras piezas-proyecto, por ejemplo, veremos los resultados al final de la expo, como la obra que consiste en cuatro plantas que recibirán luz según los hashtag que mande quien quiera participar (cuatro nombres, uno por planta, viva y real: marujita, liza, etc) y sobrevivirán según los que le lleguen…, el final de ellas (qué plantas han sobrevivido o no…) lo sabremos al término de la exposición. Lógicamente, este no es un experimento sin más, sino que intenta hacernos reflexionar sobre la responsabilidad sobre nuestra toma de decisiones y sus consecuencias (el poder y cómo lo ejercemos y su repercusión, vamos).

Y así podríamos ir pieza por pieza, todas aportan algo, todas son divertidas de ver y toquetear para observa qué nos muestran o demuestran…, y quien quiera ir más allá, podrá…desde luego.

Adolfo Rosillo (profe en la Escuela de Artes de Almería, crítico de arte y artista en varios campos, y “Agente provocador”) y Cristo Contreras (ingeniero de telecomunicaciones y “Flamer ecléctico”) fueron quienes nos pusieron las pilas, y bien, en el Proyecto PymientoProjetc.

Eso sí, han formado un gran equipo de locos y locas, o vamos enderezando tópicos, visionarios y visionarias como: Gonzalo Moyano – Multipotencialista & Creative Maker,  Francisco Acién – Amante de las tecnologías libres,  Delia Gálvez – Interiorista maker, Almudena Fernández – Creatividad por bandera, Aitor Álvarez – Ingeniero filósofo, Olga Lucía Fernández – Design Thinking y organización., Guillermo Fuertes – Físico Periodista, Remedios Fernández – Robótica infantil, Hugo Rosillo – Amante de la casquería mecánica, Cristina Góngora – Psicopedagogía y manualidades, Bill Muslos – Punky del estenopo, Ana Mora – Inquieta por definición, Favio Gutierrez – Diseño y Comunicación Visual, Pedro Silva – Hacking mode- y (en muy pequeña medida) Maribel Úbeda -la que escribe estas líneas-.

(ver perfiles en http://thepymientoproject.com/people/)

Las piezas de la expo funcionan y se conforman con materiales nobles y no nobles, artesanos y tecnológicos, como Rasberry Pi, arduino, y sensores o microchips en pequeñas placas…, esto como tripas, lo que maneja los objetos, pero como contenedores veréis madera o metal, papel y cartonajes, tiza…o sea, una producción colectiva diferente y divertida, curiosa, y hecha de muchas ganas e imaginación. Así pues, las técnicas y procesos creativos (de la idea al objeto) y los soportes de estas piezas de tecnoarte, arte-factos a todas luces, son también más que variados! Además, como repite Adolfo Rosillo (la última vez, vía twitt): “ es ciudadano. No se ve, se participa. Gracias, MuseoAlmeria

Así que os increpamos para que vayáis a este lugar de lugares, donde no se mira (al uso) SE TOCA.

Podríamos, pues, decir: ven al museo de Almería a su “Sal@ del museo” (planta 2, para más exactitud) y Toca-mira-piensa… y si encuentras algo mejor, apórtalo! (punto y coma, guión, cierra paréntesis)…

Seguiremos informando…

Collage, fotografías Maribel Úbeda. CC

Collage y fotografías maribelubeda. CC.

Por cierto!: Durante el mes de exposición se harán talleres in situ, donde se enseñará a los asistentes a iniciarse en el mundillo Pymientero.

En estos artículos de la prensa (a parte de la propia web del proyecto)podéis indagar en el contenido y motivos de la exposición experimental artística creativa:

El Museo de Almería acoge la exposición Print  “!Mamá dejó la fregona y se fue al museo a programar!”.

http://www.guadatech.com/contribucion-de-guadatech-en-el-proyecto-artistico-pymiento/

-Pronto añadiremos aquí las respuestas a las preguntas a Adolfo Rosillo, sobre cosas que quedan en el tintero, ..:-) … (post in progress)-

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Un-os Mediterráneo-s, de Nick Hannes, en el CAF, Almería

agosto 24th, 2016
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Mediterráneo. La continuidad del hombre, es el título de la exposición de fotografía (pura y dura) que Nick Hannes presenta hasta el 18/09/2016 en el Centro Andaluz de la Fotografía, en su sede principal, en Almería capital.

Porque “Hoy, el Mediterráneo se ha convertido en una de las principales zonas de conflicto a nivel mundial (en vez de uno de sus crisoles culturales). Uno se encuentra por todas partes enormes fisuras que definen el momento actual: Occidente y Oriente, norte y sur, ricos y pobres, por citar algunos. Esta tensión es lo que lo hizo interesante  desde el punto de vista fotográfico: visualizar realidades paralelas que está ocurriendo, simultáneamente, a lo largo de una misma costa” (desde Mónaco o España, hasta la franja de Gaza, por ejemplo) como él mismo explica, en parte del texto dedicado a la exposición.

Sobre algo de esto y mis impresiones sobre las fotografías que Nick Hannes (reportero de Cosmo Photo, París y profesor de fotografía documental) ha seleccionado para mostrar su visión sobre el Mediterráneo actual (2010-2014), pensaba escribir aquí, pero…, quizás lo mejor que pueda hacer, en este caso, sea animaros a que vayáis a verlas in situ (o busquéis las imágenes en su catálogo o web, ahora o después).

A mí me ha gustado, y sí, si lo que busca el autor es que pensemos un poco sobre ese gran Lugar de lugares…, lo ha conseguido. Aunque, incluso, no muestre nada nuevo, por terrible que esto suene. Y por supuesto, quienes esperen bellas imágenes autocomplacientes de tiempos mejores, o lo mejor de estos…, que se olvide…
Sí os diré (necesito comunicarme con el exterior, qué le voy a hacer) que la imagen que han elegido para difundir la exposición (bajo estas líneas), no es la más representativa pero sí la que menos “destripa” el conjunto y su idea general. No soy amante de espoiler (no describo minuciosamente las piezas en mis escritos, para qué?) y aquí tendría que cometer ese atentado, porque las imágenes, todas, hablan por sí mismas…, no hace falta mediadores. Incluso, la selección de Nick podría haber sido hecha de más de un álbum fotográfico de muchos de nosotros (fotógrafos-as o no tanto) visitando estos paises del Mare Nostrum romano.

HannesIzola, Eslovenia. De Nick Hannes. Imagen de difusión de la exposición.

Así que el mérito de Nick, a parte del trabajo fotográfico en sí mismo, ha sido, que esa Imagen del Mediterráneo que casi todos tenemos un poco estereotipada (por películas, fotografías o la publicidad universal) pero compartimentada, según qué conozcamos de él, se unifique en un Todo coherente, con un criterio temático, formal y conceptual adecuado. Algo de agradecer, ya que sirve de guía o de camino facilitado (facilitador visual podría ser llamado hoy día el fotógrafo profesional de documentación de la “realidad”1) para el lector o buscador, o mero “usuario”, de fotografías/imágenes que cuenten algo así, aunque ya esté tan explorado-explotado ese imaginario.

Pero, a quienes intentamos comprender el mundo y a nuestros congéneres, próximos o lejanos, nos gusta la fotografía documental que narra, pero que no tiene por qué soltar un discurso concretísimo o circunstancial, tan efímeros a veces.

Por cierto, me gusta y regusta la elección del acabado mate de sus fotos, y el marco a sangre… como pantallas de tv en este caso (por su gran formato) pero sin brillo, …porque estas realidades mostradas, no, no brillan. Aunque agobian muchas veces, y dan insolación…

La cruda e insol-ente realidad, que asola (permítaseme este tonto juego de palabras) el Mediterráneo, como el resto de mundo global-hizado (de nuevo sorry, je), es así, no inventa ni muestra nada nuevo. Es una reescritura de cientos de escrituras parecidas y distintas a la vez…

Así que poco más diré, para que os pique un poco la curiosidad y vayáis a ver las dos salas de ventanas al Mediterráneo que Nick ha buscado y abierto para nosotros.

(Ah, sólo añado que os fijéis en la postal de  difusión del CAF también…, la imagen es, como diría una amiga holandesa de Almería, “un puntazo, tú”; y tiene varias lecturas en vertical y horizontal, pero también directa y clara… 😉 Pero bueno, algunas imágenes pueden decirnos mucho, nada o poco, según quién las vea, el contexto, o el día, no? e ahí la riqueza y libertad que amo en las artes; y cuando hay obras que son claras y directas, pero que también te pueden decir otras cosas…, pues mejor que mejor)

Sobre la expo:

Organiza: Centro Andaluz de la Fotografía. Consejería de Cultura.

Colabora: Fundación Tres Culturas del Mediterráneo. Fundación Caja Granada.

Descripción: En el transcurso de los últimos cinco años, Nick Hannes (Bélgica, 1974) ha viajado a veinte países del litoral mediterráneo.

Biografía del autor (en web del CAF):

Nick Hannes (Amberes, Bélgica, 1974) es un fotógrafo afincado actualmente en la ciudad de Ranst.

Se graduó en la Royal Academy of Fine Arts de Gante en 1997.

A lo largo de los siguientes ocho años, trabajó de fotoperiodista independiente para revistas y diarios belgas y holandeses. Durante ese período recibió el encargo de documentar las duras condiciones de vida del pueblo kurdo.

En 2006 dejó de realizar encargos para prensa y comenzó a centrarse en proyectos documentales de larga duración por iniciativa propia. Se embarcó en un periplo de un año por las 15 exrepúblicas soviéticas, pertrechado únicamente con una mochila y una cámara.
Su primer libro, Red Journey, aborda la etapa de transición de la sociedad postsoviética y sentó las bases del característico estilo fotográfico de Hannes, en el cual el humor y la ambigüedad juegan un importante papel.

Su segundo libro, Tradities, enfoca su irónica mirada a las costumbres y el folclore de su tierra natal.

Por aquel entonces, ya había emprendido Mediterráneo. La continuidad del hombre, un proyecto épico resultado de veinte viajes por los países del Mediterráneo en el transcurso de cuatro años. Publicado en 2014, yuxtapone realidades paralelas y paradojas de la región del Mediterráneo teniendo como eje diversos temas de actualidad, tales como el turismo de masas, el urbanismo, la emigración y la crisis en veinte países.

Su fascinación por el desarrollo urbano artificial llevó a Hannes hasta Dubai, donde actualmente está trabajando en un nuevo proyecto sobre consumismo y ocio.

Es miembro de la agencia Cosmos Photo (París). Desde 2008 es profesor de fotografía documental en la escuela de artes de Gante.

Más información y texto de presentación de la exposición.

Post en el Blog Grainedephotographe

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1“Realidad” entrecomillada, porque hablar en estos términos en arte, y más en fotografía, es una panacea, y creo que así quede clara mi postura cuando utilizo estas ambiguas y extensas, por significados variados, pero necesarias, palabras. Siempre que utilizo este vocablo (así como verdad, veracidad, realismo, etc…) ando con pies de plomo. Hay muchas realidades, tantas como personas, puntos de vista, posicionamientos o perspectivas. Lo interesante es saber dónde nos movemos cuando aparece ese término. Y a veces ni eso sirve para dar a entender qué es lo que pretendes decir con ella. La poesía, la abstracción, lo intelectual inclusive, no podría existir si la realidad no fuera tan real o veraz como cada uno quiere. Si sólo existiera una…?, entonces… para qué seguir, casi, existiendo…?

Vale, lo dejo aquí…. (…la anotación, el post no, que es abierto, e igual lo voy variando según lo lea o me comenten o encuentre más info de interés…)

Perturbar-tranquilizar: Davide Careddu (I)

febrero 24th, 2016
Posted in Arte sin más, Para pensar, sentir
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Este es un post  especial para mí, porque en él quisiera ampliar el texto que me inspiró la obra de Davide Careddu (Cerdeña, 1985) y que presentó para la exposición colectiva del XI Salón de la Crítica, organizado por la Asociación Murciana de Críticos de Arte (que viene organizándola de forma constante desde hace unos 11 años).

Gracias a Marián García Arroyo (comisaria en esta ocasión) y a su gran labor de docencia y contacto con l@s artistas en ciernes de la Escuela de Arte de Murcia (donde ella es profesora de escultura), he podido conocer a este estupendo artista.

Desde el principio de mi implicación en el XI Salón, me gustó el tema elegido por su comisaria: La bella Scienza….; en él podíamos reflexionar, a través de las obras de nuestros artistas seleccionados, la relación entre Arte y Ciencia… un tema actual y apasionante.

Y hubo algunos escollos que salvar, como no estar donde se desarrolla el salón y el trabajo de Davide, de manera que tuve que seguir todo su proceso artístico en la distancia, aunque acortada por las redes y el teléfono…, y algún breve pero estupendo encuentro. Marián ejerció de comisaria física de “mi artista” para esta edición…, que conste, y yo sólo tuve que dedicarme a escribir… a imaginar la obra terminada, y a idear unas palabras que os trasmitan, a los visitantes a la exposición, oteadores de catálogos o seguidores del artista, el concepto de lo que quiere expresar Davide en estas dos obras…

Las obras expuestas en la colectiva del Centro Párraga, en Murcia, fueron: “Garè (Careddu-Lepori)”, escultura, y “Laudate hominem”, dibujo,  y ahí va mi texto, publicado en Catálogo en issuu Amucarte(catálogo completo). págs. 30-31:

Obra de Davide Careddu

“Laudate hominem”. Bolígrafo sobre papel. Davide Careddu. 2015. Murcia.

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“El arte es perturbar, la ciencia debe tranquilizar”.  Georges Braque

Y de esta manera nos perturban, tranquilamente, las dos obras alegóricas que muestra en el presente Salón Davide, un artista completo, casi renacentista (por su modo de trabajar, su talento, talante e ideario).

”Laudate hominem”, de realización concienzuda, es una obra onírica que nos desasosiega enormemente, ya que denuncia la intromisión de uno de los sustitutos de la ciencia (y también de la ideología o espiritualidad) en el devenir humano: la superchería. Aquí la sensación estética resulta sombría, no así su significado: el oscurantismo no debe empañar lo preclaro…;Y  su bolígrafo va narrando en lenguaje simbólico, como él mismo explica, “la rivalidad entre la superstición y el saber empírico; de ahí que la terrible figura de la izquierda se presente con un cuerpo desgastado y malforme, intentando atacar a la joven (la ciencia); por encima de su cabeza, el reloj de arena está a punto de terminar su misión”, porque en esta lucha (que debería ser absurda de antemano), “la ignorancia es endeble ante la fuerza de la otra, que posee la fertilidad, la luz del Saber, el Conocimiento…”. En la lápida, Davide hace una declaración de principios: “laudate hominem”, en vez de la fórmula clásica, “laudate dominem”. Dios ya no es laureado, dejando de lado miedos, dogmas e ignorancia. Al fondo, el Universo, que trascenderá siempre la estupidez humana.

Por otro lado, con su escultura “Garè(Careddu-Lepori)”, Davide nos enseña cómo la forma se apoya en la ciencia para trasladarnos ideas. A lo Da Vinci, Davide piensa y reflexiona con cálculos aritméticos, y busca, en este caso, la mejor manera de que un volumen pueda balancearse en el aire sin caer al vacío…   Teoría o praxis, ideal o realidad, objetividad  o  ilusión, consciencia o subconsciente, ciencia o arte, parece que siempre deben separarse, pero no es así, y aunque el tema principal elegido por Careddu sea esa danza y juego entre lo lógico y lo ilógico, en esta escultura, demuestra cómo un peso aparentemente demasiado grande para permanecer en equilibrio, puede estabilizarse en suspensión. Y nos preguntaremos…¿magia?…, no, aritmética, cálculos y… mucho trabajo bien realizado.

Detalle de Escultura. Davide Careddu. 2015

Detalle de Escultura. “Garè (Careddu-Lepori)”. Davide Careddu. 2015. (fotografía de Carmen García, EAA Murcia).

 

escultura Davide

Escultura copleta. Davide Careddu. 2015. Murcia. (fotografía de Carmen García, EAA Murcia)

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Hasta aquí, todo bien. El texto quedó así porque normalmente se nos da una página con un número aproximado de líneas para expresar lo que opinamos y hemos analizado en la obra (u obras, como en este caso) seleccionada para el salón. Pero claro, yo poseo más información,  y es aquí donde la ampliaré.

Pero esto será un poco más adelnate…Lo siento queridos y queridas lectoras-es…este es un post in progress... ,- )

Mientras:

Breve bio del artista:

Davide Careddu comenzó a  trabajar en el arte de forma autodidacta, y aunque ha estudiado diversas ramas de las Humanidades en Italia, en Murcia (donde reside desde hace unos años) es donde se está terminando de formar, en la especialidad de Escultura (Grado superior en la Escuela de Artes de Murcia) ( 2014-2016).

En Cerdeña ha dejado numerosos murales y pinturas, y ha recibido premios en diversos concursos (el primer galardón lo recibió con 6 años), así como ha intervenido en distintas exposiciones colectivas.

Recientemente ha obtenido varios premios de escultura como el Premio OMEP 2015 (Organización de Mujeres Empresarias y Profesionales de la Región de Murcia) Premio empresa por la igualdad. Y ha sido seleccionado para Crea Murcia 2015 con la consiguiente exposición colectiva.

En su caminar por la escultura disfruta creando cuerpos, manos, pies, o artilugios antropomórficos que nos hacen ver esencias de la belleza del Renacimiento colindante al Manierismo. Pero, partiendo de su fuerte tradición italiana,  ahora se adentra en la experimentación y lo abstracto.

En pintura vislumbramos un Davide más cercano a la actualidad, desde lo romántico o simbólico hasta  el street art y otros caminos por explorar…

 [ www.careddu.carbonmade.com ]

 

Las sin sombrero y la Memoria dormida…

octubre 11th, 2015
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Este es uno de esos post que duermen entre los Borradores de mi blog… Los post dormidos, podría llamarlos…, donde tengo también, los de las dos anteriores ediciones de Arco, pero que por no poder repasarlos, no los publiqué en su momento…y claro, queda raro escribir algo de actualidad y publicarlo al año o a los dos años…verdad? Pero bueno, como el tema de Las sin sombrero no es de raviosa actualidad.. aquí rescato esta reflexión de hace un par de meses, al ver el documental en la2 de tve, por si a alguien le interesa. Al menos a mí me gusto escribirlo… y por eso lo comparto…

Las sin sombrero Imprescindibles Documentales a la carta en la web de RTVE.Imprescindibles – Las sin sombrero, Imprescindibles online, completo y gratis en RTVE.es A la Carta. Todos los documentales online de Imprescindibles en RTVE.es A la Carta

Origen: Imprescindibles – Las sin sombrero

No es como audiovisual, en sí, por lo que recomiendo ver este Imprescindibles, sino como Documental, por el contenido, que es… demoledor. Ya sabemos todas, y todos, que se ha escatimado y se sigue escatimando información bien desarrollada sobre mujeres en la Historia, en la Cultura, las Artes, la Política…,la Ciencia o la Economía… o sea, los lugares donde destacan con insistencia los nombre propios de hombres. Salvo en Sociedad (y depende qué parte), la Mujer sigue siendo relegada a comparsa, detalle, anécdota (o la “mala”, la culpable, o la loca…; salvo en algunos casos dentro de la Literatura, los personajes de mujer siempre están en segundo plano, o plano invisible; incluso, conocemos poquísimo de las pequeñas historias “normales” de mujeres “normales”, fuera de los culebrones habituales donde tan bien se las enclava). En el otro extremo de la visibilidad, ya están las mujeres super estrellas del celuloide, de la música y claro, de los anuncios publicitarios… Aquí la mujer luce palmito, malicia o maternidad a raudales, vende un estereotipo férreo de femineidad desde los ojos, la mayoría de las veces, del consumo, puro y duro, pero además, desde el consumismo del llamado macho alfa. Y encima se toman como modelo para muchas mujeres que terminan acomplejadas o achantadas. No hay punto medio, o no existes, o si lo haces, debes ser como la mujer de la publicidad o el cine. Y si no, al menos, superwoman de su casa, estas que trabajan dentro y fuera, tienen hijos y son perfectas compañeras, amas de casa, amantes, hija, hermana, tía…arf, vale, ya paro.

Pero pasamos a lo importante: en este documental, se habla de 8 mujeres reales, que existieron, y que brillaron (intelectualmente hablando) en su momento, o sea, la llamada Generación del 27 (junto a García Lorca, Buñuel, Dalí, Rafael Alberti o Luis Cernuda…) Pero como todos sabemos, el Golpe de Estado de militar  y posterior contienda terminó con la II República y también con la ola de culturalidad europea, y propia, y debilitó, y terminó con parte de su plantel de artistas e intelectuales en el exilio, acallados, o muertos… Y como colofón del ideario patriarcal y fascista (conservador y mojigato) del nuevo autoimpuesto régimen, se exterminó la impronta de estas mujeres escritoras, poetas, pintoras, dramaturgas y filósofas, que se vieron frenadas y sepultada por siempre jamás (por así decirlo).

Estas  mujeres que quería salirse del patrón preestablecido fueron, por ejemplo: María Teresa León, Ernestina de Champourcín, Rosa Chacel, Concha Méndez, Josefina de la Torre, María Zambrano, Maruja Mallo y Marga Gil Roësset. De ellas, sólo conocía a cinco… Y nunca he leído nada, por ejemplo, de Rosa Chacel…(aunque eso ya lo estoy remediando).

Es cierto que, aun durante la II República, había pocas mujeres representativas (no se les había permitido antes) en los ambientes donde siempre había imperado lo masculino (en apariencia externa al menos), pero estaban haciendo su aparición, humilde y con paso firme, y estaban presentes en el mundo cultural de las grandes ciudades españolas…pese a que a muchos de sus compañeros no les gustara esa nueva sombra (femenina). El machismo y el poder masculino no tiene afiliacion política exacta, se da en todas partes, culturas, familias y ambientes culturales diversos… Pero claro, lo que vino, fue aun peor que lo anterior, donde al menos se les dejaban vías…

Pero esto se sabe,  y lo peor es que hemos acatado y seguido la tendencia de aquel entonces oscuro… Y seguimos ninguneando el pasado, sin contar toda la Historia, y menos, las pequeñas historias de Ellas. Profesionales o no, del mundo de las ciencias o la cultura (u otros campos o ramas de la acción, teoría o vida), sean de donde sean, sepan lo que sepan, o de la familia que fueran, Ellas, no están representadas. Pocos nombres recordamos, porque no los conocemos, porque no nos los enseñan, porque no se estudia o investiga sobre ellas….pero No porque No existieran o existan. He ahí la cuestión, que Sí, Existieron…Y Existen. Aun hoy…, se les ningunea, nosotras también. Son invisibles. Están pero no aparecen…

Así que os remito a este gran documento, como pequeño tirón de orejas (a mí la primera, pues me olvido a veces también) donde se cuentan algunos detalles de las vivencias de 8 Grandes Mujeres de la cultura (y en concreto del estado español).

Lo mejor para comprender mis palabras anteriores es verlo, verlas, concerlas a ellas y reconocer nuestro desconocimiento, pero aquí apunto unas cuantas frases que pasarán, al menos, a mi memoria recuperada:

“¡Las niñas no son Nada!” Esto sentenció una amistad masculina de la familia de una de ellas, de pequeña, cuando estaba jugando con su hermano, y  este le preguntó al hermano que qué quería ser al crecer, el pequeño apenas contestó, pero ella sí, y aquel señor la miró y le dijo la frase lapidaria: “¡Las niñas no son nada!”

En otro momento se cuenta el por qué del título de “las sin sombreo”: (…) “las sin sombrero eran como el tercer sexo”…había miedo a lo diferente, y, más que a un hombre diferente…., a una Mujer Diferente, pero simplemente por no querer ser, por ejemplo, madre, o un cero a la izquierda en la sociedad…y demás estamentos donde el Hombre (en masculino aquí) es lo único a tener en cuenta, a tener derecho a expresarse, actuar, y lo peor, estar.., existir…

“Los puntos ciegos de la Historia” están, principalmente en la Historia e historias sobre las mujeres:  en cualquier subcampo de la historia en general, y en la de la mujer, de mujeres concretas, con nombre y apellidos…

Y quizás, donde más sangrante parezca este “olvido” o Punto ciego, por ser un campo donde la sensibilidad y la reflexión debería imperar…es en las Artes…, las profesionales de la literatura, las artes plásticas (un poco menos en la música), la arquitectura, el teatro… Solo hay algo más de reconocimiento por parte de la historia en el campo de la dramaturgia, pero cuando están, ellas, en manos de un (él) director de teatro, escritor…, y cuando son cantantes o actrices…

Aunque escribiendo este post, me acuerdo del mundo del deporte…y es increíble, pero cierto…, ellas ganan premios o medallas y no son Noticia nunca (o tan solo si hay algún escándalo o morbo de por medio). Es así de triste y de limitada la cosa.

Si no aparecen, si no sabemos de ellas, si no las buscamos, rendimos homenaje, ponemos sus nombre en las calles, las admiramos, nos miramos en ellas….entonces pensaremos que No existen pintoras, diseñadoras, grandes cocineras (Chef impensable?), periodistas, escritoras… Otras profesiones siempre con nombres de Ellos… En campos más prácticos idem, ¿no hay científicas, investigadoras…?; porque claro,¿No hay directoras, gerentes, arquitectas, empresarias, banqueras?, dónde están las dirigentes?….UY!…voy tocando lo peliagudo…, directoras, coordinadoras…organizadoras…Y no solo en ONGs, antes Caridad, o Misiones….

Cuando una de ellas, o una de nosotras (anónimas) lanzamos un grito de auxilio; cuando alguna se harta y dice que también quiere exponer, por ejemplo, en una Bienal (y no sólo entre más mujeres, para aislarlas, hacer guetto…encima) se les toma, se nos toma, por Feministas radicales, sin más. Es tan fácil… Pero sí, gracias al Feminismo o a Las sufragistas, que son un punta del iceberg (rompedoras al 100 por 100) hoy votamos y tenemos los mismos derechos y deberes que Ellos; si, ser iguales ante la ley, etc. pero…en Occidente, no en todo el Mundo (seguramente en menos de la mitad del planeta) De manera que lo que hemos logrado prácticamente se queda en Teoría aun, en la realidad o la praxis, las cosas no han cambiado tantísimo. Seguimos en un mundo manejado por Ellos a expensas de Ellas y muchos ellos también hartos. Con lo fácil que es el 50-50, creo yo… (y de lo religioso ya ni hablamos…; no lo espiritual, sino las religiones, siguen arrinconando y subyugando, explotando, la no paridad, que la mujer tiene un pequeño papel en el mundo, concreto y sobre todo, sumiso…Y lo dejo aquí).

Pues bien, estas mujeres de Imprescindible lo son, im-pres-cin-di-bles; estuvieron y lucharon como el que más, y muchas no ganaron nada, tan solo salieron en los medios de comunicación en algunos momentos, si no, también las habrían invisibilizado…del todo.

 

Petición de BIC y Conservación de la firma Muelle (C/Montera, Madrid)

octubre 8th, 2015
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LhcgVjGiCYKSmlj-800x450-noPad   Firma de Muelle en la pared de la C/ Montera, Madrid

Firma de Muelle en la pared de la C/ Montera, Madrid (fuente de imágenes Observatorio de Arte Urbano)

Este post está dedicado a Muelle, a la Petición de declaración de BIC (Bien de Interés Cultural) de su firma emblemática en la C/ Montera 30, donde aun sobrevive, y a la petición de Conservación de la misma al Ayuntamiento de Madrid.

LLevamos 2118 firmas en los momentos que lanzo este post, y se buscan, mínimo, unas 2500 firmas. Apoya esta campaña de change.org!!

Ayuntamiento de Madrid: Conservación de la firma de Muelle de la calle Montera 30

La petición de Conservación, y por ello, también de BIC, se debe principalmente a que es un vestigio de la movida artística urbana de los años 80, y por ello se pide, desde 2010, su conservación (y restauración) al Ayuntamiento de Madrid.

Tras esta petición y reivindicación de la firma Muelle está Objetivo Muelle, y el Observatorio de Arte Urbano (con Elena Gayo como principal promotora, y mucha gente apoyando esta iniciativa, desde diversos ámbitos de la cultura -y no sólo madrileña-, artistas urbanos, restauradores/as-conservadores/as, historiadoras/es, historiadores del arte, así como los vecinos de la zona -un factor decisivo-, y demás personas sensibilizadas con la comunicación y expresión urbana…claro está…).

Muelle, Juan Carlos Argüello, fue uno de los primeros y más conocidos artistas de grafiti, del Madrid de los años 80. Llevó a cabo una particular performance urbana que coincidió con un cambio socio cultural importante y una apertura política al resto del mundo. Ahora, después de casi treinta años, queremos recuperar la memoria con la ayuda del objetivo de nuestras cámaras y crear nuevos registros, nos dice Elena Gayo desde #objetivomuelle.

Para proteger esta firma, Fernando Figueroa Saavedra, Dr. en Historia del Arte y  Elena García Gayo, Diplomada en Conservación y Restauración de Bienes Culturales, solicitaron la incoación de expediente para su declaración como Bien de Interés Cultural a la Subdirección General de Protección del Patrimonio Histórico del Ministerio de Cultura el 27/04/2010 y a la Dirección General de Patrimonio Histórico de la Comunidad Autónoma de Madrid el 27/05/2010, siendo trasferido el caso al Ayuntamiento con la recomendación de conservarla.

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Pero no creáis que Muelle ha sido reivindicado recientemente, como parte de una moda actual, del arte urbano, no, porque desde sus comienzos, siempre ha estado presente en el panorama urbano madrileño, y desde ahí, ha sido ejemplo para generaciones posteriores de grafiteros, artistas urbanos y otros artistas…, como demuestran, por ejemplo estas imágenes del archivo de TVE y otras tv del momento (algunas recogidas en youtube) hasta hoy:

Extracto de Entrevista a Muelle en el metro (imágenes de archivo TVE1 sobre el Metro de Madrid, en 1987).
“Crónicas urbanas: mi firma en las paredes” (emitido en 1991; ver a partir del min. 7´33´´ para quien quiera ir más al grano). Reportaje extenso sobre el grafiti de los 80-90.
Mini reportaje sobre Muelle, en Antena 3. (emitido en 2010) (ver a partir del min. 0,57´´)
“Muelle el tirabuzón omnipresente” (31 de diciembre de 1989).
Vídeo (y texto) en Antena 3, homenajeando a Muelle. (20 años de la muerte de Muelle).
Presentación del libro “Firmas, muros y botes” en el Telediario de TVE 1, (Febrero 2015) de Fernando Figueroa Saavedra y Felipe Gálvez.

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Muelle en la terraza del Círculo de Bellas Artes en 1987. Foto: José Antonio Rojo

Enlaces de interés sobre Juan Carlos Argüello, Muelle:

En www.eldiario.es :“Muelle: el primero de todos los grafiteros”.
En madridafondo.blogspot.com.es: Juan Carlos Argüello, Muelle.
Revista virtual Secretos de Madrid“Muelle”, el Banksy madrileño.
El Mundo: La última firma de ‘Muelle’ resiste en Montera (2012) (vídeo y texto).
Imágenes y recopilación de imagen de la firma Muelle en Pinterest

Referentes bibliográficos:

www.firmasmurosybotes.com. (libro de Fernando Figueroa Saavedra y Felipe Gálvez, 2015)
Madrid graffiti: historia del graffiti madrileño, 1982-1995. Fernando Figueroa-Saavedra . Málaga: Megamultimedia, 2002.
Artículo “La historia del graffiti sobre trenes en Madrid” en www.urbanario.es

Bio de Muelle (extraído de Observatorio de Arte Urbano):

Juan Carlos Argüello Garzo, “Muelle”, (1965-1995) fue un artista madrileño que desarrolló su talento entre la música y el Grafiti Artístico entre 1982 y 1993.
Muelle participó en muchos acontecimientos públicos, siendo un personaje muy popular de los años ochenta. Participó en ARCO 87 con la Galería Estiarte y en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, con motivo de las fiestas del carnaval de 1992. También protagonizó el documental  Mi firma en las paredes (TVE, 1990).  Fue pionero del Graffiti y el Arte Urbano en Madrid, entendido este como una performance callejera, con la que supo captar la simpatía de la gente, dando color a una ciudad que se abría a una joven democracia y una cultura creativa y participativa en libertad.

Los Anatemas. Fotografías de Pablo Vara en Almeria

agosto 23rd, 2015
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foto

Cuando Pablo me brindó el escribir en el catálogo de su exposición Los Anatemas, vi claro que no sólo podía hablar de su fotografía, también es necesario hablar de él…

Y es que este amigo, singular y excepcional fotógrafo (podría quitar la coma tras amigo y ponerla tras singular, que daría igual), no para quieto, y pese a su, aun, joven vida profesional, ha recorrido mucho camino.Es, como digo en el prólogo del catálogo que publica la Diputación de Almería (entidad que ha hecho posible esta exposición dentro del Programa cultural ALEX), un fotógrafo “de altos vuelos”. Y para muestra la presente.

Ha vivido, pateado y fotografiado Leipzig, donde estuvo completando sus estudios de BBAA (Universidad de Barcelona) dentro de un programa dirigido por el fotógrafo y artista Christoher Muller, en la Hochschule für Grafik und Buchkunst; ha estado en Roma durante unos 4 años, con la “beca independiente de la Librería Spagnola”, desde donde ha viajando por toda Italia conociéndola a fondo en sus aspectos artísticos, sociales, económicos y políticos; pasó por Copenhague, aunque el frío nórdico (en otro aspecto que el climatológico)lo retuvo poco tiempo, y antes, residió en la Córdoba española, seleccionado en la Fundación Gala con un proyecto fotográfico durante un año completo…

Y ahora, con todo un bagaje a sus espaldas y sobre sus ojos…aterriza de nuevo y por un tiempo (no sabemos cuánto), en su ciudad natal, para mostrarnos su visión del mundo o parte de ella, con: “Los Anatemas”, exposición que presenta en la Sala Alfareros, 21, en Almería capital, entre el 21 de Agosto y el 15 de Septiembre.

Enfant terrible cuando lo conocí, y con clara vocación por la fotografía y el Arte…, erase que se era, un joven a una cámara pegado…pero muy empeñado en preguntarse, explorar y confrontarse a los tópicos continuamente,y siempre dentro de varios de sus parámetros constantes: lo significativo, lo extraño, lo social, la belleza con artificio o sin artificio, lo grotesco…lo…podríamos seguir largo rato enumerando temas en los que está interesado y en los que profundiza y bucea a pulmón.

Técnicamente, controla el oficio, pero su meta no es solo esto (a lo que tampoco renuncia, ya que es exigente y concienzudo), porque el Objetivo de Pablo es el Todo…, el tú, el yo, el él…Nosotros…

El dedo en la llaga y la llaga en un “clik”… Ya sea con su analógica de antaño, o su Hasselblad (fundamental para él en una etapa de su vida como vemos en las fotografías de esta muestra, en formato medio y cuadrado) o su digital actual; sea cual sea su cámara y objetivo (en todo sentido de esta última palabra) Pablo siempre mira más allá…

Allá donde otros vemos un objeto o un hecho, o una acción,…él mira y atraviesa superficies, planicies y subjetividades varias…

Con este tema, por ejemplo, de los Anatemas, Pablo presenta o representa a parte de la sociedad actual, en su “desamparada” existencia (como él me explica en cierto modo, pues Pablo te cuenta y argumenta, pero hay que procesar significados varios después, en un torbellino de ideas de ida y vuelta).

Dentro de esa especie de cajón desastre de los excluidos, lo señalados y expulsados, encuentra cinco sub temas que enlaza, como la religión, la política, la muerte y la memoria, el desasosiego o la violencia; ahí, en esos caldos…, trenza a los anatemizados de hoy.

En esta selección de fotografías, expone 19 finalmente (de una extensa serie total) encontramos visiones tanto como sensaciones, pero siempre cargadas de reflexión, fuertes, contundentes, tanto, al menos, como ambiguas aparecen unas instantáneas y claras nos parecen otras…

En este devenir del artista por Alemania, Italia o España, el anatemizado lo es por selección…, o por elección, se auto inmola o no, porque sí, porque le tocó (excomunión)…depende.

Ahora podemos elegir cómo desviarnos de los caminos trillados, o llenos de grilletes, pero no antaño. Desde hace siglos se excluye al que comete “transgresión de la doctrina”, deja la senda marcada, deja el seno de una comunidad…(equis) o se sale de ella momentáneamente, y no hay perdón sino escarnio. No sirve arrepentirse, pues queda marcado para siempre.

Pablo rompe estereotipos y convenciones, siguiendo esta senda del apartarse, con imágenes (alucinantes o alucinadas, para mí) y nos muestra la otra cara de Roma, Venecia o Florencia…, dejando lo hermoso de lado, bordeando la belleza eterna. Como en el caso de la fotografía de más abajo, por poner alguna muestra.

 

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Los iconos caen y, “cuidado!, todo lo que no es de piedra se está derrumbado!!” (como escuché una vez en una peli en blanco y negro de os años 50). Efectivamente, lo icónico (como algunos Mitos) cae, como el exvoto y la ofrenda (significado arcaico, en griego, ἀνάθεμα, de la palabra anatema, la que yo prefiero) convirtiéndose, por arte de religión y el paso del tiempo, en el o lo, caído en desgracia, excluido, expulsado.

Podría ser el exterminio de una idea, de una persona, de un lugar…del ser…

La Imágenes, lo representativo de un lugar, sus fetiches o emblemas se desmoronan y convierten en juguetes rotos…

Pero además, estas imágenes seleccionadas finalmente, aunque tenga gran fuerza por su contexto, podrían haber sido realizadas en cualquier otro lugar, narran por sí mismas, porque representan momentos o personajes universales, y por ello no debemos aferrarnos a un recorrido único, no hay linealidad ni una historia concreta, sino 19, tantas como fotografías. De esta manera el espectador podrá ser libre y realizar su propio viaje, en paralelo a Pablo.

Y aquí lo dejo, para que miréis por vosotros mismos…aunque sin juzgar exactamente, como juego, como experiencia…como ilusión…, como respuestas o como preguntas, como hace, siempre, Pablo Vara.

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Maribel Úbeda.

Julio de 2015 (escritura itinerante entre Vilagarcía de Arousa -Pontevedra-, Madrid y Piles -Valencia-).
Nota: un par de imágenes de las que he colgado aquí, no están en la exposición presente, pero sí forman parte de la serie…

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BIO.  PABLO VARA GARCÍA
Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona en la especialidad de Imagen, después de haber cursado un año de estudios en la Hochschule für Grafik und Buchkunst de Leipzig (Alemania) dentro de un programa dirigido por el fotógrafo y artista Christoher Muller.
Entre sus titulaciones académicas destacan el bachillerato artístico, realizado en la Escuela de Artes de Almería; el título de Grado Elemental Logse de piano y solfeo expedido por el Conservatorio de Música de Almería, el curso de “Conservación fotográfica” impartido por Pablo Ruiz en 2008 en el Centro Andaluz de la Fotografía y el curso “No todo es lo que parece” impartido por Chema Madoz en febrero de 2009 en Córdoba.
El 28 de mayo de 2009, dentro de un ciclo de conferencias sobre Arte y Creatividad, presenta en la Universidad de Almería una ponencia titulada “Especular con la fotografía”.
Durante el curso 2008/09 recibe una beca de residencia en la Fundación Antonio Gala para Jóvenes Creadores en Córdoba en la que desarrolla un proyecto de investigación y creación fotográfica.
En mayo de 2005 y mayo de 2006 sus vídeos “Los amargos diecinueve” y “Bajo un cielo negro” fueron seleccionados respectivamente para participar en el Festival Nacional de Cortometrajes “Almería en Corto”.
Entre sus colaboraciones son destacables las realizadas en 2005 y 2007 con la revista monográfica de arte y pensamiento Salamandria de Este Sur en sus números dedicados a “El tren” y  a “El círculo”.
También en 2005 colabora con Antaria, revista murciana de arte, dentro del número dedicado al Espacio Efímero. En diciembre de 2006 colabora con el fotógrafo Carlos Pérez Siquier en la elaboración del calendario para el año 2007 “Ángeles”, del IES Colonia de los Ángeles de Almería.
Finalmente, le fue encargada la fotografía de la portada de la revista del Colegio de Arquitectos de Almería en 2009.
Entre julio y septiembre de 2006 participa en Albiac, la primera Bienal de Arte Contemporáneo del Parque Natural de Cabo de Gata (Almería).
Posteriormente, en septiembre de 2006, participa en la exposición “Sense Titol” en la Universidad de Barcelona.
En octubre de 2006, su vídeo “Bajo un cielo negro” es seleccionado para la exposición colectiva anual del salón Murciano de la Crítica.
En diciembre de 2007 y 2008 participa en las exposiciones colectivas ACUA (Arte Contemporáneo Universitarios Andaluces) y en septiembre de 2008 en la exposición Arte Gira NS, dedicada al centenario de Nicolás Salmerón en Alhama de Almería.
En febrero de 2009, junto a sus compañeros de la FAG participa en una exposición colectiva en El Carpio (Córdoba) y en junio del mismo año participa en la exposición colectiva de final de beca que dura hasta finales de julio y que durante agosto se traslada a una galería privada en Marbella (Málaga). De esta muestra se edita un catalogo.
En octubre de 2009 se traslada a vivir a Roma donde reside en la actualidad y desde donde sigue trabajando activamente en el mundo de la fotografía. Fruto de esto es la exposición en diciembre de 2010 que se presentó en la Galeria Acanto de Almería bajo el título “La última piedra”. Esta muestra se exhibió también en la Swallow Gallery de Barcelona en marzo de 2010.
En noviembre de 2011 presentó una pequeña muestra en el Tea Room de Roma de lo que será una exposición mayor que se prepara para finales de 2012 en la Sala de Exposiciones del Instituto Cervantes de Roma, en la céntrica Piazza Navona. Entre los premios obtenidos es destacable el primer premio en el concurso de fotografía para el cartel de Lilec’07 (Feria Internacional del Libro y la Lectura de Almería).

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Dos fotografías pertenecientes a etapa anterior.
ENLACES DE INTEŔES
Página web de Pablo Vara
Diputación de Almería. Área de Cultura.
Cultureta, número físico de Agosto.
Página de Diputación, Exposiciones en el programa “ALNOMALÍA”
Fundación Gala
Teleprensa en Almería
ALGUNAS IMÁGENES DE LA INAUGURACIÓN
Con gran éxito de publico, la sala llena en pleno Agosto, tuve el gusto de presentar al artista en la inauguración.
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Imágenes cortesía de Sol Úbeda. Abajo Pablo Vara realizando algunas fotografías de la inauguración con la ayuda de la también fotógrafa almeriense Raquel Rodríguez.
(Atención!: seguiremos contando alguna novedad sobre el recorrido de esta exposición desde este post…como un pos in progress… 😉

PABLO VARA en LOS ANATEMAS

agosto 18th, 2015
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Próximamente en …
La Sala Alfareros, de Diputación de Almería.
C/ Rambla de Alfareros N. 21. Almería. Spain.
INAUGURACIÓN EL 21 de AGOSTO 2015.
Hasta el 10 de Septiembre.
Horario: de lunes a viernes, de 10 a 14h y de 17 a 20h.

Por si quereis conocer parte de los proyectos de Pablo. Su web.

Noticia en: www.fundacionantoniogala.org

Tras la inauguración, más.

Doroteo Arnáiz, el hombre que observa, el artista que trabaja…

mayo 30th, 2015
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Aproximación a Doroteo Arnáiz… (Parte I)

  El grabado (arte mecánico?) tiene su potencial más original en la matriz. Cada prueba de estado representa una obra-testimonio (que otras artes como la pintura o la escultura no pueden obtener).   Doroteo Arnáiz.

CARTEL-DoroteoArnaiz (Globulart)
             

“DOROTEO ARNÁIZ, Obra Grabada”, es la exposición que podemos aun disfrutar en la Galería Acanto, en Almería, hasta el 6 de Junio de 2015 (inaugurada el 24 de abril)…

              …pero antes de adentrarme en ella, debo decir que me alegra volver a escribir, aunque publique esto tan “tarde”, sobre una exposición de Acanto, lugar especial para mí, donde respiro Arte…, aguafuertesaguatintas, punta secamezzotintas o manera negra (como ahora, con las obras de Doroteo inundando el blanco de las paredes acantianas…), y donde, no me da miedo decirlo…, soy Feliz!…, ya está, lo he dicho…

                Y…bueno, tras este arrebato de emoción…, diréis… ¿ahora cómo vamos a tomar en serio a esta mujer, o este post, cuando nos dice que tenemos que ir a esta Galería a ver la obra de Doroteo Arnáiz? (por ejemplo), no será nada objetiva…

…mmm…Pues bien, últimamente me pregunto… (es mi defensa):…¿es necesario ser Objetivo al hablar de Arte?, ¿para qué ser “objetivo” en el Arte?, Bueno, sí, al dar los datos del artista sí, su trayectoria hablará por sí misma…, al evaluar la ejecución de las técnicas y forma concreta, composición, color, etc…, si…, se puede y se debe ser objetivo, por supuesto!… Pero al analizar una obra, hay más que la obra en sí misma como objeto, como producto o producción material…, está todo el contexto desde que se ideó, está la trayectoria del autor, está el conjunto de obras a las que pertenece y el momento socio-político y hasta emocional (claro!) en que se concibieron, y luego, algo que solemos olvidar, el contexto en que se ven estas obras, qué sabes del artista, o de Arte o un movimiento artístico concreto, y hasta cómo estabas al ver la exposición, al recibir las obras, cómo lees sus mensajes (si lo tienen…), etc., etc…Vaya!, parece que ya nos vamos metiendo en el terreno de lo subjetivo, verdad?…

Podremos analizar con más frialdad la iconografía de la obra, hacer su ficha técnica,… pero la parte iconológica[1] está ahí tambien.

                Y ya entrados en harina… ¿Qué me cuenta a mí Doroteo Arnáiz, hoy ¿…qué me dice?,…pero sobre todo ¿qué siento ante la obra de Doroteo?… Todo esto me pregunto (junto a los cómo, por qué, de dónde…cuándo?) al contemplar la extensa obra de este maestro en el grabado (dato objetivo).

                Doroteo, buscador de sensaciones, de imágenes, parte creadora en la historia del arte, hacedor de su propia iconografía, coleccionista de la obra de otros, difusor del grabado, profesor (por un tiempo), comisario o director de Calcografía Nacional…, en París, en Madrid, en A Coruña, en Almería…Todos estos Doroteos en uno, se me antojan, a primera vista, como el conjunto de un artista vitalista, un gourmet del grabado y el arte…, pero luego, al pensar y analizar un poco más su obra, se permuta ante mí, como sus propios trabajos, en un artista solitario e introvertido, algo que me resulta extraño atendiendo a su extensa  trayectoria vital y profesional, tan activa en misiones artísticas…Así pues, este artista, pintor, grabador y también escultor,…¿cómo crea,…quién es?… ¿Exterioriza esta obra al artista,  a modo de chamán o medium?, ¿o es el artista quien doma y saca la obra que él quiere de principio a fin? Dicho de otro modo…: ¿el artista muestra su obra, o es la obra la que muestra al artista?…¿quién crea qué, o a quién?…

… de una manera u otra, seguro, confluyen ambas a la vez. Es la quinta esencia del arte. Ni siquiera planteo el dilema, pues imagino que todo ocurre y concurre cuando el artista controla sus técnicas, las conoce y las mima, cuando realiza sus ideas a través de sus inquietudes y se realiza, no solo como artista, sino como proyecto vital, como persona.

                Desde que comenzó esta exposición, he ido recopilando toda la información básica, sobre las obras (las vi en persona antes de su inauguración!), sus fichas técnicas, el inmenso CV del autor…, he buscado imágenes de otras producciones, textos que sobre él se han escrito, y algunas frases por él citadas, y me he ido formando una idea sobre su trabajo y figura… Pero al llegar a un punto…me he plantado y preguntado, minimizada, ante este Universo Arnáiz plagado de distintos mundos: ¿qué puedo aportar-explicar yo sobre él, si está “todo” dicho…!

Acobardada ante la magnitud de la obra y recorrido de Doroteo Arnaiz, pese a mis numerosas notas y hasta el intercambio de una pequeña entrevista con el autor y con la galería, con mis miedos y titubeos, intento partir, al menos formalmente, de lo que  Emilio Fernández (gerente de la Galería Acanto) comenta sobre Doroteo al presentarlo:

“Todo un referente dentro del mundo del Grabado en Europa (…). Inmerso de lleno en las distintas corrientes de la vanguardia europea (expresionismo, informalismo, pop, arte conceptual) tanto en su obra pintada como en la grabada, realizada esta última entre 1960 y 2000, mantiene de principio a fin gran coherencia y unidad visuales y conceptuales, a pesar de su evolución estilística. Su constante y leitmotiv: una inquietud existencialista, la búsqueda de la esencia humana, la reflexión sobre la inmutabilidad de la condición del hombre, pese al aparente progreso externo.
En esta ocasión veremos obras de su primera etapa, años 60, con una figuración próxima a la abstracción, de gran lirismo. Un bloque de obras de los años 70, de estética  Pop, en muchas de las cuáles re-interpreta obras clásicas de  los  grandes Maestros de la Pintura, con la presencia en todas ellas de un singular espectador, uno de los símbolos más característicos de su personal iconografía,  la silueta de un hombre sentado en actitud de espera, que crea a finales de los 60, presente en gran parte de sus obras hasta 1974, representación de un yo interior contemplativo y esperanzado de un modo escéptico y laico. Por último las obras de los años 80 y 90, en las que mediante la técnica de la manera negra, nos ofrece elegantes  y delicadas composiciones, marcadas por la síntesis y la economía de elementos, apoyándose en las sutiles luces obtenidas rascando levemente sobre los fondos negros.(…)”.
                 Emilio Fernández (fragmentos del texto de presentación para la actual exposición)

Así que como el propio Arnáiz preconizaba en su frase: “Creo que el oficio de un arte es muy importante conocerlo en profundidad, para después… “olvidarlo”. Lo que  quede, después de olvidar lo aprendido, puede que sea aquello que se conoce como maestría”, intento olvidar los datos escudriñados, y opto por contar lo sentido…, y retomar mis primeras impresiones  dejando un poco de lado tanta anotación y los borradores…, y creo que será mi visión, subjetiva, sí, lo que tendréis aquí.

…Continuo en siguiente post, Parte II

…………

[1] Erwin Panovsky, padre de la Iconografía-Iconología como método para entender las obras de arte a lo largo de la Historia, en su artículo “La Historia del Arte en cuanto a disciplina humanística“, nos dice que el estudio iconológico de las obras , en su contexto cultural, nos explica las obras, como parte de unas coordenadas espaciales y temporales, y que  el papel del espectador, como el historiador (o crítico, teórico  e incluso el observador no entendido), nunca es “ingenuo”, sino que se enfrenta a la obra con unos presupuestos culturales para poder alcanzar su “significado”. De ahí (y esto lo explica mejor en recomendable artículo “Iconografía e Iconología: introducción al estudio del arte del renacimiento“, extrapolable, al menos para mí, al resto de etapas de la Historia del Arte) la importancia de un estudio a varios niveles (o capas) de la obra, desde su forma (un análisis formal) hasta su historia y contexto lo iconológico (o sea, desde el encargo o realización hasta el lugar que ocupa mientras observamos y devenir), pasando, claro, por el estudio iconográfico de la misma (el significado que atribuimos o se atribuye a esas formas en la obra según su paso por la Historia del Arte)…

Aproximación a Doroteo Arnáiz… (Parte II)

mayo 29th, 2015
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Aproximación a Doroteo Arnáiz… (Parte II)

(leer Parte I, Doroteo Arnáiz, el Hobre que observa, el artista que trabaja)

                Me retrotraigo a la primera vez que vi ante mí gran parte de lo expuesto ahora (32 obras seleccionadas entre el artista y Emilio, de unas 300 obras catalogadas en total…) y recuerdo que me quedé anonada, primero con la manera negra de sus Orquídeas, en sus diferentes estados y cómo las iba sacando de la luz hacia la oscuridad…! Sí, precisamente lo contrario de la imagen preconcebida sobre el artista (sacar a la luz las imágenes cual Miguel Ángel,  liberando los volúmenes y cuerpos de la piedra…).

Orquidea Kabuki 1991 (estado I)Orquidea Kabuki 1991 (estado II)Orquidea Kabuki 1991 (estado III) Orquidea Kabuki 1991 (estado IV)

(Estados I, II, III y IV de Orquídea Kabuki. Manera negra y punta seca. 1991. Doroteo Arnáiz)

Doroteo, al revés, introduce en estupendas sombras la luz de sus personajes, para presentarlos a escena; pero esto sólo en su producción de manera negra y punta seca…sobre la que Emilio Fernández me cuenta:

Considero que Doroteo encuentra en la manera negra la técnica ideal para traducir visualmente la filosofía Zen que sigue y vive desde que entró en contacto con ella a finales de la década de los 60 en París. No creo que haya otra técnica que permita una simbiosis más lograda entre forma y fondo, para plasmar visualmente el concepto Zen que el autor tiene tan interiorizado. El equilibrio y la tensión entre luces y sombras, entre negro y color, entre lleno y vacío, que tan certeramente están presentes en estos grabados de Arnáiz, son la expresión máxima de la filosofía que le impulsa a crear. (seguir su explicación aquí [1] ).

Y el mismo Doroteo, al preguntarle qué le atrae de esta técnica, me dice:

Fue un autodesafío en dos partes, la primera dominar la técnica de forma ortodoxa, la segunda desarrollar otra posibilidad más libre y personal no abordada hasta ese momento. Ese núcleo de obras lo presenté en varias exposiciones con el título de “Opus nigrum”.

 Interesante lo que me explica, porque,  literalmente, el título que eligió la primera vez que trabajó en esas producciones “a la manera negra” se refiere a “obras en negro”, pero me asalta a la cabeza la magna novela de Marguerit Youcernal, y su personaje Zenón,  el alquimista que buscaba  la Gran Obra, donde opus nigrum significaba, según los tratados alquímicos, la fase de separación y disolución de la sustancia, la fase más difícil de esa Gran Obra… Muy revelador…, creo.

Las Orquídeas, la Strelitzia, los Cardos o sus fases de estampado en Ogi y Kumade[2] (ya los nombres de las obras, plantas de exótica belleza o utensilios rituales, nos atraen a un estado especial) son trabajos de una hermosura arrebatadora (y de un tamaño, algunas de ellas, considerable además) que me impactaron desde el primer momento…, pero cuando aparece un Caballero de la mano en el pecho sobre fondo anaranjado óxido, y otro similar, sobre fondo amarillo, taqueado de pequeños hombres sentados de perfil…y, más adelante, descubro a ese mismo personaje sentado, en grande, ocupándolo todo…, ahí, sobre un fondo negro y amarilla superficie, de una fuerza arrolladora…me quedo boquiabierta…

Otra Espera 19719 Greco (Permutable III) 1972 (Medium)Caída de símbolos IV 1974

(Otra espera, Greco, Permutable III y Caída de símbolos IV; años 70, aguafuerte y aguatinta.)    

Impactantes! Las tintas planas recorridas por mis dilatadas pupilas se intercalaban de imágenes reconocibles…, Rembrandt…Vermeer?…, Goya!…, no voy a describiros todo (tendréis que ir a verlo o pinchar el enlace a la web de Acanto)…



2 Iván el Terrible 1961(Medium) 3 Las Estrellas 1961 (Medium) 1 Cíclope ok 1961 (Medium)

(Ivan el terrible, Las estrellas y Cíclope; años 1961. aguafuerte)    

Decididamente, hay un buen muestrario de lo que Doroteo es capaz de percibir y exteriorizar…, con diversos estados de Arnáiz a conocer: el de las mezzotintas y punta seca de los 90, obras desde un posicionamiento Zen (claramente) con la recreación de los sentidos; el de los inicios (años 60), también muy interesante, de una marcada tendencia expresionista, unas veces más figurativa y otras más abstracta, de rotundas formas y sencillos (quizás) mensajes, como Iván el terrible, el Cíclope o Las estrellas…., y el más pop (década de los 70), donde el color lo invade todo, pudiendo llamarlo incluso… expresionismo pop, y donde homenajea a sus referentes los grandes pintores clásicos, los Maestros por excelencia…, los que nos siguen enseñando Todo (aun más ahora que en sus propias épocas).

Es la estética pop, de la que hablaba más arriba, donde trabaja principalmente con aguafuerte y aguatinta (técnicas también “clásicas” por antonomasia, ilustres y de pura tradición de la estampa) y es donde construye a uno de los Personajes principales de sus escenografías posibles, ¿quizás su alter ego?: el hombre sentado de Otra espera…, en el que presentimos al Artista… que observa…

Lucien Curzi[3] describe así a este Hombre del perfil sedente:

” (…) El personaje en reposo: dibujado, pintado, grabado. Ni ostentación de elocuencia, ni pretensiones, ni arrogancia. Está hecho de lo que observa. Asiste desarmado a un espectáculo sin origen ni fin. (…) De esta manera, el arte del hombre sentado nació de una incoercible disposición a meditar. Y se acompaña de ironía cruda y mordaz. Mirar en otra parte es también un modo de civismo, una manera de alejarse para comprender mejor, en aparente indiferencia. (…) “

(fragmentos seleccionado para la exposición)

…Y bien,como este hombre que espera (imagen insignia de la exposición, y que en principio identifiqué con un Hitchcock, por mi eterna atracción hacia el cine y el cómic), yo contemplo y espero a Arnáiz a mi vez,…y encuentro a un exquisito grabador de imágenes, un experto de las técnicas de estampar ideas, pero además…, a un comunicador. No puedo dejar de lado esta sensación…, sus obras me cuentan pequeñas historias…me hablan,…de distinta forma (estética, técnica y contenidos), pero lo hacen.

…Continuo en siguiente post, Parte III

…………

[1] Continuando con la explicación de Emilio Fernández sobre la manera negra: “Es poco habitual encontrar autores que trabajen esta técnica. Realmente con ella se consiguen efectos visuales muy especiales, que sólo esta técnica permite obtener. Los claro-oscuros, la sutileza de las luces, las aterciopeladas texturas, confieren un halo de misterio y magia a estas obras. Doroteo lleva la técnica a elevadísimas cotas de calidad y expresividad. Sus grabados a la manera negra son de extraordinaria delicadeza y sensibilidad, sirviéndose de su gran dominio técnico y su maestría en este campo para componer desde un sentir Zen, elegantes, armoniosas, equilibradas y sutiles estampas, de gran belleza, que invitan a meditar, y a entrar en un estado de paz”.
Sobre la técnica de la manera negra o mezzotinta aquí enlazo alguna referencia, como la de la interesante página de BNE (junto con la explicación de otras técnicas).
[2] Palabras japonesas: la primera (Ogi) significa  Adorno para el peinado, en forma de abanico, y la segunda (Kumade), significa Rastrillo,  pero como amuleto de la buena suerte.
[3] En su artículo: “Arnáiz, sentado en su verdor, de pie en su lentitud”.