EL SILO ELÉCTRICO, un lugar eleCCtriZZantEEE !!

Entrevista a Esperanza de los Reyes Aguilar, cofundadora y directora del espacio expositivo y taller de grabado El Silo Eléctrico

«(…) en el Silo Eléctrico atesoramos arte y lo acercamos al público como alimento intelectual y sensorial»

«El Silo Eléctrico es un espacio alternativo en Granada dedicado a la venta de obras de arte, exposiciones y la organización de cursos y eventos culturales. Su enfoque se centra en fomentar la creatividad y apoyar a artistas locales con propuestas innovadoras».

Esperanza de los Reyes Aguilar.

Hace casi un año que conocí a Esperanza de los Reyes Aguilar, la directora y cofundadora de El silo eléctrico, un espacio que me pareció especial desde la primera vez que puse un pié en él.., porque está en el centro de la Granada histórica…, pero además en una ubicación tan excepcional como es la Cuesta de Gomérez, que desemboca en Plaza Nueva por un extremo, y da a la subida hacia la Alhambra por el otro…, ahí es nada.

Pero lejos de estar presionados por tan emblemático lugar, por la responsabilidad de habitar un proyecto artístico en una zona así,…ella y el artista Salva di Marte (su pareja en esta aventura galeril y proyecto vital ) lo llevan de una manera muy natural y No al uso, …como a mí me gustan las cosas en general, y en particular…

Porque este espacio en la céntrica Granada es también un taller de estampación regularmente; y para colmo de lo que me atrae del este silo electrizante…apoyan el trabajo de artistas emergentes! (no por edad, ojo, sino por oportunidades) y…, lo mejor de todo, con conocimiento de causa y un mimo excepcional, algo muy de agradecer, además de mantener una coherente línea editorial.

Esperanza tienen una actividad casi frenética: desde su propia galería, donde intentan sorprender y que sus artistas, en muchas ocasiones dialoguen entre ellos (pese a no tener nada en común a priori o incluso entre dos artistas que ni se conocen), hasta su participación proactiva en la red de espacios creativos de Granada LATERAL GRANADA, de la que intentaré hablar en otro post (más adelante) y que comienza su segunda edición en Octubre mismo;  JUST MADRID, donde tuvieron presencia en 2025; su colaboración con el PostPostalero, del Espacio Lavadero , iniciativa del exalumnado de la Facultad e Bellas Artes de la Universidad de Granada; o su implicación con el Fanzine Proyecto Origen …, etc…

Por todo ello, y porque Esperanza me pareció una galerista abierta a las inquietudes de otras personas , experiencias o movidas varias del mundo cultural artístico, y porque se mostró desde el minuto cero con ganas de explicar todo lo que le preguntaba y más, …quise hacerle esta mini entrevista de presentación…, pero seguro que tendremos más oportunidades de charlar para este blog y en general…

Ahí van las preguntas que le lancé vía online porque no pude reunirme con ella en su momento…

1.Cuándo, y cómo, cuajó la idea de un espacio como el Silo Eléctrico?, ¿…casualidades, circunstancias, ir a por ello…? 
La idea empezó a gestarse casi desde que Salva y yo nos conocemos. Al ser él artista y yo historiadora del Arte, casi fue una deriva natural de los acontecimientos.  Fue bastante orgánico, pero no por ello carente de planificación. Dicha planificación nos llevó algunos años y, obviamente, tuvimos que ahorrar bastante, sacrificando otras facetas de nuestras vidas, pero teníamos claro que esto no es únicamente un proyecto profesional, es un proyecto de vida.

2. Y por qué ese nombre (tan sugerente, por cierto)?
Surgió de una conjunción de varias ideas y conceptos. Si tuviera que resumir, diría que parte de un paralelismo: los silos guardan alimento para posibles momentos de escasez y en El Silo atesoramos arte y lo acercamos al público como alimento intelectual y sensorial… Y eléctricos, porque siempre hemos sido un poco eléctricos. Hay mucha energía detrás de nuestros proyectos.
A la vez, y para nosotros es muy importante, el nombre es un pequeño homenaje a Le Garage Hermétique, de Moebius. El Garaje Hermético en su traducción al español. Una obra gráfica con una manera muy interesante de narrar tanto en su parte visual como en la historia que nos cuenta. A ambos nos pareció siempre una obra muy inspiradora y decidimos hacerle un pequeño guiño sonoro: El Garaje Hermético, El Silo Eléctrico.

3. Qué buscáis en concreto, aparte de ser galería/taller? ( vuestro ideario, el por qué conformar un espacio así, con 2 vertientes)
Pues efectivamente, El Silo Eléctrico es una galería de arte, con estudio y taller de estampación propios. Y eso define también mucho nuestra línea de trabajo. Nos especializamos en obra gráfica, pero tampoco estamos cerrados a otros tipos de manifestaciones artísticas. Con este perfil híbrido pretendemos honrar la investigación y práctica creativa, ofreciendo para ello un espacio expositivo y de trabajo seguro, amable y facilitador de experiencias enriquecedoras.

Varías de las exposiciones que han visto la luz en El Silo se han producido en su totalidad o en parte en el propio taller. Igualmente, en ocasiones, en el taller también trabajan artistas con proyectos propios para otros espacios, los cuales les ayudamos a producir o, incluso, simplemente se pasan por acá a charlar de arte, técnicas, posibilidades, etc. Al final, se trata de esto, de ser un lugar donde se crean sinergias positivas para el ámbito artístico cultural.

3b: Y en la práctica…, ¿cómo lleváis lo de ser Galería y Taller? (doble trabajo!!…)
Nacimos ya con esta ambivalencia, así que para nosotros es muy natural. Es cierto que implica una organización exhaustiva para que ambos proyectos se combinen en armonía y no se entorpezcan el uno al otro y, a la vez, a veces pone a prueba nuestra capacidad de improvisación, porque a veces hay elementos externos que no se pueden controlar previamente. Sin embargo, creemos que este nivel de actividad y de movimiento es beneficioso para nosotros ya que propicia nuestra creatividad. De aquí justo surgió la broma que acabó convirtiéndose en nuestro lema: “¡El Silo será eléctrico, o no será!”.

[…y es eléctrizante, doy fé…]

3c: Os veo, o te veo (Esperanza), como curadora, además de galerista, ¿es mi percepción, o depende de con quién trabajéis?
Sí que ejerzo como comisaria en proyectos externos a El Silo Eléctrico y, en realidad, en bastante de nuestras propias propuestas dentro de la galería realizo un papel similar. Depende, efectivamente, del artista. A veces, también, hemos tenido comisarios venidos de fuera y me encanta trabajar a su lado. Aprendo mucho y de eso se trata siempre, del enriquecimiento de todas las partes implicadas en la creación y puesta en valor de la obra de arte.
4. ¿Se ajusta vuestra realidad “diaria” a lo que pensasteis al abrir este espacio? O sea, no os ha decepcionado, o tenéis otra realidad no esperado diferente simplemente, o todo lo contrario, va como pensabais…
El Silo Eléctrico es todo lo que esperábamos y muchas cosas que no. Todo proyecto que acabe llevándose a cabo y asentándose creo que, tarde o temprano, termina enfrentando elementos inesperados, cambios, nuevas necesidades y nuevas pasiones… Y eso es algo beneficioso. Los objetivos iniciales los mantenemos, por supuesto, y nuestro ideario también, pero a la vez no tenemos miedo a repensarnos y a hacer autocrítica para seguir creando nuevas propuestas.

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Bueno, como veis, o leéis más bien…, este vibrante lugar está alumbrado por brillantes mentes y vibrantes, también, personas, amantes del Arte con mayúsculas pero que no temen «arremangarse» y jugar en la arena del buen hacer y sentir…, jugar en el amplio sentido de esta palabra, con el artes, los artistas, los conceptos, el público, el espacio…, la Creatividad en estado vivo y latente de continuo…

Así que os hablaré ahora de la exposición actual, «LOSERS»: Una exposición que podréis visitar hasta el 10 de Noviembre, en clave de Surrealismo Pop Urbano, del artista granadino Luciano Sánchez, donde se verá una retrospectiva de toda la obra del autor, en la que nos hará sumergirnos en “su universo lowbrow” [N1].

Sobre esta expo, que la propia Esperanza comisaría, nos comenta que, Luciano Sánchez, al que admiraba desde hacía tiempo, llegó un día a El Silo Eléctrico y se conocieron con gran alegría por ambas partes, tras lo cual fue invitado irrefrenablemente a que expusiera. Además de la retrospectiva, con dibujos de sus primeras épocas (2012 en adelante) Luciano trae una edición limitada de serigrafías (algunas en Rojo Cereza, su color preferido! de las que sólo hará 5 ejemplares, por ejemplo).

Partiendo de un lugar estético y conceptual casi opuesto, este artista ha derivado hacia los presupuestos del pop surrealista (y muy Punk ) desde la abstracción onírica. Robert Williams, Todd Schorr o Mark Ryden son parte de los referentes que le hicieron dar un giro a lo anteriormente realizado. Aunque estudió en la Facultad de BBAA en la Universidad de Granada, comenzó a formarse de manera autodidacta y le gusta trabajar por series, como «Circus»  o «Superhero» (de las más conocidas).

La Exposición LOSERS lleva un gran número de visitantes, y habrá posibilidad de visita abierta y mediada donde se explicarán las obras. Esperemos que siga así de bien la afluencia de público al espacio creativo que, además, pronto compartirá protagonismo con la cerámica de Mercedes Lirola, que mostrará sus piezas en el Escaparate del Silo. Pero estas dos actividades dentro de El Silo E. tendrán lugar dentro de las acciones de LATERAL ABIERTO 2025, desde el día 11 de Octubre !

** … respecto al Escaparate de El Silo Eléctrico, lo cierto es, debo decir, que fue lo que primero me atrajo de la galería (algo que suena obvio, pero no lo es tanto que un escaparate atraiga realmente…) ya que actúa como un espacio autónomo. Y también es, en muchas ocasiones, la excusa para esa sinergia entre dos artistas, de técnicas o disciplinas diferentes, invitados a este peculiar «silo»,  como hemos comentado al comienzo del post.

En este caso, por ejemplo, aunque las estéticas y campo sean distintas (cerámica y pintura acrílica sobre lienzo), ambos artistas comparte, según Esperanza, un sentido apocalíptico del mundo: Luciano, mostrándonos unos personajes en su cara B o lado oscuro, descontextualizados de su entorno habitual en la animación Top de consumo de masas, para lo que fueron creados, y  Mercedes entonando un memento mori en modo cerámico…

Ante este «menú gourmet»…¿De verdad osáis perderos este duelo (en ambos sentidos del término)?

…Yo no…

Imágenes de las obras de Luciano Sánchez. Cortesía del autor.

…MÁS MADERA!!

Tras la expo de Luciano (y el escaparate de Mercedes), el 14 de Noviembre El Silo Eléctrico traerá las obras de Sonia Puga, ilustradora, también instalada en el Surrealismo Pop (una corriente que electriza a los habitantes del silo) con una tesis sobre ese tema precisamente. Una presencia, la de Sonia, muy esperada porque se fue aplazando y tenían muchas ganas de tenerla en la sala.

Además, Sonia Puga compartirá espacio con Ana León Belinchón (escultura textil) .

Y en Diciembre, será Rafael Chacón, ceramista y grabador muy conocido en el mundillo de la estampación, que viene de Sevilla, y que colabora habitualmente en el afamado (con razón) Taller Gravura, quien expondrá y realizará algunas serigrafías en el propio taller de El Silo Eléctrico.

...Y PAR IR CERRANDO POST…

No me resisto a dejar por aquí algunas imágenes de la exposición «Ajuares de códice» trabajo conjunto entre Salvador Garrido Mateos – Salva di Marte y  Serafín Mesa, que disfruté a rabiar la segunda vez que fui al Silo, y que habría merecido un Post completo (pero no me dio la vida en aquellas fechas).

Fue una gran exposición con obras impactantes que se podrán ver aun, seguramente,y en parte, entre los fondos de la galería.

No lo digo por decir, pero dicha expo (desde la presentación, la guía-catálogo desplegable, una pieza de arte ya en sí misma! -y que tengo, afortunadamente-, los textos, las piezas de diversa índole…etc…) habría merecido un premio expositivo en sí, desde la idea hasta el montaje final.

Escultura cerámica (en los lindes de lo totémico) y Serigrafía ideo-pictográfica! (por reseñar algo del conjunto). Una delicia en suma, como un artefacto intelectual y sensorial de alto voltaje y de grandísima calidad técnica…

«Los trece objetos —nueve en papel y cuatro cerámicos— que componen Ajuares del códice nos presentan los artefactos ucrónicos de Serafín Mesa, un auténtico ajuar sincrético creado entre conversaciones con la IA para determinar quiénes lo descubrirían en hipotéticas excavaciones arqueológicas dentro de miles de años. A su vez, estos artefactos nacen entre detonaciones provocadas por los demiurgos de Salva di Marte. Estos beben directamente de los entes creadores de la teología platónica, los cuales daban forma a lo material a imagen y semejanza de las ideas inalcanzables. » (…)

Extraído del texto de presentación de Ajuares de códice, en la expo que inauguró el 2025

en El Silo Eléctrico

En la sala de exposiciones con explicaciones de Esperanza de los Reyes Aguilar sobre Ajuares de Códice.Fotografías MaribelÚbeda.

…en el taller de El Silo Eléctrico, ¡disfrutando de obras que fueron a Just Madrid, de Salva di Marte! y más. Fotografías Maribel Úbeda

Breve Bio de l@s fundadores de El Silo Eléctrico:

Esperanza de los Reyes Aguilar, directora y cofudadora de El Silo Eléctrico. Licenciada en Historia del Arte (Universidad de Sevilla) y Master en Pensamiento y Cultura Europeos y su Proyección (Universidad de León), ha cursado también estudios de gestión cultural y gestión de galerías de arte. Forma parte, a su vez, del equipo gestor de la Red LATERAL de Espacios Creativos de Granada, en donde ha participado en la organización de eventos como LATERAL Abierto (2024), las dos ediciones ya realizadas de la Feria de arte LATERAL (2024 y 2025, respectivamente) y en la nueva propuesta para este verano: FANGO, el festival cerámico que celebrará en junio en Granada.

Salvador F. Garrido Mateos, alias SALVA DI MARTE, es cofundador del proyecto y artista residente en el taller de estampación de El Silo Eléctrico. Su trabajo se caracteriza por aunar un tratamiento tradicional y artesano de sus piezas con una estética muy contemporánea que podemos encuadrar dentro del Surrealismo Pop. Salvador se licenció en Historia en la UGR. Más adelante, estudió Ilustración en la Escuela de Arte de Oviedo y, de vuelta a su Granada natal, completó su formación con el título de Técnico Superior de Artes Plásticas y Diseño en Grabado y Técnicas de Estampación, en la Escuela de Arte de Granada. Ha ganado el premio #Viveahoraart de Ron Barceló (2015), la beca Pull&Bear Talent (2017) y el Premio Extraordinario de Andalucía de la Familia de Artes Aplicadas al Libro (Grabado y Estampación) de las Escuelas de Arte (2022) con su proyecto Clásicos Ajenos.
Durante estos años, ha participado en varias exposiciones colectivas como, “CUSTODIA TEMPORAL. Trece colecciones de arte contemporáneo en Granada” (Diputación de Granada, Palacio de los Condes de Gabia, 2025); PIÑÁPOLIS (La Casa Amarilla, Malaga, 2024-2025); “Generación no espontánea” y “All I Want for Christmas is Art”, ambas en El Silo Eléctrico (Granada, 2022); Exposición internacional Colectiva “Oasis”, en Palais Gallerie (Neuchâtel, Suiza, 2021); “F*Art, o la destrucción del arte colaborativa” para TeamLabs (Madrid, 2017); “Crisis y unicornios”, en La Salita (Gijón, 2015).

A título individual ha presentado su exposición “PAPEL, TINTAS, ¡ACCIÓN!” (2023) y, en colaboración con Serafín Mesa, “Ajuares del códice” (2024-2025), ambas en El Silo Eléctrico. Igualmente, ha participado en varias ferias de arte como la I y la II edición de la Feria LATERAL (2024 y 2025, respectivamente) y JUSTMAD (2025).

El silo eléctrico en medios (pinchar para entrar en enlaces):

Ideal de Granada

Arte Informado

Lateral abierto 2025

Participación en Just Solo en JustMad 2025

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[N1]

El término artístico «lowbrow» apela a una estética pop surrealista de clave urbana, con raíces en el cómic underground , música punk, el grafiti  o la cultura «tiki» que surgió dentro de la escena de Los Ángeles (California) a finales de los años 60 del siglo XX. Normalmente las obras aquí etiquetadas tiene bastante sentido del humor (negro), pero siempre crítico con lo que le rodea.

Para Kirsten Anderson (somo señala la comisaria de LOSER, Esperanza de los Reyes) el término Lowbrow señala la primera etapa de lo que luego se ha conocido como Surrealismo Pop y tendría «un marcado carácter contracultural, desafiando los cánones artísticos de su momento (…) intencionadamente irreverente y provocador», mientras que Surrealismo Pop sería el término para la continuidad del movimiento original, como una «versión posterior más globalizada y pulida (¿o domesticada?) incorporando artistas con obras más ícotimas u oníricas».

«Cuerpos de agua» es la obra que este año presenta la artista seleccionada por mí, María Dolores Gallego , para el XV Salón de la Crítica, organizado por la Asociación Murciana de Críticos/-as de Arte  (AMUCA; asociación que pertenece también a AECA, ahora AICA Spain) como cada curso.

Cartel individual de exposición de Cuerpos de Agua. 2024.

La exposición colectiva donde se puede ver este conjunto de obras en acuarela líquida y bordado en hilo sobre papel, se podrá ver hasta el 30 de Enero en la Sala Ángel Imbernón del Museo del Cristo de la Sangre en Murcia.

Como siempre explico, en este salón, los y las socias de la Asociación Murciana de Críticos de Arte, escogemos a una/un artista y una de sus obras para una muestra colectiva; escribimos el texto crítico sobre dicha obra y lo presentamos ejerciendo labores de co-comisariado por así decirlo, cada cual de nuestro/-a invitada o invitado.

Es algo que esperamos gratamente (hablo en plural porque es el sentir de la mayoría de compañeros y compañeras) ya que se establece, normalmente, un diálogo muy fructífero entre artistas y críticos, salimos de nuestro mundo personal para adentrarnos en la obra, trayectoria y peculiaridades de la persona que presentamos, y creo que este ejercicio es muy bueno para mantenerlos al día de lo que «se cuece» a nuestro alrededor, tan cerca muchas veces, y de excelente calidad, dentro de los parámetros del Arte Contemporáneo más actual.

El comisariado general del Salón de 2024 ha recaído en Rodrigo Carreño, que también presentó a un artista. En total han sido 10 obras de 10 artistas diferentes presentad@ por 10 comisari@s.

*Y al final de este post podréis pinchar en los link donde la prensa online se hace eco de esta (sin ser pretenciosa) estupenda exposición.

Os muestro aquí el texto que he escrito para dicha obra:

Podréis leerlo también, junto al resto de textos críticos con sus correspondientes obras y artistas, en el catálogo online XV SALÓN DE LA CRÍTICA .

Detalle de la obra (pieza del conjunto de 16 formatos A3) Cuerpos de Agua, de María Dolores Gallego. Acuarela líquida y bordado en hilo sobre papel. Fotografía de María Rodríguez Valdés.

Cuerpos de agua, de María Dolores Gallego

      Como María Dolores Gallego nos recuerda, respecto a esta obra que tengo el placer de presentar en el XV Salón de la Crítica de Murcia, “un cuerpo o masa de agua” es la extensión acuosa que se encuentra tanto en la superficie terrestre como en el subsuelo, en estado líquido o sólido, formada natural o artificialmente…, y que también se encuentra en nuestros cuerpos en un elevadísimo porcentaje… De modo que la conclusión es: Somos puro cuerpo de agua, en el Todo (lo que nos rodea) y en la extensión de nuestro propio cuerpo…

      En la exploración que significa “Cuerpos de agua”, realizada en el Espacio de Cultura Contemporánea de Cádiz (ECCO) bajo la organización de MECA (Mediterráneo Centro Artístico de Almería, durante BLUE&BLUE Octubre-2023), María Dolores (o “Mado”, nombre con el que la conocí) nos ofrece, en el Museo de la Sangre de Murcia, una obra plástica compuesta por 16 acuarelas en A3, trabajadas con técnica mixta (acuarelas líquidas e hilo) sobre papel, cuya totalidad, vista en su conjunto, dilata nuestras pupilas siguiendo los surcos que traza ese fluido elemento mezclado de azules.

      Los pigmentos Azul Turquesa, Celeste, Marino, Real, Pizarra, Añil, Primario y Púrpura, empleados en este juego esencial, son tonalidades que puede adquirir el agua, aunque sea a base, “realmente”, de luz roja (N¹), cuando esta atraviesa el líquido y nos devuelve color azul a nuestros ojos.

Lo acuoso, aunque incoloro, sin sabor ni olor en estado puro, es tangible…, y actúa, para ser observado, como un camaleón, nutriéndose de los colores reflectados, y según donde se halle… Las formas sinuosas de fractales no geométricos contornean el papel con las gamas escogidas en una suerte de decisión racional, por la selección de los mismos, pero en un dejarse llevar a la vez, para que, precisamente, fluyan y nos desborden…

      Y es en este baño de acuarela troquelada por la aguja del hilo (que ayuda a los azules a desparramarse) donde María Dolores reflexiona: “el agua configura nuestra vida y está en constante movimiento. Nosotros también. Fluidos, desbordados, contenidos… Vivimos en una sociedad líquida caracterizada por una extremada incertidumbre, flexibilidad y cambio permanente (…)”.

  Es por ello que la obra que traemos me remite irremediablemente a La Metamorfosis de Ovidio, cuyos poemarios nos narran, mezclando lo mitológico con lo histórico, una aproximación al Origen del mundo (al menos el Occidental); pero no una creación en pasos o metódica, sino todo lo contrario, caótica, llena de casualidades, devenires y Transformaciones continuas.

En esta tradición cultural, en cuyo mar Mediterráneo (por ejemplo) se da el germen de civilizaciones varias…, un elemento tan aparentemente sencillo como es El agua, …que se nos escurre entre los dedos (como el tiempo), y varía siempre de forma orgánica,…está en el, casi épico, epicentro de ese Todo del que hablaba al principio de este texto…

       La reflexión visual de María Dolores Gallego, en su línea conceptual, y dentro de la abstracción donde suele trabajar, nos ofrece una obra hermosa por la acuarela pero matizada por las puntadas en blancos y azules cual pinceladas de luz, dentro de unos procesos que enlazan de forma coherente con otros proyectos de la autora, quien investiga sobre lo textil, el coser o tejer, como seña de identidad, como medio de comunicación, o como forma vital de estar presente en el mundo; como reivindicación, al fin, de la Historia e historias individuales de las Mujeres, entre otras cosas…

     En este magma ancestral os invitamos a fluir como espectador@s, enajenados de gritos silenciados o de prisas, de movimientos sin péndulos quizás, metamorfoseándonos en la belleza de lo inabarcable, como esos cuerpos de agua con sus hilados y acuáticos azules que también podrían estar en la paleta de William Turner, por ejemplo…. Gracias por todo ello Mado…

Almería-Murcia, 2023/24

«Cuerpos de agua», obra de María Dolores Gallego. 16 piezas de técnica mixta: Acuarela líquida y bordado en hilo sobre papel. 2024. Fotografía del conjunto de María Rodríguez Valdés

(Nota1) «El color del agua se debe a la absorción selectiva de la luz. Cuando la luz atraviesa el agua, ésta absorbe del espectro electromagnético las radiaciones correspondientes a la luz roja, y por tanto,la luz que la atraviesa la vemos como azul »

Fuente Wikipedia.

+ SOBRE LA ARTISTA MARÍA DOLORES GALLEGO

Breve BIO

MARÍA DOLORES GALLEGO
1988, Torreperogil (Jaén)

-Artista visual y profesora del Departamento de Pintura de la  Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Granada.
– Doctora en Historia y Artes por la UGR (con Mención Internacional).
Licenciada en Bellas Artes, Máster en Producción e Investigación en Arte, y Máster en Dibujo por la misma universidad.
– Ha realizado estancias internacionales en prestigiosos centros de  investigación, creación y educación artística superior de Atenas (Grecia),  Roma (Italia), Milán (Italia), São Paulo (Brasil) y Bucarest (Rumanía).

• Exposiciones y proyectos individuales:

2023:
– “Rompiendo Patrones”. Paseo Iglesia Vieja de Doña Mencía,  Córdoba (Artista invitada a la XXV Muestra de Arte Contemporáneo DMencia. Comisario: Moisés Bedmar).
– “Orígenes”. Galería Azur, Jaén (Comisario: Antonio Del Moral. Textos críticos de Miguel Scheroff y Rosa Lendínez).

2022:
– “Retrospectiva Visual”. Centro Cultural Casa de la Música de Torreperogil, Jaén (Comisario: Paco Torres. Exposición oficial de la Bienal MAV 2022).

2021:
– “Incerteza Viva”. MECA – Mediterráneo Centro Artístico, Almería. (Comisario: Fernando Barrionuevo).
– “Vítores Abstractos”. Seminario de San Felipe Neri de Baeza, Jaén.

2018:
– “Cuerpos Coloreados”. Claustro Archivo Histórico Provincial, Jaén (Proyecto site-specific oficial de la Noche en Blanco de Jaén 2018. Comisarios: Iván de la Torre Amerighi y Juan Ramón Rodríguez-Mateo. Mecenazgo: Caja Granada Fundación).
– “Pensar es olvidar”. La Empírica, Granada (Texto crítico de Simon Zabell.

2017:
– “Discurso sobre las pasiones del amor”. Galería La Silla Eléctrica, Sevilla (Exposición oficial del Encuentro Internacional de Arte Contemporáneo – ARTSevilla 2017).

2013:
– “Textiles Alhambrescos”. Sala de Exposiciones del Museo Histórico de Carcabuey, Córdoba.

2011:
– “Animales Hilvanados”. Centro Cultural Casa de Porras, Granada.

• Exposiciones colectivas:

Desde 2008, sus obras han sido exhibidas en más de 80 exposiciones que han tenido lugar en galerías, espacios alternativos, centros de arte y museos de España, Portugal, Italia, Grecia, Jordania, Canadá y Estados Unidos.

• Bienales y Ferias de Arte:

– BIUNIC 2019 – III Bienal Andaluza de Creación Plástica Contemporánea en Sevilla

– III Bienal CROMÁTICA 2014 en Ourense

– FACBA 2014 y 2013 en Granada

– ARTJaén 2013

– Bienal IKASART 2011 en Bilbao

• Obra en Colecciones pública

Universidad de Jordania

Universidad de Granada

Universidad de Jaén

Universidad Internacional de Andalucía

Ayuntamiento de Granada

Ayuntamiento de Doña Mencía, Córdoba

Fundación Sierra Elvira

Fundación OMNIA

Y en colecciones privadas de España, Italia, Brasil, Omán y Grecia.

• Premios obtenidos:

2023:

– Segundo Accésit en el XXVII Certamen Internacional de Pintura Juan Almagro.

– Ganadora del X Premio UNIA – Universidad Internacional de Andalucía de Pintura 2023.

2021:
– Artista seleccionada en la VIII Edición MMM (Mujeres Mirando Mujeres) de MAV – Mujeres en las Artes Visuales a nivel nacional.

2020:
– XIII Premio de Estudios Iberoamericanos La Rábida 2020 a la Mejor Tesis Doctoral en el ámbito de Iberoamérica.
– Ayuda a la Creación Artística 2020 de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales de la Consejería de Cultura y Patrimonio Histórico de la Junta de Andalucía.

2019:
– Finalista en el XLIX Concurso Internacional de Pintura Homenaje a Rafael Zabaleta.

2018:
– Tercer Premio en el III Certamen Internacional de Pintura Manuel A. Ortiz de la Universidad de Jaén
– Primer Premio del I Concurso de Pintura de la Fundación Sierra Elvira
– Mención Honorífica en el XX Premio de Pintura Joven de Granada
– Premio Alonso Cano de la Universidad de Granada a la Creación Artística 2018. Modalidad de Pintura.

2014:
– Artista seleccionada vía convocatoria internacional para la Residencia Artística Mostrami VIII. Milán (Italia).

2013:
– Finalista en el VI Premio UNIA – Universidad Internacional de Andalucía de Pintura.

2012:
– Finalista en el XXVI Certamen de Pintura Emilio Ollero
– Finalista en el V Concurso de Pintura La Rural

2015:
– Beca Iberoamérica del Santander Universidades.

2011:
– Premio Diseño del Cartel Día Internacional de la Mujer de Granada

Pincha aquí para ver la Versión Extendida del CV de Maria Dolores Gallego

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RRSS de María Dolores Gallego:

www.mariadoloresgallego.com

[email protected]

@mdoloresgallego (IG)

@mdoloresgallego (FB

IMÁGENES DE LA INAUGURACIÓN

Fotografías durante la Inauguración, día 11 de Enero. 2024. MaribelÚbeda (CC)

NOTICIAS EN PRENSA ONLINE

Noticia en la plataforma Portal de la Región de Murcia: murcia.com

Noticia en plataforma MAV :Mujeres en las Artes Visuales

Noticia en ALMUARTE plataforma digital de «Antiguos Alumnos y Amigos de Hª del Arte y Bellas Artes y del Patrimonio Histórico-Artístico de la Región de Murcia»: XV Salón de la Crítica

Diario La Opinión de Murcia: Salón de la Crítica presenta el mejor alrte

Diario.es de Murcia: XV Salón de la Crítica, por J.Alberto Bernardeau

Cartel de la exposición colectiva donde se muestra Cuerpos de agua. XV Salón de la Crítica, 2024.

FOTOGRAFÍAS DE LA OBRA EN SALA

Por Pedro López Esparza (Fotógrafo)

Una año más,  y para iniciar 2023 como se debe, presento a una artista, en este caso una fotógrafa almeriense, Rosa Cid (en redes Rosita de Pitiminí), en el Salón de la Crítica que organiza la Asociación Murciana de Críticos y críticas de Arte Contemporáneo (AMUCA) .

En esta XIV edición, el tema propuesto para el Salón ha sido «Futuros fugaces» (también título de la exposición colectiva inaugurada el 12 de Enero, y que estará hasta el 26 del mismo mes) , y en el texto de invitación de comisariado, entre otras cosas, se nos preguntaba: «¿Qué futuros imaginamos? ¿Existe aún la posibilidad de un mañana? (…) Ante una sociedad en crisis y amenaza constante –desastre climático, político, bélico, sanitario–, ¿cuáles son las respuestas y las propuestas del arte? ¿Sigue teniendo el arte un papel en la imaginación política? Se nos escapa el presente, pero también se nos escapará el futuro. (…)»

[podreis leer este texto completo en el prólogo del catálogo que estará en la Sala de Ángel Imbernón, del citado Museo Cristo de la Sangre en Murcia, en el Barrio de El Carmen]

Composición para catalogo Serie Sin Límites. Fotografías de Rosa Cid para Salón de la Crítica, AMUCA, 2023. En Murcia

Ante el reto de presentar obra que tuviera que ver, según cada crítico y crítica (claro), con un tema que suena de partida «apocalíptico»…, y revisando la obra, entre vari@s candidatos, principalmente de fotografía, encontré la interesante y reciente serie de Rosa Cid, que aceptó mi invitación exprés para participar en la presente exposición/catálogo de obra crítica, y aquí extraigo el texto resultante, para el catálogo de la exposición, inspirado en su serie «Sin límites»:

Rosa Cid / Rosita de pitiminí : Sin límites. Retrato en danza.

…Y tú… ¿qué esperas del futuro?, ¿cómo lo encaras?…¿quizás con un movimiento continuo…?, ¿con una danza perpetua…así…, hasta el infinito…?. ¿Recordando en cada gesto, cada paso, impulso o salto a quienes nos han precedido, o a quienes están con nosotros ahora, o ya no están pero siguen presentes y seguirán, así, entre nosotras…?

Porque…¿qué es el futuro?… Es una pregunta existencial, pero también pragmática por real, algo que todo el mundo se pregunta alguna vez, o con insistencia en determinados momentos. El futuro es YA!, pero…, se desvanece…ya no es…, así que…¿cómo retenerlo?

…Una forma sería como lo hace Rosa Cid en esta serie fotográfica que presentamos para el XIV Salón de la crítica, porque creemos que se acopla perfectamente a la temática general de dicho salón, ya que estas instantáneas, realizadas con larga exposición, conjuran el Futuro con lo Efímero, congelando el Tempo de la danza para nuestro disfrute y reteniendo toda una serie de estelas de movimiento improvisado…

Es parte de la magia de la fotografía, atrapar ese momento llamado instante por su fugacidad para retenerlo en un puño y hacerlo Eterno. Es Nada y es Todo a la vez…

Como la propia Rosa me indica para estas líneas, comenzó en la fotografía de forma necesaria y emocional, para recordar a sus seres queridos y añorados tras su desaparición incluso…, y desde entonces, cada vez que retrata a alguien, alguna persona mayor, por ejemplo, se pregunta qué será de el o ella más adelante… Este acto/pasión/reflexión asociado a la técnica de exponer, revelar/editar/componer…, obtener, es muy semejante al inicio de la primera fotografía: capturar el alma…, inmortalizar al mortal…

Rosa Cid y María Lera, la fotógrafa observadora apasionada y su objeto/sujeto de captura…, crean una forma de futuro compartido en “Sin límites”, tanto por la disciplina y técnica como porque Ellas son presente, pero también Futuro…. El futuro de las artes visuales y de la danza contemporánea en este caso…, y me alegro de tenerlas aquí, entre estas páginas y para este Salón porque permanecerán ya unidas y expuestas, sus almas, ante ustedes (y ahora…, un redoble de tambores…).

Las cuatro imágenes mostradas de esta serie fueron realizadas durante un ensayo de María, de forma experimental, en el himpas de la grabación de un vídeo de danza contemporánea sobre el movimiento corporal que consistía en dejar el cuerpo fluir capturando el movimiento bajo el concepto de “lo líquido” (algo que os recomiendo como ejercicio, y os lo digo en primera persona, pues María Lera es, además de una gran bailarina, una excelente profesora…), de manera que la cámara de Rosa seguía de forma orgánica la improvisación de María… La estela dejada por su cuerpo sobre el espacio, incorpórea casi, y también casi fantasmagórica (si estuviera en b/n y esta imagen hubiera sido tomada a finales del siglo XIX, por ejemplo…) representa muy bien una visión no apocalíptica (sin menospreciar lo apocalíptico) sino vital…, porque es la captura de la esencia de nuestro cuerpo, y por ello del Ser/existir, pues VIVIMOS, trabajamos, amamos, reímos, añoramos, sentimos, bailamos, hacemos arte, lo disfrutamos,… o nos desilusionamos ( junto a la guerra, la violencia en nombre de no se qué…) y demás males…, pero, … aquí estamos, aquí seguimos, CREANDO, Y siendo el Presente del Futuro.

…Reteniendo lo fugaz hasta el infinito, como en la Danza, como en la fotografía…, porque si no… ¿qué Futuro imaginas tú ?…

Maribel Úbeda

Texto para el XIV Salón de la Crítica de la Asociación Murciana de Críticos de Arte. Almería-Murcia, 2023

BIO de Rosa Cid

Rosa Cid –Rosita de Pitiminí, nombre artístico- (Almería, 1988) es graduada superior en Fotografía y en Gráfica Publicitaria, también ha cursado estudios de audiovisual y ha trabajado en el campo de la gráfica publicitaria.

Actualmente realiza profesionalmente reportaje social además de retrato y fotografía por encargo, compaginándolo con proyectos personales de videoarte y fotografía artística.

Exposiciones: 2021- Proyecto “Cómo despedirse del mar”. Exposición colectiva 7 Propuestas. Varias muestras: Museo de Arte de Almería Sala II, y Sala de exposiciones Clasijazz, Almería / Exposición colectiva con Colectivo Desencuadre Fotografía, Paseo de Almería.// 2019- Exposición colectiva “Tejidos Invisibilizados”, La Oficina, Producciones Culturales, comisariada por Ana Cayuela (cineasta, fotógrafa y profesora de audiovisual). // 2018-

Exposición colectiva. Instituto Andaluz de la Juventud. Comisariada por Elena Pedrosa (fotógrafa, comisaria y profesora de la Escuela de Arte de Málaga) con la EAA. / Exposición colectiva. Museo Arqueológico de Almería, comisariada por E. Pedrosa. EAA. / Proyecto Foto Acción Almería, Centro Andaluz de la Fotografía (CAF), comisariada E. Pedrosa.

*BIO de María Lera
María Lera (María Lentisco Ramírez, Cartagena, 1992) es artista, bailarina y coreógrafa, titulada de Máster en Artes Escénicas por la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid y graduada en psicología por la Universidad de Almería. Recibe su formación en danza con distintas escuelas y profesores de la provincia de Almería y en reconocidas escuelas de Madrid y París, con un especial enfoque en la improvisación y la danza experimental.
Ha trabajado como bailarina para distintas compañías de danza, participando así en eventos y festivales de la provincia almeriense.
Actualmente, se encuentra creando proyectos artísticos propios, tal es el caso de “Garabato”, su primera pieza de danza en solitario, la cual ya ha sido presentada en la provincia almeriense.
Además, es profesora de danza de diferentes estilos, entre ellos: danza contemporánea (enfocada desde la exploración del movimiento e improvisación), danzas urbanas, y ancestral dance (danza libre y meditación en movimiento).

ENLACES RELACIONADOS:

Enlaces de Rosa Cid

Blog de Rosa Cid

@rositadepitimini  (instagram)

Enlaces de María Lera

@_marialera (instagram)

Noticia del XIV Salón de la crítica en prensa:

eldiario.es/murcia

https://murcianoticias.es/el-xiv-salon-de-la-critica-muestra-a-partir-de-este-jueves-sus-obras-seleccionadas-bajo-el-lema-futuros-fugaces/

XIV SALON DE LA CRITICA

Murcia.com

GALERÍA DE IMÁGENES

Fig. 1, 2, 3 y 4: Fotografías de Rosa Cid, Serie «Sin límites». Fig.5: Obras expuestas en Sala de Ángel Imbernón, Museo Cristo de la Sangre, Murcia. Fotografías comisariado de exposición. Fig.6:  Imagen de prensa del día de la inauguración de la exposición colectiva, texto de Asier Ganuza, Diario La Opinión de Murcia.

Cartel oficial de exposición Salón de la Crítica, AMUCA, 2023. En Murcia.

 (Imagen web Museo Málaga, obra de Paula Rego)

Aunque la pérdida de esta excepcional artista, pintora [casi «artivista»] fue en Junio, y nos pilló a much@s desprevenid@s… y, como quien dice, saliendo de su excelente retrospectiva en el Museo Picasso de Málaga, por mi parte es ahora cuando comparto texto sobre ella. Y aunque no me extenderé como suelo hacer, y querría…, porque ahora hay bastante info muy interesante en redes, etc., al menos le rindo tributo, como era mi idea en aquellas fechas de su desaparición…

Paula Rego, como reza en parte de los textos de dicha exposición, fue: (…) una artista insobornable de extraordinaria imaginación que ha redefinido el arte figurativo y revolucionado la representación de las mujeres.

En la exposición pudimos ver: su notable trayectoria, poniendo de manifiesto el carácter autobiográfico de buena parte de su arte, el contexto sociopolítico donde hunde sus raíces y el amplio espectro de sus puntos de referencia, desde el cómic hasta la pintura de historia. A través de más de ochenta obras, entre collages, pinturas, pasteles de gran formato, dibujos y aguafuertes, el recorrido abarca desde sus trabajos en los años sesenta hasta las escenas ricamente estructuradas y estratificadas de las dos primeras décadas de este siglo.

Conocía muy por encima parte de la obra más «popular» de Paula Rego (Lisboa1935-Londres 2022) porque la había visto al buscar información para una investigación sobre Freud y otros artistas contemporáneos (hasta principios del siglo XXI) en su faceta de retratos y autorretratos …,pero, no me había parado a verla con calma…

VERLA*(1)…

Así que esta exposición ha supuesto para mí un re-descubrimiento y descubrimiento total de una artista justo un día antes de su fallecimiento, con casi 90 años a sus espaldas y en activo…

La reciente exposición de su restrospectiva en el Museo Picasso estuvo organizada por la Tate Britain en colaboración con el Kunstmuseum Den Haag y el Museo Picasso Málaga, y fue  comisariada por Elena Crippa ( conservadora de Arte Moderno y Contemporáneo en la Tate Britain), junto a Zuzana Flašková  (curadora adjunta de la Tate), quienes, creo, han transmitido conocimiento, respeto y cariño hacia la obra de la pintora.

Pues bien, yo quedé muy impresionada por las obras que pude disfrutar en vivo (como deberían verse siempre, al menos una vez en la vida, a todos los artistas que se admiran, si se puede), y conmocionada, porque justo al día siguiente de verla y pensar en escribir sobre mi experiencia (especial, excitante e importante para mí), nada más llegar a casa… se nos dió la noticia de su fallecimiento…

Así pues, fue un acontecimiento doblemente impactante. Pero quedé definitivamente seducida por su obra, por sus referentes y por su vida. No puedo centrarme aquí y ahora en algo que me llamar más la atención de sus múltiples  rasgos, y está claro que es una obra para seguir investigando y analizando…,pero intentaré resumir lo que más me llamó la atención como punto de partida de un futuro estudio.

Viendo las obras sala por sala, no sólo me sorprendió la prolífica obra, diferente y rica en cada etapa, muy diversa, nunca repetitiva (aunque con un marcado y característico sello personal siempre) sino el carácter que demuestra su autoría, los bocetos para escenografías y el gran formato de parte de las obras de su dilatada carrera…,  por ejemplo.

En esta gran retrospectiva pudimos descubrir además su taller (y entrar virtualmente en él !) , la forma de trabajar y los mensajes, rabiosamente actuales, de sus temáticas…: los malos tratos, los abusos o los terrores psicológicos ambientados como pesadillas o ensoñaciones, ocultas bajo un halo de fantasía desbordante…

Imágenes entre sumamente inquietantes o terroríficas directamente…, que son denuncias de forma explícita (aunque con visos de formalismo estético, a lo Freud, por ejemplo, con esa especie de frialdad llena a su vez de estatismo convulso, si se permite usar términos que parecen antagónicos en la misma frase, fría combustión de sentimientos) como las infrahumanas condiciones de aborto de la mujer…, o de la utilización (y venta) de la mujer…, o de la visión y exhibición de sí misma, sin ir más lejos, en el sufrimiento más íntimo y público a su vez también…

Para mí fue un revulsivo, unido al placer, la verdad…, porque era como ver una estética ya conocida y ampliamente aceptada (la Escuela londinense) pero en su crudísima temática y versión femenina, …, diciendo cosas tan necesarias…, no en un regodeo existencialista sin más, o abyecto, como algunos  tildan a parte de la obra de esta escuela de la segunda mitad de siglo XX, …aquí nada sobra, y todo es importante, un grito desesperado, o una espera paciente…, de todo hay en formas y en sentimientos…, en mundos, en estratos de experiencia y experimentación…

No, la obra de Rego no es fácil, no es…»bonita», aunque sí está cargada de belleza indómita, revolucionaria, contestataria y fantasiosa o fantástica (en ambos sentidos del término).

No, no es una pintura amable, ni en la forma (sobre todo a partir de los 80), ni en sus contenidos, más variados de lo que salta a simple vista, complejos la mayoría, caleidoscópicos, de varias capas de significado y significantes, sí…, donde hay que escudriñar, conocer contextos, revisar el momento, no perder de vista su biografía, sus antecedentes, sus precursoras o precursores, sus lecturas, el contexto de la época, etc.,etc…

Y sí, es teatral…, viva…, cargada de solidez, y hasta pesadez, en la rotundidad de sus formas volumétricas (parece que pinta esculpiendo o tallando), o en su claroscurismo que raya en el tenebrismo desde los 90 en adelante…

 Fotos catálogo de sala. Maribel Úbeda(CC)

Estoy contenta de esta oportunidad de conocer y reconocer a una gran pintora, artista, artivista, como dije al comienzo…

Y también me alegro por la organización del contenido que ha dado el comisariado en la propia exposición, donde pudimos aprender y conectar su obra entre sus diversos periodos, y ver la vasta gama de matices, de cambios…

(Imagen web Museo Málaga, obra de Paula Rego)

Dejo aquí la subdivisión en temáticas de la exposición, para ver la amplitud de la propuesta:

1.La realidad fragmentada.

2. Cuentos populares portugueses

3. Fantasía y Rebelión

4. Pintar historias

5. El dibujo

6. La fiereza del pastel

7. Posesión

8.El teatro de la vida

9.Rimas infantiles

Paula Rego es más que todo lo aquí dicho, por supuesto, pero también es una artista con un legado que va más allá de lo que hasta el momento se le ha concedido…, así que seguiremos viendo, ampliando y estudiando sus obras…

D.E.P. Paula Rego.

Maribel Úbeda, Junio-Septiembre de 2022

Enlaces de interés, a parte del de la exposición del M.Picasso de Málaga más arriba.

Resumen de exposición en Museo Picasso Málaga. RTVE

Palabras de la propia artista y parte de su trayectoria,  canal de youtube HENI Talks

En el canal del  youtuber  Antonio V. (me reconcilia con su canal…)

Para ver más imágenes 

Wikiart y wikipedia

*Nota 1 . Pararse con calma a ver, descubrir, algo que no está machacado o resaltado y acentuado hasta la saciedad, como con la mayoría de los artistas (en masculino) Mirar sin prejuicios…, es algo de lo que puede diferenciar a un simple visitante de exposiciones de alguien que estudia o analiza las obras que mira… Con Paula Rego, y otras artistas…, siento que he sido muy torpe por no pararme a ver-las… Pero además, me devuelve a la queja de cuando empecé a estudiar Arte en los años 90…de ¿por qué no copan el mercado, información , libros ,investigaciones también ellas?…, pero sobre todo, ¿por qué dejarme llevar yo  también por la vía de la ceguera común con muchas artistas en general?…( me respondo y no es agradable, pero en ello, en ellas, estamos…, y estaremos, posando la mirada, la reflexión…y poniéndolas en el lugar que merecieron y merecerán siempre)

Gore World... así es…lejos del mundo idealizado o idílico de gran parte del arte, muchos artistas pueden lanzarnos hacia otros latidos, otro sentir…, otros olores, tacto o gustos…

Varias Autorías

Gore World.  Two Art Gallery. Fotografías cortesía de la galería.

Desde que vi (disfruté/aluciné, a partes iguales) esta exposición en la Galería Two Art Gallery de Murcia, a finales de Diciembre de 2021…, ha pasado poco tiempo, pero ha llovido mucho, metafóricamente hablando (que no meteorológicamente) como todo el mundo sabe, por el diluvio de acontecimientos anacrónicos/injustos/ kafkianos en Ucrania…

[Mi sentido pesar por quienes tristemente lo están padeciendo y sufriendo…y lo que traerá para el resto del mundo a corto y largo plazo]

Así que ahora mi escritura sobre la misma exposición al abordar este post es ligeramente diferente, desde posicionamientos racionalmente antibelicista y antibelicosos… Lo primero puede ser fácil como principios, pero lo segundo es algo más complicado de llevar airosamente, puesto que late en el aire un ambiente poco optimista, con voces de rearmamento, guerra nuclear, etc., etc.,  que parece surrealista, pero es la realidad, …la cruda realidad, como parte de las imágenes que observamos en la galería Two Art Gallery.

De todos modos, y pese a este comienzo, intentaré no irme por los cerros de mi apellido y hablar (comentar, reflexionar o analizar…) Gore World, estupenda muestra por sí misma y al margen de cualquier situación exterior, aunque las obras y piezas (esculturas principalmente, aunque también instalación, pintura y fotografía) no están exentas de diálogo interno y externo, desde luego. Es más, tienen un marcado tono ácido todas ellas…, y no solamente por su estética o temáticas variadas (dentro del universo de lo que podemos enmarcar lo llamado gore) sino por el alto contenido ideológico [*1] de crítica hacia políticos, cultura, ética, moral o falta de todas ellas que desprenden las piezas artísticas.

Porque es esta una exposición colectiva de diversas autorías nacionales e internacionales (con obras actuales o de hace algunos años), seleccionadas por la galerista y comisaria, Eva Hernández Calderón, bajo el criterio de lo provocadoramente gore…; y «gore» puede ser tanto algo sangriento (no en balde proviene esta palabra del término inglés «sangre»), como una idea, una actitud, o determinadas filias, no nos confundamos. Tampoco gore tiene que significar imagen virulentamente sangrante y/o cutre hasta la risa, como nos tiene acontumbrados el término del subgénero en cinematografía (véanse dos grandes referentes para el epíteto «gore» en «Braindead» de Peter Jackson o el film gallego «La matanza caníbal de los garrulos lisérgicos«, como ejemplos, y mejor la segunda que la primera según mi parecer…), aunque sí suele haber algunos elemento comunes en todo lo denominado «gore», y es, a parte de los referentes a lo pop y el cómic (en lo estético), la ironía, sátira y esperpento, el humor negro, o la escatología, la mutilación …,  unido casi siempre, en las artes plásticas, al realismo o hiperrealismo, y bastantes veces, a la crítica social (moral o esteta), bien como actitud concreta, o bien como posicionamiento general y visceral…(literalmente o no, también).

En palabras de la propia galería, aun estáis a tiempo de ver: «Desde la sangre hasta las mutaciones, pasando por la religión, el sexo y la coprofilia en su máxima dimensión, “Gore World” recoge todo tipo de fenómenos perversos a través de unas obras desgarradoras, un submundo paralelo donde la provocación y lo extraordinario son una constante pero, sobre todo, una experiencia única para el espectador y muy especialmente para los aficionados a este tipo de manifestaciones. Un tributo al exceso, a lo deforme, a lo diferente, pero también a la imaginación, a la libertad no sólo creativa sino también mental, todo cabe en ese universo trágico-cómico del gore, incluido el humor. Un show de dos rombos en el que participan 45 artistas nacionales e internacionales con más de cincuenta obras».

Por orden, obras de los artistas: Werner Reiterer/escultura hombre, Thomas Kuebler/escultura músico bicéfalo, Simone Racheli/escultura bomber (izquierda) y (derecha) Silvia Flechoso/Retrato D.Trump, Patricia Mateo/pintura goyesca , Nojus Petrauskas/pintura, Leo Ferdinando Demetz/escultura niño, Jorge Rueda/collage fotográfico. Fotografías cortesía de la galería. 

Obra de Jorge Pérez Parada/pintura. Fotos cortesía de Two ArtGallery. Gore World, 2022

Obras de Reme Amorós/pintura (izquierda) y Paolo Schmidlin/escultura (centro). Foto cortesía de la galería.

De manera soslayada (las menos), como el hitchikoriano Mr. Bean y la goyesca dama, o de manera directa, las más…, como el aterrador papa emérito, las siamesas de los Chapman, o la talla excelente de Joan Priego (por citar alguna de las que más me impresionaron), las obras apelan a todos nuestros sentidos, a los más evidentes y primarios (como la vista) y a los más (co)laterales, el subconsciente, la memoria (referentes cinematográficos, periodísticos o activistas y culturales), junto a nuestros instintos básicos o sublimes/subliminares… Y hay que estar, o bien muy preparados, o bien dejarse llevar sin más, sin miedos ni complejos…; porque sí, queridos y queridas, el Ser Humano es todo eso también, o además…, y creo que ambas actitudes en esta sala son compatibles, pues el realismo hasta el hiperrealismo, o lo neofigurativo, puede llevarnos por muy diversos derroteros en esta gran exposición. Y con grande me refiero tanto a extensa en metros cuadrados y número de obras, como en calidad, puesto que todos sus artistas son de renombrado prestigio y trayectoria, sin pararme en la técnica de todas ellas (porque tendría que reescribir el catálogo, que os recomiendo, entre otros motivos por su cuidado, como todas las  publicaciones de la galería) de un detallismo o preciosismo extremos en la mayoría, por imperativo de concepto.

Pero, repito, esta exposición recomendable, que, como se dice en otras publicaciones online sobre ella, es dificilmente repetible fuera de esta sala (ni en galerismo privado ni en salas públicas u otros espacios que no sean ARCO a nivel nacional) no es solo de alto interés por lo gráfico explícito, la capacidad de sus artistas, la variedad de formatos, técnicas, materiales, disciplinas y estilos (dentro de la estética gore, bizarra y hasta kitch en general), o por el alarde temático, tan inusual como comprometido, sino por las ideas que desmenuza, hechos, realidades, cuestiones, elementos, fragmentos, formas…de nuestro mundo en los márgenes, que no deseamos ver o mostrar las más de las veces…

Aunque, por supuesto, no siempre hay «algo» especial o dantesco detrás, y sí una gran puesta en escena y/o mucho humor -sin más- donde poder enredarnos, como en las excelentes piezas  del hombre «lamiendo» la pared, de Werner Reitener, o el bicéfalo conjunto del tocador de banjo sacado de la américa profunda por Thomas Kueblerg,  por ejemplo.

TAG trae de esta forma y formato gore lo mejor del panorama del arte contemporáneo en lo figurativo, y es indiscutible, solo teneis que pasearos por sus anteriores exposiciones para ver otros mundos escamoteados normalmente en su línea…

El espacio libre de pandemias mentales de Two, cuya trayectoria es larga (*2) y coherente desde su anterior espacio (Clave), demuestra tener coraje y ganas de mostrar…, ganas de no ir nadando por entre las corrientes sencillas unas, otras simplonas, a las que nos quieren acostumbrar quienes programan (o hemos programado incluso) exposiciones para todos los «gustos», saberes y haberes, edades o ideas/ideales (ideologías…de nuevo)…, estádares, conceptos cuadricualados, prejuiciosos o poco libres…

Pues bien, ..dicho todo lo anterior…, esta expo deseo pensar que puede ser para todo el mundo, sí, …pero hay que bajar la guardia y sumergirse en el lodazal, el fango, las pesadillas o los sueños menos tranquilos, menos domesticados, menos… pero cuando el menos es más … y más…y más…

Catálogo de la exposición (imagen galería).

Artistas con obra en la exposición Gore World:

Javier Aguilera – Reme Amorós – Alessandro Boezio – Francisco Carrillo – Antony Crossfield – Jake & Dinos Chapman – Tomy Ceballos – Leo Ferdinando Demetz – Luca del Baldo – Carlo di Meo – Andrzej Dragan – Carlos Fernández – Silvia Flechoso – Santiago Gijón – Mitsy Groenendijk – Harma Heikens – Chao Cheng Huang – John Isaacs – Thomas Kuebler – Alfredo López – Piero Manzoni – Fausto Martín – Enrique Marty – Guillermo Masedo – Patricia Mateo – Lorenzo Mena – Zhang Peng – Jorge Pérez Parada – Dante Perrito – Nojus Petrauskas – Joan Priego – Iván Prieto – Juan Piza – Simone Racheli – Werner Reiterer – José Romero – Jorge Rueda – Viktor Safonkin – Paolo Schmidlin – Joseph Seigenthaler – Qimmy Shimmy – Gerald van Scyoc – Lia Viciute – Joel Peter Witkin – Peter Zelei

Fotografía de J. Peter Bitkin.

Escultura de Juan Piza.

Escultura en resina policromada. Harma Heikens.

Fotos cortesía de la galería. Gore World. en Two Art Gallery.

*Nota 1.

Es interesante, cuando un@ escribe, ver qué sabes o no, no del tema en sí, sino en general…; por ejemplo, de pronto me he planteado qué es Ideología; o sea, qué abarca…, pues pensamos, a veces, que solo se refiere a nuestras querencias o cultura política, o religiosa como mucho, pero …no…, abarca más, el todo diría yo, y  donde nos movemos en la teoría y práctica (vayan o no unidas estas).

Así que según Wikipedia: «El término ideología fue formulado por Antoine Destutt de Tracy (Mémoire sur la faculté de penser, 1796), y originalmente denominaba la ciencia que estudia las ideas, su carácter, origen y las leyes que las rigen, así como las relaciones con los signos que las expresan.» (…)

«En ciencias sociales, una ideología es un conjunto normativo de emociones, ideas y creencias colectivas que son compatibles entre sí y están especialmente referidas a la conducta social humana. Las ideologías describen y postulan modos de actuar sobre la realidad colectiva, ya sea sobre el sistema general de la sociedad o en uno o varios de sus sistemas específicos, como son el económico, social, científico-tecnológico, político, cultural, moral, religioso, medioambiental u otros relacionados al bien común.»

[merece la pena seguir leyendo toda la entrada en wikipedia y seguir ampliando nuestro conocimiento sobre este manoseado, pero necesario, término].

*Nota 2

Como comenté con la galerista Eva (a quien agradezco la atención de la visita guiada, improvisada, junto a mi compañero de crítica y amigo, el periodista Jose Alberto Bernardeau), en la anterior Galería Clave conocí, recién llegada al «mundo del arte contemporáneo» como quien dice, la obra de referencia del fotógrafo J-Peter Witkin, y disfruté, a parte de grandes escultores de la escena contemporánea (bastante desconocidos en general y en particular por mí ,tras terminar mi carrera especializada en Historia del Arte), del fotógrafo Tomy Ceballos o Chema Madoz, entre otros… Y comprendí lo que es llevar una línea «editorial», en este caso artístico-visual en una galería, así como aprendí lo que una buena publicación significa en el mundo del arte…, o la especializacion, los criterios de selección y los vínculos inestimables con el arte contemporáneo y sus artistas concretos, que a la vista está en Two Art Gallery en la actualidad… La rabiosa actualidad del arte contemporáneo post-Todo de fin de siglo XX y los primeros 20 del siglo XXI.

** Por cierto, suelo acompañar de mis propias fotos los post de las exposiciones a las que voy, pero desgraciadamente, aunque las hice, perdí el móvil con ellas dentro… Lástima, algunas me gustaban bastante…jeje.

Enlaces de interés donde se habla de la exposición Gore World:

lahornacina.com/noticiasmurcia

www.laopiniondemurcia.es

https://murciaplaza.com

Otras exposiciones de Two Art Gallery

John de Andrea

Guillermo Pérez Villalta. Dibujos y Esculturas

Rigor Mortis

Ladies. 37 mujeres y un pollo

Thomas Kuebler. De Brujas, Monstruos y Asesinos

Animal Farm

Autores por orden:  Fausto Martín/pintura, Guillermo Masedo/pintura,  varias obras/autorías, Alessandro Boezio/escultra, Joan Priego/talla. Fotografías cortesía de la galería Two Art Gallery, Gore World, 2022.

Rocio Kunst : la antítesis de la insoportable levedad del ser en tiempos de crisis…

En este post que inaugura 2022, extraigo mi Texto Para el XIII SALÓN DE LA CRÍTICA,  organizado por la ASOCIACIÓN MURCIANA DE CRÍTICOS DE ARTE. 2021, y que se expone actualmente hasta el día 3 de Febrero del presente 2022, en el Museo de la sangre de la ciudad de Murcia.

«¿Por qué la antítesis de lo leve, volátil o superficial -en el peor sentido de estas palabras-?…

Porque lo que Rocío transmite con sus obras es algo profundo, emocional e introspectivo que apela directamente a nuestro ser. Y si acaso, lo que tiene de ligero es que se eleva por encima de lo que percibimos en un primer vistazo: piezas de enorme belleza con una gran técnica detrás. Y claro…,lo bueno, al menos para mí, es que no queda ahí la cosa, en el hecho artístico en sí…, que ya es…,sino que nos sobrepasa, y buscamos a través de nuestras retinas, tanto en el cerebro como en el alma …
Porque cuando observo la obra que Rocio Kunst lleva realizando hasta ahora, …me envuelve una tormenta de ideas, percepciones, recuerdos y referentes impresionante…, y no creo que el mérito sea mío, aunque (en parte por mi edad) haya visto, leído, o escuchado ya mucho en las diversas ramas del Artes…, sino de ella, por su trabajo impecable y por su capacidad de reflexión y exploración continuos, con un análisis cargado de introspección y “de abierto carácter confesional” donde el autorretrato, muy presente en la mayoría de fotografías, adquiere un fuerte “valor simbólico” en sus escenas, dicho con sus propias palabras; a la par que por su, también, estudio externo, desde dentro de la sociedad y sus preocupaciones más actuales.

Cuando me acerco más a su obra plástica comprendo por qué prefiere que hablemos de ella como artista visual y no como fotógrafa, y es porque sus intereses van más allá de lo fotográfico o una visión fotográfica de las cosas/sensaciones; para Rocío la fotografía es una herramienta creativa más, en el camino de transmitir lo que desea. Cosa que avala también con los textos que suelen acompañar sus piezas, y el hecho de que sus referentes sean en gran medida literarios:

(…) “creo que incluso más que cualquier referente visual, los libros que leo me evocan imágenes, así que mis referencias (artísticas) son los libros y mi propia experiencia, que está también atravesada precisamente por la lectura. Encontrar experiencias comunes en esas lecturas me ayudan a construir mis imágenes” me comentaba a raíz de esta exposición…

De los trabajos, en general, de Rocío, me dejo cautivar tanto por la provocación/sutilezas de estas propuestas visuales como por los temas que trata en ellos, tan potentes e interesantes actualmente como son la identidad, la memoria, el concepto de maternidad, la imagen (y la metaimagen), el feminismo desde la posición como mujer, la creación en sí misma…, y “los espacios y los estados psicológicos” como ella misma afirma.

Así pues, es un privilegio para mí poder presentar en esta XXII Edición del Salón de la Crítica, dedicada a “El arte en tiempos de crisis” tras esta pausa obligada de casi tercer año de pandemia…y pandemias (en plural por sus variantes, no sólo médicas…), a Rocio Kunst y su excelente, y hasta el momento inédita pieza «Maceración», que me sugiere la unión de varios mundos visuales, todos con un pié en épocas asoladas por la crisis a nivel global, económica, social y de grandes cambios, como fueron el Periodo Barroco o los años 20-30 del pasado siglo XX:

Por un lado tenemos la estética barroca de este bodegón humano…, ungida por ese tratamiento tenebrista de la joven y las uvas…, con el simbolismo que encierra una imagen tan sensual (dionisíaca) como críptica a la vez…

Y por otro lado, la vestimenta de la muchacha y la desesperanza que se intuye tras las uvas, me transporta (temáticamente hablando) a la obra sobre la América profunda, del Crack del 29, de la fotógrafa Dorotea Lange y sus instantáneas de la miseria durante la Gran Depresión, en concreto el retrato de Madre migrante… Desde donde salto, dentro de esa misma evocación del momento histórico y tan plausiblemente parecida a la crisis actual (enfermendades-crisis- pobreza sumado a la novedad de la emergencias climáticas en puertas) al film Las uvas de la ira, de John Ford, basado en la obra literaria de John Steinbeck, en tesis con Dorotea Lange…

En Maceración tenemos una vez más una mujer que oculta su rostro, como en tantos de los retratos o personajes (incluso en sus propios autorretratos) de Rocío Kunst, y es algo que revela parte de cómo teje los hilos de la identidad…

En una cálida paleta que también puede llevarnos en la composición y sus elementos hacia la fotografía pictoricista, o el simbolismo de fin de siglo XIX, esta Dafne contemporánea quizás metamorfoseará sus manos en ramas y quedará enclaustrada dentro de su eterna belleza.

¿Quiénes posan en sus obras realmente?, ¿qué hay tras sus teatrales escenografías?, ¿…de dónde emana su dramatismo casi cinematográfico?… ¿qué narraciones nos susurran sus construcciones y sus fuera de campo?
… Ante las numerosas preguntas que nos suscitan las imágenes de Rocío Kunst, creo que la respuesta está en nosotras y nosotros, porque apela a nuestra propia experiencia, imaginación o memoria…como espectadores omniscientes…

Maribel Úbeda. Murcia, Diciembre de 2021

Maceración, de Rocío Kunst

«MACERACIÓN». FOTOGRAFÍA sobre PAPEL HAHNEMÜHLE, 2021. 60 x 40cm.

Reseña de Bio de Rocío Kunst:
Rocío Kunst (Murcia 1990). Estudió Bellas Artes en la Universidad de Murcia y se especializó en fotografía en la Escuela EFTI (Madrid). Desde entonces su obra ha sido expuesta en galerías y espacios de Murcia, Valencia, Málaga o Madrid de forma colectiva y también individual.

Sus exposiciones durante 2021: Centro14 (Alicante); Espacio ES/UM (Murcia), comisariada por Marisol Salanova; Cámara Roja. Espacio Expositivo; Biblioteca General María Moliner, Universidad de Murcia; Sala Progreso 80 (Murcia) o en 2020: en la Cárcel de Segovia, Centro de Creación y en el Festival BFOTO, en el Teatro Principal (Barbastro); siendo su primera exposición individual en 2019: Inside the house, outside home. Ica. Plan de espacios expositivos (Murcia).
Investiga y ha obtenido varios becas para proyectos siendo numerosas veces premiada. Sus más recientes galardones son: Accésit. Circulart. Certamen Nacional de Artes Plásticas (2021), Odsesiones. Intervención artística de la UM. (2021), Primer premio Crea Murcia de Artes Plásticas (2021), Honorable Mention. Monovisions Photography Awards. Londres (2021), o la Mencion de Honor en Cértamen de Jóvenes Creadores de Salamanca (2020) entre sus muchos galardones desde 2014. Actualmente ejerce como docente en la Universidad de Murcia.

Puedes visitar su obra en su web www.rokunst.wordpress.com

Sala Museo de la sangre, Murcia. Obras de ka exposición colectiva del XIII Salón de la crítica, 2021/22. Imágenes arriba y abajo (izquierda/derercha) cortesía de Eva de Egea.

«Alicia Urda…Soledad acompañada»

Aquí os dejo  mi texto crítico sobre la exposición realizada por la veterana artista Alicia Urda en La Casa de la Lectura-Biblioteca Municipal de Segovia, y que se puede visitar hasta el día 13 de febrero del presente año, cuyo titulo es ‘La soledad de la naturaleza’ :

Imagen de la artista en la sala durante la inauguración,
junto al concejal de Cultura, Alberto Espinar - Foto: D.S. Prensa, fuente
"El día de Segovia" digital.

«Nunca sabemos el misterio que puede encerrar la mirada sobre las cosas cotidianas (no por eso fútiles o banales) o las más trascendentales o espirituales, de determinadas personas…

Y la mirada de Alicia sobre el paisaje, la naturaleza y el ser humano de paso, en las pintura y esculturas que presenta en esta exposición “La soledad de la naturaleza” es un ejemplo de que no podemos dejar de sorprendernos, para bien, en más ocasiones de las esperadas,… afortunadamente.

Alejada del mundanal ruido las más de las veces, encerrada por propia voluntad muchas en su estudio, que tiene vistas hacia el espacio infinito del campo que rodea Segovia, esta pintora, profesora y restauradora de bienes culturales nos presenta una muestra coherente, compacta y persuasiva……, esparciendo esa mirada de la que hablé al comienzo, y los demás sentidos, por las tierras y cielos del norte castellano.
En este contexto, importante para la artista, Alicia se recrea en la observación casi analítica, llena de reflexión, intuición y profundos sentimientos, para cogernos de la mano y hacernos partícipes del silencio…, de la soledad buscada…, de la inmensidad concreta, detallada, minuciosa, de la Naturaleza.

De forma casi asceta, nos enseña a mirar de nuevo esa naturaleza que nos empeñamos en destrozar día a día, minuto a minuto, como si tuviera una bomba de relojería atada que no puede (o eso parece) frenar su cuenta atrás…

A través de estas imágenes del paisaje en primavera, verano y otoño, con brotes de verdor y algo de ocres aquí y allá…se nos sumerge en un personal y delicado mundo donde la Naturaleza grita por su supervivencia…
Prevalecen los árboles de ramas secas, en realidad muertas, troncos enroscados de nudos eternos, añejos, bellos en su rusticidad y franqueza, exhibidos a base de manchas de luz…, con una paleta fría en gran parte, pues es el mañana lo que la autora toma normalmente, y más cálida en ocasiones.

Con pincelada resuelta, minuciosa (admiradora de Sorolla, y se nota), o espátula para esparcir mejor esos destellos luminosos,…la obra de Alicia se recrea en un mundo interior de lo exterior, nítido… y resuelto a mostrarnos su verdad.

La imagen que abre el tríptico, un paisaje del Otoño, con el venado muerto en primer plano de forma desoladora, y que quienes asistáis podréis ver …, es toda una declaración de principios (su modo de vida y su obra lo avalan) y del significado de la exposición: está dedicado “al cambio climático y al efecto que tiene en la naturaleza. Entre la soledad de la muerte y la belleza de sus formas” como indica ella misma.

Los protagonistas de estas obras, los troncos desnudos de las pinturas y los personajes enraizados y sin rostro sobre la tierra en forma de bola de su serie de esculturas en barro (que me apasionan a la par que intimidan) son un grito de ¡Basta! Ante tanto maltrato al ecosistema que habitamos…
Las esculturas de arcilla, modeladas y vaciadas, y piezas únicas, en barro rojo y blanco (en parte esmaltados) representan “La condición humana” y no tienen rostro porque no desea ver ni escuchar, pese a que salen de la tierra, o un tronco y sus manos son raíces, siendo una metáfora de que lo que rechaza es lo que necesita para vivir a su vez…

Tanto sus paisajes como los seres arbóreos muestra los principios de su estética: el Realismo…, que oscila hacia el realismo mágico en otras ocasiones (mirando obras de anteriores etapas).

Aunque la contemplación de las primeras obras que me fue mostrando Alicia para esta exposición, me llevaron a la Escuela de Barbizon, por los paisajes al óleo y su pincelada suelta y tonos más cálidos, también vi en sus tablas, de gran detallismo y trabajo, los tonos y cielos de los paisajes ingleses y nórdicos de la pintura decimonónica (amaneceres sobre el mar o los acantilados alpinos de tonos fríos, donde las ramas pueden casi tocarse o sentir el frío húmedo del mar…); donde busca unos cielos a base de blancos limpios para que no se manchen, a través de una depurado proceso de dejar secar parte y luego ir aplicando el color de carmines, azules, etc., paso a paso, pieza a pieza…

Y no es de extrañar su estética presente, porque en su obra anterior sabemos de la admiración que Alicia siente por el realismo español de los años 60, de la Escuela madrileña, con Antonio López, María Moreno o Isabel Quintanilla, y vemos cómo trabaja cada pieza con enorme solvencia y amor, viniéndome a la mente la frase de Santa Teresa: “También entre fogones anda dios ”, para señalar que en lo pequeño y sencillo, aparentemente, está lo bello, y hasta sublime muchas veces…

Así pues, estas 15 obras, óleos sobre lienzo y sobre tabla, y las 4 piezas escultóricas, nos darán cuenta del trabajo que Alicia Urda ha realizado en los últimos tiempos en estas obras que nos atraparán por la excelente técnica y también por su temática .

Os invito a pasaros por su exposición, y espero que Alicia, una persona que, con aspecto de que en cualquier momento puede desvanecerse en su delicada semblanza y creatividad, es acogedora y decidida, siga llenando paredes y espacios de salas donde se quiera percibir, sentir y experimentar una mirada auténtica y comprometida con el arte, la vida y la Naturaleza…

Esta naturaleza que está en la esencia de todo y que por ello…debemos respetar, cuidad y amar más de lo que hacemos ahora…

Gracias, Alicia, por brindarme la oportunidad de pensar contigo, y extasiarme en los detalles de lo pequeño para ver lo grande…»

Maribel Úbeda
Almería , 2021

Izquierda: Imagen de prensa digital, fuente: «El Adelantado», Segovia. Imagen de Nerea Llorente. Derecha: Invitación a la exposición.

Carrusel de fotos expo en El dia Segovia imagenes de Rosa Blanco

Bio de Alicia Urda

Su vinculación con las artes es fuerte y viene de atrás, desde la adolescencia empezó a realizar cursos y a moverme en círculos artísticos (durante varios años en el círculo de Bellas Artes de Madrid, realizó dibujo al natural de desnudo).

Finalizado el bachillerato realizó la especialidad de «cerámica artística y murales» en Segovia en la Escuela de Artes y Oficios en la «Casa de los Picos» de Segovia; donde tambien asistió a las clases de pintura artística de Lorenzo Tardón y Muñoz de Pablos; en escultura con José María Moro; en moldes de escayola con el especialista Feliciano, y por último, marionetas con el profesor Peralta.

A posteriori formó, junto a otros compañeros, el grupo «Lizo y Chamota» dedicado principalmente a la enseñanza artística, además de la realización de exposiciones.

Dirigió durante cuatro años las actividades del Campo de Trabajo Internacional en el Castillo y la Torre de Coca (Segovia).

«A partir del 2000, comenzó a realizar colaboraciones en restauración, tanto en instituciones como para particulares. En el 2001 trabajó en la restauración de la sala de la Galera en el Alcázar como colaboradora y es este momento es cuando decidió estudiar restauración. Años después estudió en la escuela de Ávila como diplomada en restauración de Bienes Culturales en la especialidad de arqueología; posteriormente realizó diferentes especialidades para profesionales en la Fundación de Sta. María de Albarracín (Teruel). Entre los años 2014-2018 perteneció al grupo de restauradoras de Arte Urbano del GEIIC. Actualmente se dedica a la restauración, a la impartición de clases de pintura y la realización de encargos, especialmente, de retratos». (Bio resumen de D.S. en El día de Segovia / digital. 23/12/21)

Enlaces de la exposición en parte de los medios:

Tríptico de la exposición en sala

Reflexiones artísticas sobre el cambio climático

Una exposición para reflexionar sobre el cambio climático

El día de Segovia. Alicia Urda expone en La casa de la cultura

Sobre Pájaros Raíces. Aproximaciones a un paisaje figurado de María Moreno (Marimoreno). Parte I.

En la Galería Alfareros, de la Diputación de Almería. C/ Rambla Alfareros, 21. Almería.

Hasta el 24 de Julio de 2020

Ahora más que nunca (escribía yo estas líneas durante el recién confinamiento), se hace realidad esta imagen de los pájaros-raíces… Esa metáfora literaria tan potente…, y ahora también metáfora visual, con la exposición de María Moreno.

Esta poética imagen de los pájaros raíces, de los que hablaron Pablo Neruda y, aunque muy alejado del primero en estética, José Ángel Valente…, y que ahora cobra un significado especial en estos días de pandemia, es la excusa perfecta para ir a ver la exposición que aun podéis disfrutar en la Sala Alfareros (Galería Alfareros, en la calle Alfareros, Almería, junto a la Avd. Pablo Iglesias y Puerta Purchena).

Ahora más que nunca, repito, se me acerca esta imagen de vuelo y tierra para llenar los espacios de la mente que necesitan del arte y la belleza, con el trabajo de María Moreno (la Marimoreno), un trabajo artístico, creativo a rabiar, cuya primera inauguración oficial quedó suspendido en el aire, pero bien afianzada a la tierra…, o a la sala.

Entre dibujo, pintura (técnicas mixtas), instalación o performance «una serie de personajes y elementos con rasgos poco definidos se ubican en escenarios desérticos, donde cualquier elemento es etéreo excepto la luz, casi tan potente como el aire que desordena un paisaje de montañas arrugadas, no muy lejos del mar«.

María Moreno, texto de Catálogo de «Pájaros Raíces»

Durante meses, las obras han estado vigilando la sala Alfareros hasta reabrir y mostrarse… Para exponer la belleza, el cariño por el trabajo bien hecho, la reflexión, la creatividad desde las entrañas pero con la mente en mil detalles, sin dejar de mirar afuera.

Escribí primero unas líneas para María Moreno porque me invitó a presentarla el día de la apertura, aunque  se canceló cuando se iba a inaugurar oficialmente en marzo,  después nos encerramos, y reescribí estas líneas para mi post…, esperando el reencuentro, y lo ha sido, o lo fue, a lo grande! Una noche entre amigas principalmente, de antes y nuevas, con mascarillas y cierto «distanciamiento» físico, que no Social!!! (oigan, cuidado con los términos, seamos exactos)

…Hasta hoy no había podido volver sobre estas líneas, así que este post es un texto dentro de un post, a su vez, dentro de este actual post al fin! Así pues, dejo aquí una mezcla, o casi un diario de abordo, con parte escrito en su día (inter-confinamiento) y parte «nueva normalidad» 

[el texto de presentación, completo es el siguiente post parte II]

  pincha aquí para ver el CATÁLOGO ONLINE 

Catálogos y Sala (fotos M. Úbeda)

—– Inauguración  POSTPUESTA el 13 de Marzo 2020—

«El título que da nombre a este trabajo pertenece a un verso de José Ángel Valente “un encuentro semántico cargado de metáforas visuales; la unión de estas dos palabras otorga un conflicto poético al lector: los pájaros, símbolo por antonomasia de la libertad y el desarraigo, de lo fugaz y lo etéreo / las raíces aquello que nos mantiene ligados a la tierra, que en cierto modo nos limita y sin embargo nos nutre, lo que permanece”.

María Moreno, texto de Catálogo de «Pájaros Raíces»

En estos días, con la que cae, es necesaria la mirada alerta, dentro de nosotros, dentro de quienes nos rodean, y por supuesto…afuera, tras la ventana o balcón, en nuestra calle o plaza…, y en el exterior más remoto, ese que acerca lo lejano en medidas exactas como un click de botón o terminal móvil…

«Pájaros Raíces», de María Moreno…es lo efímero pero tangible, lo real pero incierto, lo patente pero invisible…; por eso «Pájaros Raíces» es Ahora, Hoy…Ya, lo que está sucediendo todos estos días desde el 16 de Marzo…

Pero esta «Aproximación a un paisaje figurado» es, en sí, materialmente, la exposición de un conjunto de grafismos, veladuras y texturas con técnicas mixtas, instalación, audiovisual experimental y una performance (no realizada) que quedaron congeladas para su inauguración un día antes…

Era jueves, se estaba terminando de montar todo, con el ahínco y dedicación que María pone en todos sus trabajos…y…pasó, nos «alertaron de la alerta», nos pusieron en cuarentena por precaución…y menos mal, por supuesto…

Ahí quedó la expo organizada, montada, los catálogos colocados, las fotografías realizadas, sintonizando el canal del vídeo para los cortos en bucle que se verían, con el sonido de sala de susurros y goteo del agua…; los pájaros de papel volando o posados en el suelo, vislumbrando los dibujos y obras de María Moreno …

Allí estábamos la artista, otro amigo que ayudaba a montar, el personal de sala que entraba y salía nervioso ya, y yo, con mi trípode, móvil y cámara…, todos flipando… Las puertas se cerraron el mismo día 13, no sin antes poder estar unos minutos la artista a solas con su obra, grabando imágenes con su móvil…, y yo pensando: bueno, pronto la reabrirán, en un mes y pico llenaremos la sala, nos reiremos, brindaremos y luego nos iremos de cañas o vinos, que es lo propio en toda celebración como es el presentar al mudo una muestra de trabajos que llevan meses gestándose…

…Y no ha sido así, aun… Pero sí, vendrá el momento, vendrá…

En este estado de incertidumbre, de anhelos, de autocontrol, de cuidado máximo con quienes nos rodean (mayores o niños, entre nosotras o nosotros mismos), de sueños lúcidos incluso… nos queda la poesía…, las gafas de la dura realidad, para ver todo con un toque de belleza, o el sentimiento, o donde desnokearnos de anestesias de sentimientos, o sensaciones, pensamientos o intuiciones… por eso es bueno y recomendable pasarse por la sala Alfareros a ver la expo «Pájaros Raíces».

“El dibujo es para mí el lenguaje más sincero con el que crear narraciones y contar secretos; historias de texturas y colores velados que nacen del lugar que habito, inspiradas por la lírica de José Ángel Valente, la pintura de Twombly y Milton Avery o las formas minimalistas de Jürgen Partenheimer.”

María Moreno, texto de Catálogo de «Pájaros Raíces»

Notas:

El catálogo es muy interesate para situarse bien en el contexto de estas obras y piezas diversas; escribe el prólogo Julia Martos, y hay textos de Neruda o Valente, así como de la propia María Moreno.

En la sala se pueden ver, a parte de las técnicas mixtas y pinturas sobre papel (en su mayoría), instalación (pájaros de papel, textos…) y videoinstalación (audiovisual de dos piezas en bucle, de unos minutos cada una de dichas piezas) donde aparecen elementos buscados en la experiencia a la deriva. Estas piezas audivisuales son experimentales, montadas tras el visionado del material grabado casi aleatoriamente y sin demasiados soportes técnicos. Intervienen en ellas las performer y dancer Ana Ceballos y María Lentisco.

Las imágenes mostradas arriba fueron realizadas durante el montaje de la exposición y justo antes de la inauguración (Marzo de 2020).

Y las siguientes, durante la inauguración post confinamiento (Julio de 2020)

La exposición en medios:

-En www.diariodealmeria.es

-En www.europapress.es

-En web de María Moreno: Catálogo online (merece la pena entrar a verlo!)

Web y Redes sociales de Maria Moreno (Marimoreno): www.maria-moreno.com

–Bio de María Moreno

-Instagram: @marimorenoarte // facebook: www.facebook.com/Lamarimorenotristan

-Miembro del colectivo de Campingas, Almería

-María Moreno como articulista en El Diario de Almería  donde ya ha publicado al menos 3 artículos.

Cartel/obra de la exposición de María Moreno en sus redes.

Parte I «Almerías: una visión crítica sobre su espacio habitado. 15 miradas, 15 fotógraf@s»

Imagen de promoción, cartel para «Almerías. Fotoensayos sobre la sociedad almeriense».

“Almerías”pretende dar una visión crítica, social, humanista y personal más allá de una visión estética de la misma, a modo de fotoensayos, con imágenes que hacen pensar. Distintas realidades desde distintos puntos de vista, algunos de fuera de Almería, aunque la mayoría almerienses.

(fragmento introductorio del texto que explica la exposición)

Hasta el 20 de Enero, 2019, se puede visitar y reflexionar sobre la imagen de Almería y las distintas visiones que de ella tienen los y las 15 fotógraf@s que han intervenido en la exposición del Centro Andaluz de la Fotografía (*1) con: ALMERÍAS. FOTOENSAYO DE LA SOCIEDAD ALMERIENSE  donde se presentan los proyectos (fotoensayos) de: Chema López, Carlos de Paz, Rodrigo Valero, Raquel Rodríguez y Mª Isabel Muñoz, Estela García, Oliver Mairinger, Ana Cayuela, Lucas Gómez, Antonio Jesús García `Che´, Marina del Mar, Eduardo Maldonado Juárez y Dory Hernández Guerrero, Gabriel Martínez López, Laura Brinkmann, Mariquina Ramos, Pablo Vara. Desierta Fanzine y Foto Acción Almería.

Como advierte la comisaria, Elena Pedrosa Puertas, de esta extensa (ocupa las dos plantas  del CAF) y variada exposición (15 artistas + 2 proyectos más), es rica en subtemáticas, estilos y estéticas: «Va dirigida a un público crítico que lea. A un público snob que abra los ojos. A un público que se reconozca. A la ciudad de Almería en general. Pretende dar una visión social de las distintas realidades”

Y tiene, pues, una clara toma de posición y una conciencia muy determinada frente a los diversos caminos que puede tomar hoy día la fotografía, pero no por ello es cerrada ni dirijista, gracias al amplio abanico de artistas y miradas que han sido seleccionadas.

«Hay zonas, personas y modos de vida que no se contemplan como visibles en la ciudad y que son cotidianos y parte de su tejido. A modo de denuncia social sobre el clasismo y el racismo, frente a la turistización y edulcoración de la ciudad marca, ‘Almerías’ es un mosaico de situaciones y vivencias de distintas procedencias, tanto geográficas como sociodemográficas, dentro de nuestra provincia» 

Estas palabras resumen el interés principal y la misión de una exposición importante en nuestra comunidad. Mostrar otra Almería diferente de las postales, dicho muy genéricamente, de aquellas postales de antaño que aún perduran en los soportes metálicos de los quioscos o tiendas de souvenirs, pero también de las imágenes de los “soportes digitales”, que hacemos durante el ocio o el turismo…y que tampoco sobran, vamos, que son bienvenidas, pero, está claro que No Son lo único que hay que mostrar… que ver…o percibir en un lugar.

Si para muchos la fotografía muestra, sencillamente, para otros congela, pues también se corre el peligro de crear un «cliché» eterno e invariable, que marca una identidad sin apenas darnos cuenta…sutilmente (aunque la publicidad conoce esta sutileza bien, y la utiliza conscientemente, por ejemplo). La imagen fotografiada es archivo de la memoria, la memoria gráfica, esa que sirve para que lugares o seres queridos perduren en el tiempo o en nuestra retina.  Pero también pueden ser un «simple» (o no tanto) “yo estuve aquí” como en el tag del grafiti; esas imágenes que ahora podemos mostrar fuera de un restringido grupo de familiares o amigos (no como cuando lo hacíamos, algún@s…, alrededor de una comida con el famoso Álbum de viaje a alguna parte, y que, como mucho, mostrábamos con un carro de diapositivas pre-era digital proyectadas sobre una pared limpia ex-profeso de cuadros…).

Pero no, esta exposición no va de todo eso, “Almerías” nos focaliza en un Ahora… Cada artista, y más en fotografía, puede retratar su tiempo, su momento, de muchas formas, fuera de la antes exigida corrección técnica o canon de belleza estipulados por modas y contextos. Y ahora, además, la fotografía no es sólo estampa o registro, documento (algo valiosísimo por supuesto) o recuerdo, sino que cuenta, narra, …; más allá de la técnica y su reproductibilidad, nos comunica Ideas, Sentimientos y Pensamientos. El objeto (cosa, persona o lugar, contexto) fotografiado habla, normalmente, por sí mismo…, pero porque quien está detrás…ha decidido qué quiere comunicar, sobre qué dialogar, o qué mostrar…

Y si alguien no fija la mirada en temas o cuestiones, o detalles, que no son sólo bellos, especiales o “de foto”… ¿quién lo va a hacer salvo determinados fotógraf@s , reporter@s, periodistas o historiador@s, pensador@s o ensayistas …? ¿Quiénes VISIBILIZAN lo que casi cualquiera podría ver pero no quiere, o no sabe, mostrar?

…Son, quienes trabajan con lo visual como herramienta para transmitir más allá de la pura imagen, del texto literal…, de lo políticamente correcto y lo asépticamente admitido…, quienes manejan el material más sensible…, quienes nos comunican las situaciones insostenibles y las realidades subyacentes pero presentes, ahí, a cuatro pasos de nuestra confortable casa…como en este caso.

…Y son algun@s de las y los fotógraf@s en pié de instantánea, además, quienes alertan…, quienes nos pueden transmitir lo que los medios de masas, las noticias y las redes sociales nos escatiman (o nos escatimamos). También desde la poesía, la escritura, la filosofía, la educación, la investigación y la divulgación, en ramas como la antropología o la sociología, se pueden acercar al Ahora, al Momento, para fijarlo, estudiarlo y analizarlo, claro…(a parte del BigData, sí…a parte), pero, desde que se inauguró esta necesaria exposición, el encuadre ha sido dado aquí, en el CAF, en Almería. Y desde aquí se nos están contando un crisol de verdades…en distintos formatos y formas estéticas fotográficas, desde la mirada y el alma.

Para mí, “Almerías es un “Imagina”, aludiendo al espíritu de este Centro de la Fotografía andaluza, pero actualizado, mostrando las distintas Almerías que conviven entre sí en el siglo XXI (leedlo con sonido de exclamaciones).

Esta ineludible exposición colectiva y bien definida desde el CAF, coordinada y diseñada por Elena Pedrosa, nos ha abierto los ojos a otros colectivos, márgenes y realidades desde finales de Noviembre, y ha contado con un intensísimo programa de charlas, mesas redondas, visitas guiadas y actividades paralelas durante todo Diciembre hasta terminar en Enero; pero en su recta final, aún podemos disfrutar, comprender, escrutar  o valorar las 15 miradas donde se concentra parte de la fotografía artística y socialmente comprometida que se está realizando actualmente en el panorama visual almeriense.

Y para animaros a visitarla un poco más,  mejor centrarnos en la parte «física» de la exposición, que ha sido estructurada en dos grandes discursos, articulado en torno a una meditada puesta en escena o montaje expositivo, que, como se explica en las visitas guiadas y en el texto de la exposición, se orienta a través de la idea de dentro y fuera, aludiendo a las situaciones que ocurren en unos lugares o a unas personas determinadas que “se cierran” en sus modos de vida, mientras se ocultan o se dejan fuera otros modos, otras circunstancias y vivencias».

Además, cada planta del edificio, encierra una temáticas principal: mientras que en la planta de abajo se habla (visual y conceptualmente) de las ideas de Barrio, espacio edificado, lo geográfico…, en la segunda planta se concentran los distintos discursos sobre la sociedad y sus formas de trabajos u ocio (invernaderos, ferias y mercadillos…).

Contemplamos formas y lugares reconocibles, claro, pero lo metafórico, la alegoría y la proyección interior planea por los diferentes fotoensayos…

La mirada concreta o la distante, la sencilla pero chirriante, la poética, la humanitaria o la hastiada, la alegre o la irónica, campan a sus anchas por las salas, pero, hay un elemento esencial que une a todas estas visiones: la calle, siempre presente, siendo lo urbano (o extraurbano, como cuando aparecen asentamientos de chabolas o plantas de reciclaje de plástico) el escenario común a todos los objetivos fotográficos… y casi siempre…ocupado por el factor humano, siempre presente de forma visible o invisible, visibilizado o escondido…

Durante el montaje de la exposición (imágenes de Elena Pedrosa)

(…seguir leyendo en la parte II …)

(*1) El CAF se sitúa en la C/ Pintor Díaz Molina nº 9; en pleno casco antiguo y mirando hacia el puerto y bahía de Almería, por si aun hay alguien que ha venido a esta ciudad, o vive aquí. y no se ha pasado por este centro de arte.

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Parte III. «Almerías» y sus 2 proyectos multidisciplinares: «Desierta Fanzine» y «Foto Acción Almería». Programa paralelo y enlaces de interés.

Charles Bignon, en Desierta Fanzine

En esta tercera parte del post sobre «Almerías. Fotoensayo sobre la sociedad almeriense», a parte de explicar los dos proyectos multidisciplinares que acompañaban a la muestra, recojo el seguimiento en redes y difusión de la exposición. (enlaces para veáis la repercusión y distintas ramificaciones de la muestra a modo de contenidos transmedia 😉

Dentro de la muestra, en las dos salas principales de CAF, en la segunda planta se expone también la interesantísima Revista «Desierta Fanzine»,que cuenta hasta ahora con 2 números: «Almería plastificada” y “Medianerías” y que como indicaban sus responsables, salió a la luz en 2015 (impulsada desde verkami también) como una revista-objeto que nace “de la necesidad de dialogar con los temas más “peliagudos” de nuestra sociedad (…) unión y encuentro entre artistas comprometidos con un arte más social”  y que se centra precisamente en las temáticas que se abordan en los proyectos de fotoensayo de «Almerías».

Estela García (fotógrafa), Nagore Adrados (diseñadora gráfica) y Juan Prohibido (diseñador textil) dirigieron este proyecto que nació entorno de la Asociación Sociocultural “La Guajira” junto a un nutrido grupo de artistas, entre los que destacamos el trabajo fotográfico “Plastic Remixes” de Charles Bignon, una instalación pictórica, inmortalizada a través de la fotografía, acerca de la situación de los trabajadores de los invernaderos, y “Medianerías” de Carlos de Paz, que realiza, de una manera sencilla y a la vez poética, una interpretación propia del urbanismo almeriense a través de sus medianeras.

Portada de la revista-objeto Desierta Fanzine. imagen en Twitter de Desierta fanzine, por @juanmagilagil, día de la presentación.

A este trabajo se ha añadido un video-poema creado por Julio Béjar, a partir de su libro “Manual de uso para mudanzas”, realizado por Daniel Ortega y con música y baile de  Chencho Nzo y Leticia Valle.

Sobre qué se mostraba y cómo se pergeñó el proyecto plastificado de la revista, Estela García nos contó, en la segunda mesa redonda del pasado Diciembre, todo el proceso para utilizar (reutilizar más bien) el plástico de invernadero en el diseño, publicación y trajes. Decidieron usar el de una planta de reciclaje de Almería, y descubrieron que sólo hay unas 4 para toda la provincia, algo que evidencia el escaso interés, cuando menos, de los responsables del reciclado de estos materiales, que si no se recogen y llevan a las plantas, no se puede reciclar, y por tanto serán algo degradante para el medio, nuestro costa, de forma inmediata, y el Mediterráneo a lo largo de los años, a donde llegará irremediablemente porque incluso los plásticos de las plantas de reciclaje están medio sueltos, a merced del viento… -esto da para un post y varios seguidos…, la reutilización/ reciclaje, y la responsabilidad de todos los agentes que intervienen en el uso y desuso de los pvc, eva, pc., etc., en general…-

Imágenes del proceso con los plásticos reciclados para la revista plastaificada Desierta fanzine, Fotografías de Estela García

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Por otra parte, «Foto Acción Almería» se pudo disfrutar  hasta el día 9 de Diciembre en la Sala Jorge Rueda. Esta exposición paralela dentro de «Almerías» es un proyecto muy especial para la comisaria, porque se trata de un trabajo casi diario, de largo recorrido, que surgió en 2015 como actividad de aula en su faceta didáctica. Durante tres cursos, ha ido planteado a su alumnado de la asignatura Teoría Fotográfica de la Escuela de Artes de Almería, investigaciones acerca del proceso de gentrificación de barrios almerienses del Casco Histórico, todo ello para afrontar de forma pedagógica la importancia de narrar o comunicar ideas con imágenes, como en el fotoensayo. Su temática se imbricaba totalmente con la de «Almerías», y teje un discurso propio, pero también muy diverso (trabajos en equipo dentro del alumnado de cada curso), sobre la marginalidad de los barrios históricos, sus viviendas, sus habitantes y sus formas de vida.

Esta muestra en el CAF ha contado con las fotografías de Alba Asensio, Alejandra Garcia, Chema López, Mª Mar López, Leonor Garcia, Laura Rodríguez, Mª Ángeles Salmerón, Marta Sánchez, Pablo Pérez, Sara Martínez, Rocío Resina, Jaime Sánchez, Jose Álvarez, Erika Asensio, Francisco Arjona, Rosa Cid, Julia Caparros y Elena Pedrosa,  bajo la coordinación de los profesores Elena Pedrosa, Eduardo Maldonado y José Manuel Beltrán.

En el vídeo documentalque acompaña la exposición interdisciplinar, participan, además, Lucía Andújar, Patricia Gómez, Francisco Gómez, Mary Lao, Melany Parra, Emilia Rodríguez, Fran Villadóniga y Elena Yebra. Y cuenta con la colaboración del dúo musical Sefronia, formado por Antonio Luis Guillén y Angelina Olea. La exposición estaba producida con la colaboración de Jose A. Miranda y Ediciones Fantasma.

Póster de la exposición Foto Acción Almería.

Podéis contemplar «Foto Acción Almería» en Vimeo y en youtube  aunque ya no esté en sala.

Otras actividades en torno a «Almerías, Fotoensayos sobre la sociedad almeriense»:

Además de los 15 fotoensayos (proyectos fotográficos personales) y de estos dos proyectos multidisciplinares explicados arriba, «Almerías» ha contado con un gran despliegue de programa paralelo, con la proyección sobre las fotografías de los vecinos del centro histórico en el exterior, sobre el muro del CAF y desde su plaza Manuel Falces, así como se proyectó durante semanas el vídeo con las imágenes de la exposición «Almerías. Fotoensayos sobre la sociedad almeriense» elaborado por Fabiola Muñoz, con la música de Francisco Villalobos Santos y Mario Padilla Molina (actualmente disponible para su visionado en la planta segunda); un programa de debates con 3 mesas redondas (que muestro en la imagen más abajo), y otros eventos (musicales y artísticos) pensados para dinamizar estos casi tres meses de muestra. Algo que esperamos que se repita, y que hemos agradecido enormemente los y las amantes de la fotografía y el compromiso social, donde el debate y la apertura de mente debe, creo, estar siempre presente.

-La tercera mesa redonda, dentro del ciclo de debates, aun está por llegar, y será el 17 de Enero, a las 19h, en la sede del CAF. Esperemos que haya una asistencia considerable, pues la temática lo merece.

Breve Bio de l@s 15 artistas participantes:

Chema López (José María López López, Almería, 1995), apasionado de la comunicación visual y actualmente orientado a la fotografía de moda y diseñador gráfico, pero especializado en el documentalismo gráfico en el entorno urbano, no discrimina entre la fotografía de calle de los barrios más humildes hasta entornos de movimiento constante entre las culturas urbanas de la actualidad colaborando de manera activa con el Colectivo Kraneal.

Carlos de Paz. Fotógrafo profesional desde 1977, durante 50 años ha mantenido la actividad creativa en paralelo a su trayectoria profesional, realizando exposiciones individuales y colectivas. Inicialmente se especializó en Fotografía de Espectáculos, publicó numerosos reportajes de Danza, Teatro y Conciertos. De origen madrileño y afincado en Almería desde 1992, en 2007 crea el laboratorio fotográfico digital “Taller al Sur” y realiza trabajos editoriales y expositivos para empresas e instituciones. La mirada humanista, social y metafórica de Carlos viene a oxigenar con sus proyectos personales su experiencia profesional en retrato editorial, moda y publicidad.

Rodrigo Valero. Natural de Grenoble (Francia), es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla en la especialidad de diseño gráfico y profesor de Dibujo. Ha dirigido diversos Cursos y Certámenes Nacionales de Escultura. Ha desarrollado su labor artística en diferentes direcciones: pintura, escultura, fotografía, video-creación. Ha expuesto tanto en el territorio nacional como internacionalmente. Tiene en su haber varias esculturas monumentales en diversos espacios públicos y privados. También ha disfrutado de varios reconocimientos entre selecciones y premios artísticos. Ha Publicado varios libros fotográficos.

Estela García. Fotógrafa y directora de arte, especializada en desnudo y técnicas antiguas, ha trabajado y se ha formado entre Barcelona y Almería, participando en numerosas exposiciones de nivel nacional e internacional.

Raquel Rodríguez es almeriense, fotógrafa y diseñadora gráfica. Profesional desde los años noventa, ha realizado diversas exposiciones individuales y colectivas  como fotógrafa artística. María Isabel Muñoz, diseñadora gráfica nacida en Sierro, ha desarrollado gran parte de su trabajo profesional en Almería, dedicándose al Diseño gráfico publicitario, diseño editorial, cartelería e imagen corporativa. Ha realizado diversas exposiciones individuales y colectivas como ilustradora.

Oliver Mairinger. «Como en busca de un exilio, Oliver deja Austria en su adolescencia para emprender un viaje hacia aquello que le apasiona, el mar y la libertad. Años después ingresa en la Escuela de Arte de Almería donde dará rienda suelta y expresará sus convicciones. Sus trabajos son fieles y están altamente relacionados con su forma de pensar y de vivir. Cada obra deja un poso latente, anhelos de un romántico enmascarado.” (texto de bio de Diego de Haro)

Ana Cayuela (Almería. 1991). Como expresión primaria: la pintura y como sueño futuro la arquitectura. Cursa el bachillerato tecnológico, aunque su vocación creativa le guía hasta facultad de Bellas Artes en Granada (2009). Más tarde, una beca le permite estudiar en la prestigiosa Bauhaus Universität-Weimar, Alemania (2011 – 2014).

Lucas Gómez es Licenciado en Bellas Artes en la especialidad de pintura por la Universidad de Granada. Ha recibido numerosos premios, entre los que se encuentran el Primer Premio Unicaja de Fotografía y el premio RTVA al mejor vídeo andaluz. Profesor de Medios Audiovisuales en Escuelas de Arte, actualmente reside en Sevilla, aunque su origen está en Almería. Su trabajo fotográfico, compuesto a modo de polípticos narrativos, tiene mucho que ver con esta manera de mirar cinematográfica.

Antonio Jesús García (Che). (Almería,1964). Es Profesor de Fotografía en la Escuela de Arte de Almería desde 1990. Ha impartido seminarios sobre cómics y fotografía en entidades como el Centro Andaluz de la Fotografía, la Universidad de Almería o la Escuela de Arte de Sevilla. Colaborador fotográfico en diversas publicaciones,  es  columnista cultural en La Voz de Almería. Entre sus exposiciones, destacar Calles, televisores y un Cadillac en la galería Utopia ParkWay dentro del festival internacional Photoespaña 02, y en 2003 su participación en la exposición y libro homenaje a Rafael Alberti Nueve Fotógrafos, producida por el Centro Andaluz de la Fotografía. Su última exposición individual ha sido Danzad, Danzad, Malditos en la Galería Meca.

Marina del Mar. (Almería, 1963). Fotoperiodista de 1988 a 2008, ha trabajado para los diarios Ideal, El Mundo, El Correo Vasco, El País y el Periódico de Cataluña. Incluida en el «Diccionario de Fotógrafos Españoles”, galardonada con el Premio de Reportaje Fujifilm o el Premio de Fotografía Social Carlos Pérez Siquier, entre otros, Marina ha impartido talleres de fotografía documental en La Casa Encendida en Madrid, en el Instituto Cervantes de Rabat, en el Centro Andaluz de la Fotografía, la Universidad de Almería y el colectivo Foto-Genias.  Sus proyectos “Cocktail”, “Great People” y “La Chanca” se han expuesto, entre otros, en el festival internacional “Encontros da Imagen” de Braga, Portugal, en los años 2000 y 2001. Su trabajo «La Chanca» forma parte de la Colección de Alcobendas.

Dory Hernández y Eduardo Maldonado. Eduardo es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada y docente de Fotografía en la Escuela de Arte de Almería y Dory es fotógrafa, Graduada Superior en Fotografía Artística por la Escuela de Arte y cofundadora de “Blow Up”, empresa de creación de imágenes especializada en reportaje social.

Gabriel Martínez López. (Alhama de Almería, 1965) Fotógrafo autodidacta desde hace casi 30 años, ha realizado fotografía documental y de autor, reportajes y publicidad. Ha sido docente de fotografía en Escuelas de Adultos y ha impartido talleres de fotografía de la mano de diversas agrupaciones fotográficas. Igualmente ha sido ponente y conferenciante en diferentes ciudades, en institutos, Escuelas de Arte y Universidad. Participante en numerosas exposiciones colectivas, ha publicado en prensa y revistas especializadas en fotografía . Continúa trabajando tanto fotografía digital como analógica y en 2016 publica Diario de un currela con un móvil que hace fotos en la editorial Cirkadian, del colectivo 2pájaros.

Mariquina Ramos. Licenciada en Bellas Artes especializada en Pintura por la Facultad Alonso Cano de Granada, Mariquina Ramos es Técnico Superior en Fotografía Artística por la Escuela de Arte de Almería y Magister en EFTI, actualmente imparte clases de Pintura y es coordinadora y comisaria de los espacios expositivos del Ayuntamiento de Roquetas de Mar. Ha obtenido varias becas y premios de Pintura y realizado diversas exposiciones colectivas e individuales.

Laura Brinkmann Reimann. (Málaga, 1977) Es licenciada en Psicología por la Universidad de Granada y en Comunicación Visual, especialidad Fotografía, por la Universidad de Bellas Artes de Hamburgo. En 2007 obtiene el primer premio en Málaga Crea y una Ayuda Iniciarte a la producción. Ha expuesto individualmente en el CCP de Málaga con “Volutas” en el 2008 , en la Galería Evelyn Botella durante Photoespaña con ” Cosecha amarga” en el 2009 y en la Galería JM con “ La luz también se pudre” en el 2014, entre otras muestras. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas, entre las que se destacan “Neighbours III” en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (2015), o “Videoperformance 02” en el Museo de arte contemporáneo de Taipei. También ha participado en ferias de arte, tales como Estampa con la Fundación Málaga en el 2011, Bienal de Jóvenes Creadores en Skopje en el 2009, Feria de arte de Lisboa y Artesantander con la galería Casaborne en el 2008. Tiene obra en las colecciones del CAC Málaga y la Diputación de Málaga.

Pablo Vara. Fotógrafo eminentemente analógico, ha experimentado también con el vídeo digital, “creando obras que ahondasen en la retórica de dicho medio y buscando imágenes que recreasen sensaciones plásticas aún siendo meramente visuales.” Dice Pablo de sí mismo: “Como persona, pero sobre todo como artista, pienso que es mi deber tener un acercamiento crítico a la realidad, empezando por los medios que uso para expresarme. Mi discurso es el resultado de una infinidad de preguntas, no sólo sobre mis sentimientos y pensamientos, sino también sobre la fotografía y la experiencia que tenemos de ella.” Licenciado en Bellas Artes en la especialidad de Imagen por la Universidad de Barcelona, actualmente cursa el ciclo superior de Cerámica Artística en la Escuela de Arte de Almería. Recibe la beca Independiente Librería Spagnola de Roma (2011-2013) y la beca de Residencia en la Fundación Antonio Gala de Córdoba (2008-2009). Participa en numerosas exposiciones colectivas entre las que destaca la muestra “Un cierto panorama. Reciente fotografía de autor en España” comisariada por Jesús Micó (Centro Andaluz de la Fotografía, 2018) e individuales,  entre las que destaca “La última piedra” en el Instituto Cervantes de Roma (2014).

Enlaces sobre «Almerías. Fotoensayos sobre la socedad almeriense»:

– Enlace a la exposición en la Web del CAF

– Grabación de entrevista sobre la exposición:  Audio en “La hora de Almería” de Canal Sur Radio

– Visita guiada de la comisaria, Elena Pedrosa, en el CAF.  grabada por Clavoardiendo (una excelente «revista digital dedicada a aquellos que aman la fotografía»)

– Información sobre la exposición desde el blog de su comisaria, Elena Pedrosa: https://mirandohaciaafuera.com

–Imágenes de cada uno de los fotoensayos (selección de promoción) en blog de Elena Pedrosa.