Estos días, hasta el 11 de Diciembre, podemos contemplar y disfrutar de la estupenda exposición (no disimulo para nada mi gusto por las fotografías que nos ofrece siempre Rafael) No es tiempo de magia, de Rafael Pérez Cortés, o como él  firma, Rafael Perezcortés, en las salas del Centro de Arte Museo de Almería (el CAMA).

La exposición “supone la síntesis de un proceso creativo elaborado por el autor durante los últimos seis años. Por tanto, me parece obligado señalar en primer lugar que estamos ante una obra meditada y sólida no solo en la reflexión final, sino en la depurada técnica fotográfica y los valores poéticos que el autor ha sabido transmitir a cada una de las imágenes y objetos claves que integran esta exposición”. 

Texto de Antonia Bocero, comisaria de la exposición No es tiempo de magia.

De dilatada carrera, en todo lo relacionado con la fotografía, dominando desde los aspectos más teóricos y académicos (y pedagógicos, como profesor de Fotografía de la Facultad de BBAA de la Universidad de Sevilla) a los más técnicos y artísticos, Rafael Perezcortés nos ofrece aquí un recorrido fotográfico que nos sorprende (como siempre) por su belleza táctil, evocándonos, por ejemplo, a un Sánchez Cotán (de bodegones austeros pero llenos de expresividad), con su rotundo b/n de un claroscurismo al estilo barroco, o llevándonos, también, al detalle extremo y a la híbrida contemporaneidad de un «marco digital» donde la imagen se procesa en continuo cambio.

 Imagen de la vídeo-instalación.

Desde la primera imagen colgada, al comienzo de la primera sala, nos quedamos extasiados ante una fotografía de gran formato vertical…, una imagen con doble lectura o interpretación como poco, en b/n (como el resto de la expo), que nos atrae (y en este caso hablo en plural literalmente, porque a mi acompañante le pasó igual), nos hace pararnos y mirar…, mirar…, y disfrutar de la visión…, se nos presenta un caballete cubierto con un sencillo tejido blanco cuyos detalles hace pensar, también, en una especie de monje cartujo (es mi preferida); pero,… tal suposición es anecdótica realmente, porque la imagen está cargada de misterio y no necesita ser materializada en nada concreto, podría ser hasta una abstracción, una quimera…, sí, Rafael hace magia y transfigura cuerpo en objeto o a la inversa; ¿por qué no?, aunque no sea este, tiempo de magia. Y…, ¿cuántas fotografías pueden transmitirnos todo esto en un sólo vistazo hasta hacernos contemplarla, quietos, embobados, unos 10 minutos completos en plena inauguración?…

Pero bueno, siguiendo con el recorrido de la exposición, otras fotografías nos muestran, aparentemente siempre, como ya dije antes, una bolsa de papel quizás abandonada, unos sugestivos guantes de fregar que rodean una polaroid, o unas tazas de café que nos hablan de instantes que pueden ser frugales,  pero también eternos, porque en todo momento hay juego en las fotografías de Perezcortés, intencionalidad, para saciar al intelecto, para hacer imaginar, para hacernos pensar, no sólo mirar tontamente o agradarnos el ojo…(no, para eso ya hay otras fotografías y todo un mundo de la  imagen y el audiovisual ex profeso, más fácil, si, más comestible, pero de usar y tirar).

El universo de Rafael Perezcortés es especial, aun dentro del panorama y avalancha de imágenes que nos pretenden seducir desde el variopinto y rico campo fotográfico actual, y está más cercano a un Chema Madoz (aunque Rafael va más allá, a mi modo de ver, que este, en sus planteamientos metafóricos visuales) que a otro tipo de fotógrafos actuales, por su concepción de la fotografía, su narratividad cercana a lo poético, su impecable técnica, sus pulidos proyectos, sus series repletas de propuestas intelectuales y estéticas.

Perezcortés es un artista maduro, completo, con un propuesta seria, cargada de reflexiones y trabajo…, que merece saltar a la palestra nacional (y ¿por qué no? también a la internacional, algo que es solo cuestión de tiempo y ocasión, que no de méritos) como ya ha hecho como profesor, por ejemplo, en el  Master de fotografía que ofrece PhotoEspaña.

Desde mi primera aproximación a su obra, cuando expuso en la Galería Acanto, con Stand by (2003), y escribí mi primer texto sobre él, han pasado años, pero la fotografía de Rafael sigue teniendo un contenido impactante sobre mí, sigue haciendo grandes propuestas, basándose en series cuya temática, la mayoría de las veces, versa sobre el acontecer o suceder del tiempo y la cotidianeidad de las cosas como simulacro de realidad, pero mirados con un humor soterrado y un entramado de ensoñación que va renovando, creciendo dentro de su propio ser, personal y original.

Tras su exposición In situ (en este blog referida), donde mostraba instantes más que inquietantes en el recién inaugurado Metro de Sevilla (2009), y donde nos hablaba de la suspensión y simultaneidad, del y en, el tiempo, o su exposición para Fotoencuentros, Las mil y un horas(2008), en Murcia (en Catedral Gallery) donde lugares, tiempo (de nuevo), y vida (en forma de insectos) se unían para transportarnos a Hiroshima, Chernobil, Pekín, No es tiempo de magia, nos invita, en palabras de la comisaria Antonia Bocero: a «cuestionar el transcurrir del tiempo»; en este caso, con objetos o detalles usuales, entre los que figuran elementos concretos que se repiten a lo largo de una serie de imágenes, y que preferimos no desvelar para quienes vayáis a ver la exposición.

Impresión digital pigmentada

Y para que conozcáis un poco mejor los entresijos de este artista, y como inauguré con el post dedicado a Jose Luis Puche con su obra Elixir per ser, aquí os dejo una entrevista-charla que Rafael ha tenido la estimable generosidad de contestar para este blog :

- Contigo, más que de obras por separado, es mejor hablar de Proyecto fotográfico o Series fotográficas, …de manera que ¿qué proyecto tienes en mente o entre manos ahora, tras No es tiempo de magia?, si es que lo hay…

En este momento tengo la intención de seguir profundizando en las líneas principales que he presentado en esta exposición, sobre todo en la utilización de la imagen fija y en la animación de parte de ella.

- Tú trabajas con la fotografía digital, pero, ¿añoras algo de la fotografía analógica? (aunque, personalmente, defiendo que la esencia y la base es idéntica, sólo cambia el medio; e incluso los procesos son similares, solo que se cambia lo líquido y químico, y la oscuridad real, por el ordenador…, pero el tiempo y los conocimientos que hay que dedicarles a una buena fotografía, es el mismo…).

Estoy de acuerdo contigo en que lo importante es tener la capacidad de crear una buena imagen y para eso se requiere una formación y conocimiento del lenguaje fotográfico. Con respecto a la añoranza del  sistema analógico no la tengo, pienso que el sistema digital ha abierto más posibilidades a la creación y técnicamente es menos complejo necesitándose dedicar menos tiempo a los aspectos técnicos y de esa manera desarrollar los aspectos conceptuales de la imagen.  No obstante,  si es necesario partir del sistema analógico para captar una imagen no tengo ningún problema, para mi lo importante es dar la forma adecuada a cada idea.

- Para adentrarnos un poco en tu forma de trabajo, ¿tienes algún tipo de rito para comenzar con un trabajo, o un proceso artístico concreto para tus proyectos? (¿eres de los que se debaten entre intuición y dejarse llevar o de los que prefieren un proceso creativo concreto?…)

No tengo ningún ritual mágico en mi proceso creativo. En primer lugar, parto de una idea,  algo que cuestionar que después se va ramificando y creando posibles diálogos  y creando una estructura. Mis imágenes primero se generan mentalmente en este instante interviene lo contingente,  objetos, espacios o personas que están ahí y tu no habías previsto junto con lecturas y visionados de cine o cualquier otro lenguaje que me pueda aportar soluciones. 

En una segunda fase viene la materialización de la obra, es muy importante porque se sigue puliendo y acertar con la forma adecuada es el éxito o el fracaso de una buena imagen.

La tercera fase es elegir que parte de la obra se mantiene por si sola y en relación a las demás, en este momento es definitivo el espacio de exposición.

- ¿Cómo te «posicionas» ante tus obras?, ¿quieres transmitir, comunicar, simplemente expresarte?, ¿todo a la vez? ¿Dejas libertad total a quien  la vea o prefieres que conozcan su «significado»? (dentro del típico debate: contenido de la obra abierto o cerrado, ser más críptico o explicar la obra lo mejor posible…etc.)

Creo que el arte debe cuestionar, transmitir y expresarte pero a su vez tiene que tener la capacidad de emocionar. Una obra no debe ser ni obvia ni demasiado críptica tiene que haber un equilibrio para que el espectador sea capaz de cerrar el círculo.

-Técnica, formatos, soportes, contenido, estética… ¿a qué le das más importancia en tu obra?

Como te comentaba anteriormente, el saber elegir la forma de la obra es decisivo para que pueda funcionar en su totalidad. Me preocupa la escala, el soporte y el espacio donde va ir ubicada. Todas estas variables influyen en la lectura final de la obra.

- ¿Cuál crees que es el «camino» actual de la fotografía en estos momentos? (aunque todo cambie mucho, supuestamente, en estos tiempos)…

Pueden que cambien los medios y a su vez se abrirán nuevas posibilidades creativas. En la Historia de la Fotografía ha sido siempre así, cada vez que ha surgido un adelanto tecnológico, el artista lo ha incorporado para seguir cuestionando y expresándose.

- Desde tu doble perspectiva de artista y de educador en fotografía, ¿cómo ves la fotografía, y a sus profesionales (en todos los campos), en el estado español?

Creo que en los últimos diez años se ha avanzado notablemente, la fotografía se ha incorporado a los nuevos planes de estudio de las Facultades de Bellas Artes como un lenguaje artístico más y existe una oferta más amplia en los postgrados junto con escuelas privadas,  para mi el inconveniente principal es la condensación del tiempo vivimos en una sociedad hiperacelerada y todo necesita su tiempo de asimilación.

- Y, ¿cómo ves la educación de lo visual (fotografía, audiovisual, híbridos…) en general? En España, por ejemplo, dentro de los planes de enseñanza primaria y secundaria no existe tal materia (Me resulta paradójico que una sociedad en la que  lo visual es dominante,  la mayoría de la gente sea “analfabeta visual”, apenas se sabe analizar o hacer lectura de la Imagen en toda su extensión).

Pienso que es una estrategia clara del sistema para que la gente no sepa leer determinados mensajes visuales y sean más vulnerables.

- Para finalizar, ¿tienes algún proyecto soñado, que aun no hayas realizado, como fotógrafo o artista?

Seguir teniendo ganas de cuestionar y transmitir y poder hacerlas públicas.

Algunos enlaces para conocer un poco mejor su obra, mientras termina su inminente web personal:

Rafael Pérez Cortés CV

Labor en enseñanza de fotografía :

http://procesocruzado.com/capitulo-1%C3%9704-los-tiempos-estan-cambiando/#more-224 (podcast)

http://www.uem.es/postgrado/master-photoespana-en-fotografia-teorias-y-proyectos-artisticos/profesorado (PhotoEspaña)

http://personal.us.es/perezcortes/ (Universidad)

Exposiciones:

http://www.fotoencuentros.es/08/eventos/rafaelperez.php (Fotoencuentros)

http://www.arteylibros.es/noticia.aspx?not=495&id=4  (Acanto)

http://www.elalmeria.es/article/ocio/602445/am/gallery/participa/la/feria/arte/contemporaneo/vigo.html (AMGAllery en Vigo)

Entrevista para la revista Entérate, Nº9, 2007, Almería:  Rafael Perezcortés: presente futurible, por Maribel Úbeda

(…)»los buenos fotógrafo de verdad, no pueden dejar de hacer fotografías, para ellos es como comer o respirar…, la vida es el tema»(…).

- Pregunta voz en off: «¿Cuál es la vida de un fotógrafo?»

-Respuesta de Annie: «Es mirar la vida a través e una lente…»

Frases del documental sobre Annie Leibovitz: Annie Leibovitz, una vida a través de la cámara, de su hermana, la directora de documentales, Barbara Leibovitz, de 2006. (visto en la web de cine, filmini)

Voy comentando aquí los aspectos del documental que más me van llamando la atención conforme lo voy viendo:

Quería ser profesora de Arte, pero descubrió que para eso tendría que, primero, «ser artista»…(se rie con lo que para ella es una obviedad…, algo no tan claro para muchos y muchas profesoras-es de artes…en general…).

Primero se metió en un curso de fotografía, donde los alumnos hacían fotos durante el día y tras revelarlas, las comentaban, algo muy enriquezedro para ella, para todos…(de esa época tiene muchas fotografías de las movilizaciones contra la guerra, sentdas, etc..)

En la escuela de fotografía del Instituto de artes donde estudió posteriormente, en la Escuela deSan Francisco (en plena guerra del Viethnam), los dos grandes referentes fotográficos del momento eran Robert Franck, como representante de la fotografía norteameriacana, y Bresson, como representante de la fotografía europea, ambos unidos por una forma libre de representación en la fotografía («pura»). Ella explica que además, su impronta dejaba claro el uso de la cámara de formato pequeño, que daba más libertad de actuación al fotógrafo en aquel momento (y no las cámaras de formato medio o gran formato…).

Con el libro «El mundo de Cartier Bresson», aprendió qué era ser fotógrafo, fue un gran descubrimiento para ella, la cámara le permitía descubrir el mundo…

(…), en la Escuela de San Francisco «todo era amor, amor, amor», y aunque lo dice algo sorprendida, no reniega de ello, e intenta seguir ese precepto.

Después comenzó a trabajar para la revista «The Roling Stons.».., un gran paso, un gran lugar.., donde se contaba lo que pasaba, el pulso de la vida del momento, y querían experimentar…En esos años, Annnie, tenía una energía y creatividad impresionantes, según sus compañeros. Amaba la música y los artistas se le abrían a sus fotos con las entrevistas…

La primera vez que vió su primera portada flipó…, su imagen repetida en cada kiosko…

Lennon posó con naturalidad para ella, con Yoko Ono, quien comenta que Annie estaba más interesada en representar sus espíritus que sus cuerpos…(y creo que lo consigue…, mostrar a los seres humanos…)

«The Rolling Stons» hablaba de todo, por ello hizo fotografías sobre todos los temas, políticos, sociales, etc…(aprendió todo allí). Un reportaje fotográfico emblemático para ella, fue el de la salida de Nixon de la Casa Blanca…, tuvo que sustituir las palabras del periodista, articulista, porque estaba bloqueado…Ella narró todo con sus imágenes ,cuando ni tan siquiera sabía que sería su reportaje quien contaría todo…

En general, sus fotografías de esta época, muestran intimidad (como las personales de familia, etc.) porque seguía varios días en todo momento a sus fotografiados famososs, para la revista…Y ella, según cuentan los protagonistas, pasaba desapercibida, no molestaba, les seguía como una sombra, simplemente…

Vida-trabajo-fotografía-Vida…todo un ejemplo de cómo fotografiar un mundo entero, el propio y el ajeno…

Información sobre su vida y algunas fotografías:

http://www.comunicarendigital.es/2011/07/15/annie-leibovitz-at-work/

http://lacomunidad.elpais.com/http-losplatoscomoojos-blogspot-com-/2011/1/19/annie-leibovitz-mirada-colosal-

Instalación «Elixir per se», de Jose Luis Puche. Fotografía, Maribel U. (licenciaCC).

Obra de fondo de imagen, también de Jose Luis Puche: «11.02 y bajando»

Este mes pasado he podido conocer mejor la obra de Jose Luis Puche, artista visual malagueño afincado en Almería, cuya obra llevaba gustándome hacía tiempo, mucho antes de conocerlo en persona. Un artista multidisciplinar y en continuo crecimiento, interesado en todas las manifestaciones del Arte del pasado, del presente y del futuro (al que contribuirá sin duda), y sensible, por cierto, a toda manifestación cultural en general (parece que necesariamente deben ir unidas ambas cuestiones, artista o Arte más interés por la Cultura, pero no es así siempre).

La obra de Jose Luis , a la que me acerco en este blog, es “Elixir per se”, una instalación presentada a finales de Septiembre en AMGallery, (Roquetas de Mar, Almería), y es una muestra de sus inquietudes, sus ideas artísticas y su buen hacer plástico, estético y conceptual, donde lo etéreo se une a lo concreto en una suerte de ligeras piezas colgadas del techo que nos sorprende por su bella fragilidad y riqueza cromática.

Compuesta por 182 piezas escultóricas que reproducen bolsitas de té, cada una manufacturada con gelatina epoxídica y pigmentos orgánicos entintados y 316 metros de hilos que varían cromáticamente y suspenden dichas esculturas volátiles, “Elixir per se” se convierte en una composición llena de sutileza que gravita en el espacio como una “ tililante lluvia de pétalos de té” (en acertadas palabras de María del Mar Domínguez, directora de AM Gallery) que nos atrae para tocarla (aunque no debemos, claro), mirarla sin empacho y dejar volar nuestra imaginación en completa libertad.

Pero, tras esta composición visual  se esconde también una interesante historia, la que impulsó el proyecto (realizado a lo largo de casi cuatro años), y que Jose Luis me refiere así: “Paseando por Málaga vi cómo un grupo de obreros árabes trabajaban en el interior de un local que al final se convertiría en un lugar de venta de telefonía móvil. Todos sentados conversaban y tomaban un té. Alguien da un grito y todos al mismo tiempo sacan su bolsa de té de donde estaban bebiendo, dan unos giros sobre su eje y lo lanzan al techo. Se levantan y se van. Yo quise entrar para ver dónde habían ido a parar todas aquellas bolsas de té; entré y vi que todo el techo estaba plagado de bolsas de té. Posiblemente no lo supieran, pero aquello era toda una obra de arte, una nueva cueva con formas de estalactitas. Aquel modo de colgar el té no era sino reflejo de momentos compartidos, fruto de la espontaneidad, de la fuerza orgánica dotada de una gran belleza estética”.

…A partir de ese momento, Jose Luis comenzó a pergeñar su futura obra, fijándose en los diversos tipos de bolsitas de té y guardando toda la que caía en sus manos (implicando incluso a sus amistades, que se las iban también guardando…). Todo un proceso en cadena para comenzar a realizar los moldes, realistas y llenos de plasticidad: “siempre he sido un enamorado del pliegue, ya que es sin duda la ductibilidad de la forma y el volumen, encuentro en esas bolsas un nuevo modo de estudio de pliegues”.

Y sigue comentándome su labor y proceso creativo: “Opté por fórmulas clásicas, como el círculo y la gama cromática, un modo de aportar un orden y razón que estuviese al servicio de una contemplación puramente hedonista, similar a la que tuve al observar aquel momento. Mi misión como artista fue trasladar ese momento orgánico de la observación y  mejorarlo en la manera de lo posible, en este caso con el orden y el color”.

Sobre el interesantísimo (al menos para mí -al acecho siempre de explicaciones de este tipo-) proceso técnico que siguió, me comenta también: “(…) comencé a solidificar las distintas bolsas de te que me iban llegando, algunas más grandes, otras pequeñas y fui creando los moldes de silicona de los que irían saliendo. Las primeras reproducciones fueron un desastre, utilizaba el epoxi pero no salía, utilicé poliéster pero tampoco, incluso opté por la cera y el yeso, pero no hubo manera, fueron meses de prueba y prueba, y un día me di por vencido y rechacé la idea de realizarlo, muy a mi pesar claro. Pero un día volví a encontrarme con los moldes y pensé que quizás el problema era la presión, y di con la clave, con lo cual las esculturas empezaron a salir adecuadamente. Cuando empecé era invierno y el epoxi tardaba en solidificarse una semana, por lo que el proceso fue muy lento, varios meses para muy poca tirada, pero a medida que fue llegando el buen tiempo en dos días llegaba la solidificación”.

Vista y disfrutada la obra, diseccionado su proceso creativo desde la idea a la manufactura, y reflexionada la apariencia estética junto con el contenido de la instalación, puedo decir que Jose Luis Puche nos ofrece aquí el regalo de un trabajo artístico excelente, no sólo bello y bien realizado, sino que, además, homenajea, en cierto modo, el trabajo cotidiano de los trabajadores de la construcción (del Magreb o no, musulmanes o no) donde también puede haber un momento de belleza, un momento íntimo para reconfortarse y poder seguir la labor diaria.

Como para una inmensa mayoría de personas anónimas, el día a día puede ser duro, pero se suaviza con un “algo más” fuera de diversos materialismos y más cercano a lo espiritual, a las sensaciones y a los sentimientos, un “plus” que necesitamos como respirar, y que significa muchas veces el Arte, un “algo más” como el que nos muestra “Elixir per se”, de Jose Luis Puche.

«Elixir per se», de Jose Luis Puche. Fotografía, Maribel U. (licenciaCC).

Entrevista a Jose Luis Puche:

-¿Hasta cuándo podemos ver tu instalación actual en AMGallery y tu obra obra expuesta:»11:02 y bajando»?

Para eso no hay fechas concretas ya que AM sigue unas políticas de exposición distintas al resto de galerías al tratarse de una exposición colectiva, pero puede ser aproximadamente dos meses.

-¿Tienes alguna obra entre manos?.

Si, tengo entre manos otra obra donde prima el dibujo, aunque también estoy intentando proseguir por el campo de la gelatina epoxídica, su reproducción, la cual ofrece unos resultados de gran calidad matérica, aunque aún no puedo decir ni qué es ni si será un proyecto factible, está aún en proceso mental de construcción.

-¿Tienes a la vista alguna exposición próximamente?

A la vista tengo una exposición individual en AM Gallery pero aún está por confirmar la fecha.

-¿Con qué materiales, soportes, etc., te sientes mejor trabajando?

Sin duda con el grafito, creo que por vicio desde pequeño, de ahí la habilidad adquirida. Estoy muy concienciado con teorías artísticas del quattrocento italiano como las de Filarete, Alberti o el propio Leonardo, donde ponen la base y el pilar de toda creación artística en el dibujo. Es una herramienta básica a la par que versátil, mientras otros muchos han visto en el dibujo una herramienta de tránsito, preparatoria para la pintura o la ideas yo la he observado en la historia del arte como obras de arte en sí mismas, ya sean simples esbozos u obra per sé. Quizás por ello mis dibujos han llegado a alcanzar la dimensión de 240 cm, porque es posible que con ello reivindique un papel protagonista de una técnica que por antigua que sea aún es actual.

Por otra parte también destacaría mi relación con el epoxi, que en mi aventura de investigar nuevas posibilidades di con un material fino aunque complejo de utilizar y domar, que me ha servido tanto para pintar como para crear obras esculturas como «elixir per se». Y que evidentemente seguiré trabajando.

-¿Tienes un ritual o proceso artístico concreto?

Bueno, normalmente dejo que las ideas residan en la mente un tiempo, después las desarrollo levemente y las someto a debate para ver si merece la pena llevarlas a realizarlas, ese es mi proceso. Una vez Guillermo Pérez Villalta me comentó que no todas nuestras ideas son dignas de ser artísticas, y la clave está en seleccionar aquellas que si lo son. Creo que lleva razón.

-¿Cómo te «posicionas» ante tus obras? ¿Quieres transmitir, comunicar, simplemente expresarte, todo? ¿Dejas libertad total al que la vea o prefieres que conozcan su «significado»? (pregunta múltiple y compleja, soy consciente).

No creo en la dictadura de la razón, es decir, creo en la obra que admite  acepciones, abierta a distintas posibilidades, es más, ni siquiera yo quiero dominar su razón de cabo a rabo.

-¿Cuál crees que es el «camino» actual del arte de hoy?

El arte de hoy día no tiene parangón en la historia del arte. Nunca una época artística ha vivido tanta transformación en el plano matérico ni tan siquiera conceptual como ésta época nuestra. A medida que avanza la sociedad y las fuentes de conocimiento éstas tienen cabida en la rama artística. Por otro lado me gustaría mencionar el papel de la profesionalidad del arte, no sólo de los agentes culturales, que se han multiplicado y son factores imprescindibles para la creación y culminación de un proyecto artístico, sino también la incursión de las ciencias tecnológicas de las que muchos artistas se sirven para llevar a cabo sus trabajos. Todo esto hace que el arte hoy día se observe bajo la óptica de la complejidad, quizás nos falte perspectiva, pero yo intento ser más simplista a la hora no sólo de trabajar sino también de observar la obra de otros muchos artistas con la que disfrutas de todas todas. Aquellos quienes tienen una visión catastrofista del arte, que si se está acabando o está muerto deberían darle la vuelta al pensamiento y observar todo lo que está pasando como una da las etapas más prolíficas de toda nuestra historia, comparable a lo emergente en la época clásica griega. Los resultados a los que llegan muchos artistas (fotografía/video/ nuevas soluciones arquitectónicas y escultóricas) no se han producido jamás y quizás me pase comparándonos a los griegos pero si no lo somos ya puede que estemos en el camino. Hablo de la novedad, de las nuevas soluciones para el arte y que esto está pasando ahora y no hace un siglo. Aún así no todo es maravilloso, la Historia del Arte nos ha dejado cosas maravillosas, mediocres y malas, en esto no hemos cambiado, evidentemente.

-¿Podrías decirme un sueño personal, como artista?

Mi sueño es sin duda una obra que tarde o temprano tendré que realizar, por la historia de mi familia, de mi ciudad, a consecuencia de ella misma yo existo, y no puedo ser inexorable a todo ello. Ese se podría decir que es mi sueño, llegar algún día a concretarla, trabajarla y presentarla.  Es posible que parezca un sueño fácil de cumplir pero no lo es.

«Elixir per se», de Jose Luis Puche. Fotografía, Maribel U. (licenciaCC).

Enlaces de interés sobre Jose Luis Puche y su obra:

Curriculum Vitae y artístico: http://biografiajoseluispuche.blogspot.com/

http://www.am-gallery.es/index.php?opcion=9&idartista=13

En otros medios: http://www.tertuliaandaluza.com/cultura/artistas-emergentes/jose-luis-puche/

http://www.lagacetadealmeria.com/index.php?option=com_content&view=article&id=45520:am-gallery-recibe-la-visita-de-los-alumnos-del-saint-georges-school&catid=88&Itemid=57

«Elixir per se» y parte de «11.02 y bajando», obras y fotografía de Jose Luis Puche

Pronto hablaré aquí de dos artistas que trabajan en Almería, por y para las artes plásticas y visuales.

Jose Luis Puche (pintura, dibujo, instalación, escultura…), artista malagueño de ámplia trayectoria, que expone, dentro de la colectiva actual de AM Gallery, en Roquetas de mar, Almería, y Rafa Manzano (fotógrafo), almeriense recientemente seleccionado como uno de los jóvenes promesas de la fotografía en Emergent de Lleida, el Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales.

Jose Luis Puche, en AMGallery

Jose Luis Puche

Rafa Manzano

Rafa Manzano

También hablaré de Rafael Pérez Cortés, almeriense en el exterior (Doctor y Profesor Titular de Fotografía en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla) que expone actualmente en el Centro de Arte Museo de Almería, CAMA, una interesante muestra de su trabajo fotográfico: No es tiempo de magia.

Rafael Pérez Cortés, en el CAMA

Rafael Pérez Cortés

Dicen algunos sabios del sector , de los que se reunen en congresos o jornadas, y cosas así, y hacen, a veces, una exposición o ponencia «de diseño» o super «cool» que el Diseño debe ser Economía…

Y bien, claro, es uno de los aspectos del diseño, la utilidad, lo ergonómico en su caso, lo sencillo y poco costoso (je), si se puede…pero en este caso se referían a Economía en cuestión de «money»….la crisis, claro…

Pero…, no sería mejor sostenibilidad?

y.., ¿por qué dicen algunos de esos gurús que los estudiantes y profesionales de Bellas Artes está estropeando el Diseño???

Desde cuándo las ideas estan circunscritas a tal o cual especialidad o rama de un campo del saber concreto????

Fotografía, «Ensoñación»

Maribel Úbeda (licenciaCC)

Pd.: Post retrasado desde mayo, dedicado a Sol y Adolfo, ellos saben por qué…;-)

Para ir poniendo al día este blog, que falta le hace…, e ir haciendo dedos tras el letargo veraniego y otros (letargo en cuanto a escritura, que no en reflexión, lecturas, visualizaciones, etc)…me pongo manos a la obra, a ver qué puedo decir de algún interés para mí misma y resto de lectoras o lectores…ayy, ahí voy…

-Este Julio pasé por PHotoEspaña, el festival 2011…, no pude ver mucho, lo esencial que me permitía el tiempo que estuve en Madrid…un día…uf. Bueno, así que este es un post atrasado, pero en fin…, formaremos uno con los fragmentos de cosas sin decir de estos meses…vale?.

El caso es que vi los rostros de El Fayum, que tantas ganas tenía de ver «in person»…, no trajeron muchos de estos retratos, pero al menos pude ver esas apreciadas e increíblemente bellas tablillas de los retratos de nuestros difuntos antepasados en «vivo» (je) y en directo. No me gustó mucho la instalación ideada en el Museo Arqueológico (que aproveché para ver, pese a que estaba en remodelaciones-ampliación- y sólo exponían las «joyas de la corona», bonitas y edificantes, si, pero cuando una va a un pedazo de museo así, intenta verlo entero, y no sólo una parte, aunque tuviera su por qué). En fin,  al grano, no vi demasiado acertada la forma de exponer (museísticamente hablando) la tablas, con muy poca luz, pero directa, con lo que se reflejaba esa poca luz en la pintura y molestaba teniéndose que ver de semi-lado, y colocadas muy altas (bueno, ya se que mi estatura no es la standar europea actual, o sea, soy tipo mediterráneo antiguo, pero de ahí a ponerlas tan altas…en fin) y bastante juntas, con lo que cualquier grupito arremolinado con guía impedía poder ver el resto con soltura. Y eso, que no se si llegaban a ser unas 10 en total…una pequeña muestra de las que existen, vamos. Tampoco me gustó el audiovisual-instalación que exponian junto estos rostros de El Fayum, pero eso es otro cantar… Y en suma no me arrepiento de la visita, tenía que verlas y las vi.

También vi, y esto si que me llenó más (entre otras cosas me sorprendió porque no iba buscando nada, ya que ni me había informado sobre ella) los famosos «autorretratos» de los 70 de Cindy Sherman imitando a personajes anónimos, entre ellos los pasajeros de autobuses urbanos neoyorkinos -de su serie Bus rider-, en la exposición: 1000 caras/O caras/1 rostro; y también conocí de cerca los retratos de Thomas Ruff (tipo carnet pero de tallas XXL, je, pero interesantes) y al, para mí desconocido, histórico aficionado de la fotografía Frank Montero…, todo un personaje en continua performance (antes de existir el término tal cual lo conocemos hoy día), también de cierto interés, diría que… dentro de la antropología del fotógrafo, je.

Las series  de Cindy Sherman, que forman parte de la Historia de la fotografía contemporánea, como Bus rider, Murder Mistery People, o Untitled Film Stills, son para mí, joyas de la fotografía como concepto, no ya como técnica ni nada de esto, porque tampoco lo pretenden. Son retratos sobre la sociedad, desde la reflexión de lo que significa la Identidad, algo sobre lo que planea hoy día gran parte de las obras de arte de rabiosa actualidad…

Y ya hablando en general, creo que pese a que, quizás, por lo que he visto, y leído, no sea este el más brillante de los Photoespaña, material o expositivamente hablando, el dedicar al Retrato el festival, ha sido un gran acierto, y demuestra que no sólo este género está en plena vigencia, sino que el festival está al día en las tendencias, claro…

También me dio tiempo a ver la super (por extensa y bien densa) exposición del paparazzo de los paparazzi, Ron Galella, al que yo no tenía muy ubicado, la verdad, y del que pude apreciar su calidad,  pese a lo «irrespetuoso» de su trabajo (je…, se nota que los artistas y famosos a los que fotografiaban, no sabían la que se les avecinaba después, en el trascurrir de los tiempos fotográficos, periodísticos, y del resto de medios de comunicación, redes sociales, canales de comunicación digitales, etc.) con robados increiblemente buenos ( Marlon Brandon o Mick Jagger…ufff, qué pasada -la fotografía que pongo abajo es de mis preferidas de Galella), y algún robado-posado que otro (entre ellos Liz Taylor…, que creo que siempre iba posando ya de por sí…animal fotográfico, con esa mirada felina y bella  y que  ha sido el rostro publicitario del festival de este año…).

Bueno, el festival daba mucho de sí, y fue una pena no poder ver más exposiciones in situ (menos mal que siempre tendremos su web, y sus catálogos, …bien editados y a mano de cualquier comprador que los quiera).

En fin, «Que me quiten lo…bailao», visto, en este caso, si pueden, jeje…como diría alguno por la feria que acaba de terminar en Almería…ele!

(el próximo post, precisamente va de fotografía por aquí, Almería…Tierra de objetivos…cinematográficos y fotográficos…la historia y el presente lo atestiguan…)

«Y ahora, estás en la región central.
Tú puedes inventar la mar, la página en blanco,
la playa, tú puedes inventar la mar.
Ella te espera,
tú eres su hijo,
tu puedes volver a ella, ella te tiende los brazos,
tú puedes contarle todo.
Y he aquí la luz y he aquí los soldados,
he aquí los patrones, he aquí los hijos,
he aquí la guerra, he aquí la alegría,
he aquí el miedo, y he aquí la luz,
he aquí la herida universal, he aquí la noche,
he aquí la Virgen, he aquí la gracia,
y he aquí, la luz, he quí la luz,
y he aquí la aventura ,y he aquí la ficción,
y he aquí lo real, y he aquí el docuemental,
y he aquí el movimiento, y he aquí el cine,
y he aquí la igmagen, y he aquí el sonido,
y he aquí el cine, he aquí el cine.
He aquí el cine.
Éste es el trabajo.»

Jean-Luc Godard.
Scénario du film Passion (1982), en: Jean Luc Godard. Pensar entre imágenes
Conversaciones, entrevistas, presentaicones y otros fragmentos. De Nuria Aidelman y Gonzalo de Lucas.
Tracuccion: Natalia Ruíz Martínez y Javier Bassas Vila (Publica: Intermedio, Barcelona, 2010)
Un libro de cabecera, más que recomendable, y que por ello comparto aquí…

Y para «ver» algo de sus «últimos» trabajos, la recopilación llevada a cabo por él para hablarnos de la Historia del Cine…

http://youtu.be/CeeXaf_N20E

Estupenda forma de mostrar la última exposición, sobre la obra del siempre vanguardista, Andy Warhol, en el MOMA.

Esta vez, podemos conocer un poco más de la obra de Warhol gracias a la exhibición de sus Motion Pictures, o los retratos grabados cimáticamente de artistas de su entorno underground, como un joven Lou Reed, etc. ( «Motion Pictures focuses on the artist’s cinematic portraits and non-narrative, silent, and black-and-white films from the mid-1960s»).

Esta forma de retratos, que según Fernando Castro Flórez (en El Cultural) fue una forma de autorretrato de Warhol, por significar, algo así, como un espejo donde se veía a sí mismo, nos deja ver, claramente, el grado de contemporaneidad que aun tiene la obra (siempre en exploración por parte de estudiosos del arte, el pop-ar, y Warhol) de este artista-creador-autor…

Pero, bueno, para mí la nocitica a resaltar, dentro de esta pequeña reseña, es que El MOMA deja ver todos los retratos-filmados parece que de Andy, y es «a lo Andy» en su web, y desde flicker (qué idea!)…, si, bueno, muchos/as podéis decir que no es una novedad…, pero cuando la difusión triunfa con grandes dosis de morosidad en mostrar contenidos…, pues esto es un deleite y un gusto…También podemos escuchar el magnífico violín de Hahn-Bin ante las pantallas de los Motion Pictures originales.

Eso si…, tenéis para ver estos autorretrato «a lo Warhol» (?)…, un buen rato, y en total silencio…, ánimos, no está nada mal para variar del mundanal ruido del actual audiovisual de «disfrute» masivo (sí, me pongo algo elitista por unos momentos, pero pronto se me pasará, tranquilidad…jeje)

El cine no tiene fronteras, es un arte universal, más allá de las lenguas (o lengua en la que se ruede), la producción de origen…director, actrices y actores, etc…Si acaso, el poner por delante la nacionalidad (de quien se decida, porque muchas veces son coproducciones y se decide una nacionalidad concreta cuando hay implicadas varias…y según a qué premios se opte, etc.) es por cuestiones puramente comerciales, no cinematográficas en sentido extricto, claro.

«el cine, las historias, (…)no tiene fronteras…», «el cine es cine»…Lo dice, y le alabo el defenderlo, Gonzalez Iñárritu, a propósito de Biutiful en la alfombra roja de los oscars 2010 en 2011. De esta ceremonia, el escaparate de una parte pequeña, pero la más poderosa del cine que se hace actualmente, me quedo con esta franca observación… que podeis ver y escuchar en www.rtve.es/alacarta/#1031828, hacia el minuto 1:25, hacia el  final de la gala en directo desde 24h.

No la he visto, ni pensaba verla pronto…, pero tras estas palabras de su director…, me animo, y mucho, a buscarla en dvd, o cuando la programen en alguna tv, cineclub, etc…para verla: su web.

BASTA DE HIPOCRESÍA y MANIPULACIONES sobre el «pirateo», ley sinde y todo lo «asociado», paralelo y colateral al tema de supuesta «cultura»-descargas-descargas ilegales….etc…etc…

A VER SI NOS CENTRAMOS. Los a favor de esta ley, en general (siempre habrá alguna excepción), solo hablan de NEGOCIO de la cultura, no de Cultura. Las acciones del Ministerio de cultura, en la actualidad parece encaminarse tan solo a la defensa de la Industria, no a la del «Creador»…, y así suma y sigue…

¿Por qué tengo esta percepción del asunto?: porque un creador lo es siempre, y su obra está ahí para atestiguarlo, y se mueve por los cauces que siempre se ha movido, incluso más, pues los canales de antes del boom internet, estaban en manos de unos pocos y ahora se multiplican, si, aunque el «pastel» sea también para más…y, por cierto, LA CULTURA no es un mero producto más, de uso y consumo, al menos no para una inmesa mayoría de creadores y trabajadores de la cultura, aunque si, por supuesto para quienes lo tratan como producto, al alza o a la baja, o sea para empresarios, industria, etc.

Quien sigue defendiendo a capa y espada, sin resquicios, este tipo de ley y lo que llevaría consigo…o no se ha parado a ver todas sus ramificaciones- para empezar-, o tiene poquita «cultura» real y poca proyección de pensamiento, y desde luego, no está en el día a día, ni de los usuarios, ni de los propios creadores (ni profesionales, ni amateur)…

Así que desde aquí digo: Basta de falsos elitismos, y menos hipocresía por favor!!!!

(cuando escribí estas líneas aun no habían hablado las asociaciones de usuarios y Alex de la Iglesia, así que mi enfado y pesimismo a día de hoy es menor, pero bueno, básicamente, lo escrito y hasta hoy guardado en el borrador de esta web-blog, sigue en pie…)

En este falso debate (pues el debate debería ser otro, y este es materialista y de tinte totalmente capitalista) la pela es la pela y punto, y eso es lo que se defiende bajo falsos: «respetemos el sueldo del trabajador-creador» JAAAA!!!

Porque, de qué «cultura» hablamos?…¿de qué creadores hablamos?…¿qué interese se defienden REALMENTE aquí????

Yo pienso y escribo, no como internauta cabreada, sino como usuaria y también «creadora»(término dificil donde los haya, creador-creadora…je, esa es otra…) y alguien que observa, principalmente, ya que no descargo-ilegalemente, ni siquiera he aprendido a hacerlo ( ni me suele gustar la calidad de lo que me pasan alguna vez descargado…) así que basta de meternos a todos los usuarios de contenidos culturales (y de ocio) en internet en el mismo o mismos sacos.

Por otro lado, ya está bien de demonizar a quienes queremos cultura libre y para todos, y soy «creadora» (repito), vivo de la cultura, y no quiero cobrar por todo ni pagarle a la SGAE por todo tampoco (bueno, eso es fácil, no registras y ya está…ja). La SGAE, esa empresa privada que juega con todos, poco trasparente y yo diría, en un brete de ser ilegal, que le pone precio a todo lo que hago para que, entonces si, «sea mío».

Como creadora, lo que pretendo es mostrar al mundo mis obras, e Internet facilita esto. Es eso lo que molesta a los de la antigua poltrona??? es esa «competencia» y exclusividad en poder de los que manejaban el cotarro antes (y ahora)???je.

Lo que yo creo, hago, o facturo, YA ES MIO…, pero además no tengo la solemne impertinencia, desfachatez y engreimiento de pensar que yo solita lo he ingeniado, creado…(y en esto comprendo que haya gente que no opine igual, incluso entre internautas contra la ley sinde y tal, muchos creadores que se creen al 100 por 100 lo del genio creador peronsal, privado e instrasferible previo pago) Pero mi opinión es que Yo bebo de unas fuentes, yo he leido, he visto, he escuchado desde que nací y fue creciendo…¿me van a cobrar un canon especial por el aprendizaje natural también? ¿cobro yo, desglosado de la facutra, mi propio canon de ingeniosidad?

Porque, no se, pero desde pequeños, en el cole, por un libro de texto que repite los miles de conocimientos de toda la vida…ya me han cobrado, incluso por los hiperplagios que estos libros muchas veces (no todas), y que nos hacen comprar a precio de oro, etc. Con eso no se mete la ministra y su equipo…

Las bases de las que partimos, derechos de autor, están hoy día obsoletos, y basta de compararnos con EEUU o el resto de Europa, pues en todos lados la cuestión, no está como en España respecto a registros de propiedad, ni en caducidad, ni en derechos, ni en deberes, etc. Y aunque hay regulaciones, el tema no se ha tratado como aquí, victimizando a Toooda la «cultuuura» frente a los malvados usuarios de internet…que a su vez, también crean y hacen cultura…Somos masa cultural, pese a quien pese…

¿Por qué no se estudia desde la base todo este meollo, por que no se observa con criterio a asociaciones con ánimo de lucro como la sgae y luego empezamos a hablar civilizadamente y no a golpe de regulaciones como esta? A ver si nos van a tratar ahora como a los controladores…¿van a militarizar el espacio de  la red?…(je)

Hay muuucho campo donde comenzar a escudriñar, porque, por ejemplo, tampoco se meten con los «plagios» de los profes de universidades, por ejemplo, tan solo con los de los malos alumnos que copian, y descaradamente…Hay profes que copian a mansalva a sus alumnos doctorandos o no (es un tema trillado pero…)..etc.

Hay numerosos campos de batalla para meter mano en un Ministerio de Cultura…y no en esto, algo puramente MERCANTIL y de negocios,  vamos que el campo sería económico, no de cultura...Me parece algo obvio.

No mezclen un tema muy concreto de copia ilegal, etc (los que graban incluso en cines las pelis, esto es de mi total repulsa porque va contra mi sentido del arte, destrozan la peli, aunque no mucho más que cuando ponen 5 rondas de anuncios en medio de una misma peli o te cortan de golpe al final de la misma y no te ponen los títulos de crédito, y aquí parece que los creadores quejicas no dicen nada...¿está el pescado vendido, y les da igual que destrocen su obra de arte?), las descargas ilegales de pelis, libros o música (un mundo que tiene que evolucionar…porque que yo sepa, cuando no se registraban los sonidos…estaban perdiendo dinero los juglares???, qué tremendo robo los que los oían y solo les daban unas monedas…, y otros que no daban nada, qué ladrones!!), con todo lo demás que es CULTURA de veras, por favor…y está bien de manipulación. Cada cosa en su compartimento…

Yo, por ejemplo y tantos como yo, no compramos menos que antes de esta movida…, al revés, ahora tengo un escaparate suculento que antes no tenía, y diría que hasta me siento incitada a consumir más cultura y creación que antes. Eso si, tengo criterio, lástima, eso molesta a la gran industria que se ve asustada.

Las multinacionales, los empresarios de los grandes entes, etc. (para resumir) hacen cuentas de lo que pierden, sobre las posibles ventas que harían si todo aquel que «consume» de una forma u otra, su «producto», no comprende el tema de la gran difusión, que no tiene por qué ser igual al gran consumo.

Ellos hacen cuentas de lo que no han vendido y se echan las manos a la cabeza pensando en lo que potencialmente podrían haber vendido y se endemonia, claro. Pero manipulan estos datos en su favor como negativos. Ven las posibles pérdidas como pérdidas reales. Esto es ficticio. Por ejemplo: hay unas cuantas películas que he visto porque me las han pasado, si no, nunca habría ido al cine a verlas (y por tanto no conocería el trabajo del tal o cual director o actriz por prejuicios) pero luego, si que he ido al cine a  ver otras porque salen estos actores o es de un director que conocí de esa forma…Una cosa por otra, al final HAY CONSUMO, porque estamos en una sociedad de consumo y queremos ver, leer o sentir cosas dentro de este sistema (pese a que hay otros sismetas, una biblioteca, la charla, etc.),. De manera que  no en este nuevo modelo (también consumista y aun en el capitalismo pues) no hay tal pérdida para el empresario de siempre.

Y por cierto, dónde están los videoclubs (han cerrado con la excusa de la copia…ja, porque vivían de las pelis de máximo éxito, las que los adolescentes se bajan, pero que no irían al cine a ver de todos modos, porque no tienen dinero para ello…),¿ dónde estan los buenos distribuidores, por ejemplo, para consumidores de pelis clásicas que queremos verlas-oirlas en VOS, etc…?, Si el negocio no va…, mejor mirar hacia adentro, y no siempre hacia afuera, lo fácil. Cambien el modelo, porque los usuarios somos los que somos…

Hay un gran campo de especialización en la cultura que no está cubierto en España, porque tengo la impresión que los que se arriesgarían no tienen dinero o no se fían de ellos los bancos, etc. Y los que tienen dinero no lo invierten en nuevos modelos porque no hacen dinero fácil y rápido…es lo que hay, la cultura empresarial tan «estupenda» que tenemos…El sistema capitalista tan magnífico que existe y requete-re-clama su parte del pastel…Ellos son motor de una maquinaria, pero muerta, o en decadencia al menos.

Seguimos con argumentos…en el lado inverso del ejemplo de más arriba: yo he ido a ver todas la pelis de Almodovar desde los 90, al cine, pese a que en todas me ha llamado ladrona en potencia antes de empezar la peli antes de los créditos… Me  he cabreado con él?, si, pero he sido fiel a su cine, incluso me he comprado un par de pelis en establecimientos super legales (je). ¿Me dan las gracias la productora, distribuidora o él por ser buena chica y fan?….NO. Me quieren cobrar una pasta en taquilla, lo que no le sacan  a los potenciales espectadores que supuestamente tendrían que ir a verla…Y luego me qieren cobrar una pasta (esto cualquier distribuidora, no solo la de Almodovar) por comprar un dvd donde se que el dvd en sí, cuesta un euro…ahora, el trabajo que hay detrás, si…, claro, pero que yo sepa, ya han cobrado cada uno de los que intervienen en el proceso. Luego lo que resta del precio de costes a lo que yo pago en la tienda..quién se lo queda realmente???, el creador??? vuelvo a decir onomatopéyicamente, JAA!!!!

Más argumentos (o ejemplos al menos) reflexivos: la gente que se dedica a copiar pelis, por ejemplo, y a colgarlas antes del estreno, o los que hacen copias ilegales a mansalva de éxitos -qué poco criterio, je- o los que graban pelis para luego subirlas y difundirlas…no me gusta, pero es parte de la especialización de unos gamberros o delincuentes equis, no de los usuarios en general de internet, ni usuarios de pelis por internet. Es un tema entre el distribuidor (y quizás la productora) y la policía, etc. No es un tema de cultura, en sí, vamos, no es un tema de los creadores ni del Ministerio de Cultura en sí mismo. Creo que muchos grandes empresarios y grandes maquinarias del ocio y espectáculo (o grandes discográficas, editoriales, etc.) han manipulado a los verdaderos creadores porque ya no pueden «robarles» o manipular a estos…y los han puesto en la palestra a defender los intereses de sus capitales como si fueran los suyos propios, y esto no es así.

Otro punto candente en otro ejemplo personal: Mi hermana es pintora y sigue vendiendo igual. He intentado publicar un poemario y me han dado calabazas igual. He grabado un disco y me lo han no-distribuido igual que antes de este boom…y sin embargo, tres canciones que tengo con un grupo de música, con disco y registradas, para cada concierto que doy en directo, nos hacen firmar y pagar a la sgae…A mí no me defiende la sgae,o similares, ni la ley sinde, estas plataformas solo sirve a los grandes grupos, es lo que he visto hasta ahora. Pero concretando, ni me defienden, ni quiero que defiendan.

La industria (o la avaricia directamente a veces) y el elitismo a un lado, la DEFENSA AUTÉNTICA DE LA CULTURA a otro, por favor, no mezclen…NO SOMOS IDIOTAS…

..Y seguiría explándome en esto…y seguiré…

(en realidad, esto parte de un borrador, un pensamiento de voz alta, porque lo que debemos hacer para la buena información, es un decálogo de las 50 grandes mentiras sobre este tema que circulan para poner del lado de los manipuladores que tiene la sartén por el mango a grn público y muchos creadores y creadoras engañados-as). Después de que todos estuvieran debidamente informados, quien siga en sus trece de que lo cultural, el producto cultural, debe ser archi pagado para denominarse así, que debe ser sólo para las élites que puedan pagarlo, etc…, pues mira, ahí no me meto, cada cual es libre de pensar así o lo contrario, pero sin caretas, sin falsedades y sin manipulaciones, por favor.!

Hace un par de lunes me pasé por el CAF (Centro Andaluz de la Fotografía) en Almería; como era lunes no esperaba encontrarlo abierto, pero como es un lugar de divulgación,  un centro de recursos, biblioteca, talleres, etc., y ofrece algo más que una simple sala de exposiciones, pues ¡sorpresa!, estaba abierto, algo bueno, a partir de ahora, para los lunes, no ya al sol, sino de hastío post- fin de semana (esos dos días en los que supuestamente te va a dar tiempo de ir a todos los lugares con expos interesantes y a hacer todo lo que no has podido realizar durante la semana…).

El caso es, que me sorprendí gratamente con lo expuesto allí (hasta ahora es lo que me suele pasar, me gusta lo que presenta el CAF), tanto con»Espacios abandonados», en la sala de abajo, como con la exposición de arriba, «Trabajos de campo«, donde se contrapone-comparan las obras documentales de Cristóbal Hara y Rafael Sanz Lobato (todo un descubrimiento para mí este último, con fotografías en b/n que en ocasiones me traían a la memoria el fotorreportaje social de Eugene Smith, como su “Médico rural”, o “Spanish Village: It Lives in Ancient Poverty and Fait” para la revista Life), de la colección de FotoColectania.

Pero lo que más me impresionó fue la obra fotográfica de Dalia Khamissy: «Espacios abandonados«, y más que por las fotografías en sí mismas (sobrias, todas con luz natural, sacando partido del color, de buena composición e interesantes, con una coherencia de conjunto y estética definida, buscada y acorde con el contenido del mensaje) lo que me impresionó fue  lo que representan, lo que la fotógrafa quería trasmitirnos o comunicar…

Todas las fotografías, que formal y objetivamente muestran espacios interiores destrozados por la guerra en Líbano, llevan un texto al lado que comienzan así:

«Sur del Líbano: una casa destruida».

Más abajo en los textos, aparece siempre el nombre de la ciudad concreta donde estaba tomada la fotografía (la mayoría de las veces el lugar es “Sint Yabil: una ciudad marcada y bastión de Herzbolá, fue apodada Ciudad Maldita por el ejercito israelí durante la guerra del verano de 2006 porque nunca lograron invadirla»). A continuación del anterior enunciado, los textos continúan describiendo qué se ve, las circunstancias en que encontraron el interior fotografiado, si había alguien allí o cuándo tomaron la impronta, etc.

El comienzo de estos textos que acompañan a cada imagen siempre de la misma manera (“Sur del Líbano: una casa destruida”), se asemeja a una especie de letanía…, es como un rezo o una oración, o esa fue la  sensación que tuve. Y dan que pensar…; porque no sólo es desolador lo que se observa por ese abandono, los restos de hogares con muros derruidos o agujereados.., muebles rotos o volcados, todo lleno de polvo, escombros,  con objetos y restos de haber sido habitados (alfombras aun colocadas donde estuvieron…), e incluso, en ocasiones, el paisaje que se deja ver, no ya a través de una ventana, sino de un hueco dejado por disparos o bombas…

Dalia consigue mostrar con todo esto la barbarie objetiva, la barbarie en daños cuantificables, materiales, sustanciales, si…Pero lo que se ve ahí en realidad, y leyendo más allá de cada uno de los pequeños textos-ritualizados (por lo repetitivo)  es la metáfora del desmoronamiento también personal de los que allí vivieron, los que habitaron esos espacios.

Si contemplar esos lugares puede causar la pena que yo sentí, y la desazón…,  la intranquilidad…, qué se sentirá al ser desterrados de estos sitios de verdad y por la fuerza…; qué se sentirá al ser desposeida-o, no sólo de un bien material, sino de la pequeña historia de cada lugar cuando estaba habitado, las emociones allí sentidas, las vivencias, las sensaciones…

Imagino que este trabajo fotográfico intenta rescatar de los escombros ilusiones y acontecimientos para que no caigan en el olvido. Es la lucha desarmada con armas de otro calibre, con imágenes de los perseguidos, de los que tuvieron que huir…

Lo que Dalia Khamissy ha hecho con su cámara, desde la idea hasta la toma y la exposición de estas fotos es la contestación a la sinrazón de una guerra…, es la lucha sin armas de fuego, sólo con el potencial armamento de  las ideas, que no ideales exactamente, algo quizás más peligroso dependiendo de quienes las esgriman y en aras de qué se esgriman…

La foto que he visto de una usuaria de Facebook, sobre el sinsentido de contruir en El Palmeral, (más info en PELP! -Plataforma Ciudadana contra el Megaproyecto Hotelero en El Palmar- nace en diciembre de 2009,  Ayuntamiento de Vejer de la Frontera) me ha llevado a esta reflexión que querría compartir aquí…

‎Os situo un poco primero: imaginad una preciosa playa «virgen»…, y el ansia de contrucción, edificación, artificiosidad y artificialidad, etc…, resultado…, la lucha de unos cuantos por preservar un lugar precioso para todos, tal cual…

La foto: arena y orilla de la playa, y en medio de la arena, medio disimulado pero bien a la vista…, destrozando el paisaje y cualquier pie de un paseante despistado…, un ladrillo en mitada de la arena…

Y así, tóntamente, como quien no quiere la cosa vamos deshaciendo el mundo…»construyendo» país….a ladrillazos…así nos va… Resulta una gran incongruencia dejar toda la culpa a las grandes entidades bancarias o superpoderosos chupópteros…, todos (la mayoría, y muchos no por gusto, claro) tenemos parte en este desastre económico y ambiental, el ritmo al que queremos llevar el planeta, el coche, nuestras vidas…todo…es tan artificial….La especulación es solo la punta del iceberg…Suena mal decirlo, en este actual mundo capitalizado del todo, pero la culpa es del materialismo supino y absurdo al al que se ha llegado…,mientras una parte del hemisferio norte vive (en aras de la tan cacareada Civilización)  a todo tren …, el resto se muere de hambre, superchería, machismo antinatura, extremismos ideológicos y-o religiosoides (algo realmente bien alejado de la pretendida espiritualidad, creo), guerras intestinas o trasplantadas…; y encima, no te muevas!, porque si emigran, si emigras,…, serán unos indeseables y que se vuelvan a su pais…., el colmo de los colmos.

Frente a la hipocresia, el miedo al otro y a lo «diferente», frente el miedo a la Naturaleza sin construcciones, frente el miedo a los terrenos «virgen», sin ladrillos, si dominar, sin domesticar…menos mal que existe la poesía, la fotografía…, la expresión humana y artística de muchos y muchas aun…eso nos salva un poco, si es posible.

¿subes, bajas, vienes, vas?

MaribelÚbeda (licencia CC)

…

veranos

«Yo echo de menos la época en que abría un suplemento literario y veía artículos de García sobre Fernández, de Gómez sobre Pérez, de Álvarez sobre Martínez, y así sucesivamente. Porque ahora lo que veo es que Pablo entrevista a Pedro, Antonio escribe sobre Juan, Jesús sobre Ramón, Rafael sobre Emilio… y sólo muy de vez en cuando aparece una María o Mercedes. La proporción de mujeres entre los colaboradores de cualquier suplemento o revista de literatura o pensamiento es mínima: 10% o 15%. Y lo mismo se aplica a los entrevistados y a los autores cuyos libros se reseñan: prácticamente todos son varones.La noticia en otros webswebs en españolen otros idiomasAnte semejante panorama, ¿qué podemos pensar? ¿Que no se entrevista a autoras ni se reseñan sus libros porque no las hay? Falso: escritoras hay muchas. ¿Que las mujeres no hacen crítica porque no han tenido la formación necesaria? Falso: el alumnado de Letras es mayoritariamente femenino. ¿Que es cuestión de tiempo? Falso: ya eran mayoría a principios de los setenta. ¿Que algunas autoras de las que se habla mucho son la avanzadilla de un movimiento imparable? Falso: pueden alcanzar el éxito comercial y los correspondientes premios, pero no lo más importante: el reconocimiento institucional, sinónimo de permanencia, de futuro. De todo lo que hoy se publica ¿qué es lo que leerán en el colegio nuestras nietas y nietos? Sin ninguna duda, lo que haya recibido el espaldarazo institucional. Y eso es lo que se sigue regateando a las mujeres. Ellas ocupan solamente 3 de los 43 puestos de la Real Academia; entre 34 galardonados con el Premio Cervantes sólo figuran dos María Zambrano en 1988 y Dulce Loynaz en 1992, y el Nacional de Narrativa lo han obtenido también únicamente dos mujeres Carmen Martín Gaite en 1978, Carme Riera en 1995. No lo tienen autoras de la talla de Rosa Montero, Soledad Puértolas, Esther Tusquets, Almudena Grandes, Belén Gopegui… El único sector del libro con mayoría femenina es el de los lectores/as, aunque no «inmensa», como a veces se dice, sino muy discreta, un 55%.No sé qué es lo más grave: si el hecho de que las pocas literatas a las que se da cancha suelan ser las que corroboran los estereotipos sexistas mujer = nota de color; mujer = niños y sexo; mujer = esposa o hija de. O la constatación de que en treinta años largos de democracia, hayamos avanzado tan poco: a veces da la impresión de que las mujeres a las que se admite aquí o allá no son el primer paso para abrir la puerta a otras, sino la coartada para cerrársela… Pero no: lo más grave, sin duda, es esa especie de hipnosis colectiva por la que nos creemos lo que nos dicen «los libros son cosa de mujeres» en vez de lo que vemos con nuestros propios ojos. Esa ilusión óptica que hace que al hojear un suplemento literario veamos Fernández y García y no Pablo y Emilio, y no nos preguntemos dónde están Mercedes y María.»

-Laura Freixas Barcelona, 1958 es autora, entre otros libros, de la autobiografía Adolescencia en Barcelona hacia 1970 Destino, el ensayo La novela femenil y sus lectrices Universidad y Diputación de Córdoba y la antología Cuentos de amigas Anagrama. www.laurafreixas.com.

víaHombres, SL · ELPAÍS.com.

Lo siento, pero a parte del link, me parecía interesante poner el artículo entero…

Ahora viene mi post:

Una cosa si se…yo la paridad sana, sin cuotas y de manera bastante «natural», solo la veo, de veras, en los funcionarios/as…de a pié…, por aquello de que hay unos exámenes y baremos que pasar y punto, y puede que el sistema de oposiciones sea injusto en sí mismo, pero lo es para todos y todas; con lo cual hay bastantes posibilidades de que la mujer acceda a estos puestos de trabajo donde accedemos todos de una misma forma…

En lo demás, sorry, aun hay discriminación, unas veces clara y otras mucho menos obvia, pero la hay (y qué me decís de los sueldos en la empresa privada…¿?), pero incluso, y lo más doloroso en ocasiones,…hay autodiscriminación; lo pensaba esta tarde por otras cuestiones…
Es un tema, aun, de educación, personal y en sociedad. Porque  la pescadilla se muerde la cola. 
Muchas mujeres decidimos NO LUCHAR por un puesto, o en general determinados puestos, porque llega el momento ese del relog biológico en el que tu prioridad (o eso nos enseñaron, a mí si…) es hacer el «nido», que suele unirse a  que te han rechazado en varios puestos de trabajo teniendo la misma edad y currículum que tus compas (en masculino) que si que consiguen el puesto al que tú también optas… con las mismas capacidades, aptitudes, actitudes y ganas…A esto se le puede sumar lo que hemos visto en la mayoría de nuestras madres, que o nunca tuvieron un puesto de trabajo remunerado fuera de casa,  o lo dejaron por los niños…o frenaron tanto que no ascenderán o mejorarán nunca (pues tiene el horario reducido, etc…, o trabajan a la sombra de una empresa familiar donde sigue teniendo más valor el hermano, padre, etc…); no todas (por supuesto) pero Muchas mujeres tiramos la toalla de la, muchas veces también, salvaje lucha exterior, la adrenalina, esa competitividad que se aprecia en el trabajo (realizado y pensado por y para hombre que dejan huella…). Parecen tópicos, lo se y me fastidia enormemente…pero se dan bastante…aun…por desgracia, si…aun.

Y lo siento, pero necesitamos aun el apoyo de muchos hombre y mujeres…,el apoyo para terminar de Liberarnos, en el buen sentido, de verdad. Para se pares…, y que no nos importen, ni necesitemos, las cuotas de paridad, ni para unas ni para otros…

gracias, he dicho…ejem..

Recojo esta noticia, no novedosa, de la web masdearte, pero con miga(s)…

Madrid y Londres, 28/10/09. masdearte.com

«Los museos definen sus estrategias para combatir la crisis. Apuestan por revalorizar sus colecciones, promover las actividades educativas y organizar exposiciones más atractivas.

El recorte de sus sueldos por parte de un tercio de los directores de museos estadounidenses, la supresión de la Consejería de Cultura de la Comunidad de Madrid, la apuesta por los precios razonables en buena parte de las ferias de arte que se han celebrado este año, el descenso del número de galerías participantes en muchas de ellas o la disminución de las donaciones privadas a museos internacionales, siendo el MOCA y la Albertina los casos más llamativos, vienen dando fe en los últimos meses de que las repercusiones de la crisis económica se han extendido también al ámbito del arte y la cultura; sin embargo, la excelente acogida que la retrospectiva de Sorolla tuvo en el Museo del Prado casi 460.000 visitantes o los exitosos balances de las últimas ediciones de la Frieze Art Fair de Londres o la FIAC de París han puesto también de relieve la solidez del mercado artístico y la vital importancia de emprender iniciativas novedosas y de calidad que permitan a los centros de arte ampliar su público y sus expectativas de crecimiento.»

víaLos museos definen sus estrategias para combatir la crisis

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Ufff, pues menos mal…, que se ve que lo de la crisis afecta al CONSUMO sobre todo material, de cosas…, y que el DISFRUTE del arte (no solo su COMPRA) es lo que verdaderamente interesa al público en general…A veces hace falta un crisis para darse cuenta de evidencias supinas…en fin…

Groucho contemplando un dibujo mío. Maribelubeda (CC)

Homenaje a Hokusai, de Eduardo Sanz

«Las galerías Juan Gris y Rayuela muestran de manera conjunta las obras más recientes realizadas por Eduardo Sanz. Al mar, protagonista de su trabajo desde hace muchos años, se unen en esta ocasión las vistas del monte Fuji, las olas y la lluvia, con las que el pintor de Santander quiere rendir su particular homenaje al legendario artista japonés Hokusai Katsushika.»

«A Hokusai de Eduardo Sanz»

Del 8 de abril al 29 de mayo de 2010

«Hacia el Fuji» 2007-2010 Pintura/lienzo 100 x 100 cm.

Galerías de Imágenes.

Almodóvar, Sacristán y Pilar Bardem respaldan un encierro de apoyo al juez Garzón – RTVE.es.

«El encierro, abierto a cualquier ciudadano que quiera participar en él, se prolongará hasta el próximo día 22 de abril, día en el que el juez Garzón comparecerá frente al Tribunal Supremo. El horario del encierro es de 10 a 20 horas, todos los días. A las ocho de la tarde, acudirán a concentrarse a la Audiencia Nacional.

Estos nuevos actos de apoyo han sido presentados este martes en la Escuela de Estudios Laborales esta tarde por Eduardo Silva, representante del Foro por la Memoria. Silva ha denunciado la «persecución» contra Garzón urdida por la extrema derecha y que, a su entender, es una forma de «torcer la voluntad del Tribunal Supremo» y «culpabilizar a las víctimas del franquismo».

«(…)durante el encierro se leerán fragmentos del sumario que instruyó Garzón autorizando que se investigaran las desapariciones del franquismo y se proyectarán diferentes documentales rodados por el colectivo ‘Imágenes contra el olvido’, según ha explicado Eduardo Silva, representante del Foro por la Memoria.»

Imagen de Námaste

imagen: Vista del público asistente, en la Facultad de Medicina de la Complutense. GUILLERMO SANZ en diario Público.es

Hacia una teoría crítica del arte

por Gene Ray

Traducción de Marcelo Expósito

La teoría crítica rechaza el mundo dado intentando ver más allá. Al reflexionar sobre el arte tenemos también que distinguir entre una teoría acrítica, esto es, afirmativa, y una teoría crítica que rechaza el arte dado para mirar más allá. La teoría crítica del arte no se puede limitar a recibir e interpretar el arte, siendo ésta la forma que la teoría del arte adopta bajo el capitalismo. Debe reconocer que el arte, tal y como se institucionaliza y practica hoy día —bussines as usual, en el actual “mundo del arte”—, es, en el sentido más profundo e inevitable, “arte bajo el capitalismo”, esto es, arte bajo el dominio capitalista. La teoría crítica deberá orientarse en cambio hacia una ruptura clara con el arte que el capitalismo ha sometido.

La primera tarea de la teoría crítica del arte es comprender cómo el arte dado sirve de apoyo al orden dado. Debe exponer y analizar las actuales funciones del arte bajo el capitalismo. ¿Qué hace toda la esfera de actividad que llamamos arte? Cualquier teoría crítica del arte debe comenzar entendiendo que la actividad del arte en sus formas actuales es contradictoria. El “mundo del arte” es el espacio donde tiene lugar una enorme movilización de creatividad e invención que se canaliza a la producción, recepción y circulación de obras de arte. Las instituciones artísticas manejan el conjunto de esta producción de varias maneras, aunque dicha conducción, por lo general, no es directamente coercitiva. El mercado del arte ejerce, ciertamente, una fuerte presión mediante formas de selección que el artista o la artista no pueden ignorar si desean forjarse una carrera. Pero, en tanto que individuos, el artista o la artista son relativamente libres de elegir qué quieren hacer de acuerdo con su concepción de lo que es el arte. Son libres de hacer lo que les plazca, aun al precio de no vender ni alcanzar la fama. El arte, por tanto, no ha abandonado su pretensión histórica de ser autónomo en el seno de la sociedad capitalista; aún hoy día podemos comprobar por doquier, empíricamente, la manera en que opera esta autonomía relativa.

Por otra parte, quien ejerza la teoría crítica está obligado a observar que el arte, visto como un todo, es un factor de estabilización en la vida social. La existencia de un arte que se produce con apariencia de libertad y en gran abundancia acredita el orden dado. El arte sigue siendo una joya en la corona del poder, y cuanto más rico, espléndido y exuberante es, tanto más afirma el status quo. Puede que la realidad material de la sociedad capitalista consista en una guerra de todos contra todos; en el arte, empero, los impulsos utópicos cuya realización se ve bloqueada en la vida cotidiana encuentran una formalización social ordenada. Las instituciones artísticas son capaces de articular una gran variedad de actividades y agentes en una unidad sistémica compleja; el sistema-arte capitalista funciona como un subsistema del sistema-mundo capitalista. No cabe duda de que alguna de estas actividades y productos artísticos son abiertamente críticos y políticamente comprometidos. Pero si se lo considera como un todo, el sistema artístico es afirmativo (1), en el sentido de que convierte la totalidad de las obras y prácticas artísticas —la suma de todo lo que fluye a través de estos circuitos de producción y recepción— en “legitimación simbólica” (por tomar en préstamo la adecuada expresión de Pierre Bourdieu (2) de la sociedad de clases. Lo consigue alentando los impulsos autónomos del arte mientras simultáneamente neutraliza políticamente lo que esos impulsos producen.

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Para los que esteis interesados en leer más de este artículo valioso:

Instituto europe de políticas culturales progesivas   eipcp

Artículo

(1) Uso el término “afirmativo” en este contexto de acuerdo a como fue establecido por Herbert Marcuse en su crítica clásica de la autonomía cultural burguesa, “Über den affirmativen Charakter der Kultur” (1937) [versión castellana: “Acerca del carácter afirmativo de la cultura”, Cultura y sociedad, Editorial Sur, Buenos Aires, 1970 (http://www.nodo50.org/dado/textosteoria/marcuse2.rtf)].

(2)  Pierre Bourdieu, The Field of Cultural Production: Essays on Art and Literature, Polity Press, Cambridge, 1993.

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Como siempre…no hay que fiarse cuando lo que anuncian es algo idílico…, es la trampa…jeje; el planeta tierra, tal cual, sin fantasías ni mitos, ni leyendas, o sin historias cristianas del antiguo testamento, ahora tiene poco que ofrecer a la vista…y hay que mentir un poco si queremos venderlo a buen precio…

(dibujo con  licencia CC)